传统绘画平面设计论文

摘要：在中国传统绘画中，“白描”是指单纯利用线作为载体的一种造型方式。以线为基本造型是中国画的最大特色，线一直是中国画的灵魂所在，也是中国画线描中最能够体现画家功底和笔力的一种表现形式、一种最传统的绘画方式。在中国传统绘画中，白描是一种精神的高度升华与融合，也是中国五千年来源远流长的思想文化和中国传统哲学观历史观的体现。下面是小编精心推荐的《传统绘画平面设计论文(精选3篇)》相关资料，欢迎阅读！

传统绘画平面设计论文 篇1：

浅析绘画与平面设计的关系

绘画与平面设计既存在紧密的关系，也有着显著的性质区别。有人认为，只要具备较强的绘画功底，就能够进行平面设计，这种认知是错误的。但是，平面设计师一定要有一定的绘画功底。绘画与平面设计存在重叠部分，但是均有着自己独特的性质。绘画主要体现的是一种意境和艺术审美，而设计体现的更多是一种实用性。绘画是非功利的、非实用性的，平面设计是艺术的、实用性的。

一、绘画与平面设计之间的共性

（一）线条、色彩和比例

线条是绘画的基础，由线绘画，由画传情。在平面设计中，设计师利用多个线条勾勒出一幅幅作品。法国画家马蒂斯曾说，“如果线条是诉诸于心灵的，色彩则是诉诸于感觉的”。色彩是绘画与平面设计中最重要的部分。色彩是具有感染力的视觉艺术语言，主要分为有彩色和无彩色两大类。有彩色主要是指红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，无彩色主要是指黑、白、灰等。色差可以让绘画作品更富有感染力。而且，不同的作品表达会具有不同的色彩，既能够体现出作者的情感，又能够烘托氛围。色彩还具有指引的作用，让人们根据色彩进入一个画的境界。色彩是绘画的灵魂，同时也是平面设计的核心。平面设计主要是根据人的需求来进行绘画的，色彩一般都具有指定性。色彩分为冷色系和暖色系，不同作品具有不同的色彩搭配。色彩是绘画与平面设计之间的共同因素，是两者的重要组成部分。无论是平面设计师还是绘画师，都必须对色彩具有一定的敏感度。比例主要是指绘画中的布局安排比例，不同比例绘画展示的效果会有所不同。在平面设计中，每个图案的比例都应该与整个作品的比例相适应。

（二）创新、素材

无论是绘画还是平面设计都应该具有一定的创新性。随着网络技术的快速发展，人们在网络上就可以欣赏到各种绘画作品和平面设计作品。但是，现在很多作品都比较类似，缺乏创新性。创新是画的灵魂，决定了画的质量。每个人都具有自己独特的绘画技术和灵感来源，画出的作品应该是不同的。在绘画的过程中，人们可以借鉴别人的绘画技巧，却不能借鉴别人的意境。总之，创新也是绘画与平面设计之间的共同因素。在绘画过程中，画师需要寻找灵感来源和素材，最终创作出优秀作品。平面设计也需要素材，这些素材有可能是指定的，也可能是自己的灵感来源。绘画与平面设计可能会用到一样的素材，但是表现出不同的感觉。

二、绘画与平面设计之间的感通

视觉感受方面，绘画与平面设计之间存在一定的共通之处。

首先，平面设计具有一定的画感。相对来说，绘画的艺术感更强，主要原因是画师会根据自己的心情和灵感进行绘画，更想表达一种意境或情感，受到的约束较小。平面设计以绘画为基础，也具有一定的画感。换句话说，绘画更具有审美鉴赏的价值，平面设计也具有一定的美感。平面设计不仅具有美感，也具有实用感，让作品更具有灵性。现在，很多画家在进行平面设计时还会借鉴一些绘画作品，将绘画元素融入平面设计中，让传统与创新结合起来，使得设计作品更具有艺术性和实用性。

其次，绘画中具有一定的设计感。绘画并不是随意勾勒线条，经过一定的比例设计和色彩搭配，人们才能够完成一幅作品。为了让绘画作品更具有审美感，绘画更加强调设计感。在绘画过程中，人们更加关注的是绘画的艺术感，忽视了绘画作品的设计感。

总之，无论是线条、色彩还是视觉感，绘画与平面设计都存在一定的共性，只不过两者的侧重点不同。绘画与平面设计的用途不同，体现的作品价值也会有所不同。

三、绘画与平面设计的性质

（一）绘画更加重视情感艺术性

绘画是用手对“物态形象”及“物象形态”进行绘制与描画，二者统称绘画。艺术主要是针对不同的欣賞者，绘画能够反映出不同的作品形态。人们在欣赏画作的过程中能够进行深思，有所领悟或萌生感想。艺术是有形的，也是无形的，能够体现出不同的形态。绘画作品并不是简单的线条叠加，一条一线一色彩都将代表着作者的情感和灵感。每个画家在绘画的过程中会逐渐地形成自己的风格，体现自己的艺术风格。绘画是画家自我宣泄的过程，创作期间不需要考虑作品的社会性，只需要跟随自己的内心。在对绘画作品进行评价时，人们不会评价绘画是否实用和满足自己的需求，更多的是发表一种自己的感悟。绘画不会受到时间的限制，可以跟随画家的内心，更有自由性和随意性，更能够体现出艺术性。

（二）平面设计更加注重实用性

平面设计需要专业的设计人员，而且具有广阔的应用市场。平面设计强调的主要是实用性和客户需求。平面设计常常作为一种商品存在于市场中，具有包装价值和使用价值。平面设计存在一些局限，客户会给设计师提出一些要求。平面设计不仅需要设计师的灵感，更要满足客户需求，所以平面设计不具有自由性。一般来说，绘画完成后，这就是一幅作品，画师可以根据自己的心情决定是否需要修改作品。但是，平面设计往往需要结合客户的意见多次进行修改。平面设计具有一定的时间限制，必须满足客户需求。相较于绘画，平面设计具有鲜明的服务性和较强的实用性。绘画与平面设计的用途有所不同。绘画主要用于欣赏与收藏，平面设计主要供使用。总之，平面设计不仅需要具有一定的美感，还需要具有一定的设计感。

四、结语

绘画与平面设计都具有价值，两者既具有一定的共性，也具有一定的个性。绘画的价值更多体现在艺术性方面，平面设计的价值更多表现在实用性方面。绘画与平面设计都由简单的线条构成，利用一定的色彩来体现作品的意境。绘画与平面设计不可分割，绘画具有设计感，平面设计也具有一定的画感。对绘画与平面设计的关系进行研究，有助于推动绘画与平面设计的持续发展。

（平顶山市财经学校工艺美术部）

作者简介：冯大磊（1972-），男，河南平顶山人，本科，助理讲师，研究方向：美术教育。

作者：冯大磊

传统绘画平面设计论文 篇2：

中国传统绘画中的白描及运用

摘 要：在中国传统绘画中，“白描”是指单纯利用线作为载体的一种造型方式。以线为基本造型是中国画的最大特色，线一直是中国画的灵魂所在，也是中国画线描中最能够体现画家功底和笔力的一种表现形式、一种最传统的绘画方式。在中国传统绘画中，白描是一种精神的高度升华与融合，也是中国五千年来源远流长的思想文化和中国传统哲学观历史观的体现。“十八描”作为中国传统人物画中以白描为表现方式的极具有代表性的绘画方法，是我们在中国传统绘画学习中需要掌握和运用的重要方式。

关键词：白描；十八描；中国传统绘画

一、中国传统绘画中的白描

在中国传统艺术中不论是造像艺术还是绘画艺术都是以线为主的，尤其是在勾线上体现更加明显，而白描是指单纯利用线作为载体的一种造型方式。以线为基本造型是中国画的最大特色，线一直是中国画的灵魂所在，也是中国画线描中最能够体现出画家功底和笔力的一种表现形式、一种最传统的绘画方式。在中国传统绘画中，白描是一种精神的高度升华与融合，也是中国五千年来源远流长的思想文化和中国传统哲学观历史观的体现。中国传统绘画中的传统工笔人物画是以白描为表现载体的一种表现形式，通过以线为载体的形式来表现其内在品质与表现范围，这其中的艺术特色丰富深厚，表现范围非常广泛，这也是探究传统工笔人物画的重要学习方向和重要内容。

（一）白描

在中国传统绘画中，线是功能结构的存在形式，线的描法即线描，它主要是为填色而勾出物象的大体轮廓，是中国传统绘画的一个重要特征，这种线本身的变化、质感都无关紧要。线作为绘画时最基础的一个步骤，也是中国传统绘画中始终具有重要作用的一个关键环节。

以线为基础的白描作为中国绘画中的一种表达形式，是指最早在进行绘画时用来起草“粉本”的线稿，是画的基础，是最重要的一个环节，能充分体现出画家的功力和基础。白描作为一项独立的艺术，历史悠久，是中国传统人物画的最初形态，中国绘画区别于其他国家的绘画艺术的一个重要特征就是以线为主要的表达方式，而在历代中国绘画历史中，线的地位一直举足轻重。白描作为一种独立的艺术形式是一种单纯简单的线描艺术，又是重要的表达方式之一。白描区别于传统的造型手段，仅仅以线条来表现外在的物象。另外它是单纯的线描艺术，所以线的变化和质感在造型上的契合，就形成了画面上具有韵律感的表现。

白描，也称为线描，是中国画的最高表现形式。学习和绘制中国传统白描画是我们学习和深入了解中国传统画的基础之一，是我们研究和探索中国传统绘画的一个重要环节。

（二）“十八描”浅解

中国画中讲究线条的运用，因此白描是中国画的基本功。人物画中的“十八描”法，是指古人在中国绘画传统造型中所归纳总结出的十八种不同勾线用笔的表现技法，分别是高古游丝描、琴弦描、行云流水描、蚂蟥描、钉头鼠尾描、混描、橛头钉描、铁线描、曹衣出水描、折芦描、柳叶描、竹叶描、战笔水纹描、减笔描、枯柴描、蚯蚓描、橄榄描、枣核描。“十八描”是古人从自然中凝结出来用线条表达物象的一种基本方式，赋予描法以不同的比拟对象，用不同的对象来形象概括各种不同用笔的主要特征，传达出不同的画面感受。线描中传达出中国人的自然观，这样来理解中国的线描艺术就非常接近它的本质内涵。这其中也充分反映出前人对线描的理解和认知。“十八描”作为前人对线描的概括和总结，反映了当时画家对自然的向往和感悟，为后来的中国画发展奠定了基础。

二、白描的学习和运用

在中国画的学习中，尤其是在学习传统工笔时，特别需要掌握的便是白描的学习和运用。对白描的深入掌握和运用是提升造型和技法的一项重要过程。

在长期的基础学习中，在掌握素描基础上，如何把以往具象的造型方式转换成为线描的表现？如何通过线来塑造现实中写实的物象？这都是在掌握白描学习过程需要思考和考虑的问题。临摹和写生无疑是最好的提升方式，也是对我们来说最稳扎稳打的方式。尤其对于中国画专业的学生来说，只有具备好的线描造型能力才能够为以后的学习创作工笔人物和写意人物打下更好的基础。如何用二维的平面线条形象来塑造物象，并通过线描自身的艺术规律来营造物象，这是一个需要认真思考和学习的问题。

首先，通过一定的学习阅读鉴赏，临摹是最好的提升方式，临摹是学习中国画的一个重要环节，其中的笔墨技巧、形式法则、艺术规律以及精神和内涵都是我们所要学习的。在临摹时一定要选择中国绘画史上最为经典的线描作品作为临摹的范本。前人说“取法乎上”，要从经典范本中品读大师的用心之处，提高自己的眼力，掌握正确的入门途径。如唐代画家吴道子《八十七神仙卷》，便是极具代表性的臨摹范本。吴道子的画中所勾描的衣纹线条，都是在线条组织的基础上去描绘物态。他的作品对线的要求是极其严格的，每一根线都切合造型传神的要求，每一根线都具有一定的韵律美。

临摹名师的画从根本上吸取其精华精髓，在临摹的同时仔细对照，找出自己与原作的差异。有些容易出问题的地方需要专门反复练习，不断地从中总结经验，这样慢慢就会取得进步。

其次，临摹经典作品能够从根本上提升基础能力，从中发现弊端进而改正，这是学习的一个重要过程，也为接下来的学习进一步奠定的基础。除了吴道子之外，其他值得我们临摹的大师作品还有很多，比如东晋画家顾恺之的《烈女智仁图》、唐代画家吴道子的《天王送子图》、北宋画家武宗元的《朝元仙仗图》及李公麟的《维摩诘图》等经典的线描作品。此外，提升白描能力的另外一个重要途径便是通过写生，通过线描写生锻炼自身的用线造型能力。写生即通过“写”以往的基础，“生”出自己的感悟和理解，在进行学习的过程中不断发掘自己的绘画和创作能力，这也是一个自我探究的过程也是融合的过程。在写生时，首先应当全面整体感受物象，下笔时，自然会胸有成竹，笔线也较肯定。在观察中考虑好造型的整体关系以及比例使其相互协调，在表达到画面上时也是舒服的，每一个局部的元素都是构成整体关系的重要部分。

在用笔时，斟酌临摹时所学到的表现技法和技巧，相同质感的衣物用笔以及墨色一致，头手脚等皮肤用线与墨色也应当一致，笔法的变化也应协调。大多数线描写生都采用单一的描法，如“铁线描”或者“高古游丝描”等，也可以配合两种以上的笔法来描绘，这样使线条表现更加丰富生动，但是一定要使各种描法在画面上协调一致。

此外在更深入的学习中，可以加入自身艺术风格的体现，使绘画创作更加具有自身特色，这边是学习临摹写生的最终目的，尋求树立自己绘画风格的“骨法”，也是学习的升华，以便在以后的创作学习中体现出中国传统绘画的内在精神。

最后，临摹和写生达到一定基础后，便是线描的创作。创作体现出个人情感和情绪，所以是主观发挥的产物。创作时，可以利用写生时的画稿，给作品立意确定好作品的主题，然后构思画面，丰富内容构成画稿，确定好之后将其勾勒表现出来。勾勒的过程也是二次创作的过程，通过质感的变化和协调来达到画面的和谐与统一。

通过创作巩固习作的能力，用线的提炼来表达人物的情感和神态，通过高度精简的线条来体现出人的神态，以及通过不同的线条来表现不同衣服的质感，在传统中找到自己的风格并且进一步充实自己的创作，从而得到提升和进步。

初始阶段进行临摹绘画是初步去学习绘画理论的阶段，熟悉并且了解线描的基础；写生阶段是了解并领悟物态的过程，将线描转化为自身运用；创作阶段是将自己的情感融入到物态中，抒发个人意志的阶段。

这三个阶段是学习和运用中国传统工笔白描必不可少的重要环节。在中国传统绘画的学习中，我们不仅仅要学习知识更要学会去运用它，学习古人传统的技法并且运用到自身的绘画中，传承中国传统绘画的精神和内涵。

“十八描”法作为白描艺术中一种独特的艺术语言贯穿着整个中国传统绘画的发展，在新时期，我们要深层次认知和学习中国画白描艺术和“十八描”法，认真探究每种描法的具体细节及其特点，并继续进行心得记载。在学习技法的基础上，特别是发现在中国传统绘画中中国线描艺术的审美诉求，进而提升自身对中国传统绘画之中的传统艺术精神文化的认知程度和理解程度，为以后的学习奠定一定的基础和底蕴。

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[11]孙越.中国传统绘画精神对现代平面设计理念的融合和影响[J].艺术品鉴，2016，（8）.

作者单位：

山东师范大学

作者：崔欣鑫

传统绘画平面设计论文 篇3：

论中国传统绘画元素在环境设计中的应用

摘要：伴随着社会生产力的发展，以及人们生活质量的提高，人们对于环境的需求也不仅仅限于满足人们的实际生活需要。因此环境设计也必须紧跟社会发展趋势，设计师在对环境进行改造的同时，满足使用者实用性需求之外，也应该增加环境的艺术氛围，给使用者带来不一样的审美体验，满足人们精神层面的审美需求。而本文从中国传统绘画元素在环境中的应用的角度讲述了传统绘画元素和环境设计的合理融合，也阐述了传统绘画精神在设计中的体现。绘画艺术元素融入到现代环境设计当中，为模式化，千篇一律的环境景观增添了艺术魅力，使得环富有创造力和想象力。此外，本文还讲述了传统绘画和当代环境艺术设计的关系的同时，阐述了环境艺术设计中绘画元素的应用方式。

关键词：传统绘画元素;艺术表现;环境艺术设计;融合

一、中国传统绘画和当代环境艺术设计及关系

（一）中国传统绘画元素。艺术是从人们的生活中获取灵感的。绘画艺术源远流长，绘画艺术形式多种多样。设计师运用不同的艺术表现形式最终都是以满足人们的需求出发的。他借助有特色创作材料，用点、线、面、相结合的艺术手法在二维空间中表现立体形象，突出画面的三维效果。用色彩丰富画面效果，从而表达设计者的情感。满足人们的生活需求。

（二）当代环境艺术设计。现代环境艺术作为设计艺术的重要组成部分，环境设计的功能和作用不断扩大，其影响涉及到社会生活的方方面面和各个行业。现代环境设计艺术既要体现绘画艺术的独特性，体现环境使用者的审美能力，又要体现现代人内心的更高层次的追求。

（三）融合。绘画艺术是环境艺术设计的一部分，绘画艺术于设计相融合的理念为当代环境艺术设计提供了新的思路。中国传统绘画艺术对现代环境艺术设计影响深远，相反地，环境艺术设计可以为绘画艺术提供素材，两者是相辅相成的。二者在创作思维、色彩搭配、绘画技法等方面都有共同的特点。

二、现代环境艺术设计中传统绘画元素的应用方式

（一）传统绘画元素的模仿。传统绘画中有许多具有代表性的元素，这些元素可以渗透到现代环境艺术设计中，从而再现新的视觉元素来表达愿望和思想。它还可以对传统绘画进行再改进，使空间环境不仅体现传统绘画的风貌与魅力、风貌与人文精神，而且充满现代设计气息。它还可以直接将许多传统图形应用到现代环境艺术的创作中。传统文化通过一种媒介渗透进来，给原有的图形增添了新的笔触。它给人以强烈的视觉冲击，又体现了设计师的的创造力和传统绘画的内涵。

（二）传统绘画元素的演变。目前，一种在环境艺术创作过程中常用的方法是提取传统绘画元素，并对其进行改造和重构。环境艺术的设计者，通过探索绘画的独特内容，对其进行提炼，以适当的元素为材料，进一步改变它。结合现代设计理念，对绘画艺术进行诠释。

（三）传统绘画元素的继承与发展。在现代环境艺术设计中，继承了传统的绘画元素和表现手法，并与现代艺术的整体设计相结合，既能体现传统建筑的文化特色，又能突出现代建筑的特点。一个很好的例子是新苏州博物馆，它是由著名建筑师贝聿铭和他的公司指导和设计的。从传统文化的角度、人类情感的角度看博物馆的设计，设计都能体现出现代环境的设计理念与园林艺术、材料建筑巧妙地结合的元素。同时，苏州博物馆的设计还运用了苏古城文化元素，与中王府的相互呼应，为苏州古城增添了不一样的色彩。苏博的特点是：建筑造型与环境的自然融合，整体视觉上给人以协调的感觉，以及它空间处理的独特性，精致的建筑材料和室内设计，最大限度地采光。在建筑结构方面，玻璃和钢结构使现代人可以在室内借用大面积的采光，也体现了材料上的现代元素和传统元素的碰撞。屋顶形式的设计突破了中国传统建筑“大屋顶”对采光的限制。苏州新馆的造型是方形、菱形等几何图形。

（四）傳统绘画元素的创新。运用一定的环境构成元素或表现特征，类似于文化传承、价值观念等深层次的信息来表达环境的意义，这种手法在现代环境艺术设计中被称为隐喻。在一些古建筑中，我们往往选择一些表现出浓郁文化底蕴和人们思想感情的图案或陈设来装饰室内。在当今的社会环境中，优秀的设计是能够在传统的基础上创新，运用国家的作品，体现现代特色的。曲阜孔子学院建筑群就是充分运用传统绘画元素的一个很好的例子，它是在吴良镛先生的指导下完成的。在设计上，紧密相连，步步严谨，充分体现了古代书院建筑的特点。整个建筑群朝南，有着不同的含义。在北部，土丘代表坐山，而在南部，案件山。左边是一条代表青龙的小运河。在它的前面，有一条小沂河，在风水学上是指被黄金带包围。而且这栋楼的位置正好。前山为案，坐后山，阴抱阳。最终成为传统文化元素的代表作。在传统绘画元素的隐喻与创新中，体现得淋漓尽致。

三、环境艺术设计中绘画元素的具体表现

通过艺术设计将室内外空间环境合理地结合起来，满足人们的实际使用需要和视觉审美需要，是一门实用的艺术。在绘画创作的早期阶段，创作者要确定创作主题和风格，选择创作所需的材料，提高整体创作思路。环境艺术设计中绘画元素的表现也丰富多样，以下从主题的确立、艺术手法的表现、色彩的运用及整体空间的节奏感为例具体阐述。

（一）设计主题的确立。在绘画艺术创作的始终，一切过程都围绕主题展开。环境艺术设计也同样是如此。根据环境使用者的需求和环境本身的特点，确定设计整体调性和主题，选择想对应的材料，完成设计。在设计过程中，根据风格定位选择各种基本元素。

（二）艺术手法的表现。点、线、面、色、光、影通常是绘画艺术中表现情感基本方式，也是绘画表达的基本语言。线条元素是绘画艺术的基本艺术特征。曲线或直线在绘画艺术作品中体现出完全不同的视觉美感。线条在绘画中的运用是千变万化的，线条的组织以及线条本身的特点都会给绘画作品带来不一样的视觉体验，不同的艺术家在线条的运用上有着各自的风格特点。环境艺术设计也是如此。在设计过程中，空间界面的处理涉及到线条元素，如天花板、门窗、墙柱等，虽然这些并不代表环境艺术设计的全部内容，但其本身的设计会对整体视觉效果产生影响。线条在空间设计中起着划分空间的作用，或者对人们的视线有一定的引导作用。线条处理得好会使绘画形象更加生动，也使环境艺术设计更具美感。例如，工笔画和写意画这两种不同的绘画表现形式各具特色。工笔画比较严谨，对象的造型相对写实，用笔工整细致，以极其细腻的笔触描绘形象。在室内设计中，往往运用重复的元素来加强视觉效果。而写意画更加注重意境的表达，用笔豪放、洒脱、简洁，画面相对简单，追求意象的表达。绘画中虚实的结合也体现在环境艺术设计中。比如，水墨画构图中留白的空间给人无限的想象。使得写意风格的绘画艺术具有很强的艺术感染力。虚实是绘画中用笔稀疏或空白的区域;其实，艺术家画笔下勾勒的现实中具体的事物，经过主观的处理，使其虚实相映，主次分明。在环境艺术设计中，虚实结合的现象也并不少见。比如，中国传统风格的室内装饰设计，就是以传统家具为真正的内衬，用一些经典的民族元素进行点缀。就这样，如来朴素的氛围让人身临其境。再例如古典园林的造景特点，以粉墙为纸，以石为绘，粉墙即留白部分，衬托前景。凸显丰富的视觉效果。

（三）色彩的运用。色彩在绘画艺术中起着非常重要的作用。人们对颜色很敏感。绘画的第一感觉往往来自于色彩所产生的视觉刺激。不同的颜色给人不同的感觉。例如，红色、橙色和黄色通常与血液、温暖和阳光联系在一起，而蓝色和绿色则与寒冷和海洋联系在一起。色彩具有不同的调性，带给人以不同的体验。例如，色彩的冷暖、明暗和纯度不同，都会直接会产生不同的心理感受，人们会从中体验到不同的情感。可以说，色彩是绘画必不可少的一个元素。而色彩在环境艺术设计中的运用也非常广泛，表现形式也丰富多样，但色彩在绘画中的运用更为抽象，而在环境艺术设计中，更注重实际效果。比如，根据建筑的性质来确定色彩的使用，幼儿园采用高亮度、暖色，带来温暖、欢快、愉悦的感觉;办公室常用中性或冷色来体现理性、冷静、严肃的工作氛围。

（四）整体节奏感。绘画讲究画面的整体性，换一种表述方式为即画面的主次关系以及黑白会关系、空间关系。优秀的艺术创作者通常非常注重把握画面的基本关系。绘画作品里的元素富有层次感，有主次，有疏密，有对比。这些层次感所涉及的要点，同样也受用于环境设计当中。同样的，在这些矛盾点的作用下，最终还是要打到空间的一个整体和谐的效果。突出环境设计的主题，主要想表达的点，对于其他的方面可以相对弱化一些，避免“抢”了主题的风头。例如，建筑一般作为环境中的主体，其他装饰元素作为点缀不应该过于突出。如今，电脑制图的普及，很多平面图以及模型都可以在电脑上进行制作。但同时，电脑制图也具有一定的局限性，规则化，统一化的操作磨灭了应该存在于环境设计中的创造性元素。由此看来，绘画艺术在环境设计中的应用的重要性油然而生。通过不同的绘画形式与绘画语言，来赋予环境不一样的空间层次关系。一些基本的绘画技巧可以直接运用到环境设计当中。绘画艺术可以扩大设计师的想象力空间。环境的空间和形式的表达会在设计师心里出现不一样的呈现。当然，绘画艺术有时运用抽象的手法来表现艺术效果。但是在环境设计的过程中，抽象艺术表现形式的运用，应站立在实用性原则的基础之上。

四、现代环境中的中国传统绘画元素具体表现

（一）中国绘画元素在现代环境设计中的表现。以中国画为例，通过对中国传统绘画文化精神内涵的挖掘，可以得出中国画以独特的时空观、自然观、人格观、道德观、人文精神为灵魂，以朴素含蓄的形式表现出来的结论，意境趣味，笔墨语言，中国传统绘画文化精神在平面设计中的运用与传承就是其中的一部分。无论是建筑艺术、园林设计还是环境设计，我们都可以从许多现代设计作品中看到中国画的巨大影响。孔子研究院的景观设计采用古老的“书院”模式，设计和布局都非常精致。整个设计还运用了对中国画元素进行微调的手法，充分利用隐喻，以各种古代建筑元素为原型进行设计，并根据现代中国画的审美来改变它们，诠释传统。一位成功的当代设计师，认为美有三个原则：立意讲究意念先行，以形取神。活用讲究适身合用，灵活生动。创新是连接过去和未来的纽带，它灵活而生动。我们还可以找到许多国内外设计大师的作品，许多西方艺术家和设计师对中国画非常感兴趣。中国传统绘画技法和水墨在现代平面设计中的应用是彩色的。不同的作品在画面中的侧重点有所不同，点线面在画面中也具有主次关系。金先生作品的和谐之美，是以中国人文精神观照宇宙，得到“人与自然在精神上共享的无限欢乐与生命之美”，如北京四合院、四川山屋、云南伊科因、山西民居、福建客家土楼等，而上海丽龙建筑在建筑形式、空间和内部组织、建筑设计和装饰工艺等方面都是立体的中国画，从构图到四合院风格的设计，都遵循了中国画的构图和特点，在建筑环境中体现了传统绘画艺术的魅力。中国山水画的艺术，究其根源，也是借鉴中国画的设计布局，确切地说，中国山水画艺术是一种立体的山水画。

（二）水彩画与环境艺术设计相结合。水彩画是一种传承多年、发展历史悠久的具有独特艺术魅力的绘画，由于其独特的表现形式和独特的艺术形式，不仅如此，水彩画本身在国际和国内都是一种独立而独特的绘画，在课堂上，水彩画不仅可以传授色彩的基础，还可以渗透到公共设计、工业设计、艺术设计等领域，插畫设计、动画设计、建筑设计、环境设计等课程，通过微妙的变化和水与色彩的巧妙运用，水彩画可以为设计作品提供深刻的内涵。水与色的融合象征着节奏的韵律，具有无穷的魅力。它不仅带来了强烈的艺术魅力，而且丰富了艺术设计作品的表现形式，水彩画在环境设计专业中的应用也可称为设计专业水彩画。是指专业设计师将环境设计的专业思想和专业意识融入水彩画的一种形式。它能生动地表达设计师的思维方式，是一种能反映设计专业形式的绘画语言，设计专业水彩是一种随着时代发展而发展的、不可替代的艺术手法。它也是艺术发展过程中沉淀下来的一种绘画方法，当今时代是一个多领域可以融合的时代，艺术设计也是一门多学科相互借鉴的完整学科，中国的艺术设计要想找到自己的艺术之路，需要每一位艺术设计师和研究者都能牢固地继承中国传统文化，形成自己的艺术交流形式，水彩画已成为整合更大艺术设计的重要手段，也是教学领域中技法运用、创意构思和意境表达的良好结合点。另外，水彩画在环境设计课堂教学中的应用也很广泛，水彩画的语言特点体现了中国古代独特的东方艺术魅力，这是当今哥特式、马克式、欧式、欧式绘画所无法替代的，铅的颜色和其他材料。水彩作为一种艺术表现形式，其具有湿润、光滑、纯净、透明独特的艺术效果。其在各个艺术门类中的应用也非常广泛。此外，水彩画在环境艺术专业手绘中的应用，不仅可以促进设计领域的拓展和延伸，而且也丰富了水彩绘画本身的艺术形式。水彩可以分为三种类型：意象、具体和抽象。根据相互共存、独立的特点，得出具体形象表现具体形象，突出自然语境的结论;抽象的具体含义是指事物本身的本质所衍生出来的共同属性。中国人的典型思维方式表现在形象上，更注重主体性和个性的层次，并以意向创造一面镜子。它更多的是表现具象事物。将水彩的艺术表现手法运用到实践当中，运用到设计当中，使得设计师的表达颇具特色，使得环境的使用者更能体会蕴藏在环境设计当中的艺术氛围。

总之，绘画与环境艺术设计密不可分。虽是不同的学科，但其具有共通的点，即艺术性。两个独立的艺术体系的融合使环境设计对象在视觉上更加美观，无论是哪一方面，绘画艺术与环境艺术的设计都是有关系的，绘画艺术的发展依赖于它在新领域的应用，否则绘画艺术就不会进步，环境艺术的设计是在不断增长的环境需求和寻求更舒适、舒适的生活方式特征的基础上产生的，绘画艺术与环境设计的融合与发展将产生一种新的审美趋势，设计艺术风格的不断变化需要足够的绘画技巧来支撑。一个完美的设计师必须具备一定的绘画基础，将广泛而深刻的绘画艺术运用到环境艺术的设计中，才能更好地促进二者的共同发展。设计中对绘画元素的借鉴和运用，不是照搬原形，但解构后的组合与布局是基于现代构图的原则。对中国绘画元素和事物的理解和理解可以带来新的思维方式，我们坚信，只要在中国深厚的文化底蕴中成长起来的当代设计师在设计中拥有中国智慧和能力的主导基因，而凭借对民族文化的深刻理解，中国的环境设计将在不久的将来走在世界前列。传统绘画在环境艺术设计中的本质是传统绘画与环境设计的真正结合。环境艺术设计的表现手法和呈现形式将会更加多元化。

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作者：陈佳雨