今天小编给大家找来了《艺术家论文范文(精选3篇)》，仅供参考，大家一起来看看吧。摘要：通过对艺术表现的探究，揭示艺术创造的内含与本质是创造美。并将美的表现分为自然美与艺术美两个层次给予阐述。在此基础上讨论艺术风格的形成和艺术家所应具备的基本修养，最后将这一基本修养归纳为：丰富的生活体验、渊博的学识修养和高妙的表现技巧三个方面。关键词：艺术创造；风格；修养；生活艺术是表现美的。
第一篇：艺术家论文范文
女性艺术家的艺术认知与作品探究
内容摘要 随着世界范围内文化的不断发展，女性艺术家在艺术舞台上拥有着愈加广阔的发展空间，思想观念也有所转变，对于艺术的实质、作品的创作都有了不一样的见解。女性艺术家开始勇敢的走进人们的视野之中，对于当代艺术的构建产生了显著的积极作用。为了更好诠释这样现状产生的原因，笔者选择通过女性艺术家对于艺术认知和所创作作品两个领域进行分析，尽可能全面的了解当代女性所存在的艺术标准、产生的艺术模式。
关键词 女性艺术家;艺术认知;作品探究
对于艺术本身的了解，不能够局限于艺术的形成、理论文字的单调阐述，还需要艺术家通过自身创作的每一个环节去感受“何为艺术”。不同领域的艺术家对于艺术的理解有所不同，不同性别的艺术家对于艺术的理解也有所不同，他们选择的落脚点也有着一定的差异。现代社会的女性艺术家进行创作的艺术作品更加注重彰显自身的个性，也更加的追求作品的私密性，使用的色彩也更为的亮眼。与男性艺术家创作的作品显著不同的是，大部分的女性艺术家会选择与生活相关的主题进行艺术创作，也是在这样的过程中，逐渐摸索出来了独具女性魅力的艺术风格。
1 女性艺术家的艺术认知
1.1 当代艺术现状
不同时代的艺术风格千差万别，所谓当代艺术，仅仅指代的是当时所处阶段的艺术形态，所代表的是那个时间阶段中形成的精神内容、存在形式以及具体内容。正因为不同阶段的艺术之间差异显著，所以后人进行分析的时候能够设定较为准确的时间界点进了，便形成了当代艺术。笔者认为，对于当代艺术的分析可以选择从多个方面进行：首先，便是所处时代艺术家以及观赏者的思维模式，其次，则是艺术创作涉及到的技术发展状况，最后，便是立足于当代的客观发展环境中。任何艺术家都不能够忽视历史与所处时代的实际情况，这对艺术的创造造成了直接的影响。在这其中，女性艺术家对于艺术的认知，也是随着时代的发展而不断的变化，对于艺术形成的结构也拥有了更为清晰的理解，加深了对当代艺术的看法。
1.2 艺术作品的创造状况
对于艺术家而言，每一个身处的当下，都是不可替代的绝妙创意，而着独一无二的感受恰恰是通过自己的艺术作品进行表达的，当下正是艺术创作的破茧之时。在艺术家创造的作品中，所谓的当代艺术，转化为了精巧的思维与精神，已然与作品进行了融合。这就表示，艺术家本身的世界观、人生观、价值观都能够直接影响作品的整体塑造，也正是因为三个领域的千差万别，艺术作品也能够拥有独特的魅力风格。当代艺术所追求的完美艺术作品，也正是那些无法被复制的绝美景色。为了实现这样的目的，不同的艺术家开始发掘那些未被人们认知的真理，扩展更为广阔的艺术创作空间。国际局势的激烈碰撞，擦出了变化极快的社会价值，艺术家意识到应当重新去思考人和社会、自然之间的复杂联系，通过作品去描述。使得作品沾染了时代个性化的特征。
2 女性艺术家的艺术认知特征
2.1 独具魅力的艺术认知方向
女性与男性天然的区别，在艺术领域塑造了差异巨大的艺术认知方向。大部分的男性艺术家，往往追求的是超然的艺术作品，与生活、个人情绪相比较而言，普遍会选择一些客观规律、哲学理论等作为灵感与主题进行艺术作品创作，表现出天然的理性主导艺术思维。而女性艺术家更多的会选择与生活联系较为紧密的主题和素材进行艺术创作，透过作品能够感受到来自于女性的丰富内心以及细腻的情感。也能够感受到起伏较大的情绪变化。当代被人们所关注的女性艺术家P rune Nourry，来自于热情奔放的巴黎，她进行的艺术创作始终围绕着人类自我选择的过程与方法。透过Prune Nourry的作品可以看到，当代她所关注的是印度与中国所存在的人口问题，涉及范围极其广泛，涵盖了重男轻女的性别歧视问题，以及由此所衍生的社会伦理状况。
女性天然的柔性思维方式，产生了感性的艺术作品。即便这个过程中，一些艺术家认为，女性艺术家创作的艺术作品缺少理性分析，也毫不掩盖这些作品对于弱势群体的勇敢维护，使其在整个艺术界被人们所关注，长期发展下来，反而推动了女性艺术家独特艺术认知的形成，通过自身认知方向的塑造，创造了大量让人们心感震撼的艺术作品。来自于女性本身的柔性光芒带给了她们作品独有的魅力，能够捕捉到男性所无法察觉的生活之美。除此之外，生理方面使得女性艺术加对于艺术的认知具有一定的发散特性，一方面提供给艺术作品独特的文化底蕴，另一方面也带给了女性艺术家群体发展的限制阻碍。
这些阻碍女性艺术家更好认知艺术本质的因由，不仅仅来自于生理的天然限制，还来自于社会带给女性的枷锁。这一点进行女性主义创作的女性艺术家Judy Chicago的作品有着较为深刻的诠释。作为美国“女性主义艺术”的先行者，在她的作品中，透过女性艺术家独有的视角，去对社会中所存在的一些“男性统治艺术”进行了一系列的批判。比如她举办了《女人之屋》艺术展览，通过自己的艺术作品去表达女性的独立性。在她认为，女性不仅仅应当投身于家庭责任之中，男性需要与其一起承担。这也是女性艺术家的艰难现状，也是正在坚持自己理想的女性真实心声。
2.2 作品的感性特征
在女性艺术家进行艺术创作的时候，往往会因为自身的感性特征让作品富有更加丰富的情绪表达，使得观赏者也会被这些情感吸引。这也使得女性艺术家进行的艺术创作更加的真实，使得人们在进行欣赏的时候，会立足于所设计的场景中，久久难以平复心绪。在2010年的时候，艺术家Prune Nourry以印度的发展状况为素材，创造了Holy daughter，这个一半为人、一半为牛的女孩引起了当地人民的强烈反应，长达三年的艺术项目，使得该雕塑形象成为了印度全新的圣女。被众人所追捧，进行游行宣传。人们通过这个雕塑形象进行思考的是人類本身，是自己的生活状态。女性艺术家以自身柔软的艺术创作形式真诚的创作，在柔软当中充满韧性的坚持自我，这也是其作品魅力所在之处。
女性生来便拥有着母性的权利与义务，这也使得女性艺术家进行创作的作品具有温度，透过艺术作品能够直接的得以体现。中国女性艺术家周雯静所进行的“一场关于节育环的展览”，因为生而为女人，所以才会为女性感到悲悯，感到温柔。她将多种多样的节育环融入到陶瓷之中，红色的墨水如同云雾一样缠绕其中，视觉冲击带来的疼痛，更让人们了解身为女人、身为母亲的不易。在那之后，她又创作了十二个不同的女性怀孕雕塑，生孕的神圣在现代逐渐被人们所忽视，正因为同为女人，所以才会不辞劳苦的去表达。正是这样的感性、感同身受，才让女性艺术家的作品更容易深入人心。发展到如今，感性已然成了女性艺术家的重要符号，她们想去掉作品中不切实际的装饰，露出作品的真实。
3 通过现代艺术思维进行艺术认知和作品创作
艺术家自身所身处的社会环境有所差别，收到的文化信息也与之不同，这就导致艺术家之间存有的艺术观念差异化，在女性艺术家群体中也存在该种现象，对艺术认知的方式和作品创作的风格都具有时代的气息。一般来说，女性艺术家进行的艺术创作具有两种典型表现，首先就是区域性表现，也就是艺术家本身进行作品创作所选择的地区，第二点则是该区域内人们生活的具体表现。这也是女性艺术家在这个时代摸索出来的艺术认知模式，从而形成了自己独有的艺术符号，进行艺术创作的时候，蕴含的艺术思维也有所进步。
当然，女性艺术家在进行艺术作品创造的过程中，不仅仅是对于艺术本身的展现，还是对于自身情感、社会现状的一种表达。这也是大多数女性艺术家进行艺术学习和创作的时候，极其重视自身精神领域的塑造和完善。艺术观念也会随着而变动，作品当中蕴含的艺术本质也会不断丰富化。每位女性艺术家在最初接触现代艺术观念的时都是非常生涩的，特别是对于从小接受正规学院派技法训练的学生来说，向现代艺术观念转变的过程较为困难，因此艺术家需要学会取舍，在语言学、哲学思维等学习中不断积累。当女性艺术家过去初步转变阶段后，会逐渐接受现代艺术观念，在艺术创作过程中不仅技术语言的运用更加熟练，思维方式也会越来越靈活，此时的女性艺术家能够不断探索自我，提升对自我的认知。
4 结论
女性艺术家透过性别所带来的天然情绪表达方式，在艺术这个舞台上发掘的独有的艺术认知模式以及作品的创作风格。在这个艰难的摸索过程中，女性艺术家群体对于艺术也有了更为全面的了解，明白了不断发展的社会环境对于自身的影响，也意识到了生活与工作应当如何抉择。女性艺术家与艺术家一般，单纯的进行艺术创作，将自身的感性与力量融入其中，透过作品表达给观赏者，留给这个时代属于女性艺术家的勇敢发声。
【参考文献】
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[4]赵云登.探究油画技巧中的情感体现[J].艺术评鉴，2018，0(2)：52-53.
(作者简介：李莹(1983.03.16--)，女，汉族，北京，本科，中国人民大学，研究方向：艺术管理。)
作者：李莹
第二篇：艺术的创造与艺术家的修养
摘要：通过对艺术表现的探究，揭示艺术创造的内含与本质是创造美。并将美的表现分为自然美与艺术美两个层次给予阐述。在此基础上讨论艺术风格的形成和艺术家所应具备的基本修养，最后将这一基本修养归纳为：丰富的生活体验、渊博的学识修养和高妙的表现技巧三个方面。
关键词：艺术创造；风格；修养；生活
艺术是表现美的。诗是美的，画是美的，春天是美的。诗画是艺术的美，春天是自然的美。可以说美无时无刻都存在于大自然的每个角落，所以西方美术家就有“美在于发现”的说法。艺术美是艺术家对那些风花雪月、昼夜朝暮、春夏秋冬、山水云霞、阴晴雨露等自然美的发现感知，经过幽思妙悟、性灵才情创造性的表现出来，使之成为更集中、更典型、更强烈的美。这种美就是艺术的创造。
郭六芳《舟还长沙》说：
侬家家住两湖东，十二珠帘夕照红。
今日忽从江上望，始知家在画图中。
这首诗正是说出了她对美的发现过程。“十二珠帘夕照红”是自然美的展现，当作者主观审美(心灵)与客观美(自然)的存在发生碰撞时，产生火花，灵溶升华为艺术美。而这一艺术美的外现形式就是诗。如果不是诗的话就会是音乐，抑或是绘画等其他艺术形式。这自然界的落花流水、云卷云舒、春风秋月、白雪彩霞不是被贝多芬、肖邦、柴科夫斯基等化做优美的乐曲，就是被陶渊明、王维、苏东坡等变成美妙的诗文，或是被范宽、李成、柯罗、莫奈等人画作迷人的图画……艺术家对于自然美的发掘与感知总是超出常人的，因而他们能成为美的创造者。
自然世界和人类生活是艺术创作的源泉。艺术不但表现自然美，也善于表现人生境界和精神情感。宗白华先生曾给艺术下定义说：“艺术是人类的一种创作性技能。她创造出一种具体客观的感觉对象，这个对象能引起我们精神的愉悦，并有悠久的价值。对艺术家而言，艺术是艺术家个人精神、理想、情感的具体化、客观化，是内在精神的外现，所谓的自我表现”。因此艺术的创作不仅仅是以实用为目的的，而在更高层次上是一种人类精神自我实现的需要，从纯艺术的角度来看她是纯粹精神意义的。
弘一法师曾把人生的追求分为三种境界：一是物质境界，二是精神境界，三是灵魂的境界。而艺术和宗教正是建立在物质和精神之上的灵魂境界。宗白华在《美学散步》中把人的境界分为五种：为满足生理的物质需要而有功利境界，因人群共存互爱的关系而有伦理境界，因人群组合互制的关系而有政治境界，因穷研物理追求智慧而有学术境界，因欲返本归真、冥和天人而有宗教境界。功利境界主于利，伦理境界主于爱，政治境界主于权，学术境界主于真，宗教境界主于神。介于学术境界和宗教境界之间的艺术境界，以宇宙人生的具体为对象，赏玩它的色相、秩序与和谐，借以窥见自我，反映最深心灵。艺术境界主于美。
由此可见，艺术的左邻是哲学，右舍是宗教，艺术是人类精神的追求和生命的创造。不敢想象一个没有创造的人生是多么的空虚无聊，枯燥乏味。人类不断的通过艺术创造来得到精神的充实和生命价值的实现。德国哲学家叔本华指出“痛苦和无聊是人生的两大基本因素，而人生则是在痛苦与无聊之间摆动的钟摆。生命的欲求是无止境的，当一个人的欲求得不到满足时就产生痛苦。普通人认为欲望满足后就不再痛苦，然而空虚无聊便会立刻袭来。为了消除无聊就产生了新的欲求，又进入到无边的痛苦轮回。要摆脱无聊痛苦，就得摆脱欲求的奴役。对于个人则偏于消极，但艺术却是可以和谐人生。”看来艺术也是解脱痛苦和超越人生的心灵慰藉。创造艺术的艺术家估定事物的价值全以它是否能纳入生命的和谐为标准。他能看重一般人所看轻的，也能看轻一般人所看重的。在看轻一件事物时，他知道摆脱，在看重一件事物时，他知道执着。在某种意义上，人生更像艺术，每个人的生命史就是他的作品。在这个作品中，人们探索着人与自然的和谐，人与社会的和谐。
艺术的创造最终付诸于艺术的形式与风格。艺术家的人生经历和精神追求决定了艺术创作的风格。在西方一直流传着“风格即人”的说法，即不同的个性气质形成不同的艺术风格，正如中国艺术家所说的“艺如其人”。同时，艺术家的艺术风格也不是一成不变的。由于人生遭遇的变化，思想感情的发展，艺术表现手法的成熟，艺术修养的丰富，都会使艺术家在不同时期产生不同特点的艺术品。艺术的创作除了展现个性精神外，还充分的表现着时代的精神。生活是艺术创作的基础，一个时代的生活方式决定了这时代的意识形态，而意识形态决定着艺术精神。时代的矛盾也是艺术的矛盾，人生的和谐也是艺术的和谐。伟大的艺术家总是能够敏锐地把握住时代的精神，自觉不自觉地在自己的作品上打上时代的烙印。
艺术的创造还处处突现出民族性。一个民族的地域风情、传统习惯、文化精神等长久的构成文艺创作的平台，往往在艺术作品中处处流露着民族的气息。当一首乐曲从艺术家指尖流出的时候，我们便可以猜出他的国籍。《培尔金特》浓郁的北欧风情，爵士乐独特的美国情调。一个民族的文化艺术很大程度上代表着一个民族的风情气质而成为国际通用语言，我们能从艺术中感受这个民族的深层灵魂。俄罗斯芭蕾的高贵优美，爱尔兰风笛的浪漫抒情，中华民族则在琴棋书画中展示着微妙、儒雅的东方韵致。
毕竟艺术创造的主角还是艺术家，因而艺术家决定着艺术的内容并创造着艺术形式，最终赋予艺术之生命。他或是用自己的画笔去揭示蕴含于万物中的美韵，或是用一个个音符记录下心灵与宇宙交融的生命节奏。要么在虚空与充实之间感悟花开花落、春去春回，要么在灵魂交汇中体味世间的喜怒哀乐、酸甜苦辣。他们不是借物抒怀就是融情于物。他们能像世间的精灵一样来往于现实界和理想国，穿梭于物的世界与神的境界。他们勤奋工作为现世灵魂搭建着通往美丽世界的七彩虹桥。
他们之所以能神游于宇宙大化之中，构建奇妙的艺术胜境，一半儿是他们具有天才的创造力，一半儿是他们勤奋执着。宗白华说：“艺术创造的能力乃根于天成，虽然受理性学识的指导与扩充，但不是由学术所能造成或完满的。”艺术的创造往往是天才自然冲动的结果。那些顶尖的艺术大师首先是天生就有创造才能的人，他们有着非凡的悟性与才情。虽然艺术的创造离开超人的悟性与才情是不行的，但是艺术的创造也不仅仅是靠灵光一现就可以实现的，它还需要艺术家诸多方面的修养。如果把天生之才比作鱼的话，后天的修养则就是水。当生活经验、知识沉淀、技法修炼到一定广度与深度时，创造的灵感才会处处涌现，左右逢源。下面我们再讨论一下艺术家的修养：
一、生活体验
艺术创作的冲动多源于对生活与自然的真切感悟，因此体验生活就是艺术家求得艺术灵感的必经之路。象牙塔里闭门造车只会才思渐渐枯竭、艺术日趋平庸，只有经常沉入生活实际，才能拥有无穷的创作源泉，而对于生活的深入需要拿出“搜尽奇峰打草
稿”(石涛)、“语不惊人死不休”(杜甫)的精神。范宽之所以成为山水画的巨匠，与他终年游冶于太华终南自然山水中的生活体验有关。他“舍其旧习，卜居于终南太华岩隈林麓之间”，“常危坐终日，纵目四顾，以求其趣，虽雪月之际必徘徊凝览以发思虑”。像这样深入的体会自然山水，必然能创作出情景交融绝妙的山水画。老舍之所以能绘声绘色的描写大杂院，是因为他住过大杂院，有着大杂院的切身生活。他之所以能栩栩如生的描写洋车夫，也是因为他的许多朋友是以拉车为生的。而卓别林在青少年时代由于家境的贫困，经常过着流浪儿的生活，对贫民窟的生活有深切的感受，对工人的境况十分熟悉和同情，因而才能创演《摩登时代》。由此可见，生活的体验是艺术创造的根本基础，只有深入到生活的本质里去，体味真切的感受，才能表现出生活的“真性情”。
二、学识修养
如果说生活修养是艺术家的必要素质，那么学识的修养就是艺术家素养的另一个重要素质。艺术家只有具备广博的知识，见多而识远，才能够“会当凌绝顶，一览众山小”，厚积而薄发，创作出可以名世的经典作品。历史上优秀的艺术家无不是学识渊博，多才多艺，如达·芬奇是自然科学家、工程师、机械学家，更是一位杰出的画家；米开朗基罗不仅是雕刻家、画家、还是建筑师。如果曹雪芹没有广博的知识，他就不可能在《红楼梦》中尽情描写关于诗词歌赋、工艺美术、建筑园艺、医药烹调以至农业方面的内容。
对于人类传统文化的学习，有利于提高艺术家的审美水平和艺术素质。而对于各类艺术的学习，可以使艺术家触类旁通，获得举一反三、事半功倍的效果。意大利著名的电影演员吉娜·劳洛勃丽吉达，以卓越的才能塑造了许多性格鲜明的银幕形象，尤其是《巴黎圣母院》中的爱斯梅拉达。她之所以获誉世界影坛，与她多才多艺和对艺术有较深的造诣分不开的。她学习舞蹈，舞姿优美，技艺娴熟；她学习绘画，曾以卖画为生；她是一位摄影艺术家，曾举办过多次摄影展并出版了摄影集；她是一位音乐爱好者，歌喉委婉动听；此外她还做过制片人兼导演，在拍完最后一部影片告别银幕后，她又以自己的经历和生活为素材从事小说创作。
三、表现技巧
艺术创作的才华大多来源于生活经验与艺术素质，而艺术创造的实现，则依赖于表现技巧的熟练。如果说具有深厚的生活经验与文化素养，而不具备表现艺术的手段和技能的话，那只能作欣赏者或是艺术评论家，而不能成为创作者。艺术家首先是一个艺人，是一个活儿做得很漂亮的手艺人。朱光潜曾说：“凡是艺术家都须一半是诗人，一半是匠人。他要有诗人的妙悟，要有匠人的手腕。”艺术家正是通过“匠人的手腕”显示出了自己的思想、学养和人格。艺术表现的基本功是需要长期训练的，拳不离手、曲不离口，夏练三伏、冬练三九，所谓“台上三分钟，台下十年功”。王羲之若没有“临池学书，池水为墨”的功夫是不会成为书圣的。
艺术的表现技巧是一种语言，普通人正是因为没有掌握这门语言而无法将心中美的感受表达出来，所以才有“茶壶装饺子，有口倒不出”的遗憾，而艺术家正是靠他那高超卓绝的技艺将心灵中的真善美表现出来。
我们将学识的修养称作“练心”，把表现技巧的训练称为“练手”。练心与练手不可偏废，艺术创作的自由境界正是艺术家心摹手追，心手相师，十年磨一剑的结果。这用苏东坡的话说就是“智者创物”!
[责任编辑 柏一林]
作者：周红艺
第三篇：商界艺术家
艺术正in，商业正up
1992年，艺术批评家吕澎就提出“艺术走向市场”的口号。26年后的今天，艺术与商业早已是互惠互利，你中有我，我中有你，让社会生活变得越来越好。越来越多商业体和品牌，通过与艺术联姻成功打造了自身lP。lP商业代表了一种新的思维方式和商业哲学，艺术嫁接下的商业IP为商业环境带来的温度，让我们的生活变得愈加多彩。
TREND
1.购物中心看展
在购物中心里看展览，正在成为新的消费趋势。最近两年开出的购物中心都或多或少、或大或小地将艺术文创纳入到了自己的业态配比中，除了举办展览之外，各种艺术装置在商场中的呈现也是一大潮流。
2.地产项目配套美术馆
在购物中心之外，越来越多的地产公司开始把美术馆作为项目文化配套，纳入规划之中。从配套物业、配套商业、配套酒店，到配套美术馆，这是社会经济发展自身爆发的文化需求。
3.品牌举办艺术展
在品牌与艺术的跨界模式中，品牌举办或是赞助艺术展成为近几年常见的一种合作方式。例如近年来在全球巡回展出的“文化香奈儿”展，将启发设计师创作灵感的艺术品、CHANEL经典设计，以及反过来以CHANEL为灵感创作的艺术品摆在一起，让参观者能直观地感受到艺术与CHANEL之间的紧密联系。
4.品牌牵手艺术家
品牌跨界与艺术家合作，推出限量款商品，这已经在时下成为了一种潮流。对一些品牌来说，与艺术家的跨界合作不仅能提升自身的艺术品位，甚至会成为扭转经营困境的一剂良药。如日本服装品牌优衣库通过当代艺术的“逆袭”便是案例之一。
5.成立艺术基金
许多品牌在商业之外成立了自己的艺术基金。例如自1984年卡地亞当代艺术基金创立以来，每年都会举办主题展览或个展，并向艺术家签约订购艺术品作为收藏，并期望将这种支持扩展到社会和公众。卡地亚当代艺术基金会的成立还致使法国政府专门通过了一项令商业性赞助合法化的全新法令，对商业与艺术的结合起到了前所未有的推动作用。
THINKING
Key1：艺术在提升品牌业绩的同时，又塑造了品牌的形象，扩大了影响力，而这也就是为什么会有越来越多的品牌选择跨界艺术的原因。
Key2：随着物质的极大满足，消费模式在不断发生变化，消费者越来越注重消费过程中的心理满足和情感愉悦，消费不仅仅是购物，更是一种生活方式，完成了从物到人的回归，通过消费展示自己的品位和审美。
Key3：购物中心与艺术相结合可以有效进行差异化竞争，吸引消费者更多地停留在购物中心。大IP化的思路不是单纯依靠艺术IP既有的粉丝带动人流，而是通过一个个IP、一次次活动运营，将项目自己打造成“大IP”。
EXAMPLE
侨福芳草地·完美融合商业与艺术
以北京侨福芳草地为代表的艺术文化主题购物中心，并不仅只是在购物中心中摆上几件艺术品，而是研究购物中心如何与艺术共存，如今，艺术主题商场方兴未艾，不少新建的项目也喜欢标榜自己的“艺术元素”。但提到这类项目，侨福芳草地是绕不过去的经典案例。侨福芳草地是集写字楼、时尚购物中心、艺术中心和精品酒店于一身的创新建筑，摆放着的30余件达利雕塑，是西班牙境外最丰富的达利真品收藏。而这只是建筑内外艺术品中的一小部分。粗略统计，侨福芳草地的艺术品至少在1000件以上，并且不时会有一些新艺术品替换掉旧的，始终保持新鲜感。它们与建筑相融合，散发出属于侨福芳草地的独特气质。
优衣库·用艺术起死回生
曾经优衣库在日本是“廉价货”的代名词，直至2005年，日本广告业界与设计业界的风云人物佐藤可士和出任优衣库创意总监。他将优衣库的T恤与艺术结合，频繁地与全球设计师和艺术家合作，将优衣库提升为个性化的时尚潮牌。从那时至今，优衣库对艺术的热爱有增无减——和美国纽约现代艺术博物馆MoMA合作，赞助MoMA“周五免费之夜”;与纽约街头艺术家Kaws联合推出的UT合作系列在中国上市;2018年又迎来了可能是迄今最令粉丝激动的一个系列：《周刊少年JUMP》创刊50周年合作款……
iPhone·把技术变成艺术
iPhone的核心竞争力，就是把技术变成了艺术，让产品成为了作品。它的核心竞争力，是感性的智慧，创始人乔布斯喜欢人文与科学的交集，这种交集有种魔力，是苹果与人产生共鸣的原因。苹果做的不仅仅是产品，而是能表达自己的艺术品。现在每一款苹果产品，都是这种艺术情怀的体现。
安迪·沃霍尔：商品稍纵即逝唯有艺术永恒
安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。
波普艺术是以安迪-沃霍尔为领袖所出现的典型西方文化现象，作为一种国际性的文化思潮，从二十世纪五十年代末产生一直持续至今。
有人说他的伟大在于不凡的创造力，而让他永留于世的真正原因恐怕是他那不断打破传统游戏规则的精神，将商品与艺术完美融合。
艰难前行依然追求艺术
安迪·沃霍尔出生于美国宾夕法尼亚州的匹斯堡，是捷克移民的后裔，生长在一个贫民区。当时正值二十世纪30年代大萧条，食物短缺是常有的事。小时候，沃霍尔经历过三次精神崩溃，这是一种名为“风湿性舞蹈症”的神经系统疾病，分别在他8岁、9岁、10岁那年暑假发作。那几年夏天，他都是闭门不出、躺在床上度过的，听着收音机，抱着玩偶，剪着纸娃娃。敏感渐渐成为他挥之不去的自卑点，他总觉得自己在同龄人中不受欢迎，没有人会对自己倾吐心事。还好，母亲给了他大量的关爱，不时找来彩色杂志、漫画，这些无形之中影响了他日后的作品。沃霍尔喜欢涂涂画画，每当他完成一幅好的画，母亲便会奖励他一条巧克力棒，并鼓励他给画上色。
安迪·沃霍尔在21岁的时候离开了匹斯堡去纽约寻找发展机会。是来找寻艺术家的梦想的，但现实让他只能先成为一名商业插画师来谋生。为了省钱，他不断搬家，与不同的室友同住，一度曾跟17个人住在一个地下室里。那些日子，蟑螂给沃霍尔留下了深刻的印象，他所住过的每一间公寓都有一大堆蟑螂。一次，他带着作品集到《时尚芭莎燎志办公室，谁知拉开作品集拉链，蟑螂便爬了出来。这样的经历让沃霍尔感到羞辱不已。他明白要在美国的视觉艺术上获得成就，就必须让人们看到他知道他的存在，大众传媒给了他许多启示。
经过几年坚持不懈的拼命努力以及不变的信念，安迪·沃霍尔在纽约以商业广告绘画初获成功逐渐成为著名的商业设计师，他设计过贺卡、橱窗展示、商业广告插图，这些经历决定了他的作品具有商业化倾向的风格。他的作品于该年在纽约崭露头角，在著名的工作室“工厂”(Factory)内聘请了一组工作团队，摒弃古典艺术，立志从事于颠覆传统的概念创作。“大量复制”当代著名人物的脸孔就是其中之一。
为什么可口可乐不能成为艺术品
沃霍尔的第一件创作是可口可乐。他曾这样描述：“你在电视上看到可口可乐时，你可以知道总统喝可口可乐，利兹·泰勒喝可口可乐，你也可以喝可口可乐。你喝的可口可乐和别人喝的一样，没有钱能使你买到比街头流浪汉喝的更好的可口可乐。所有的可口可乐都是一样的，所有的可口可乐都是好的。”他琢磨着，为什么可口可乐不能成为艺术品?紧接着，有着番茄、牛肉、蛤蜊等多种口味的坎贝尔浓汤罐头也进入了他的绘画领域。1962年7月，沃霍尔以32幅《金宝罐头汤》系列画作举办了自己的首个波普艺术展，至今这32罐罐头仍在世界现当代美术史上占据一席之地。画面上，呈现出来的图案简洁明朗，带有一种干净的、几何形的、机械的模式，硕大的logo宣告着它的商品身份。以往的画家尽管也多在描绘生活，但聚焦的多是庄稼、牛车、鲜花、水果，而将可口可乐、罐头甚至美元、明星等商业对象置于画布中央，在当时是巨大的创意。这完全打破了高雅与通俗的界限。 <
h4>將艺术纳入“复制”“量产”的商业程序
沃霍尔还尝试以胶片制版和丝网印刷，将艺术纳入“复制”、“量产”程序。他将自己位于纽约东区47大道的银色工作室称为“工厂”，在这里，艺术和商业融合在了一起，所谓的艺术品被置于流水线下生产，对艺术技巧和原创性的摒弃得到了进一步强化。他的作品没有“原作”可言，全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。并且只要别人付钱，他就愿意帮助其生产版画、海报或者广告。很多作品甚至根本就是他的助手完成的，名字则是他的母亲代签的。
上世纪七八十年代，沃霍尔的影响力简直无孔不入：先后推出《安迪·沃霍尔电视秀》及《安迪·沃霍尔的十五分钟炳套电视节目，参与美国综艺节目《周六夜现场》，为摇滚乐队制作音乐片，并在时装秀及无数平面和电视广告中亮相。他毫无忌讳地应用和开拓了多种媒介和表现可能，涉足众多不同的领域，设计、绘画、雕塑、装置、录音、电影、摄影、录像、文字、广告……不变的是，对于所处时代的高度敏感。如果单纯地形容安迪·沃霍尔是一个成功的艺术家，不如说他是一个成功将艺术创作带入商品销售领域的传奇。在他的思维下，艺术与商业并行在同一条重叠的直线上，以无限大的可能前进着，他就是真正的商界艺术家。
纪达夫：建筑本就是一种艺术形式
当各类大型SHOPPING MALL遍地开花的时代来临，那些从头脑风暴中构建出新的建筑模式，从画笔中展开美好生活的建筑家们，成为了这个时代里将商业和艺术完美结合的一分子。
商业与艺术的关系，在他们的眼中不但有相辅相成的乐趣，更拥有着共生的关系。
艺术与商业的通关密语
作为国际建筑事务所Aedas的创立者、主席及全球设计董事，身兼建筑师和城市规划师的纪达夫以其高密度的各类型建筑作品和设计而蜚声国际，而他也热衷于四处讲学，尤其精通都市高密度、城市空间、都市土地利用等范畴。在纪达夫的眼中，我们的都市生活中，工作、休闲以及娱乐正在逐渐融为一体。艺术与文化现今已成为我们生活的各个方面中不可或缺的一部分。
环顾我们的四周，新兴的购物中心比比皆是，我们的生活因此变得便捷。然而在商业地产快速建立的背后，它们却在经历着自我行业内的变革与新生。它们大多试图从新的商业模式中探索出新的道路，好让自己在激烈的市场中脱颖而出。这种探索让商业操盘手们以及建筑设计师们渐渐发现，唯有全新的、耐人寻味的设计，才能让商业体拥有焕然新生的魅力，真正被大众所接受。他们找到了让文化艺术与商业氛围相互补给的通关密语。
于是我们开始看到不少的变化，商业地产竞相提供最具活力、新潮而颇具创意的氛围，艺术的融入因而变得至关重要。纪达夫说：“大多数优秀的商业产品都是由经过艺术培训的产品设计师、平面艺术家、建筑师、室内设计师等设计塑造的。优秀的商业产品和艺术是密不可分的。”
将自然与文化的记忆融人商业设计
作为一位优秀的规划师及设计师，在纪达夫的认知里，好的艺术思维是融会贯通和自由奔放的。它会创造独特而非凡的思维联系。横向的艺术思维过程在商业中非常有用，而线性思维有时会成为一种劣势。独具一格、巧思妙想的设计会使这些产品颇受消费者青睐。有时候，商业建筑不仅仅是通过后期的艺术氛围打造来成就，建筑本身就可以是一种艺术形式，就像由Aedas设计的香港国际机场中场客运廊里的玻璃壁画。他们不遗余力将绘画、雕塑及平面设计的形式融入建筑中，这样的空间、形式及形状在满足功能需求的同时，注重艺术美感且令人喻悦。纪达夫说：“我试图从自然、文化及传说中汲取设计灵感，将古老传说融入设计，采用从自然和文化艺术品附着的回忆和感触而得到的纯粹形式和形状。我希望以这种方式将当地文化、气候及地形的精粹，融汇在我的设计中。”
如今，Aedas在香港成立仅30余年时间，已经成为连续多年名列全球前十的最大以及最成功的建筑事务所之一，纪达夫的设计和商业决策十分直观，但全部源于对建筑设计、商业现状及变幻莫测的国际建筑开发市场扎实和深入的理解。Aedas是成功的，因为它的领导者和运营者们是由拥有商业天赋的出色建筑设计师组成，而非仅对建筑有一定理解的生意人。
AEDAS将玻璃壁画引入香港国际机场中场客运廊的设计理念中
郑州正弘航空港区办公搂项目设计取意于蜿蜒的九曲黄河
黄辉：字里话外皆艺术
她是华尔街精英、企业高管，却选择华丽转身创业，做一个从不曾涉足的行业。
艺术是什么?黄辉告诉我们，艺术是文字的缝隙里传递的故事，艺术是博物馆藏品的前世今生，艺术是一道菜的爱与奉献，最重要的，字里话外皆艺术。
念诗的CFO
“为什么创办好字在?”很多人曾这样问过黄辉。
毕业于上海交通大學、沃顿商学院MBA，拥有高盛、波士顿顾问集团工作经历，曾任人人网董事、前CFO(首席财务官)，从华尔街精英、职业经理人，转型做文字艺术，黄辉的跨界不可谓不大。
其实，早在人人网时，黄辉就以文字艺术爱好者著称。
人人网的高管都知道，开例会时，黄辉会吟上几句诗。作为CFO的黄辉，了解公司的整体运营和财务状况，当她念到“撑天一根担日月，拔地千笋写春秋”，大家欣喜本月业绩不错，而如果她说“问君能有几多愁，恰似一江春水向东流”，大家就领悟本月不尽人意了。
变着花样用不同的或积极或惆怅的诗歌做工作汇报，在这家以理工人为主的互联网公司，黄辉如一股清流，带动着“程序员”们也开始了解中国传统文化。
2014年底，黄辉步入职场已经20载。那段时间，她在台湾地区生活了两年，被当地浓浓的传统文化氛围所吸引。在中国这片广袤的土地上，更是需要让越来越多的人了解先人的文化，总得有人站出来。
年轻时，我们在职业的发展路上奋斗，追求的是房子、车子，而到了一定的年龄和阅历，往往开始追求更深层次的东西。比如，有的人爱上了品茶，有的人爱上了艺术品，而黄辉迷恋上了汉字艺术。
卿卿为什么卿？
说起汉字，黄辉瞬间“high”了，每个文字都是她的收藏，每个文字都是一位亲切的朋友，当看到路牌、菜名、广告甚至生活中的其他事物，她的脑子就像放电影一股闪现出它们背后的故事。
一次听张军的昆曲，那是一场由莎士比亚戏剧改编的戏曲，台上用唱腔念到“卿卿”，如果不了解，可能会以为唱的是“亲亲”，而了解中国文字，才知道是“卿卿”。两人对坐吃饭，则为“卿”，能在一起吃饭的关系，肯定是亲密的朋友或恋人、家人了。
创业后黄辉也曾有过挣扎，她义无反顾一脚踏入从未接触过的行业，也曾迷茫地没有方向。而最大的收获，便是在一场场活动中，能遇到志同道合之人。
2016年，她认识了“汉字思维”体系创始人、2015上海十大公益项目“博物馆课堂”发起人李山川。谈起这段缘分，黄辉笑着用“事业上的闪婚”来形容。一起喝了两次咖啡，二人一拍即合，成为合伙人。
午餐是一种修炼
每个周末，“好字在”会在上海博物馆等主要及特色博物馆中举办活动。文化学习不能仅仅在书本、教室、网络，还需要去真切地去感受，“当站在这些艺术品面前，那种庄严是不能被替代的。”
黄辉的团队就在博物馆里，对着一件件艺术品讲诉它们与文字的故事。为什么有一种火锅叫豆捞?尊敬为什么是“尊”?北京著名美食街簋街的“簋”到底是什么器物?鉴定、模范等这些常用语和青铜器的渊源怎么来的?这些问题的答案都藏在博物馆的青铜器专区里。
文字与艺术是相通的，通过文字我们可以更完整更深刻地去欣赏一件艺术品，在艺术品的背后，也藏着文字的前世今生。她不是因为“说字”而说字，而是透过文字，去探索中国传统文化。
就如黄辉所说，为什么我们学习艺术，因为艺术可以让我们内心更丰富，更能积极面对人生。
所以，在面试时，最重要的一个问题是“生活中你有哪些爱好”?黄辉认为，葆有爱好的人，无论是喜欢打篮球，还是喜欢街舞、书法、马拉松，形式不同但对生活的热爱相同。
“好字在”办公室里，最热闹的时候莫过于午餐时间了。不知道什么时候起，大家形成了一种默契，每天一两位同事轮流给大家带饭。可别小看了这小小的午餐环节，大家还会根据色香味打分评价，为此都铆足了劲儿，学做菜的、请外援的，每顿午餐都惊喜连连。就如伙伴的“伙”字，“人+火”，大家一起吃饭一起聚会，才是“伙伴”。
午饭也是办公室文化?黄辉答曰：“做饭不也是一种艺术吗?我们要享受生活中的艺术。”
戴欣：愛与商业的奇迹
他是皇城根胡同里长大的男孩被媒体誉为中国“婚宴设计界的卡尔·拉格斐”，他是第一个被德国现代花艺大师葛雷欧·洛许(Greqor Lersch)称赞为最有天赋的弟子，他也是王中磊、冯小刚等众多名流政要婚礼私宴的设计者，在婚礼宴会行业里人们都会称呼他为“小熊戴欣”。
他不仅成功拓展了婚礼行业高端定制的蓝海，而且成为一位追求作品极致的艺术家和生活方式专家。
剔透盒子里的逸趣雅致
夜幕将至走进三里屯潮人聚集地的工人体育场东门，迎面就可以看见灯火阑珊的剔透盒子，“BEARFETE高端定制”几个字映入眼帘。在这个三层空间的剔透盒子里诞生了众多名人政要私人宴会的创意。这是擅长建筑设计的小熊为三十岁的自己亲手打造的生日礼物。
一条畅通的环形大楼梯就将三层空间串联起来，为了改造空间的格局小熊掘地一定深度，构建了第一层空间，也让中间第二层能成为漂浮的盒子，鹅卵石枯山水一股的基地上是第二层木质的接待空间，透过玻璃地面感受到这种漂浮。
第二层接待室精贵稀有的美酒错落有致地在一边，古董的手磨咖啡机、限量版的音响、客人送的名贵礼物都在这个空间里宁静相伴。敞开的大条桌和凌乱的草图，显得雅致不失艺术格调。第三层是小熊的私人空间，意境悠远的青山垂吊于中式桌几之后，这里随意散落着明代的石狮子、清代的珍贵漆木、恐龙化石等，在角落灯光明亮的地方是两个活物，一对别致有趣的螃蟹。
工作其实占据了睡眠之外人最长的生命时间，工作空间潜藏着一个人真正的兴致。“BEAR FETE”这个玻璃盒子的雅致沉静，逸趣十足，透露着主人的怡情雅性。
婚礼宴会行业的商业奇迹
在多数婚礼人还在打气球的时期，他就帮李湘成就一场端庄典雅绿植充盈的婚礼。在婚礼公司多数还是小作坊或者业务仅限道具租赁的时期，他就在三亚的海边建起跟酒店建筑空间融合的婚礼设计。奥运冠军杨威杨云的婚礼、国际著名宴会设计大师Preston Bailey私人晚宴、香奈儿、爱马仕、伯爵珠宝等国际奢侈品牌发布会都出自小熊之手。这些高规格的宴会不仅在美学上感染了众人，也为他带来商业模式上的成功，独有的高端宴会行业的蓝海，是由他一人亲手拓展开来。这样的婚礼才让中国人认识到真正的宴会应该是这样花香充盈、灯火璀璨、美轮美奂。
天空之城致敬DAVID BEGBIE
华谊总裁王中磊婚礼
(小熊戴欣与美国著名宴会设计大师Preston Balley交换彼此第一本签名著作，2013年在时尚集团的策划下，小熊戴欣出版了首部个人作品集《爱的盛典——我为名流定制婚礼》)
婚礼不再被视为不务正业，越来越多的具有设计功底、具有美学创意的人涌进婚礼行业，让婚礼在商业和艺术中找到契合点。婚礼人的专业素养和大型婚礼的统筹管理让人们肃然起敬，人们真正开始尊重这样一个行业。在传统中国人的理念中，婚礼是小技艺，但是现在人们真正意识到这是一门“职业”。小熊是让这个行业昂首向前的高端宴会缔造者的领军人物，打开蓝海市场让他收获商业上的成功，成就婚礼这个低频消费高单额行业的商业奇迹。
右脑人的情感艺术
跟小熊老师聊过天的人就知道，他h夹频率提纲挈领的思维方式不像刻板的左脑人，他是典型右脑发达的人。他擅长那些空间的、艺术的，充满创造力，说起设计时神采奕奕。从事婚礼那么多年说起让他印象最深刻的时候，他想起一次三亚的周年尊贵私宴，男主人富甲一方，邀请众多中国名流商贾出席这次私宴，为了补上多年前没与夫人有一个婚礼的遗憾。挺着圆肚子的男主人本想低调完成一个简单的仪式，就在两人携手登台的过程中，夫人的婚纱缠住了自己的高跟鞋，此时男主人居然跪下帮夫人解开婚纱，扶起夫人一起走上了舞台。一时间场下众人不自禁站起来鼓掌，为他那份朴素真挚的情义。婚礼的仪式感让彼此真诚的感情坦诚相对，情感才是婚礼艺术真正的释放点。
真实的婚礼才让小熊迷醉，没有PS的过厚粉饰只有婚礼现场的动人此刻，没有不顾新人感受的浮夸只有婚礼现场空间结构的匀称，他对自己的作品很苛责，贯通空间与花艺之后，他不满足影像，所以再一次跨界涉足影像。通过影像他才能捕捉宴会设计与建筑的悄然契合，他才能记录新娘为新郎擦去快要滴落的眼泪，他才能捕捉参加婚礼的小女孩捡起一朵散落玫瑰后轻轻一闻、微微一笑……这些真实才是婚礼藏着的奥义，情感是最不能解释的艺术，带着温度触及人心。这是秉持匠心的坚持与专注，也是无时无刻感受生命恩赐的艺术情怀，他最喜欢时尚大帝卡尔·拉格斐所说：“我从来不工作，我只做我喜欢的事。”
商业×艺术
商业早已不再充满“铜臭味”，艺术也不再高高在上。它们的碰撞交融，为我们的生活创造出更多精彩体验。
法拉利×青花瓷
去年，法拉利邀请中国艺术家参与设计，推出限量版-599GTB，富有中国风的青花瓷外观具有很深的文化内涵。跑车的外观设计上依托法拉利原有的外观进行了稍微改动，而主要在车身颜色和造型上却进行了比较大的变动，一条一条的“裂纹”，富有中华文化的底蕴，并且以玉器的颜色作为底色。此款车是法拉利公司特别为中国定制的一款车型，这个理念是空前绝后的，并且以后也不会再为别的国家使用这个理念。仪盘仪表上面的数字都很有中国古代字的形象，这款车如今已经被当做艺术品收藏。
美图手机×大英博物馆
4月23日，美图手机宣布将与世界四大博物馆之一的大英博物馆跨界，推出“美图手机大英博物馆限量版”。拥有超过800万件藏品的大英博物馆(The British Museum)不仅是全球顶级的艺术品珍藏地，也是艺术创作的灵感地。据悉，美图手机·大英博物馆限量版设计灵感主要来源于大英博物馆的艺术藏品中浪漫而华丽的洛可可风格艺术，其诞生于18世纪的欧洲地区，以繁复花鸟草木为主要设计元素，花纹图案兼具轻快、精致、细腻、繁复等特点。
奥迪×钢琴
钢琴是豪华品牌经常用来展示品牌高端内涵的设计产品之一。这台是奥迪与顶级钢琴制造商贝森多合力打造的纪念奥迪百年华诞的音乐会三角钢琴。与以往的钢琴造型不同，奥迪的钢琴融合了很多品牌車身浑厚、圆润、方正的设计语言。为了使声学表现不受到造型的影响，奥迪钢琴制造车间的材料和工艺都采用最高标准，可容忍误差少于百分之五毫米。这台精益求精、尊贵动感的奥迪钢琴，售价达到了100万人民币。
企业家×艺术家
企业家不一定满脑子钞票，艺术家未必就只会纸上谈兵。玩转商业也能读懂艺术，才是最厉害的大BOSS。
艺术家的商业脑
Jeff Koons
“艺术品不可避免地要成为商品”
成名于上世纪80年代的Jeff Koons是美国当代最著名的艺术家之一，最早是一名成功的华尔街证券经纪人。他的作品流传度最广的就是这只看起来轻巧、其实足有1吨重的Balloon Dog(气球狗)。在2013年佳士得上，Balloon Dog(Orange)以5840万美元创下了在世艺术家拍卖最高纪录。Jeff Koons有很多关于金钱和艺术辩证关系的名言，比如“在这个资本泛滥的社会里，艺术品不可避免地要成为商品……我们不要再兜圈子了，还是一上来就当艺术品是商品一样生产吧。”
村上隆
“我做艺术就是为了赚钱”
村上隆是上世纪60年代以后出生的日本艺术家中极具影响力的一位。他的作品屡次在拍卖行中拍出高价，例如画作《727》以超过一亿日元的高价卖出，成为日本国内作品拍卖价格最高的现代艺术家。村上隆的作品不仅在全世界许多著名博物馆展出，同时还将自己的艺术商业化——从制作大规模生产的小型艺术品，到与路易·威登(Louis Vuitton)、马克·雅各布斯(Marc Jacobs)、三宅一生(Issey Miyake)等众多明星品牌合作，村上隆钟情于商业，更喜欢让自己的艺术品与金钱挂钩。他公开宣称：成功就是金钱，我做艺术就是为了赚钱。
企业家的艺术范
雷军
酷爱古诗词
雷军有两个爱好，一是投资，二是古诗词，特别是南唐后主李煜的。据说雷军原来在金山加班的淋浴房叫“雨霖铃”;而在小米公司，每个会议室都有一个有趣的名字，比如“香米”“红米”;可见雷军对古诗词的爱好有多深了。
马云
油画处女作拍出千万
2015年底，马云和曾梵志合作的油画《桃花源》，在香港苏富比拍卖会上被“70后”香港企业家、环球国际(香港)控股集团董事长钱峰雷以3600万元港元拍下，加佣金达到4220万港元，也让马云跻身胡润艺术家百富榜。《桃花源》是马云第一次作油画，它以地球为主题，旨在警醒世人爱护自然。此次拍卖所得款项全数捐赠给桃花源基金会，用于公益事业。
马化腾
低调的书画收藏家
马化腾其实是一个低调的书画艺术收藏家。2015年以1000万元拍得李可染作品《蜀山春雨》，以260万元拍下黄胄小品，以750万元拍下林风眠《丛林小鸟》，以650万元拍下傅抱石《深山访友图》。事实上，马化腾进入艺术品二级市场寻宝已经有多年。2013年，他便曾以1700万拍得徐悲鸿《四马图》。