艺术实践与欣赏

艺术实践与欣赏（精选十篇）

艺术实践与欣赏 篇1

大自然的造物竟是如此神奇!

于是, 我不满足于美术字、书法、线条、色彩的一般教学内容, 决定用这块奇石为教具, 以《华阳藤韵》为课题, 给扶贫校学生上一堂奇石欣赏启蒙课, 教育学生亲近自然, 欣赏自然, 在与自然中的接触中发现、挖掘自然的艺术之美, 以陶冶情操、健全人格, 发展智力、培养创造性思维。

课前, 我仔细进行了教学设计和准备。

课堂上, 我首先从《华阳藤韵》的石形、石质、石色、石面、石图、以及石神、石韵、石趣等多方面, 多角度, 多层次对奇石进行较为全面的介绍、解读、和感悟, 以丰富学生的赏石知识, 启发学生发现美的敏锐性。其次, 我将事先择定好的几块奇石分组交换展示, 要求学生依据奇石的“形, 质, 色, 纹, 意、韵”尽情地展开想象翅膀, 试着完成由虚到实、由表到本、由简到繁、由形到神、由意到韵、由妙到玄的抽象艺术升华。最后我告诉学生, 提高赏石水平要有文化作基础, 努力学好各门知识就是打造自己扎实的赏石基础。基础好, 悟性就高, 空间就宽, 发现就广, 就能在奇石世界里飞得更高, 看得更远。

我认为, 奇石可遇不可求, 尤其是对孩子的启蒙教育。奇石欣赏的目的主要放在引导学生热爱自然, 在亲近自然过程中认识自然之美 (当然也不要因为无知错过机遇) 。基于这一启蒙理念, 这堂课我给学生布置的课后作业只是:到沙滩找上几个你喜欢的河卵石, 仔细阅读它的形状, 并用所学绘画技能作画, 认知“应物象形”技法。后来, 孩子们都在自己选择的河卵石上, 依其形状彩画上各种图画, 有花草, 有人物 (诸如孙悟空、唐僧、猪八戒、沙和尚的头像) , 更多的是动物 (诸如牛、鹿、蛇、鸭、兔、老鼠、蜗牛、猫头鹰等) 。

在同学相互欣赏、辅导老师选择点评的交流课堂上, 孩子们脸上写满了欣喜和满足的表情。显然, 教学的整个过程是很愉快的, 《华阳藤韵》的奇石感染力显而易见, 孩子们的艺术想象力是十分丰富的。我相信, 艺术的魅力是强烈的, 是永久的……

在艺术扶贫的进程中, 我的教学总是试图以亲近自然为视角, 以本地资源为题材, 用手中的彩笔, 身边的景物, 一步一脚引导学生欣赏自然、透视自然、表达自然, 一点一滴感知美术、认知美术、创作美术。这是艺术扶贫活动给我带来的启迪和心境。

(二) 加强非物质文化遗产保护工作队伍的建设。

进一步加大专业人员的培训力度。继续做好非物质文化遗产普查及保护培训工作, 使更多的人了解, 参与非物质文化遗产的挖掘和保护工作。

(三) 加强对非物质文化遗产项目代表性传承人的扶持。

传承人是非物质文化遗产最重要的活态载体。对掌握特殊传统技艺的非物质文化遗产项目的代表性传承人, 要保证传承人能够有效地实施传承活动。通过组织开展研讨、展示、宣传、交流合作及提供其他帮助, 有计划地征集并保管各级代表传承人的代表作品, 建立代表性传承人的档案, 给传承人提供一个非常有利于生存和传承的环境条件。通过发掘、培育、扶持等有力措施, 对具有一技之长的民间艺术传承人, 尽力保护, 鼓励民间艺人带徒授艺,

几年来的艺术扶贫活动, 我感触甚多, 感悟甚深。

以“关注农村、关注教育、关注贫困”为主题的艺术扶贫工程, 把我和县文化馆的同事们带进了艺术教育贫乏的农村中小学。我深知贫穷与文化有关, 和贫困的学生在一起, 我逐步认识到现在学校的贫困生, 需要的不再是温饱意义上的帮助, 他们要的是精神层面的照亮。

然而, 农村艺术教育的相当贫乏。农村中小学校艺术教育历来比较薄弱, 课程属于副科, 位置相当次要, 副科经常还要让位主科。农村艺术教育师资匮乏, 课程一般由主科老师兼仼;农村教师身兼数门学科教学, 艺术教育作为兼仼课程, 农村教师难有精力、也难以用专业状态投入, 以致于使许多孩子对手中的美术、音乐課本认知肤浅;再加上艺术教育设施设备短缺, 也就难以深化孩子们的美术线条、音乐符号、舞步舞姿了。

农村贫困孩子对艺术教育的渴望心境, 只能茫然。虽然城里在寒暑假办起了许多美术、音乐、舞蹈培训班, 可那都是营利性的, 只能满足几个有钱家庭的孩子。大多数贫困家庭的孩子, 他们不仅交不起培训费, 进城食宿也是一大问题。艺术培训的招生广告比比皆是, 农村贫困生的艺术兴趣、潜能或天赋在这些招生广告面前, 简直是头顶上的一盆冷水, 进而生成心境上的一种无奈和压抑。

艺术扶贫工程让更多的山里孩子接受艺术的熏陶, 不愧是扶贫工程的一项明智之举。它贯彻落实了科学发展观中统筹城乡发展观, 即统筹城乡文化发展。艺术扶贫工程的和畅惠风, 敦促各县文化馆各类专业人员走进当地农村中小学校, 向贫困孩子们打开了艺术教育大门, 激活他们艺术兴趣、潜能和天赋, 使他们欢天喜地、满怀激情地走进了美育世界。而且, 文化馆各类专业人员在填补农村艺术教育贫乏的同一过程中, 不仅拓宽了视野, 发挥了专长, 施展了才干, 而且扩充了舞台, 服务了社会, 升华了境界。

艺术扶贫工程不仅为新农村文化建设写下了浓墨重彩的新篇章, 而且推动了文化馆事业的发展, 在公共文化服务体系中形成了多赢的局面。我对自己所拥有的一点艺术知识和技能能够给贫困孩子带去乐趣和慰藉感到愉悦, 也拥有一种从未有过的成就感和责任感。我乐于在农村这块艺术教育贫瘠的土地上, 不断播撒美的种子, 不断生成我的新的艺术扶贫教学课题。

加强中青年艺术骨干的培养, 使民族民间艺术绝技后继有人、代代相传。

(四) 加强陈列展示。

通过近年来的非物质文化遗产保护工作实践, 我们发掘到不少具有历史、艺术、科学研究价值的民族民间工艺品, 要充分利用市、县 (区) 现有的非遗展室, 用以陈列、展示固原市非物质文化遗产普查中获得的大量实物、文字和影像资料, 并将其打造成为全市精神文化产品新的服务平台, 以不断满足人民日益增长的精神文化需要。

作者简介:

艺术欣赏实践报告 篇2

University

主题：艺术欣赏实践报告

姓名：陈江涛

班级：机械八班

学号：2016330300229

艺术欣赏论文

摘 要：艺术欣赏的定义包括人们的感官接触到艺术作品产生审美愉悦：是对艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再创造等综合心理活动，是人们以艺术形象为对象的通过艺术作品获得精神满足和精神愉悦的审美活动。关键词：刘 墉、唐 大 康、绘 画、书 法、雕 塑

一、简介 1.绘画

绘画（Painting）在技术层面上，是一个以表面作为支撑面，再在其之上加上颜色的做法，那些表面可以是纸张或布，加颜色的工具可以通过画笔、也可以通过刷子、海绵或是布条等。在艺术用语的层面上，绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。绘画在美术中占大部分。一般认为，从古埃及和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲力中心的西方绘画，是世界上的两大绘画体系。这两大绘画体系在历史上互有影响，对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度，它既可以表现现实的空间世界，也可以表现超时空的想象世界，画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解，因为绘画是可视的静态艺术，可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验，所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。

绘画类型有油画、版画、水粉画、壁画、漫画、工笔画、写意画、抽象画、青绿山水画、水墨山水画、白描画、指画、界画、内画、素描。

2.书法

书法是中国及深受中国文化影响过的周边国家和地区特有的一种文字美的艺术表现形式。包括汉字书法、蒙古文书法、阿拉伯书法和英文书法等。其“中国书法”，是中国汉字特有的一种传统艺术。从广义讲，书法是指文字符号的书写法则。换言之，书法是指按照文字特点及其含义，以其书体笔法、结构和章法书写，使之成为富有美感的艺术作品。汉字书法为汉族独创的表现艺术，被誉为：无言的诗，无行的舞；无图的画，无声的乐等。

中国的书法艺术开始于汉字的产生阶段，“声不能传于异地，留于异时，于是乎文字生。文字者，所以为意与声之迹。”（语出《书林藻鉴》，马宗霍辑）因此，产生了文字。书法艺术的第一批作品不是文字，而是一些刻画符号——象形文字或图画文字。中国书法历史悠久，书体沿革流变，书法艺术异采迷人。从甲骨文、金文演变而为大篆、小篆、隶书，至东汉、魏、晋的草书、楷书、行书诸体，书法一直散发着独特的艺术魅力。从象形文字到甲骨文，商周、春秋还有汉代的简帛朱墨手迹，唐楷的法度，宋人尚意，元明尚态，清代的碑帖之争等书法演进。五种书体：篆书、隶书、楷书、行书、草书。载体类别：甲骨文、金文、石刻文、拓片，帖、简帛。历代名家：李斯、钟繇、张芝、卫夫人、王羲之、王献之、欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷、颜真卿、柳公权、张旭、怀素、苏轼、黄庭坚、米芾 蔡襄、赵佶、赵孟頫、鲜于枢、董其昌、刘墉、吴昌硕、林散之、启功、赵朴初、李志敏。

3.雕塑

雕塑，指为美化城市或用于纪念意义而雕刻塑造、具有一定寓意、象征或象形的观赏物和纪念物。雕塑是造型艺术的一种。

又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙、铝、玻璃钢、砂岩、铜等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。通过雕、刻减少可雕性物质材料，塑则通过堆增可塑物质性材料来达到艺术创造的目的。

雕塑的产生和发展与人类的生产活动紧密相关，同时又受到各个时代宗教、哲学等社会意识形态的直接影响。在人类还处于旧石器时代时，就出现了原始石雕、骨雕等。雕塑是一种相对永久性的艺术，传统的观念认为雕塑是静态的、可视的、可触的三维物体，通过雕塑诉诸视觉的空间形象来反映现实，因而被认为是最典型的造型艺术、静态艺术和空间艺术。

雕塑的形式有：基本样式、圆雕、浮雕、透雕。功能分为：纪念性雕塑、主题性雕塑、装饰性雕塑、功能性雕塑、架上雕塑。材料包括：花岗岩、大理石、砂岩、锻铜、铸铜、不锈钢、玻璃钢、泥塑、面塑。工具又有：雕塑刀、石雕凿 石雕锤、木雕刀、弓把、比例弓把、点型仪。

二、经典作品赏析 1.绘画

1.《三王来拜》 贝诺佐·戈佐利（意大利）1459-1461 耶稣降生后，东方三个国家的国王看到天空有巨星高照，就特地来耶路撒冷行礼朝拜。历史上以三王来拜为名的画不计其数，但表达的意思都是这个，宗教意味较浓。

2.《维纳斯的诞生》 桑德罗·波提切利（意大利）1487 画面上人物的体态和衣纹表现十分出色，人物与自然背景也达到巧妙的和谐统一。维纳斯是那样无动于衷地以羞怯和幽怨的感情在对待一切，她对于生活的未来不是充满乐观的信心，而是感到惆怅和迷惑，这也是波提切利矛盾世界观的反映。

3.《岩间圣母》 列奥纳多·达·芬奇（意大利）1483-1490 画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来。奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草竟能辨别出鸢尾花，银莲花，紫罗兰和一些蕨类植物。年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子伸过去。天使面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。

2.书法

1.《兰亭集序》 王羲之

全文28行、324字，通篇遒媚飘逸，字字精妙，点画犹如舞蹈，有如神人相助而成，被历代书界奉为极品。宋代书法大家米芾称其为“中国行书第一帖”。后世但凡学习行书之人，都会倾心于兰亭不能自拔。《兰亭序》洋洋洒洒跳舞一般的笔法真是让吾等后辈习书者望而生叹，赞叹于王羲之出神入化的书法技艺，赞叹于王羲之如水般流畅的文采。2.《多宝塔碑》 颜真卿

此碑是颜真卿44岁时书，直接二王、欧、虞、褚余风，而又与唐人写经有明显的相似之处。整篇结构严密，点画圆整，秀丽刚劲，虽尚未形成刚劲雄强、沉雄浑厚、大气磅礴的颜楷风格，但此碑已奠定了颜真卿书风的基本格调，它是留传下来的颜书中最早的楷书作品，结构平稳端正，严谨庄重，是唐代“尚法”的代表碑刻之一，学颜体者多从此碑下手，入其堂奥。3.《自叙帖》 怀素

用细笔劲毫写大字，笔画圆转遒逸，如曲折盘绕的钢索，收笔出锋，锐利如钩斫，所谓‘铁画银钩’也。全卷强调连绵草势，运笔上下翻转，忽左忽右，起伏摆荡，其中有疾有速，有轻有重，像是节奏分明的音乐旋律，极富动感。此外也有点画分散者，则强调笔断意连，生生不息的笔势，笔锋回护钩挑，一字、一行，以至数行之间，点画互相呼应。通幅于规矩法度中，奇踪变化，神采动荡，实为草书艺术的极致表现。

3.雕塑

1.《掷铁饼者》

（作者：米隆）

原作已佚，现为复制品。雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象，这正是古典主义风格所追求的。2.《大卫》

（作者：米开朗基罗）

这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。米开朗基罗在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。3.《断臂的维纳斯》

从雕像被发现的第一天起，就被公认为是迄今为止希腊女性雕像中最美的一尊。这尊雕像还是卢浮宫的三大镇馆之宝。

艺术形式与艺术欣赏 篇3

我们先来看一幅佩鲁吉诺（1446-1523）的画《圣母出现在圣伯纳尔面前》，看它想表达什么。图中哪个人物是十二世纪了不起的僧侣作家圣伯纳尔？根据圣像绘制的传统，一般说来，圣母的服装大都画为红色、蓝黑色或者更加鲜明的蓝色。这幅画也是如此。而伯纳尔则用白色服装标识。这种标志性的图像和色彩组成了宗教绘画的最基本要素，一旦我们辨认出它们，我们就能更进一步地去讨论它们的意义。

伯纳尔在十二世纪的圣母崇拜当中起过非常重要的作用。除了某种宗教教义，就个人力量推动这种崇拜而言，伯纳尔占据着首位。因为他把《圣经》中《雅歌》里的新娘解释成圣母，使《雅歌》成了歌颂圣母的最重要诗篇，所以让伯纳尔和圣母在一起的题材也流行起来。

再看一幅鲁本斯（1577-1640）的《加冕的圣母、圣婴及其圣徒》。这幅作品构图奇特，圣母的服装颜色与佩鲁吉诺的作品相同，画的主要内容是天使给圣母加冕。但它把这一常见的题材与另外一类源于十五世纪的圣母、圣子和圣徒在一起的圣谈画（sacra conversazione）结合了起来。我们读解宗教画的意义，要求懂得一些基本的规矩，这些规矩往往由图像志来决定，如同佛教画里的情形，这是看画的第一步。现在我们看到的这两幅作品，题材都是圣母的故事。

接下来讲看画的第二步：画的形式。美院师生在一起讨论画作、分析形式，常用的是沃尔夫林（1864-1945）提出的五对概念，它们是：线描和涂绘、平面和纵深、封闭形式和开放形式、多样性和统一性以及明晰和朦胧。

先看第一对线描和涂绘。所谓线描就是要求图像的轮廓要像石块一样清晰，佩鲁吉诺就是这样，它用线条塑造的人物给人一种浮雕的感觉。对比一下，鲁本斯的画就很难用线将人物与人物分别出来，因为他们互相融在一起，在特定光线的照射下，连阴影也随着形象活动。佩鲁吉诺的画使用静静的散光，而鲁本斯用的是流动的强光，这样一来线条就被模糊掉了。两幅画的制作时间相差一百多年。前一幅是古典主义，画于十六世纪，约一五一三年；后一幅是巴洛克风格，画于十七世紀，约一六二七年。这里用的是第一对概念。

接下来再看《圣母出现在圣伯纳尔面前》中的桌子和建筑，尽管它们运用了透视法，有立体感，可是从图案或设计的角度看，却是平面的，它们通过直线和弧线的对比，在平面上形成了和谐的构图。画面上的六个人物也是站在一条线上。从空间上看，前景是圣母和伯纳尔，中景是后面站着的四个人物，再往后我们看到了建筑，通过门洞还看到远方的景色。平面之间的层次很清楚。但鲁本斯的画，不是平面的组合，而是强烈的对角线和对角线的反射。可以说，平面的组合给佩鲁吉诺的画一种宁静的感觉，对角线则使鲁本斯获得了运动，而且动势非常强烈。对角线构成的运动也是巴洛克绘画中的常用手法。这里我们看到了第二对概念：平面和纵深。

我们再看第三对概念，在《圣母出现在圣伯纳尔面前》中，平行线和纵线把画封闭了起来，构成了所谓的封闭形式。我们看两边的柱子和家具，平行线不论横竖都和画框一致。可是在鲁本斯的画中，奔涌不息的形象一直将人们的目光引向画外，宝座的弧线和上方两角的弧线呼应，但它们并没有封闭画面，反而是把视线也引向画外，加强了画框随时都会被冲破的感觉。这就是封闭形式和开放形式的对比。

第四对概念是统一性和多样性。《圣母出现在圣伯纳尔面前》中左边的三个人组成一组，右边的三个人组成一组，其中圣母和伯纳尔各自都有独立性，两组人物和桌子组成了一个画面。因为我们可以一部分、一部分地来看这些组合，所以我们说它是多样的。这对概念的另外一端是统一性，鲁本斯的画虽是由一组一组的人物组成，但是它们的连贯性非常强，一组向另一组融人，连成一道运动的人流，所以说它是统一的。

最后一对概念一明晰和朦胧。《圣母出现在圣伯纳尔面前》的画面明晰，给人一种浮雕的感觉；而《加冕的圣母、圣婴及其圣徒》的画面是朦胧的，给人一种掩映的感觉。这似乎一望即知，无须再赘言。

以上就是沃尔夫林的形式分析法，但他非常智慧，他不只用五对概念分析绘画，而且还分析雕塑、建筑。所以，读他的《美术史的基本概念》，我们会为他的分析所折服，有时不禁击节赞叹。这本书在西方是学美术史的学生的必读书，它的方法给我们分析画面提供了有效的工具，到现在为止还没有其他方法可以代替，影响之大，罕有匹敌。

那么这本充满智慧的书有没有什么问题？

还是让我们先看一幅画，看看众所周知的莫奈的《日出·印象》。印象主义的名称即来自此画。印象主义的目标之一是画外光。那时已有了画外光的条件，锡管颜料的出现，摆脱了研磨颜料的工作，使画家可以到外面去捕捉外光。如果我们用沃尔夫林的线描概念来看待印象派对外光的表现，显然行不通。再想想莫奈的系列画《鲁昂大教堂》就更一目了然，那套系列画的是不同时间下阳光的“闪烁”，它们根本不是在线描和涂绘两种方式之间作选择。实际上，线描在这里完全派不上用场。这是第一个问题。

第二个问题是，我们根据历史顺序先看到的是线描的风格，接着才看到涂绘的画作。如果我们将两者进行对比，就无意中引入了一种预设：佩鲁吉诺之所以用线描是因为他排斥用涂绘这种手段。沃尔夫林的分析容易给人这样的引导。可是佩鲁吉诺在作画时，涂绘手段还没有出现，所以他不可能排斥他没有亲眼见过的东西。沃尔夫林的两分法还让我们觉得历史已然设定：线描必然要过渡到涂绘。这就隐含了一个决定论的倾向，好像绘画必然是这样发展过来的。我们可以静心想一想，这种可能性是否存在？

第三个问题，我们现在谈的这“五对概念”，不管是平面的绘画还是立体的雕塑或者建筑，都一直没有离开构图这一概念。但文艺复兴时期一些艺术家所写的书，我们举影响最大的几位，例如，阿尔贝蒂（1404-1472），文艺复兴时期的理论之父，他写的《绘画论》根本不谈构图，而是用大量笔墨谈论透视。透视虽然也用作构图的一种手段，但透视是寻求逼真，是画下我们在现实中由固定的一个点看到的场面，以便捕捉住生动的真实景象。又比如我们读莱奥纳尔多·达·芬奇的笔记，可以看到它密密麻麻地写满了对自然的观察，可它却从来不谈构图；德国画家丢勒留给我们的著作，也同样不谈构图。

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再看他们对创作的想法。米开朗琪罗通过他的诗歌告诉我们，他所寻求的形象就隐藏在大理石中，他的任务就是把大理石覆盖的表面凿去，把里面的形象揭示出来。为什么形象是隐藏在大理石中？因为他有一个观念，就是柏拉图提出的“idea”，我们不妨把它翻译成“理念”。他觉得雕塑家的任务就是敲去石头表面，把理念揭示出来。

拉斐尔画过一幅画叫《该拉忒亚》，曾赢得了一片赞扬，说它很美，因此值得细细观赏。画的正中间是一位水仙女，名叫该拉忒亚，旁边是一些嬉戏的海神，情节取自于《变形记》：水仙女该拉忒亚爱上了一个人，可有一个独眼巨人爱上了她。于是，独眼巨人向她唱情歌，但受到了她的嘲笑。这幅画是为一个富有的银行家画的壁画，尺寸不大，画中只有仙女和海神以及上面的天使，没有画出独眼巨人。如果从图像学来解释，它有两层含义：一层是美丽的仙女代表的圣爱；另外一层是海神们的嬉戏，有肉欲的倾向，代表了俗爱。圣爱和俗爱是研究文艺复兴时期的图像学经常讨论的题目。

在这幅画中，水仙女该拉忒亚居于当中，嬉戏的海神和天使环绕着这位中心人物。从构图的角度看，它给人一种旋转的感觉。环绕着水仙女的每个人物，他们的姿态几乎都能找到相反的对应，而且这种回旋式的感觉在中心人物的身上也全得到了体现：海豚拉着的车向一个方向前行，披风向另一个方向飘动；由于水仙女身体的扭动，旋转式也在她身上得到了呼应。这幅画体现了古典完美的构图，讲构图时经常被当作样板。

很幸运的是，我们还有作者本人对这幅画的谈论，拉斐尔给他的朋友巴尔达萨雷·卡斯蒂廖内（Baldassare Castiglione）的信中写道：

至于《该拉忒亚》，如果爵爷您写给我的许多夸奖之词，仅有一半我可以受之无愧，我也会以为自己是了不起的大师。但无论如何，您的言词是对我的厚爱，因此我要说，为了画一个美女，我必须看到几个美女，条件永远是我在选择时有爵爷您在我身边。可是由于既缺少有眼力的评判者，又缺少美女，我就利用进入我心灵的某种理念（idea）。它是否具有艺术上的完美，这我不清楚，不过，我努力予以实现。

这是拉斐尔留给我们的唯一一段关于艺术创作的话，我们看到，这幅画如此完美的構图，他却只字未提，只谈了他心里想表达什么。

他要表达他心中的理念，这个理念他到底通过什么方式努力予以实现，他却缄口不谈。但通过分析《该拉忒亚》，我想起了一个非常古老的观念，这个观念在谈论文学、艺术的书中早已惯见熟闻，就是有机统一或和谐整体的观念。变化的统一，多样的统一，是它的变体。这个观念很早就被用于绘画，例如十八世纪初德皮勒（1635-1709）就说过：一幅画的每个部分都要安排得特别合适，这还不够，所有的部分还必须相互协调，构成一个和谐的整体。

在谈这个观念之前，我们再看一幅拉斐尔的画《椅中的圣母》。这幅画的题材和鲁本斯的画比较接近。画中人物有圣母、圣婴和旁边的约翰。约翰带着十字架的标志。圣母、圣婴、圣约翰三人组成的画，也有人叫作圣家族，因为有一种说法，圣约翰和基督小时候见过面，由于在《圣经》里约翰主要是给基督施洗，所以这种题材在当时非常时兴。

拉斐尔的这幅画不同于上述的其他几幅，它是圆形画，从某种意义上说，它也体现了一种古典的完美观念。下面是一位了不起的人对它的解读。

这就是伟大的艺术史家、文化史家布克哈特（Jacob Burckhardt，1818-1897），他是沃尔夫林的老师。在一本科学史著作后面的参考书目部分写到，如果你研究文艺复兴，不论从哪一方面入手，读一读布克哈特的书总能从中获益，会学到一些知识，获得一点灵感。布克哈特是美术史家，但是他的著作是研究文艺复兴史的学者的必读书。他在晚年，想把美术史的知识向公众普及，在一次演讲中谈到了这幅画，他让我们的视线从画的中部即圣婴的肘部向四周移动，去欣赏那种妩媚的体态、迷人的服饰、自由流畅的线条以及一根精工雕成有恰当效果的椅柱。除了画上绝妙的中心人物以外，他还说，提到这些次要的东西不免让人觉得他是在卖弄，可实际上它们却是中心人物不可缺少的一部分，与中心人物构成了一个不可分解的整体。这是布克哈特对这幅画的评论。

还有一位撰写《圆形画》（Der Tondo）的权威豪普特曼（M.Hauptmann），对这幅画评论道：始于左上方的曲线向画的下半部分延续并穿过平面，然后回向上半部分，最后又往下直到底边。别的一些次要曲线与这条主要曲线缠绕在一起，虽然它们彼此之间又呈对应式分布，但却与主要曲线一起把画面结为一个整体。那根起着稳定作用的垂直椅柱则有特别的功能，由于它与周围的流畅、有节奏的线条有着和谐的关系，而成为整个构图的一个不可缺如的组成部分。请注意，他这里既谈到整体，又谈到和谐的关系。这种和谐也体现在服饰上的每个褶皱和纹饰都非常适合总体形式的需要上。另一位学者黑策尔（Theodor Hetzer）论述此画时，把它说成有机的整体。

这种所谓的有机整体让我们一直追溯到亚里士多德的理论，他在讨论戏剧的时候给悲剧作了成分上的分解。这些成分包括情节、性格、言辞、情绪、装饰和音乐。它们决定了悲剧的实质，推动着悲剧向前发展，使悲剧像有机体一样从粗糙的形式发展为精致的形式，或者用亚氏的术语说发展为完美的形式。这种完美的形式把他自己的哲学及他的老师柏拉图的理念联系起来。柏拉图的理念是一种天上的东西，跟人间几乎不沾边。但亚里士多德却更是一个生物学家，他看待事物实质上是从生物学出发，他要把天上的东西拉到人间，把理念拉到人间。例如，他认为完美的悲剧是它的各种成分的有机统一，而它的发展也是有机的，就像大树的成长过程。如果给一颗种子适宜的土壤、阳光和水分，它就必然能够实现自己的圆满，一颗橡树的种子一定可以长成一棵圆满的橡树，一颗松树的种子也肯定会长成一棵圆满的松树，这是一个必然的过程。简言之，理念不只在有机体上得到反映，而是在有机体的内部起着积极的作用，他潜藏在种子之中，这个种子就是理念。理念之所以能实现，就是因为它就在事物当中，它构成了事物的本质，决定了事物的发展，它具有一个向着它的目标即“最终因”发展的过程，其间有一个从幼小成长为茂盛的灿烂时期。

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亚里士多德的这种有机发展观念，即本质决定事物的发展，在各个学科例如社会学、历史学中都会遇到，在美术史当中也是这样。它启发我们不仅把事物的发展当作一个有机过程，而且也把事物本身当作一个有机体看待。我们分析一件作品时，如果觉得它很好，常用的一句赞美短语就是，它的各种成分达到了有机统一，或者说多样统一。

西方有一部谈论艺术作品好坏的著作叫《论艺术品的质量》（On Quality in Art），其中就有这样一些例子。书的作者叫罗森伯格（Jakob Rosenberg），他这么谈论法国画家德加和美国画家玛丽·卡萨特的素描。他说，在卡萨特的素描中可以看到两条交叉线，德加的则是一个三角形。德加的三角形造成了稳定，而打破这种单调的稳定是那把椅子，它与三角形构成了多样的统一。但在卡萨特的画中这种区别性的对比就没有，所以说德加比卡萨特画得好。

再来对比两幅法国画家的抽象画，一幅是毕加索的，另一幅是阿尔贝-格莱兹的。

毕加索画的是被分解的吉他和杯子，它们分解之后组成了一个画面。之所以说毕加索的画比格莱兹的画好，是因为元素简洁，构成了一种平衡，整体感比较强；而格莱兹的画比较凌乱，没有达到有机的统一。

我们看到，上面的这些画用有机统一或多样统一来分析很是容易。德加的画中既有三角形又有方形，还有斜线，它们是既多样又统一；再看玛丽-卡萨特，多样统一的味道就差一些。但是如果我们把德加画中的女子换成一个商业广告中的艳丽女郎，并保持构图不变，那又会怎么样呢？我们还会说那是幅好的艺术品吗？换言之，一幅俗气的美女照片也可以这样分析。贡布里希的《艺术的故事》就想摒弃这种评论艺术品优劣的办法，可他也不满意沃尔夫林的方法，尤其不满意他那些概念的共时性，于是他大刀阔斧地改造沃尔夫林的五对概念，把它精炼为一对：设计对写实或再现的历时性发展（但又绝非亚里士多德本质主义的有机体发展的历时性），并且通过强调这种发展的历时性，建立起自己独特的形式分析。

《艺术的故事》给出的分析方法，我们可用下面两幅拉斐尔的画为例，一幅是《椅中圣母》（1514年），另一幅是《帐幕圣母》（1514年）。我们从图中看到的《椅中圣母》的金色外围部分是它的画框，一七00年对外展出的时候做的。单纯地面对一幅画有时很难说清楚它的好坏，但通过比较，尤其是合理的比较，情况就不同了。这两幅画都是拉斐尔所作，而且后者比前者略早一些，可从画面的凝聚力上看，显然后者不如前者。我们可以看出拉斐尔的《椅中圣母》之所以能比以前的《帐幕圣母》画得更紧凑、更传神，是因为他作了精心的努力，这种努力经过岁月的磨洗成为历史性的成就。看到这一成就的那些绅士懂得亚里士多德的规则，于是就把圣母这一体式从粗糙发展到完美，说成是圆满实现（entelechy），说成是一个和谐的整体。《艺术的故事》的魅力正是把这种历史性的成就带进了美术史，却又给出别裁新解，并且尽力除去有机和谐的陈言。从这一角度出发，我们来看一些更早的圣母子的绘画。

文艺复兴从乔托（约1266-1337）开始，乔托的老师是契马布埃（约1266-1337），所以契马布埃的《宝座圣母》特别有名。从画中我们可以看到中世纪成就的延续，那就是严谨的对称和悦目的秩序。对称产生庄严，这是它的好處；也会显得僵硬，又有它的短处。这幅画秩序清楚，使整幅画具有一种神圣的庄严感。背景由贴着的金箔构成，花纹隐约在金箔上，站在原作前才能看清，远处只能看见闪闪的金光。这种背景突出了画面的形象，使教徒从很远就能看到。几百年前，当信众走进昏暗的教堂，忽然间圣母从金光闪闪的背景中显现，那种景象是多么庄严。试想一下，我们就明白了中世纪的艺术成就：它在布局上的秩序感和画面的清晰性。下面是契马布埃的学生乔托画的同一内容的画。

乔托的画布局大同小异，一承其师，但他把关键放在了人物面部，让表情显得生动。文艺复兴后期出现的西方第一本美术史瓦萨里的《名人传》写到，乔托给文艺复兴带来了曙光，产生出第一风格，这就是人的面部开始逼真了。它不同于契马布埃画的人物表情僵硬，开始向真实发展。

接下来我们看看菲利皮诺·利皮（约1457-1504），他是画圣母子作品比较多的一位画家。如图《圣母和圣婴、圣天使》（1465年），它表现的人物面部与我们现实生活中的人更接近，也更生动。利皮也画了椅子的一角，它让我们想到了拉斐尔从这位前辈那里学到了什么，吸收了哪些东西。背景中的一片景色，显示出这一阶段的画家们已经开始研究透视。这是文艺复兴时期的第二风格。如果我们再仔细观察，或许会发现这三个人物是在一幅画的前面，这幅画的画框形成了沃尔夫林所说的封闭结构，但是这本身就是一幅画中画，后面是风景画，前面是人物画，这些关系让布局丰富起来。与乔托相比，利皮的画更真实，布局也更丰富。但它的秩序感仍然很强，仍然保留着中世纪的成就。

我们再回到拉斐尔，看他的另一幅圣母像《草地上的圣母》，看他与利皮的不同。乍看之下，秩序感似乎消失了，可再一转睛，它又实实在在地植根于画面。画的人物是如此栩栩如生，气韵神动，可又那么凝重，那么坚实，那么理路分明。我们不得不说，它既保留了完美的秩序感，又保留了完美的现实场面。而正是这两点的完美结合代表了古典主义的最高成就，形成了文艺复兴的第三风格。以此而论，可以说鲁本斯的画是非古典的，是巴洛克的。尽管鲁本斯生前身后都颇负盛名，但巴洛克还是受到了正统派的强烈抵制。因为它把古典的成就即秩序感和真实感之间的和谐给丢掉了，它以现实成分的增多，扰乱了秩序感。沃尔夫林是巴洛克的最大辩护者，他认为古典有优势，巴洛克也有优势，它是一种相反的优势。对这两者进行比较正是沃尔夫林的宗旨。不过，他比较时也存在一些问题：一方面，他忘记了巴洛克可以反古典，但古典不可能反巴洛克，因为古典画家不可能预见巴洛克风格的绘画，也就是说不能够看到他们身后才出现的风格；另一方面，我们以下面两幅图来做说明。

先看莫纳科（约1370-1425）的《圣母加冕》，它大量使用真金，并且让图中的拱形与哥特式教堂的拱形相一致，以便让人物从真金的背景中凸显出来。这样也让拱形把人物框起来形成了一种秩序感。这种拱形画在教堂里很引人注目。画的场面是圣母加冕，这是一个非常庄严的场面，秩序感更加强了这种庄严。

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利皮也画有一幅圣母加冕的场面，它的真实感比莫纳科的要强多了，但是秩序感则大大不如，画面有些混乱，更重要的是现实成分增强以后，世俗性也进入了。拉斐尔与他们两就完全不同，除了上述的成就之外，拉斐尔的画还表现出另一个优势（也就是他的第二项成就），他不但保留了秩序和写实之间的张力的平衡，而且没有使宗教画的庄严感丧失。

這也许就是拉斐尔所谓的心灵中的某种理念使然。这样看来，柏拉图的“理念”的威力之大绝不能小觑。有一位古典主义画家安东·拉斐尔·门斯（Anton RaphaelMengs，1728-1779）在对美的思考时这样说，实际上“idea”是画不出来的，如果我们非要画它，那就想想几何学里的点的概念。根据柏拉图的理念论，点是画不出来的，因为点是绝对的，现实当中没有完美的点，就像没有绝对直的线一样，手工无论如何也画不出绝对的点，它只存在于天国。绝对的美也绝对的超现实，人力绝不能及。拉斐尔的奇迹也许就是他似乎把绝对美的天国帷幕掀开了一角，让我们一瞥它的光芒。这样的缘分也许只能幸遇一次，所以我们会感到，拉斐尔这样的艺术后人再也不能企及了。《艺术的故事》的珍贵之处就是它极为珍惜这种成就，它极力阐明这种古典的成就是如何艰难地获得，又如何令人悲惋地衰落。

当然，作者表达得很含蓄。我们读这部书，一方面领略他在所知与所见的理论框架中，如何把沃尔夫林的五对概念转为秩序和再现的矛盾，并由此一以贯之地分析作品，一方面体会他是如何规避有机统一的陈词旧说，并拒斥用有机体的发展模式去讲述艺术的历史。这部著作的独特的形式分析，独特的道德价值，我在其他文章中有较详细的说明，这里不再重述。

为了真正地理解西方艺术的精义，我们一定要到罗马去看看，在那里有一座古典的罗马神庙万神殿，其中有两位名人的墓，一座是拉斐尔的，一座是国王的，艺术家的墓和国王的墓并列在一起，这也是形式的问题。可这也透露出艺术家创造的形式是多么不可思议，又多么气势撼人。拉斐尔如果没有充分掌握莱奥纳尔多所谓的内在形式（L’instrisica forma）的全部知识，他就不会受到世人的如此赞美，用一位十六世纪作家巴尔迪（Bemardino Baldi）对他颂扬的话说：我能用言语赞扬这样一位伟人吗？现在，我要通过沉默赞扬他。

本文系作者二0一二年十月二十七日日在新华·知本读书会所做演讲。录音整理：潘喆

谈舞蹈艺术的欣赏与评论 篇4

一、舞蹈欣赏

广大的观众, 也只有通过观看演出, 才能领略和感受舞蹈的艺术魅力与感染力。而从观看演出开始, 观众即进人一个舞蹈欣赏的审美过程, 并随着演员表演的步步深入推进, 激化自身情感与思想上的变化与共鸣。

1、舞蹈欣赏的内容

舞蹈是以经过提炼、组织、美化了的人体动作为主要表现手段, 来反映人们的思想感情, 表达社会生活的一种艺术。欣赏舞蹈作品, 不但是欣赏一种综合了时间与空间的艺术表现形式, 同时也是在欣赏舞蹈艺术作品中所蕴藏的社会生活本质与自然现象中的千姿百态;不仅欣赏舞蹈语言与演员肢体的美感形态, 同时也是在欣赏舞蹈律动中所传递出的情感体验与思想意境。这是观众在舞蹈欣赏中, 在审美思想和审美心理方面出现一种微妙的结合所产生出的艺术感应和感情互动。艺术源于生活, 又高于生活, 从艺术欣赏中人们触摸到了真实的生活, 并深刻地感悟到了那一刻真亦假来假亦真的意蕴与妙趣。

舞蹈的欣赏有一个很重要的特点, 即共鸣。当欣赏作品时, 作者通过艺术形象所表现出的思想感情, 给观众以感染, 激发观众思想感情的浪花, 使他们随着作者对生活的评价, 爱己所爱恨己所恨, 甚至不自觉地进入角色, 和舞台上的人物同喜同悲同命运。这种现象就是在舞蹈艺术欣赏中激发观众思想的共鸣和感情的交流互动。这正是舞蹈艺术作品带给人们的无穷魅力和吸引力所在, 也是舞蹈艺术永恒发展的动力所在。

2、舞蹈欣赏的过程

舞蹈欣赏的过程一般可以概括为这样几个步骤:

(1) 观舞品技, 悦目赏心。舞蹈是一种形式感和技艺性都很强的表演艺术形式, 所以观众欣赏舞蹈总是从观舞品技开始, 看看舞蹈演员的外形如何, 技巧有多高。

(2) 由形得神, 心领神会。观众渐渐被舞蹈所吸引, 从舞台上反复出现、不断更替、相互关联的各种形态中看到了人

(3) 渐入佳境, 心驰神往。随着情绪情节层层展开、步步深入, 观众的情思也走向深层, 深深地被舞蹈所感染, 有时甚至感同身受, 浮想联翩。

(4) 悟其意蕴, 明理净心。舞蹈表演已经结束, 但是舞蹈家创造的美的形象、美的意境却深深地留在观众的脑海里, 并通过这些鲜活的形象受到某种启示, 进一步净化自己的心灵。

3、舞蹈欣赏的条件

作为观众, 欣赏舞蹈应该要准备三个方面的主观条件: (1) 要了解舞蹈艺术的审美特征, 即舞蹈是以人体动作为载体, 是一种在运动过程中表现生活、塑造人物、宣泄情感的艺术, 然后按照这种要求去欣赏舞蹈; (2) 要对各种舞蹈样式和舞蹈风格有所了解, 这样才能从不同形式、不同风格的舞蹈中领略到各自不同的特色; (3) 要有一个注意力高度集中、主体情感高度开放的审美心境。具有这三项, 观者才会可能在一个高度、精炼、美化的动态中品味到作品的美感, 也才能够迅速地与作品内容产生情感交流和共鸣。

二、舞蹈评论

1、舞蹈评论的意义

舞蹈评论是人们以正确的美学观点, 对社会生活中的舞蹈现象进行分析、鉴别、评论的一种科学研究活动, 是舞蹈学中最活跃的环节, 也是促进舞蹈艺术事业发展的重要途径之一。科学而深刻的舞蹈评论对于舞蹈理论的发展、舞蹈创作与舞蹈家的成长, 以及舞蹈活动, 都能够起到一定的引导作用。

2、舞蹈评论的方法

舞蹈评论的范围是广泛的, 方法是多样的, 一般来说, 有以下几种方法。 (1) 形象描绘法:以简洁的文字, 形象地描绘舞蹈作品内容, 边介绍边评述。 (2) 分析品评法:对舞蹈作品的内容不作详细描画, 而是着力对作品的思想内涵、艺术表现等进行评论剖析。 (3) 书信对话法:采取书信交流或通过采访问答形式对作品进行评议。 (4) 展开讨论法:从作品的一点切入, 然后对具体情节、韵律和风格进行专题分析与探讨, 从中引发更多的议论和见解。 (5) 综合评论法:全面系统地就一台晚会或是一部作品进行全方位、多侧面、多角度的评述, 从学术和理论角度进行评论分析, 具有一定的理论性与学术价值。

《歌剧艺术与名作欣赏》考试提纲 篇5

总成绩：考查成绩占90%，平时成绩占10%一、二、三、四、五、六、七、听辨题（2*10=20分）填空题（1*10=10分）单选题（1*10=10分）多选题（2*5=10分）连线题（1*10=10分）简答题（5*2=10分）剧评（30*1=30分）

复习大纲： 选段欣赏：

1、奥菲欧咏叹调《世上没有尤丽狄茜我怎能活》——选自格鲁克《奥菲欧与尤丽狄茜》

2、凯鲁比尼咏叹调《你们可知道》——选自莫扎特《费加罗的婚礼》

3、《塞维利亚理发师序曲》——罗西尼《塞维利亚理发师》

4、费加罗饶舌咏叹调《给大忙人让路》——选自罗西尼《塞维利亚理发师》

5、《饮酒歌》——选自威尔第《茶花女》

6、《凯旋进行曲》——选自威尔第《阿依达》

7、瓦格纳《婚礼大合唱》——选自瓦格纳《罗恩格林》

8、卡拉夫咏叹调《今夜无人入睡》——选自普契尼《图兰多》

9、卡门哈巴涅拉舞曲《爱情像一只自由的小鸟》——选自比才《卡门》

10、《斗牛士之歌》——选自比才《卡门》

11、《卡门序曲》——选自比才《卡门》

12、卡门塞吉迪亚舞曲《塞维利亚老城墙旁边》——选自《卡门》

13、《洪湖水，浪打浪》——选自《洪湖赤卫队》

14、《看天下劳苦人民得解放》——选自《洪湖赤卫队》

15、娜仁高娃咏叹调《情歌》——选自《苍原》

16、《夜后的咏叹调》——选自莫扎特《魔笛》

17、《让我痛苦吧》——选自亨德尔《雷纳尔多》

18、《绣红旗》——选自《江姐》 考点：

1、歌剧的概念及其音乐构成。（简答题）

2、歌剧的内容与形式；歌剧的声乐：咏叹调、宣叙调、重唱、合唱

3、歌剧中的器乐：管弦乐队编制（弦乐组、铜管乐组、木管乐组、打击乐组）、功能

4、如何欣赏歌剧（简答题）文艺复兴时期：

5、西方第一部有乐谱留存的歌剧及其作者、国籍。

6、意大利作曲家蒙特威尔第生平、成就及代表作《奥菲欧》的故事内容。

7、世界上第一座歌剧院，建于1637年的威尼斯圣·卡斯阿诺（S`Cassiano）古典主义时期：

8、德国作曲家格鲁克生平及歌剧代表作，歌剧改革主张，歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》剧情及主要唱段。（简答题）

9、奥地利作曲家莫扎特生平及歌剧代表作（至少知道三部），《费加罗的婚礼》的剧情，剧本作者（法国戏剧作家博马舍《费加罗三部曲》：《塞维利亚理发师》、《费加罗的婚礼》、《有罪的母亲》）主要唱段。浪漫主义时期：

10、意大利作曲家罗西尼的生平及代表作（至少知道2部），《塞维利亚理发师》剧情及主要唱段。11、12、13、14、15、16、17、18、19、意大利作曲家威尔第的生平及代表作（至少知道3部），《阿依达》剧情德国作曲家瓦格纳的生平及歌剧代表作（至少知道3部），瓦格纳乐剧的法国作曲家比才的生平及代表作《卡门》，剧情、人物、主要唱段。真实主义歌剧及其代表人物。

意大利作曲家普契尼的生平及代表作（至少知道3部），《图兰多》剧情印象主义歌剧及其代表人物。

法国作曲家德彪西的生平及其歌剧代表作《佩利亚斯与梅丽桑德》，剧情现实主义歌剧及其代表人物。

德国作曲家贝尔格生平及其代表作（《璐璐》、《沃采克》），歌剧《沃及主要唱段。

特色及思想，《特里斯坦与伊索尔德》的剧情、人物、艺术特点。（简答题）20世纪西方歌剧：

及主要唱段。

及音乐特色。

采克》的剧情及音乐特色。中国歌剧： 20、中国歌剧的发展历程（四个阶段）

探索期：20世纪20年代初到1944年；奠基期：1944-1949年； 拓展期：1949年一1966年；振兴期：1976—至今。21、22、23、24、25、黎锦辉、秧歌剧、聂耳、冼星海。

《白毛女》、《洪湖赤卫队》、《江姐》、《苍原》、《原野》。《洪湖赤卫队》剧情、艺术特征及主要唱段。

《苍原》剧情及艺术特色、主要唱段，重点第一乐章。

柴可夫斯基的舞剧作品（至少知道3部）、音乐剧作品（韦伯）。舞剧、音乐剧

试论艺术欣赏中形象与真实的关系 篇6

关键词：艺术欣赏；艺术形象；真实；艺术理想

一、艺术欣赏的关键在于形象

以往对艺术的欣赏有许多不当之处。传统的审美欣赏往往关注艺术品的表象，以“美”为标准进行评判。这种欣赏标准是不恰当的，很多艺术显然很难跟美扯上关系。但我们依然承认它们具有极高的艺术价值。重新审视艺术欣赏这个问题，我们不妨从“形象”入手。

维特根斯坦认为各个门类之间在一种家族相似，该理论产生了很大的影响。但我们并不认同这一观点，正真使得艺术大家庭诸多成员走到一起的关键不是所谓的“家族相似性”，而是它们之间的“内在共通性”，也就是“形象”。

尽管各个门类艺术所依托的媒介各不相同，但都是通过“形象”来实现的，“形象”贯穿艺术创造的整个过程。艺术的全部精髓凝聚在它所塑造的“形象”之中，艺术所呈现的形象是联通艺术品与欣赏者的桥梁，因此，形象是艺术欣赏的切入点。

“形象”一词，其实我们并不陌生。它不是一个抽象的概念，而是具体可感的。我们所认为的艺术中的形象有两部分组成，第一部分是形式，即形式主义所关注的焦点。第二部分是内容，内容才是形象的关键之所在。审美对象所呈现的形象由形式和内容共同构成的完整统一体，二者缺一不可。

我们首先被形象的外在形式所吸引，它悦目的色彩，优美的线条，惊人的构造等等，这些特征都让我们感到愉快。与此同时，这些外在形式也会引发我们的联想，于是与此形象相关联的一切便都纷至沓来，呈现在我们的脑海中。也正是这些强化了、充实了我们的感知，让我们真真切切地陶醉于眼前的形象。牛希济的“记得绿罗裙，处处怜芳草”便是很好的例子。眼前的一丛青草，映入眼帘的不光是它的颜色。由它翠绿的草色便可联想到恋人的绿罗裙，那么眼前的青草就不再是简单的青草，而是临行前痴恋着诗人的女子那满腔的依恋之情。那么青草便不再是青草，而成为蕴藉着无尽情丝的纽带，每每看到天涯各处的一丛丛青草，也就不由自主地想起那痴恋着自己的女子。我们联想到的这一切就是形象所蕴含的内容。

二、艺术形象具有一定程度的现实之真

我们认为对于艺术形象的欣赏需要必要前提：恰到好处的艺术的真。一般欣赏者往往很在意艺术的真实性，认为好的艺术必定无限度接近真实。毕加索的两幅画《母鸡与小鸡》和《小公鸡》就很好的例子。

前者所描绘的母鸡与小鸡活灵活现，无可挑剔；后者则采用了漫画的手法，寥寥数笔表现出公鸡的外形。一般的欣赏者会很快地做出评判，认为前者远胜于后者。原因是前者在写实上有着压倒性的优势。但我们必须明确一点，这种判断是不恰当的。艺术的真不等同于现实的真，艺术的终极目的也并不是以假乱真，此处摄影作为一个反例就再好不过了。倘若艺术家孜孜以求的艺术理想是现实之真的话，那么摄影早就站在艺术金字塔的顶端了，但现实告诉我们事实并非如此。真实再现的摄影永远也取代不了好的绘画。

但是从一般观众对艺术形象真实性的关注足以看出一点：艺术必定要具有一定程度的真实。这种真实是欣赏者对艺术形象能够由无意识的一瞥转为全身心关注的契机。艺术源于现实，因而人们总能从艺术形象中瞥见现实的影子，正是艺术形象与现实世界的这种相似性吸引了欣赏者。“看上去跟真的一样”，很多欣赏绘画、雕塑等空间艺术的人往往会这么说。我们称之为艺术的“似真性”， 安妮·谢泼德也曾有过类似的观点，她认为：“‘形象’本质上是心与物象之间一种‘似真幻觉’的游戏”[1]。在我看来，这种“似真性”是好的艺术所必不可少的，它是艺术想要达到终极艺术理想的首要一步（并不包括现代主义的一些艺术品）。

三、正确理解形象与真的关系

虽然“似真性”是艺术形象必不可少的前提条件，但艺术并不热衷于对欣赏者使用障眼法。艺术的“真”为艺术理想服务，以理想的形象塑造为转移。因此，我们在欣赏艺术的时候不应该将形象的真作为唯一的衡量标准。长久以来，人们已经习惯了眼见为实的观点，贡布里希曾说：“在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见。”[2]这些欣赏陋习和偏见造成了我们对艺术家的伟大作品的误解和曲解。

艺术家创造的艺术形象往往不是一气呵成，而是经过了漫长的修改过程，有时甚至多达数十次。为了达到心中的理想，毕加索画这头公牛经过了十次修改。

艺术家可能绞尽脑汁地思考怎样才能表现出他心中所追求的形象，这个繁琐的修改过程经过了现实之真，继而走向艺术之真，直至最终成型。在毕加索看来，寥寥几笔最能精炼地表现出公牛的形与神，他要的正是这个。多余的笔墨反而容易成为负累，将欣赏者的眼光分散到形象的表象而忽视了内在的精髓。

由此可见，在对形象的欣赏中，恰到好处的艺术的真是必要的，但它并不是艺术的最终目的。艺术家在竭尽心力地追求一种“合适的平衡”[3]，也就是我们所说的“艺术的理想”。

参考文献：

[1]转引自朱狄.当代西方艺术哲学[M].人民文学出版社，1994：192.安妮·谢泼德：《美学——对艺术哲学的一个介绍》.第6页.

论艺术欣赏与学生心理的关联 篇7

关键词：认知,认知风格,感知觉,空间知觉,时间知觉,审美,价值与评价,心理感受

学生对艺术以及一件艺术品的理解与欣赏,与学生个体心理有关。“认知”是心理学普遍使用的一个心理学术语。一般认为,认知有广义和狭义之分。广义的认知与认识的基本含义相同,指个体通过感觉、知觉、表象、想象、记忆、思维等形式,把握事物的性质和规律的认识活动。狭义的认知与记忆含义基本相同,是指个体获取信息并进行的集中体现。认知对人的情绪、行为具有重要的调节作用。认知心理学对认知活动的研究涉及到1)认知过程,2)认知风格,3)认知形式,4)认知策略。

其中的认知风格又称认知方式,是个体习惯化的信息加工方式,是个体在长期的认知活动中形成的稳定的心理倾向,表现为对一定的信息加工方式的偏爱。但个体可能常常意识不到自己存在这种偏爱。例如,有获得信息时,有人喜欢从外部环境中寻找,易受外部环境的影响;有人则从认知目标本身探索,不易受到外部环境的影响;在回答问题时,有人倾向于迅速回答,有人则只在有把握时才回答问题;在阅读材料时,有重视细节,有人则重视整体。不同认知风格的学生在艺术学习中的学习方式,兴趣和对教师教学方式的适应性等方面存在一定的差异,这些差异对学生对艺术欣赏产生影响。应当明确的是,认知风格并无好坏之分,任何认知风格都有其优点和不足,学生在上美术欣赏课时都有一个对艺术理解和认识的过程,最初是从他们个人角度开始,他们觉得画得像就是好。而觉得画得不像的作品看不进去,而有些看起来不“美”的作品却被老师当成世界名画来介绍。正是这些反差他们渐渐会发现艺术品并不是以画得像或不像做标准。有了这些思考后,学生才会关心艺术到底是什么。儿童热爱美的事物,而且对美的东西感受很早,随年龄增长,他们渴望艺术享受的心情日益增强。那儿童对于美术欣赏的心理和习惯又是怎样的呢?小学艺术欣赏教学是一种把造型艺术作品作为审美对象的感觉与感情为主导因素的心理活动形式,它与教师的引导和儿童的欣赏兴趣,吸引他们的注意力。蓝蓝的天,红红的花,绿荫荫的树木,黄澄澄的果实,鲜明艳丽的彩色常常会使他们欣慰和喜悦,乐于接受,如果我们把黑白图片和彩色图片同时放在他们面前,儿童将会对彩色图片反应强烈些。儿童在欣赏过程中,往往注意某人细节的观察而忽视了整体或是注意了整体而忽视了其它,例如一年级儿童在观看绘画作品《美丽的风筝》时,他们全被风筝上色彩艳丽的花纹吸引住了,以至于忘记了手帕的存在,变成了看花。中高年级同样也有这种现象,四年级学生欣赏工艺品刺绣,结果他们将刺绣作品全当绘画作品看。儿童在欣赏过程中,画常是凭第一印象的感觉来欣赏。无意识的属性较强;受情绪牵制的随意性大,他们对作品的感受总是激动片刻,粗略领会后便不再有什么波动,未能仔细琢磨个中滋味。

许多教师都有这样的体会,教学欣赏课难于艺术实践教学,而现代作品欣赏则更难。这也许因为在欣赏传统的再现作品时,有关史料可以参考和作品内容丰富于教学,符合了学生追求现实意识和经验需求;而现代表现性的作品的欣赏着眼点不能直接为日常意识所接受,也就是说不是学生常规性的审美意识,学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的局限。对“有意味的形式”感知和体现并不是日常意识和习惯所能理解的,审美意识的形成需要有个漫长的学习的过程。

首先我们应该肯定青少年有很强的感觉能力。在青少年时期,个体的感觉能力有了较大的发展。在这个年龄段的很多人表现出特殊的绘画感知才能,另外,其他感觉也有很大发展,特别是关节、肌肉的感觉能力得到很大的提高,这为青少年从事写字、绘画、体育等活动提供了必要条件。

其次,青少年感知觉的随意性较强。感知觉的随意性是个体按照预定的目的自觉调节自己感觉活动的能力,是个体顺利完成学习任务必备的心理品质。在课堂学习和各种复杂的实践活动中,个体要达到预定的活动目的,就不能只感知那些自己感兴趣的东西,必须摆脱无关事物的干扰,使自己的知觉服从干预定的学习目的。

再次,空间知觉有了较大的发展。

青少年的空间知觉有了很大发展。这主要表现在两方面:首先,空间知觉的抽象性有了明显的发展。在小学阶段,个体的空间知觉虽然有了一定发展,已形成了“上下、左右、前后”初步的空间概念,但这些空间观念是以自我为中心的,离不开具体事物的支持。初中以后,个体逐渐能够在抽象的水平上理解图形形状、大小以及其相互间的位置。

内容相同,但因形式处理(构图、人物造型、透视等)不同,就有了隐藏着的另一种不同的内容,即不同的形式因素给观者造成不一样的心理感受。试想,达芬奇的透视交点居中,呈一种对称式构图,加之空间处理的平板装饰性,给人一种平静稳定之感,在平衡中人物的动态变化,略使画面产生从静到动……从安稳走向骚动之感。使观者体验到一种事物处于荫芽状态,但预示即将来到的运动最普遍的经验,而丁托莱的画由于透视交点偏向一边,长形餐桌纵向倾斜,不对称的画面失去了稳定性,加之人物前后相互重叠,及上方飞动的小天使,更加剧了动荡不安的感觉,使观者体验到事物发展中矛盾对抗即将解体的一种普遍性经验。而在再表现性绘画中,表现性内容大于再现性内容可能更主观。

比如塞尚的《苹果与桔子》,静物在大面积白衬布映衬下,整个明度是高调的,构图是由各种大小方向不一的三角形组成,变化而统一,桌面向左倾斜圆滑的果子有种不稳定感。但似乎又在右倾斜的果盆强力牵制下取得了平衡。这样画面既有欢快的动感,又有祥和安静的均衡感,但这些定性的分析必须后于学生的评价,教学应当首先引导学生充分感受,因为对形式因素的剖析会使欣赏失去了愉悦性,但对提高形式的直觉水平是及为需要的。觉得整个教学是一个从引导感知→分析(概念、形式因素)→再感知的循环过程。通过这一过程,使学生的直觉水平从感性阶段发展到理性高度。如,在构图分析时,可将相似的和相反的作品进行比较。另外,值得一提的是老师对作品的分析和评价应该是一种建设性的,而不是指令性的。任何作品都是某一时代和社会文化心理结构的反映,作品的审美价值的各种现象都有其局限性,或侧重于技法,或侧重于观念;或侧重于唯美性,或侧重于文学性等等。只有用历史的辩证唯物的态度,才能较全面而客观地评价作品,一味迷信和排斥都不能提示多种现象背后的审美价值。从这个意义上说,教学的过程就在于使学生成长为具有审美鉴赏力的评论高手。

美术欣赏——让孩子与艺术大师对话 篇8

如何才能培养学生美术欣赏能力, 就这一问题我试从如下探讨:

1. 加强教师的专业能力

教师的专业能力, 是美术欣赏教学成功关键所在。作为一位专业的美术教师, 其需要掌握的专业知识可分为系统理论知识的细节操作知识。

美术欣赏教学是美术教师用以灌输美术知识和启发美术表现的重要契机, 因此, 美术教师必须具有艺术批评的基本理论基础与修养, 才能应付教学所需。教师若要准确恰当地品评一件艺术品, 是有赖于他所具备的对艺术品的背景知识、辨识能力及美感经验的体验。另外由于艺术作品在艺术语言上的共通性, 教师除了要精熟所教科目的技能和理论外, 对其他艺术门类的知识, 也要有一定的了解和素养。

在实际教学中, 对于一些艺术大师作品及一些承载着较深厚的人文历史背景的文物类的艺术品, 如果教师的见解只是对教参的宣读或临时在网络上寻找一些资料进行强记, 则难以做到深入, 那么在教授学生时也难以做到浅出, 甚至更有可能出现一些知识性的错误。

如在美术教材中有大量古代青铜器欣赏之类的课, 首先, 要正确介绍它们的名称和作用;再者, 青铜器是古代的礼器, 那么教者对于古代的礼制也要有所了解, 这是文史方面的知识;还有, 这些青铜器在古代又是被如何制造出来的, 陶范法还是失蜡法, 这又涉及到冶金方面的知识了。

再如一些大师的作品, 艺术品的的艺术特色, 艺术家的创作背景, 甚至艺术家的人生经历, 这些多少要有些了解。

虽然在小学美术教学中, 这些知识不可能也无必要对学生深入地讲解。但是教师的个人素养最终会影响教学或学习结果, 让学生目睹教师如何介绍艺术品, 将是一种很有效的教育体验。教师本身即为良好的学习典范, 其艺术经验可透过态度和行为表现出来。因此, 教师虽然不必做到历史专家、文化专家、工艺专家、美学评论家的专业性那么强, 但知识面要广博一点, 眼界要宽一点, 这样才能在美术欣赏教学中才能游刃有余。

2. 教学方式的观点转变

以学科为中心的美术教育的一个特点是强调培养学生对艺术的理解力。为了使学生能透彻了解艺术品, 教师可以采用五个层次的教学法:接触——感动——理解——评价——实践。另外, 也要了解学生的学习背景和领悟程度, 深入浅出、循序渐进的指导。教师引导学生通过智能性分析的步骤, 让学生了解自己的感受是源自客观的艺术品。

美术欣赏教学必须顾及学生能不能理解到艺术品其它层面的意义, 教师首要职责是鼓励学生持正确的态度看待艺术品, 认识艺术品的特性, 如果学生能着眼于艺术品, 便有助于建立审美观。因此, 教师要提供环境条件, 不单让学生能够描述和诠释艺术品, 还能判断艺术品的价值, 提出理由支持自己的判断。

教师在教学时, 往住只仿照他们的老师曾教他们的那种方法来教授自己的学生。由于教师过于重视“手”的操作和“技巧”的学习, 忽略了美术学科教育的意义。在平常的教学中, 教师太过着重强调制作类美术课, 而忽视了美术欣赏学习, 最终让美术欣赏学习被推到了可有可无的地步。

学生在美术创作过程中, 并非消极、被动的学习, 而是积极、主动地进行审美再创作。因此, 小学美术教师的教学方法, 是影响学生思维方式及创作成果的重要因素。

在实际教学工作中, 教师则倾向于单方面地讲解艺术品, 较少让学生有机会表达自己的感受和意见, 那么学生的作品会较为呆板, 少有变化, 抄袭性较强。

但教师如果较多次数采用欣赏及讨论艺术品的方式去引导学生创作, 则学生作品内容就比较具有创意, 同班级学生的作品风格相比较变化度大。

3. 教学资源的有效利用

良好的教学环境, 丰富而多样化的教学设施, 可有效减低教学时的阻力, 增强教师的信心以及学生的学习兴趣。小学美术课堂的编排和资源的运用情况会影响小学美术教育的教育成效。

我们先来谈谈教学计划的实施和修改, 每一学期, 教师根据新一册教材的特点, 学生的成长情况以及以往的工作经验制定下一学期美术教学工作计划及教学进度。但在实际教学的操作中, 由于学生实际的作业能力等多方面的原因, 会有所改变。而这种改变很大一部分是实际课堂教学中的内容改变, 并不会反映在书面的计划中。其具体表现为绘画等实际操作的时间过长从而删减美术欣赏教学的时间。

造成这一现象的原因除了老师对于美术欣赏教学的不够重视, 也有客观存在的实际困难。毕竟学生完成作业创作是需要时间的。如果教师将美术欣赏教学完整实施, 那么学生就无法有充足的时间进行作业创作。

因为义务教育阶段每周设置了两节美术课, 两节课之间一般间隔着两三天。要是将欣赏课在先一课, 创作留待下一课, 则会由于教学的不连贯而导致教学实效的下降。这里笔者有一个假想, 如果教育主管部门能将本地区现行美术教学的每周两节课连在一起, 那么美术教学的有效性的增强决不会是简单的一加一。

在教育中仅传授知识, 不算是完整的教育。在实际美术教育的课堂中, 美术欣赏教学, 不应该单单只为艺术作品而存在。让孩子作为欣赏者与艺术家之间直接沟通及对话, 才是美术欣赏教育的真正意义所在。

摘要：在实际美术教育的课堂中, 美术欣赏教学, 不应该单单只为艺术作品而存在, 艺术家与欣赏者之沟通及对话, 是美术欣赏教育的真正意义所在。儿童通过学习美术欣赏的正确方法, 能培养他们的推理、思考、分析及判断能力, 透过欣赏水平的提高, 提高创作力。

健美操的教育功能与艺术欣赏研究 篇9

关键词：健美操,教育功能,艺术欣赏

健美操是起源于20世纪60年代的有氧运动, 其最主要的特点是持续时间较长, 运动难度属于中低范畴, 是一种全身性的运动, 主要目标在于锻炼人的心肺功能, 是一项能够有效强健体魄、改善身体循环、排除脂肪、维持身体健康轻盈的运动。而且能够更好地体现出形体美, 改善人的仪态, 因此无论是在国内还是国外, 健美操都有着很好的发展势头。但近年来, 随着更多新兴运动的陆续产生并迅速发展, 健美操面对着逐渐被社会遗忘的趋势, 因此, 只有对其优势进行深入的了解, 并找出能够充分发挥出其教育功能与欣赏价值的途径, 才能确保健美操在当前新兴运动层出的背景下得到更好的发展。

一、健美操的教育功能

当前我国全面步入素质教育的阶段, 国家也开始重视学生德智体美全方面的发展, 而且对于学生的体魄、仪态、心态、精神面貌也有了更加明确的培育要求。虽然许多院校已开始寻找各种方式来提升学生的素质, 但多数依然停留在丰富知识体系的层面, 并未注重对学生体魄与精神的培养。但是素质教育的最终目标, 并非单纯提升学生的知识素养, 而是要将学生培养为精神饱满、心态积极、身体健康、姿态优雅的新时代优质人才, 这也是当今社会企业对人才的最基本需求。因此, 国内的院校应当更加注重对学生身心健康的培育, 确保学生能够有更好的精神状态与健康状态作为其发展的支撑。而健美操则正是能够全面提升学生身心综合素养的有效渠道。就教育功能来说, 健美操的教育功能是十分全面的。

(一) 陶冶思想, 提高学生的审美境界

健美操是一种具有欣赏性的运动, 其每个动作中都蕴含着韵律美、力量美及柔韧美与人体的线条美, 也展现着积极、正面、欢快的现代理念。此外, 健美操还分为搏击操、踏板操、水中健美操等许多种类, 每种健美操类别都有着自身的独有特点, 会带给学生完全不同的视觉冲击, 而且不同的配乐与动作编排会呈现出完全不同的独特美感。随着节奏、动作频率与动作幅度的变化, 更会让人学生在学习与欣赏健美操的过程中对美有更加深刻的理解, 可以说健美操对陶冶学生思想来说, 是最具优势的选择。

(二) 强健体魄, 确保学生的健康发展

健美操这项运动, 本就是为强身健体而产生的, 致力于通过韵律性的全身运动来提升身体的协调性、平衡性、肌肉强度以及柔韧性等, 而且难度并不是学生无法企及的, 总体来说是中低难度、高强度的运动。当今我国学生的学习压力普遍很大, 根本没有时间顾及身体, 但强健的体魄才是支持其学习与生活的最基础要素, 所以只有身体的健康得以保持, 学习才会更加有效率。而健美操则是能够充分提升学生各项身体机能的运动。哑铃操、杠铃操以及搏击操等力量型的操, 可以有效强化学生的肌肉强度, 促进血液循环, 提升抵抗力。而健身球操、水中健美操等柔韧性的操, 则能够提升学生的柔韧性与平衡感, 而且能达到校正体形、柔性排除体内脂肪的效果。除此之外, 还可以有效改善学生浮躁、耐心不足的问题, 使学生更加有耐心, 达到修身养性的目标。许多学生因迫于学校、家长的期待与要求以及自己对于就业的紧迫感, 都在日复一日地埋头在书海中不断学习, 但却从未意识到如果失去健康, 那么一切的努力都将成为徒劳。所以, 无论是学校、学生的父母亲人, 还是学生自身, 都应当意识到健康的重要性, 意识到健美操对于改善学生体魄的重要作用, 使健美操强健体魄的作用得到最好的发挥。

(三) 调动情绪, 改善负面的心态

积极、正面、开朗、勇敢、自信的心态, 不但是支撑学生学习的核心因素, 也是确保学生未来发展的核心因素。当前社会上的每个企业对于员工最基本的要求就是具有良好的精神状态以及自信积极的心态。如果学生的精神状态一直是无精打采、积极负面的, 其学习成果自然不会理想。而健美操则是一项能够有效调动学生情绪、改善学生心态的运动, 其配乐普遍是节奏感很强的、能够充分激发人体内动力的强劲乐曲或欢快乐曲, 让学生跟着音乐、随着教练的口令动起来, 在感受音乐与节奏的过程中, 不但能够忘却一切不愉快, 而且能够使体内的压力得到充分的宣泄。力量型的操可以调动学生的力量, 提升自信心, 让学生的力量在踢腿、挥拳等动作中得到释放。而柔性的操则能够让学生的烦躁心态逐渐趋向平淡, 更加淡然地去思考, 提升耐性, 达到修身、修心的目的。学生可以在挥汗如雨、酣畅淋漓的训练过程中, 遗忘外界带来的所有压力, 回归本真的自己。

(四) 改善仪态, 让学生体态更加优雅

一个人的仪态, 是决定着企业对其第一印象的核心因素, 坐姿、站姿、走姿, 姿态上的每个细节, 都是外人判定一个人素质的基准。所以, 学生想要在后续的社会发展中更加有竞争力, 就要矫正其不正确的姿态, 而健美操最为主要的功能之一便是纠正姿态、修正体型。力量型的操注重体现气势与自信, 可以纠正驼背、探头、习惯性低头等不良姿态, 呈现出更加刚正、自信的姿态。柔性的操则能够在矫正体形、挺拔身姿的同时让学生的站姿、坐姿与走姿更加自然, 不会显得生硬, 这样一来也能够在与他人的交流过程中给人更好的印象。姿态得到改善, 学生会在与人交流和交往时显得更加自信, 摆脱因不良姿态凸显出的不自信、胆怯、粗俗和生硬等印象, 这对学生的一生都非常有益。

二、健美操的艺术鉴赏

健美操同时具有教育性与鉴赏性。无论是团体操、搏击操、动感单车等日常的健美操类型, 或是专业的竞赛性健美操, 都能够在观赏时带给学生在视觉、听觉等多个方面的享受, 提升学生对艺术的感受能力与鉴赏能力, 特别是竞赛性的专业健美操, 其对韵律、节奏、参与人员之间的配合以及动作的难度, 都有更高层次的要求, 所以在观赏中, 学生能够更加明显地感觉到成员之间的高度统一性与协调性。而且能够随着乐曲以及表演者的动作变化, 深入感受表演者希望营造出的意境, 或空灵, 或热烈, 或欢快, 或刚劲。表演者的表现方式不同, 诠释出的感觉也会完全不同, 情感也会完全不同, 非常值得分析与研究。

(一) 传统健美操的鉴赏价值

传统健美操的类型是较为丰富的, 这也使其鉴赏性有了进一步提升。例如, 动感单车的表演, 传达出的是自然、青春、热情、积极、健康的感觉, 通过观赏, 能够充分感受到表演者在表演中所传达出的青春、阳关美感, 如同海滩上的阳光一样, 清新、热烈。搏击操传达出的则是刚毅、强劲、自信的力量美, 注重让人感受到如同拳手一样的帅气与野性。柔性健身操传达出的则是高雅、柔韧、淡然的自然美感, 注重让人感受到如兰、竹一样的雅致之美。每种操的美感不同, 传达出的理念也各不相同, 这便给予欣赏者更加多元化的欣赏体验。正是这样的多元化欣赏, 才能够充分满足当今学生的多元化艺术需求, 在欣赏过程中, 培养学生的审美能力。

(二) 专业竞技性健美操的鉴赏价值

相较传统的健美操来说, 专业的竞技性健美操是经过更加系统的人员选拔、技能训练以及演出编排的, 因此, 就观赏性来说, 必然是要比普通健美操更胜一筹的。首先, 竞技性的专业健美操, 在人员的选拔上更加重视整体性与统一性, 在表演时, 也会带给观众更加舒适的观赏体验。其次, 在动作的编排上, 竞技性的健美操会更加注重技术性, 难度也会更高, 在欣赏时, 抛接、层叠等高难度的动作, 会让观众感到更加惊艳, 受到视觉上的冲击。最后, 在演出编排上会更加专业, 更加注重选曲与表演动作的协调性以及表演的整体意境。因此, 在观赏时, 观众能够更加明确地感受到整个表演所要表达的主题与情感, 在感受与体验的过程中得到思想上的熏陶。

三、结语

近年来, 素质教育开始大规模普及, 成为国教育领域的主流趋势, 毫无疑问, 人的各项素质中, 身体与精神素质都是至关重要的。在以上的分析中, 我们已经充分探讨了健美操对于改善学生身体与精神状态的重要作用, 可以说是确保学生身心健康成长、提升学生精神境界与鉴赏能力的有效措施。通过多方面的分析结果来看, 健美操的学习与鉴赏必然是今后我国教育领域实行全面素质的主要趋势, 无论是学校还是家长, 其最终的教育目标都是身心的全面发展。所以, 教育领域只有认清趋势, 将健美操的学习与鉴赏更好地渗透到教学当中, 让学生在提升知识量的同时, 能够借助健美操来缓解身心压力、改善体育精神状态, 才能够以更加充沛的精力以及更好的心态迎接今后的学习与工作。

参考文献

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[6]郑丽娟.健美操艺术化教学的探索与思考[J].武汉体育学院学报, 2007, 41 (1) .

艺术实践与欣赏 篇10

一、美术欣赏教学在高校素质教育中的作用

大学生的思想品德不是先天具有的,也不是后天自发形成的,而是在社会、家庭,特别是在学校教育中形成和发展起来的,要把美术欣赏与提高学生的素质结合起来,让他们充分认识到美术欣赏及教学的作用。

第一,高校的美术欣赏教学能够“以美引善”。高校的美术欣赏教学是普通美术教育工作在高校的一种延续,是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。生动的艺术形象和直观的构思,给青年学生以启迪、感动,使他们从美术作品中感受到美,精神上获得愉悦和满足,同时在潜移默化中获取了很多人文知识,接受了思想道德教育,人的身心得以全面和谐地发展。

第二,高校的美术欣赏教学能够“以美启真”。素质教育应以培养学生的创新精神为重点。美术欣赏教学可以使学生以愉快的心理体验展开想象,现代心理学揭示,兴趣和愉快的心情可以为复杂繁重的智力活动提供最佳的情绪背景。好的美术作品,可以充分发挥学生丰富的想象力,使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。

第三,高校的美术欣赏教学能够“以美怡情”。美术欣赏教学对学生进行心理素质教育的过程中,要培养学生的爱美心理,使他们对美有一个正确的认识和概念,学会欣赏美、表现美。所以广大学生可以通过艺术作品这一媒介与作者进行心灵对话,使自己的心灵得到熏陶、感染、净化与提升,从而使学生的认知心理、情性心理、社会心理得到和谐发展。此外,美术欣赏还可以通过各种形式和方法培养学生的宽容心理和创造心理等。

二、美术欣赏教学的特征

1. 美术欣赏教学中的人文性

美术欣赏教学主要以完美的形象、卓越的艺术技巧来拨动人的心弦,使人与之共鸣,精神奋发,从而产生强烈的教育效果。通过中外美术作品欣赏,让学生基本了解中外美术史上一些有代表性的美术作品,对丰富的古代文化和艺术遗产有一个初步的认识,引导学生去理解、领会和感受艺术的美。

2. 美术欣赏教学中的自主性

美术欣赏教学更是主客体的统一,欣赏活动必须依赖学生主体的直接参与,才能激发学生对作品的真切感受,才有利于学生欣赏能力的养成。教师过多过细的讲解,既不利于学生对作品的真切感受,又不利于学生欣赏能力的养成。教师要转变观念,由知识的占有人转变为引导学生学习的人,教师的知识和经验成为学生可利用的资源之一,教师的任务由过去单纯传授知识为主,转变为启发诱导、教会学生学习的方法与信息的优化选择为主。

3. 美术欣赏教学中的创造性

美术教学要重视学生个性与创新精神的培养,使学生思维的流畅性、灵活性和独特性得到发展,最大限度地开发学生的创造潜能,并重视实践能力的培养,使学生具有将创新观念转化为具体成果的能力。在教学堂教学中,教师要积极创设生动和谐的氛围,鼓励学生展开想象的能力,发挥创新的潜能,做到敢想、敢说、敢做、敢画,教师要充分发挥教学激励的功能,培养学生的创新意识。

三、美术欣赏教学与审美价值的培养

1. 培养学生在美术欣赏中与画面交流

美术教学强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术价值观念。美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。在美术欣赏教学中需要教师对学生作适当的引导和激发,其过程可分为三个步骤:其一是引发学生的情感,教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节,特别是一些引人入胜的细节,如蒙娜丽神秘的微笑等等,再通过生动恰当的语言描述,以此为突破口引发学生的注意力和兴趣;其二是适当提出一些问题来激发学生的想象,但是问题不要太多,要少而精,重点要突出;其三要以肯定的态度来评价学生的回答。

2. 教会学生领悟美术作品的文化情境

任何美术作品都不是孤立存在的,都是在一定的文化环境中创造出来的,艺术家在创造艺术作品时,不可避免地受到所处环境的影响。在美术欣赏教学时,不能单讲技法,要把美术作品放在一定的文化环境中去学习,理解作品的内涵,了解作品产生的时代背景和相关的历史故事。在进行美术欣赏教学时,把教学内与教学外、校内与校外的活动相结合,与学生的生活经验密切联系,扩大学生的视野,增强他们的感性认识,创造一个更为广阔的文化情境。

3. 提高学生欣赏的创造性思维能力

任何一件优秀的作品,不同的人,在不同的情况下欣赏,都会有不同的感受,这也正是美术欣赏的魅力所在。美术欣赏教学应该注意培养学生的创造性思维,在教学中,教师要对学生的看法、观点持有正确的态度,让学生体验到成功的喜悦,才能激起学生更大的兴趣,才能引发学生继续学习的动力。美术欣赏教学应该看重其学习的过程,不要过于追求结果,要学会研究问题的方法,锻炼独创思维的能力,增强美术欣赏的兴趣,从而有利于他们进行积极思维,提高学习效率。美术教师在教学中要紧紧围绕素质教育的核心,以新教学标准为开展美术教育工作的指针,引导学生主动参与,鼓励学生大胆创新,注重学生的个性发展,使美术教学重点逐渐从传统的以传授美术技能技巧为主的单一模式转到全方位的、多元化的、开放型的、以美术文化渗透为主的教学新模式的轨道上来,促进学生身心全面、健康、和谐地发展。

4. 开发学生欣赏的发散性思维

教师要解放自己的思想,采用生动、灵活的教学方法去诱发学生的创作灵感。为了造就将来有充分艺术创造力的画家,为了培养一代充满创造力的现代人,我们应高度尊重、保护、鼓励学生的自由活动和想象空间,培养学生发散性思维,从而使学生发挥特长,表现个性,提高美术欣赏能力。美术教师在平常的教学中让学生真正有自己的活动,学生的个性就会明显地表现出来。学生在进行美术欣赏时都有一个对艺术的认识和理解的过程,最初他们是从个人的角度开始思考,他们觉得画得“像”的就是好,而有些他们认为画得不“像”的作品却被老师当成世界名画加以介绍。正是这些反差,他们渐渐会发现艺术品并不是以画得像不像做唯一标准。有了这些思考以后,学生才会关心艺术到底是什么,教师要大胆放手让学生去体验生活,让每个学生发挥出丰富的想象力和创造力。

总之,学校美术教育是在全面发展素质教育的思想指导下,通过美术活动的方式培养学生,其目的不是培养专业美术家,而是通过美术教育让学生掌握美术方面的知识,培养学生美术方面的能力和素质,根本目的是让学生用一种美好的心态面对社会、面对未来。因此,学校要加强教学的实效性和促进教育功能延伸的职能性,充分运用各种教学手段,不断探索新的教学模式和思路。另外,培养既有扎实的专业基础知识,又能懂得鉴赏美和创造美的高素质的美术教师。同时,在教学中要以提高学生的审美能力、欣赏能力为已任,使美育更深入地渗透到学生学习中。

参考文献

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