钢琴学习中基本技能的处理方法

钢琴学习中基本技能的处理方法（通用10篇）

篇1：钢琴学习中基本技能的处理方法

钢琴学习中基本技能的处理方法

2010-01-19 10:50:02 来源: 作者: 【大 中 小】 浏览:834次 评论:0条

我们知道学生刚刚学习钢琴时都会遇到手型不好、手指立不住、动作不协调、弹琴没力度、没速度、对乐曲处理缺乏情感等问题，要解决这些问题，我认为钢琴的基本技能是基础。钢琴教学实际是对学生大脑思维、意识理解、心理感应、技能技巧的综合训练，是积累钢琴演奏的技能，任何一首乐曲都是通过音色、音符、速度、节奏来表达一个音乐内容的，是综合能力的显现，对乐曲的思维理解、感应、演奏要通过技能和技巧加以表达，没有深厚的技能，理解的再深。再透也难于转变成优美、舒展、流畅的乐曲。

初学钢琴的学生都会遇到手指僵硬、腕关节下沉、五指难仰展或过度放松，散贴在琴健上，缺乏力度、速度的问题，前三者的情况是紧张情绪造成的，学琴者对钢琴的不熟悉造成紧张，对授课教师的不熟悉造成紧张，急于求成的心态也易引起紧张情绪，情绪紧张，心态就不平稳，信息从大脑通过神经传导到肌肉组织，就引起肌肉的收缩和僵直，结果是手指过于僵硬，弹出的音色就“直”、“硬”，缺乏灵活性，既影响弹奏速度，又难以表达优美、舒展的音乐内容。相反过于松散，神经系统传导缓慢，肌肉收缩迟缓，弹奏的音色过“软”、“单”，手掌与琴键距离过近，活动范围缩小，也们样影响弹奏速度和音乐内容的表达。这些现象与人的性格有关，与技能有关，每个人的胜格、情绪、心理素质都各不相同，大体上可以分成内向型和外向型两种性格，外向型性格的人开朗大方，情感外露，富于激情，在弹琴的表现上易出现动作幅度大，用力，初学琴时容易出现手型僵硬的现象。内向型性格的人，温和平稳，情感内含，内蕴激情，在弹琴的表现上易出现动作幅度小，力量小，初学琴时容易出现手型松散的现象，这两种性格对学琴均有不利的因素，在教学中，应该有针对性地对不同性格的人有的放矢地施教，两种不同的性格在弹奏

技能训练上应取长补短，相互融合，培养出的学生才能有钢有柔，训练要有针对性。初学者出现的手指僵硬、腕关节下沉、手指仰展不开、松散的问题，不仅仅是手型难看的问题，将影响今后弹琴技巧、速度和音色。具体办法在训练中手要自然下垂，保持手下垂的形状抬起放在琴键上，手型要符合手心空、圆、腕平、手指立住的要求，在琴键上的状态一定要自然。弹琴的过程中，无论多难的曲子，多复杂的谱例，多大的跨度，都要始终保持这种自然的状态，不能刻求五个手指都放在琴键上，手指要随着重心的方向稳动、落键。断奏练习时，要在保持手型。手腕不变的状态下，将手从琴键上抬起，匀速落下，保持稳定状态，避免出现加速下落或突然减速的错误动作。

初学者在学习和训练中，都易出现手指在触键时有一个向内弯曲的动作，就是一般所说的“折指”。从表面上看，这种现象是手指没有保持自然的状态，实际上学生出现这种现象，会造成一系列的问题，对于学琴者的技能和音乐表现来

讲是致命的。这些问题会造成手指的紧张，手指紧张，手掌、手腕、手臂都会造成相应的紧张，整体处于僵硬状态，落键时间就会增加，影响演奏的速度。手指“弯曲”在弹琴时就不能使弹琴力量直接贯通到琴键上，影响触键的力度，“弯

曲”会造成手指紧张，也减弱了学琴者指尖触感的灵敏度，从而减弱对音色力度的控制感，出现这种现象一个原因是手型过于松懈，手指过于仰展，这是学琴者精神过于松懈造成的。力度的变化是表达音乐内容的方式之一，乐曲的内涵要通过弹奏力度的强、弱等变化来体现，每位学琴的学生都要经过一个力度训练的过程。往往在要求力度的同时，也会伴随着手型紧张等问题的出现，相对放松的问题要相伴解决。速度、音色、音乐表现三个方面与力度、放松有一定的关系，过于强调力度，用力过强会出现僵硬状态，过度放松会产生松散现象，两者在练习中是对应的，要有尺度，有平衡。状态太僵弹不快，不散也弹

不快，力量太大是在砸琴，太松没有好的音色，这些问题表现在外向型性格的人情绪急躁易出现用力过度的现象，内向型性格的人情绪内含易出现松散的现象。具体处理办法，一方面通过标准的训练，使学生增强技能，树立信心，从而情绪稳定，在力度上形成一种自然、均衡的状态。

篇2：钢琴学习中基本技能的处理方法

［关键词］中职 美术专业 基础课 教学 改革实践

根据多年的教学实践，就目前职业院校基础课教学中存在的问题，主要从以下几个方面谈一下自己在美术专业基础课教学改革中的探索和实践。

一、中职美术专业基础课教学实践中存在的主要问题

1.目前一些中职院校，在基础课教学的理念、教学内容、教学方法上，更多地停留在绘画范围内，实用性不强，没有突出职业教育的特色。

2.采用“宽进”的方式吸引学生，以缓解生源不足的矛盾，造成学生整体素质偏低。

3.在美术专业基础课教学实践中，缺乏对课程设计思想、课程理念、课程功能等方面的思考，教师的思维结构、艺术观念和教学方法比较单一。

4.很多学生、教师从某些专业角度出发，质疑这些基础课的真正作用和效果，基础课的教学总量呈现递减趋势。

篇3：钢琴初学者的基本技能与训练

钢琴教学实际上是对学生大脑思维、意识理解、心理感应、技能技巧的综合训练, 任何一首乐曲都是通过音色、音符、速度、节奏来表达音乐内容的, 是综合能力的显现, 对乐曲的思维理解、演奏都要通过技能和技巧加以表达, 没有深厚的技能, 理解的再深、再透也难于转变成优美、舒展、流畅的乐曲。

一、要在放松的状态下弹奏钢琴

钢琴初学者都会遇到手指僵硬、腕关节下沉、五指难伸展或过度放松, 缺乏力度、速度的问题, 前三者的情况都是紧张情绪造成的, 学琴者对钢琴的不熟悉造成紧张, 对授课教师的不熟悉造成紧张, 急于求成的心态也容易引起紧张情绪, 从而引起肌肉的收缩和僵直, 结果手指过于僵硬, 弹出来的音色就死板, 缺乏灵活性, 这样既影响弹奏速度, 又难以表达优美舒展的音乐内容。放松的基本条件, 首先就是要求坐姿、手型都要处于自然放松的状态。因为每个人的生理条件各有差异, 因此坐姿和手型也不是一成不变的模式, 但目的都是要充分发挥手指、手臂、身体的积极性, 形成一种自然放松的状态。良好的坐姿必须保证手臂、手腕能够自然活动, 以腰部、双腿为支撑点, 使腰能挺起来, 双腿稳固支撑, 而不是将全身的重量都压在双腿上。

有的学生在弹奏钢琴时, 肩部凸起, 或者手臂过于紧张夹住, 这都会使弹奏紧张而僵硬。手臂要处于自然放松的状态, 手腕才能有相应的松弛, 双臂要象拿一本书那样微微张开, 腋窝有空气流通的感觉, 手指牢固支撑, 使手臂的重量充分落在指尖上。另外, 手腕与钢琴黑键基本持平, 也是保证放松的关键所在。

我在长期的教学中也总结出, 在手臂、手腕的自然放松状态下, 手型的关键是关节, 包括了第一关节和掌关节。只有手指第一关节的牢固支撑, 才能保证手指能够灵巧的弹奏。掌关节就好比“桥梁”一样, 起着平衡、支撑的作用, 掌关节在弹奏过程中必须要凸起, 发挥其带动手指跑动的作用。第一关节与键盘就好比“衣服钩与挂在上面的衣服”的关系, 要想使弹出的声音悦耳, 有颗粒感, 手掌就必须牢固支撑, 强调第一关节的作用, 如果掌关节凹陷, 手指就会失去平衡性和灵活性, 力量不能落到指尖, 弹奏也就出现僵硬状态。

二.音阶和琶音的弹奏技巧。

1. 音阶的弹奏技巧。

音阶弹奏是最基础和常用的技巧之一, 弹奏音阶最重要的就是流畅性、颗粒性和清晰性。要掌握触键快, 手指下键有爆发力, 指尖与琴键的角度成垂直状, 音与音之间有相对空隙, 利用指尖反弹的力量发出结实而清脆的声音。在弹奏巴洛克风格、古典风格、浪漫风格等时期的作品中, 尤其是在连续的快速音群中都会遇到这种颗粒性的弹奏方法。颗粒性触键也是钢琴最具特色和魅力的基本触键方法之一, 作为钢琴弹奏的一种基本功, 这种弹奏方法是每一位钢琴演奏者首先要掌握的。

要达到清晰透明的颗粒性效果, 在练琴时就要做到高抬指, 手指起、落要清晰明确, 弹奏时手掌略向内收拢, 手指第一关节要稳固而有弹性, 触键速度要迅速和轻快, 使音与音之间在力量上有充分的联系, 出来的声音结实而不漂浮, 有力而不疲软, 流畅而不僵硬。同时, 手腕还要根据不同走向采取与之相适应的力量传送方向, 保持弹奏均匀而流畅。

2.琶音的弹奏技巧。

琶音弹奏也是一个重要的技巧, 在许多流动而连贯的音乐旋律中广泛应用。弹奏时大拇指的转换与手腕的转动要自然而平稳, 使旋律均匀流畅。不少学生在弹奏琶音时, 由于大拇指的转换不好, 出现不平滑现象, 原因大都是因为太多用手腕下压琴键造成的。正确的弹奏是, 大拇指在穿越前要提前作准备, 在手腕的自然带动下, 在手掌内快速的转移, 有准备的稳稳弹好。只有大拇指解决好, 弹奏琶音才会流畅自如。

三.掌握科学的练琴方法。

1.慢练的方法。

我国著名钢琴家赵晓生说过“慢练是克服一切技术障碍之本”。钢琴初学者, 常会出现手指不听话, 手指跑过头而无法控制的现象, 这时慢练就起了非常重要的作用。在慢速练习中, 手指可以充分的自由挥动, 同时可以注意到乐谱上的各种音乐记号, 做到规范而准确的演奏。在拿到新的钢琴谱后, 放慢速度练习每一乐句, 做到有思考、有准备、有目的的弹奏, 使技巧与音乐表现有机的统一起来, 熟练后再逐渐加快速度, 最后能弹奏出一首流畅完整的曲子, 这也提高了练琴效率。

2. 重难点的专门练习。

无论什么样的曲子, 都会有技术上相对难的地方, 使学琴者在弹到那些地方时心理就会紧张, 出现打节, 达不到要求。这个时候, 最好的办法就是将弹不好的重难点分离出来, 有针对的反复练习, 这也包括了开始必须的慢练, 熟练后再加到曲子里完整的弹奏, 这时就能体会到之前的打节处能流畅的弹奏过去了。

篇4：钢琴学习中应该注意的基本问题

[关键词] 读谱 手腕 手型 节奏感 声音

学习钢琴是一个漫长的、单调的过程,要想学好乃至到学成是一件非常不容易的事情,很多数学习者都坚持不下来!很重要的一个原因就是在学习之初就没有注意学习钢琴中的一些重要环节,没有形成良好的习惯。那么怎样做才能养成学习钢琴的好习惯哪?那就必须重视钢琴学习中应注意的基本问题。

一、准确读谱

在钢琴练习前学习者应先认真阅读一下谱例并分手练习,保证读谱的准确性,以便养成一个好的读谱习惯。因为如果在读谱的过程中,认错了音或节奏,再改过来是要花费很多时间的,而且脑海里总会有错音的印象。同时在练习中,还要注意节奏的问题,节奏就是要准确的数拍,对单位拍准确拍点及音的长短关系的正确把握。指法的正确性也很重要。合理安排指法对弹奏来说不可或缺,学习者一定要重视指法的准确性,必须严格按照谱子上的指法来弹奏,同时也是对原作品的尊重,这样才能保证弹奏的顺畅。在前面的基础上,学习者在读谱时要看准调号和拍号以及各个音的准确位置,然后要注意连线、乐句、跳音、断奏、非连奏表达、强弱等表情术语的对比以及整体的完整性。

二、正确的手型及手腕

在手型和手腕的练习过程中,手型是实现弹奏的先导,手腕是带动弹奏的动力,掌关节是协调弹奏的枢纽,只有三者的有机配合才能弹奏出赋予美感的旋律。为此学习者要按下面的规程做必要的刻苦练习。

手和手指应处于自由和放松的状态。掌心向下,自然的放于琴上,掌关节稍拱起,这就是最自然的手型,也是最适合弹奏的。当手型正确后,指型也要正确,即手指呈天然的弧线状态。手腕应放平稳不可过高也不可以过低。手腕放松,不能僵硬。如果手腕僵硬,就会连累到手指和前臂,造成整个身体的僵硬,致使演奏不能持续很长时间从而影响演奏效果。长此以往,会养成弹奏紧张的毛病。掌关节是钢琴弹奏中运用的最多,活动最为积极的关节。掌关节承受着来自身体的各方面的力量,保持整个手掌的支撑,以及积极主动的下键,达到运输能量和力量的作用。掌关节运用不当时,腕部、前臂或身体其他部位都可能有酸痛的感觉。

学习者也要注意的是手指的第一关节,一定要稳定、站住、并具有支撑力。当掌关节抬起下键时,第一关节要有足够的支撑力,让手指成为一个整体,使力量像水流一样顺畅的传送到指尖,所以说第一关节的稳定性和支撑力是非常重要的。学习者还要注意的是手指本身很软弱,它的支撑力是要通过长期的训练才能由小到大、由弱到强,进而达到手指灵活运用自如。

三、培养良好的节奏感

节奏是音乐的脉搏和生命。学生从学乐谱的第一节课就要学数拍子和打拍子,这就是学习节奏的开始。但数拍子仅仅是第一步,我们要看一个人的节奏好不好,简单的数拍子是不够的。同读文章相比较我们就可以清楚地知道,弹琴数清拍子就好像读文章把字读对了但理解文章的意思还有待时日是一样的。所以说数对拍子只是学习节奏的第一步,走好这一步才能为下面的工作打好基础。

当能够准确数拍子之后,学习者对节奏的感知就显得尤为重要了。每一种拍子都有其自身的强弱规律与节奏感觉,如两拍子应是一强一弱,三拍子强、弱、弱,四拍子强、弱、次强、弱等等,这都需要学生在数拍过程中不断的体会,并形成适应自身对节奏的感知力。在每一乐曲中,都始终贯穿着音乐的进行和节奏的更迭,能够理解和感知音乐与节奏的特点才能说有了节奏感。但不管怎样我们要明确一点,培养节奏感的关键必须是在数对拍子的基础上去感受并体会节奏。

四、辨别并运用好的声音

节奏和声音是组成音乐的两大要素。一切音乐表现都要通过节奏和声音来体现,所以学习者在学习中对声音的学习、比较和训练是非常重要的。声音的问题如此重要,作为学习者就必须把声音的训练放到一个重要的地位上,加强日常基本功的训练。

1、从练第一个音开始就要学会“听”

学习者从练第一个单音断奏开始就要去听。当手指触键到琴槌击弦开始,就要听声音是否充分地发出来了,是否有良好的振动、共鸣、穿透力和颗粒性。当手指保持在琴键上站立时,要倾听声音的持续和延长,并要学会辨别好的声音和不好的声音(不好声音是由于错误的弹法直接造成的)。譬如说,敲砸的声音是由于过高过猛地向键盘冲去而造成的;闷暗的声音是由于手臂不放松,人为地放慢了下键的速度造成的;而挤压的声音是由于在钢琴发声后,手还继续对键盘施加压力而造成的。

2、自然重量的运用与调节是良好声音的基础和保证

所谓自然重量是指手臂的重量,进而是指身体其他部位重量的补充和结合。在弹钢琴中如不会使用重量,声音必然是单薄、浮浅和缺乏表现力的。而重量的运用与训练应是学会把手臂的重量全部放下去,弹出丰满、淳厚的声音,即一般所说的“弹到底”,就是指把重量通过手指全部传入琴锤,不要把力量淤塞在手指、手腕、手臂的某个部位。需要进一步说明的是,重量的调节必须建立在重量全部自如放下的基础上,根据音乐需要给予键盘重量的变化,其中的规律是声音强则需补充身体的力量,声音弱则需控制重量,这其中切忌无论是声音强还是声音弱都应该把力量沉下去通过指尖传到键盘。

五、结语

篇5：钢琴学习中基本技能的处理方法

所谓钢琴即兴伴奏，是指用钢琴为歌曲(或乐曲)快速并有效果地伴奏，起到对歌曲的补充和衬托的作用。而钢琴即兴伴奏技能则是在眼看旋律的同时，在脑中形成和声的配置和音型织体的编配脉络，并能快速即时有钢琴键盘上演奏出来。它是理论作曲知识和钢琴演奏技巧相结合的产物，是中学音乐教师必备的教学基本功。

在中学音乐教师中，钢琴即兴伴奏的能力参差不齐，无论他的音乐基础好或差，都一定程度上存在着一些明显的不足，归纳起来主要有如下几个方面。

一、音乐基础较差的教师的问题主要是：

(1)钢琴弹奏技巧不扎实，或者说没有经过正规的训练，伴奏的最基本音型如和弦及转位的弹奏指法和触键方法都不明确，因此连完成正常的教学任务都成问题，更谈不上伴奏音型的的丰富多彩。

(2)缺乏键盘和声及曲式等理论知识，在和弦序进方面没有规范的设计，甚至调性都不准确，在键盘上每个大小调最基本的ⅠⅣⅤ级还不熟，在伴奏中左手只是跟着旋音律弹八度或单音，没有用和声来衬托丰富旋律的效果。

(3)伴奏音型掌握的少，或不能恬当地应用。对于不同体裁风格的歌曲所应使用的音型分辩和使用的能力差，千篇 一律。如：都用1535式分解和弦或柱式和弦等，不能分辩是抒情歌曲还是进行曲。对比段落之间音型的变化太少或不恰当。甚至不成音型，节奏不准确。总之，这部分教师对于钢琴即兴伴奏的基本步骤还不了解，每个步骤的内容也不清楚，因此就很难完成为课堂教学中歌曲伴奏，或为课外歌咏活动即兴伴奏的教育教学任务。这样的教师大多集中于农村中学或较偏远的县城中学。他们进修的机会少，教学条件较差。他们在我省中学音乐教师中占相当大的比例。而中小学教师的继续教育是面向全体教师的，具有全员性。继续教育基本功培训的主要对象就是那些不胜任和基本胜任教学工作的教师。因此如何充分利用集中有限的培训时间，并利用他们自学和岗位自练来提高即兴伴奏能力，是我们要探讨的一个重要问题。

二、音乐基础较好的教师存在的问题主要是：

(1)这部分教师在弹奏技巧方面有较好的基础。但这些技巧应用到伴奏中时，往往不实用，不能快速转化为弹奏即兴伴奏音型的技巧，而且不能熟练地与键盘和声相结合，弹奏各调和弦序进及其转化出的多种音型。

(2)键盘和声方面缺少色彩和风格性的变化，在掌握基础和弦序进和基础上应进一步丰富和声手法。

(3)在伴奏音型的运用方面，缺乏系统的归纳和整体的设计及灵活的转化。

(4)在为民族风格的歌曲伴奏时和弦和音型的选择不规范。这部分教师在教学基本功方面已基本上过关，并能基本胜任音乐教学工作，但仍需通过继续教育的培训在原在基础上进一步提高。

基于以上两方面的问题，笔者认为中学音乐教师钢琴即兴伴奏技能的培训应根据教师原有基础不同的实际情况，分别确定培训的内容与方法。总的来说，钢琴即兴伴奏技能作为一项重要的教学基本功，在培训中应区别于普通师范院校的学历教学。在内容的选择和方法的采用上应从在职成人教师的实际情况出发，紧密结合中学教学的实际，并围绕中学音乐教材，使受训教师有道可寻，在指导自学自练基础上，迅速提高这方面的技能。由于成人在理论作曲知识方面的自学能力较强，具备一定的对歌曲等作品的理解能力、感知能力及综合分析能力，因此可充分利用这些优势，把每一项知识内容都与实践联系在一起。学、练、用同时进行。使他们迅速掌握科学的弹奏方法，充分发挥出钢琴这一乐器之王的魅力，选择自己胜任的伴奏织体及各种表现手法为中学音乐课的教学服务。具体培训内容与方法如下：

一、对音乐基础较差的教师进行钢琴即兴伴奏基本功培训的内容及方法。

1、培训的内容：

(1)介绍弹奏即兴伴奏的基本步骤。即分析歌曲的体裁与内容，明断乐曲的`调式、调性与风格特点，确定乐曲的曲式结构，为歌曲配置和弦，设计音型织体及前奏、间奏与后奏。

(2)结合伴奏手法提高钢琴弹奏的技巧。其中包括：音阶、和弦(三和弦、重复低音三和弦、分解和弦)、八度等技巧类型转化为简单的伴奏音型来练习弹奏，可从简单的原谱伴奏中选段落或由指导教师自己编写。对各种技巧所转化的音型的特点、弹奏指法和动作要讲解、示范清楚，并把这种音型技巧在伴奏中的作用明确归纳，以便于学以致用。

(3)分类介绍基本的常用伴奏音型。可从两个角度进行归纳介绍：一是不同的节拍的常用节奏音型;二是不同体裁歌曲的伴奏音型选配。

(4)讲解键盘和声知识及为歌曲配置和弦的原则与方法。选择和弦序进以ⅠⅣⅤ级及属七和弦为主，有能力的可选用部分副三和弦及常用的二级七、导七和重属七和弦。

(5)培养自弹自唱的能力。运用伴奏手法为歌曲伴奏的同时有表情地演唱歌曲。这是钢琴即兴伴奏在教学中应用能力的训练，可运用有旋律与无旋律的伴奏的织体，按照弹奏钢琴即兴伴奏的基本步骤迅速完成。

2、培训的方法：首先明确中学音乐教师教学基本功考核标准中关于即兴伴奏的要求：能熟练地掌握和运用ⅠⅣⅤⅠ和声功能序进，选择合适的伴奏音型为教材中的歌曲即兴伴奏，较好地表现歌曲的情绪和意境。能按歌曲的内容有感情地自弹自唱。对于这部音乐教师进行培训的一个重要目的就是使其较好地完成伴奏任务。因此在培训时首先要结合教材对他们进行各项内容的练习。将教材中的歌曲按不同体裁分类：如进行曲，《我们走在大路上》;抒情性歌曲，《长城谣》;舞蹈性歌曲，《举杯祝福》;颂歌性歌曲，《歌唱祖国》;少儿歌曲，《歌声与微笑》等。将几个具有典型性不同体裁的歌曲评细分析编配适当的和弦序进和伴奏音型，讲解弹奏技巧，给出示范的例子，并且力求简单明快。他们可以此为范，练熟之后举一反三运用到同一体裁的不同歌曲中去，这样学了就能用，由浅入深循序渐进。最初可能有些机械硬搬硬套，熟练应用后就可以灵活掌握，有所变化，和声手法及音型也就丰富了。在练习音型时结合和声功能序进来练。二、对于音乐基础较好的教师进行钢琴即兴伴奏基本功培训的内容及方法。

1、为使这部分教师的钢琴即兴伴奏水平在原有基础上进一步提高，伴奏手法更丰富多彩、讲究风格和效果，解决他们在即兴伴奏方面存在的不足有必要增加一些比前一部分教师所学的内容更深的知识内容。具体包括：

(1)在和声手法上可增加使用副属和弦和色彩性的交替大小调和弦(降六级，降三级)等。

(2)在伴奏上把各种音型加以展开和综合运用。如在一首歌曲的不同段落因其情绪风格或内容上的变化运用对比伴奏音型，并注重音型的选择、搭配、变化与承接的合理。

(3)在民族调式歌曲伴奏和弦的选择与音型运用方面应根据不同调式的特点加以归纳讲解，并结合教材练习。

(4)可以适量布置其练习教参中较好的伴奏谱例，借鉴精采的伴奏手法。

2、培训方法。对于这部分教师，不应满足于达到基本功考核标准，而应在此基础上将钢琴即兴伴奏技能达到更加严谨、规范、丰满的层次。

(1)在能力方面注重，注重培养他们创造性的思维和演奏即兴伴奏的能力。

(2)在技巧方面，应借助练习钢琴作品如车尔尼作品299、740练习曲及莫扎特、贝多芬、肖邦等作曲家的作品，提高他们钢琴即兴伴奏技巧。

(3)在和声和音型方面，应重在丰满多彩的效果上下功夫，多总结一些音型织体的类型，以达到段落间对比和风格性的伴奏效果。

篇6：钢琴学习中基本技能的处理方法

双钢琴教学形式能够从多角度让演奏者来认识作曲家，通过合作的两人来一同诠释音乐作品的结构和音乐性。双钢琴演奏技能使钢琴教学形式多样化并提高学生的综合能力，是四手联弹、独奏等其他形式所无法具备的。

一、双钢琴演奏的起源及发展

双钢琴属于钢琴二重奏的其中一种演奏形式，是钢琴演奏的重要表演形式之一。较早出现了四手联弹演奏这种形式，主要指由两位演奏家在同一架钢琴上合作演奏作品，期初是为了提高教学水平，之后著名作曲家海顿就借此形式创作出《师与生》，作品着重强调将教师与学生分别演奏不同难易程度的声部，大大提升了学生学习钢琴的兴趣。双钢琴演奏起源于16世纪末17世纪初。主要体现为双方演奏者齐心努力，共同来诠释一部钢琴作品，巧妙的演奏出作品的整体结构和音乐风格，较独奏形式相比，更加突出声部及和声多层次、乐队效果般的音响，使原本较单一的钢琴艺术富裕更加丰富的表现力。两个人要一同探讨音乐内涵，但由于演奏者双方演奏能力、演奏习惯等不可能完全一致，加之双钢琴的舞台摆放位置为对置型，这样就要求两位演奏者统一节奏、规格及音乐内涵等，培养契合的演奏能力。双钢琴这种演奏形式流传于欧洲并得到发展，双钢琴演奏与钢琴独奏作品一起大大丰富了钢琴艺术的发展。莫扎特则是双钢琴辉煌发展时期的主要代表，随后得到许多作曲家的认可。代表作有舒曼的《行板与变奏》，米约的双钢琴组曲《胆小鬼》，拉赫玛尼诺夫的《C大调组曲第二号》等。

二、双钢琴演奏技能的教学概括

双钢琴的演奏训练对钢琴独奏者的全面发展起着重要作用，使学生的综合素质得到提高。而当前在我国高等专业音乐院校中开设双钢琴课程的只有少数，在国内的钢琴教学中双钢琴并没有得到广泛的重视。双钢琴演奏是钢琴合作的艺术，在表现色彩丰富的和声与线条交错的复调给创作者带来无限的灵感和表现欲望。

1.中国的双钢琴创作与音乐活动起步较晚，应在在教学形式上多样化使钢琴教学活动向纵深发展。通过系统、科学的训练方法对音乐形式和演奏特点进行较为细致的分析，建议把双钢琴演奏课程列入国内钢琴教学中。音乐的表达有着不同的表现形式，重视双钢琴在教学、演奏上的作用，培养一个真正的艺术家、音乐家。双钢琴演奏与教学改善了培养模式单一，教学内容不够丰富的缺点。

2.本世纪六七十年代是我国最早出现双钢琴创作和专业演奏的时期，开始注重更全面的培养具有综合能力的人才。双钢琴教材凌乱与乐谱和资料的缺乏，急需寻找可行的教学发展之路。利用众多的文献及丰富钢琴教学的内容。得出一个较为清晰的双钢琴的概念，让学生的综合能力得到全面的提高。根据双钢琴发展的历史与特点、性质，为双钢琴的演奏改编作品。从双钢琴合作的艺术、技术两方面演奏实践的感受，使学生综合能力得到全面的扩展。从演奏合作的各个层面来分析双钢琴，丰富教学资料和内容。

3.21世纪初期是中国双钢琴音乐创作的发展期，基于其音域宽广、音色丰富的特点，在钢琴音乐发展中慢慢扎根并普及。双钢琴的创作、演奏、比赛在这一时期得到倡导，表现委婉如歌的旋律与音乐的多元化发展。作品创作题材同国外一样一般来源于现有的音乐作品改编的双钢琴作品，例如法国作曲家托马斯克里奎隆为两架键盘改编的法国歌曲《不可比拟的美丽》，这是最早的双钢琴作品。双钢琴这一新颖的曲风和演奏形式逐渐受到更多音乐爱好者的青睐，学生的学习内容也向多样化发展。

4.双钢琴的两位演奏者各自都有较强的演奏水平和技术能力，为达到艺术观念和审美方向基本一致需要较完备的教学体系。注重培养有合作能力的、有多方面综合素质的钢琴演奏家，使双钢琴演奏的效果更精彩。但两人的学琴历史和钢琴基础都各不相同，因此需偏重于培养学生的实践能力。在对技术能力方面与音乐作品的理解、表现方式等方面，要求我们对学生的培养更加多元化。演奏者双方在艺术观念和审美方向要保持基本一致，对作曲家进入更加深刻的理解。

三、钢琴教学中的双钢琴演奏技能探究

在西方，双钢琴这一艺术表演形式已有200多年的历史，其音乐学院对培养合作能力的认知要比国内的音乐学院超前。几乎所有知名的音乐院校均开设了相关课程，其教学思路就是要不断的提高自我表现力和想象力。但我国双钢琴的演奏与教学虽已有了一些发展，但受场地、师资力量、办学条件以及整个资源的投入等条件的制约，还属于较新的音乐课题。但这种情况正在改变，国内已经在钢琴专业中加入了包含着双钢琴课程的室内乐。双钢琴演奏与教学引起了比较广泛的重视，改善了培养模式比较单一，教学内容不够丰富的缺点。通过对钢琴教学中的双钢琴演奏技能探究，丰富教学内容并提高演奏者的水平。

1.钢琴演奏专业的培养方向是培养学生掌握一定的演奏技巧，如手指颗粒性、节奏、音乐风格的把握等。双钢琴与独奏相比，需再次基础上培养学生的合作沟通能力。根据每个人对作品音乐的理解加上两位演奏者相互沟通，对培养学生的音乐感受能力和表演能力与沟通协作能力具有很大帮助。其轻松表现出从一个层次向复杂的多层次的前进衔接与转化，深入地和富于表达地把乐曲的思想性和艺术内容传达给听者。演出时相互不会干扰并且演奏更加流畅，和声更加丰富，把其中最有价值的部分作为一个历史现象和社会现象而介绍给听者。

2.19世纪70年代至今钢琴二重奏已登上了音乐会的大雅之堂，钢琴教育也开始注重专业的理论性研究使学生的综合素质得到了很大的提高。双钢琴由于是两架钢琴共同演奏，声部必然得到了大大地扩展，使学生多方面多角度的学习、认知音乐。注重学生综合能力的培养，对每个演奏者高度的配合技巧等众多方面都有较高的要求。使得技术和艺术上得到统一，展现双钢琴的魅力。钢琴艺术家必须具备多样的钢琴演奏手法，使双钢琴演奏朝着更加专业化的方向发展。对钢琴教学的形式上进行拓展，着力培养学生多声部思维能力、多声部的平衡能力及和声的听辨与分析能力。

3.双钢琴课程在钢琴专业教学中占有一定的比重，这种表现形式已与钢琴独奏、协奏并肩出现在世界音乐舞台上。对演奏艺术采取一种创造性的态度，在演奏中两架钢琴充分发挥各自的声部及特点。致力于演奏的表情与深刻分析乐曲的结构并领会风格，努力寻求类似乐队气势磅礴的音响效果。培养宽宏的艺术胸怀和鉴别作品内容与风格特征的能力，开拓对双钢琴表演艺术形式的新视野。技术与艺术目的的有机结合，对双钢琴音乐探索具有引导和示范作用。相辅相成、相互配合、相互渗透形成重叠的音响效果，避免追求华而不实的技巧、获取辉煌而庸俗的效果。

4.双钢琴音乐文化与西方的交流加强受到了音乐家、教育家的关注，着重为钢琴专业学生增加了双钢琴等课程。双钢琴演奏与钢琴独奏、钢琴协奏、四手联弹的对比中可以发现一些演奏的难点，需注重演奏技术和艺术的全面培养。两架钢琴既可以表现同一层次的纯粹与辉煌，增加了教学形式的多样化；也可以表现复杂而丰富的多层次感，加强了学生之间的合作能力。双钢琴与四手联弹相比，演奏双方各自控制所有的音区，可以用演奏者富于表达地演奏艺术把乐曲的艺术性和思想性传递给听者。

四、钢琴教学中的双钢琴演奏技能未来展望

双钢琴犹如一个被压缩了的庞大的交响乐队，有着自己较完备的教学体系。演奏者需要对管弦乐队中各种乐器的演奏方法和不同音色做以具体的分析、了解，进行音乐理解力的启发和对音乐的音乐形象的探索。与钢琴独奏相比，双钢琴可将键盘音乐的特性发挥得淋漓尽致，是一种对长期机械训练的否定、对弹琴艺术的熟练与心智的活动。其极大的丰富音乐的层次感，表达乐曲的思想内容。需心互协作，相互协调，共同完成对作品的演奏，使教学形式得到拓展。

1.双钢琴演奏是通过两位演奏者之间配合的完美来达到演奏的统一性，多数的双钢琴演奏者都是同时进行双钢琴演奏与钢琴独奏的演奏者，钢琴演奏者主要追求自己技术能力的展示和对音乐的表现，着力追求演奏技术上的突破。考查重点不应该放在两人各自的技术技巧上，需达到一专多能的效果。两位演奏者要主动与对方在音色和语气等方面寻求统一，通过音乐理解力的启发和对音乐的音乐形象的探索培养宽宏的艺术胸怀和鉴别作品内容与风格特征的能力。

2.双钢琴演奏应更加强调演奏者对技术能力的控制，使教学内容比较全面丰富与国际上接轨。在双钢琴的演奏中避免双方的理念存在较大差异，从多角度、多方面来培养具有综合素质的演奏人才。避免教学形式上比较单一的局面，使音乐层次和音响效果更加丰富。培养学生与他人良好的合作能力是成功创造最基本和最重要的条件之一。在对双钢琴作品的演绎中除了运用独奏乐曲的技巧外，加大对双钢琴课程有着足够的重视程度。训练学生的合奏能力入手逐渐培养学生音乐思维能力与习惯，强调技术和艺术的相互统一，并驾齐驱达到共性与个性的统一。

3.性格、秉性的磨合的过程也是双钢琴演奏的学习过程，有助于培养学生的综合素质能力以及合作能力与有较好的技术控制能力。演奏艺术是以熟练的技巧为基础，使音乐色彩五彩斑斓并展现音乐的魅力。双钢琴的课程设置应早一些介入到钢琴教学中来，才有可能通过两架钢琴的合作恰如其分的表现音乐。对演奏艺术采取一种创造性的态度，取得如交响乐一般的辉煌效果。对钢琴教学的形式上进行拓展，培养学生多声部思维能力、多声部的平衡能力及和声的听辨与分析能力。忠实地、情感地表达乐曲的思想内容和艺术内容，强调学生参与及达到培养和锻炼学生整体协调性能力和创造性思维的目的。着力对学生能力的培养，在风格、音响、节奏等方面要形成一种共性。

参考文献：

篇7：钢琴学习中基本技能的处理方法

——新课程下中小学教师备课技能指导学习心得体会

敬南中学 付仕国

寒假期间（1月21至25日），我参加了兴义市教育局组织的《有效教学的基本功——新课程下中小学教师备课技能指导》集中培训。本书共分九个话题。通过培训，使我感触最深的地方就是能够立足于教师的实际，展现日常教学中教师备课的真实情况，精选鲜活的教学案例，加以阐述和讨论，能够正确的把握教师在备课中遇到的问题进行答疑解惑，使教师的备课能力得到进一步提高。对我今后的备课起到了很大的启发和指导作用。

备课，在不同的教学背景下有不同的要求。在全面推进素质教育、实施新课程的今天，我们不但要备教材，还要备学生。教师要树立“为学生学习而设计”“为学生发展而设计”的基本思想。备课中要注意以下几点：第一，树立新的学生观。在教学过程中，为了每一位学生的发展，树立新的学生观。学生是完整的人、独特的人、发展的人，也是宝贵的课程资源。第二，发展学生的主体性，弘扬学生的主题精神。当代教学论研究认为：以人为本的教学观念要求我们高度重视学生的人格，尊重学生的自主性、主动性，把学生作为真正的教育主题，以学生为出发点和归宿，以学生发展为中心，一切教育措施和教育条件都是为了学生的全面发展与个性充分发挥而设计。教师备课一定要备学生，对学生要做具体分析，课堂中要充分发挥学生的积极性、主动性，不断激活学生的思维，使他们真正体会到学习的愉悦。

备课要分不同的课型。本书中提到了新授课的备课、习题课的备课、复习课的备课、实验课的备课和综合性学习（活动）课的备课。我认为很有道理，比如说在怎样备复习课的备课问题上书中的观点阐述的就很清晰，作为教师，（1）要注意复习课的类型。如果是按复习的性质和时间通常分为单元复习课、期末复习课、学年复习课三种形式；根据复习的内容又可分为综合知识复习课和专题复习课；根据复习的方式可分为练习课、测试课等。（2）复习课与其他课型有很大的不同，它具有以下特点：从内容上看它是以学生已有的只是为内容学生缺乏新鲜感，缺乏兴趣，因此复习课既难上好，有很有必要上好。从手段看，复习课要以练习为主。要重在提高学生的梳理归纳能力，除了一定量的练习外，更要加强知识间的内在联系、形成知识网络的能力训练。从目标上看复习的目的不仅使知识系统化，还要对所学的知识有新的认识和提高，包括适当的拓展和延伸，做到举一反三，温故更知新。（3）在复习课中倡导分层递进教学，要求尊重学生的差异，使每个学生在原有的基础上都得到发展。提倡学习方式的多样化凸显自主、合作、探究，充分发挥学生的主体作用。要因材施教，区别对待，做到“一把钥匙开一把锁’，也就是在复习课中，从学习目标的确定到教学内容的选择，从教学手段的安排到教学语言的运用，都必须从学生的实际出发，做到有的放矢。

通过学习，使我深受感动，树立理念。从现在起，我要树立有效教学的理念，强化有效教学的意识，在自查、反思中提高自己的教育能力和教学水平。时刻提醒自己要备好每一节课：教案与学生是否两层皮？是否充分的预设教学中的每一个环节？教学方法的选择是否恰当？下节课如何改进„„主动把有效教学理念、有效教学策略落实到教育教学工作实践中。为祖国的明天增添一份光彩。

篇8：钢琴学习中基本技能的处理方法

一、如何在艺术教育专业环境下提高钢琴的演奏水平

由于目前我国高校艺术教育专业的钢琴课均为小组授课。鉴于这种特殊的授课方式,专业性强、个性突出的钢琴课将面临统一授课的形式。因此,学生自学能力则显得尤为重要。具体来说,在艺术教育专业环境下提高钢琴演奏水平应当注意以下几点:

(一)养成正确的读谱习惯;循序渐进,提高练琴效率

要想把作品弹完整,首先要做到正确读谱,乐谱是作曲家留下的重要的信息。这些信息包括音高、节奏、节拍、时值等。除此之外,每天保证练琴时间、循序渐进对于所有学钢琴的学生来说都是至关重要的一点。艺术教育的学生每天都有比其他专业都要多的课程去学习,因此在练琴的时候就要讲求效率,节省时间。同时要在练琴的过程中要掌握好以下几个重要环节:

1.慢练。通过慢练乐曲能够走上一条正确演奏的轨道且能确定正确的指法并将其固定。还可以正确地划分乐句,最终使乐曲听起来流畅悦耳。

2.分解练习。练习每一首曲子都应当在练习前先将曲子划分乐段、乐句,有目的地去练习重点、难点,这样的练琴既可以准确把握作品风格,又能够提高练琴效率,节省时间。

3.变速练习。由于艺术教育专业的特殊性,学生学习的过程中,在接触较快速的练习曲时,学生经常会把一些跑动性的片段弹得断断续续、支离破碎,听起来就像是卡带一样不流畅。这些问题,是可以通过快慢速交替的练习方式、以及长短组合的方式来克服的。

4.用耳朵去倾听。这点是最为重要的一点。音乐是一门感知艺术、听觉艺术。优美的音色在钢琴演奏中是重中之重。对于艺术教育专业的学生来说,如能在练琴的过程中注重声音的优质性,则会为所演奏的曲目增色不少,这也是提高钢琴演奏技能的一项重要环节。

(二)融入作品,重视实践性与理论性的结合

每一首作品都会由于作曲家、作曲背景等因素而具有不同的风格特点,在演奏作品时学生应当能够身临其境,融入作品;在对这些作品的学习揣摩中,能够对艺术家的经历有所了解,领悟到他们在伟大的艺术创造中包含的坚强意志和独创精神,从而激励自我。

此外,实践性与理论性结合,同样是利于学生提高钢琴技能的一种方式。除了在平时课堂上老师的理论讲解、学生课下的自我练习以及对曲子的深层背景内涵和作曲家了解而对书籍大量的阅读这样理论上的学习之外;由于钢琴实践的要求,高师学生在校期间需要上台进行演奏,在实践中会有老师或学生进行观摩。这种状况下对演奏者技能的要求就非常高,故学生需要在台下保证练琴量和练琴的正确性,从而能促使演奏技能的加强与提高。

钢琴实践能在潜移默化中融会贯通所学的知识,使学生巩固课堂上所学知识,并且能促使学生保证练习量,很好的将理论与实践结合起来,提高各门功课的知识整合能力,养成对钢琴作品进行深入研究的学习态度,铸就良好的心理素质,从而也能提高学生的综合素养,为艺术创新和就业提供更高水平的师资力量。

二、好的钢琴演奏技能在艺术教育专业学习中的重要性

钢琴课是艺术教育专业的一门必修课程,它是一门理论与实践并重的技能课程,好的演奏技能直接决定了驾驭钢琴的能力,从而演奏更高水准的钢琴作品。

音乐是有感情有灵魂的,每首钢琴作品都有快慢、有强弱、有情感、有风格。这不仅需要演奏者掌握非常好的演奏技能,并且需要深刻理解作曲家的作曲背景。这样就要求艺术教育专业的学生既要拥有较为扎实的钢琴演奏技能还要具备一定的理论知识。好的钢琴技能能够促使学生演奏作品的同时将曲子在技巧上发挥到极致,同时要求演奏者了解曲子的深层背景和内涵,并将情感融入到作者当时所处的环境和心境中。

相对于其他专业的学生来说,艺术教育专业学习的科目较多。因此,学生会有更为广泛的知识面。广泛的知识面对钢琴技能的提升是一种促进,与此同时,掌握好的钢琴技能又需要阅读大量与曲目相关的书籍,这样一来,就会在潜移默化中获得了更多知识。因此好的钢琴技能将有助于拓展艺术教育专业“一专多能“的专业特点。

篇9：钢琴学习中基本技能的处理方法

关键词：理性 情绪化 钢琴学习 教学方式

人刚出生时，大脑中保持和管理人体生命系统的脑干和产生喜怒哀乐情绪的大脑边缘层巳完全发育，其中维持生命和发生情绪是人类和哺乳类动物都有的一种求生本能，所以人脑中的脑干和大脑边缘层又可称为动物脑。而人类特有的大脑新皮层却是在出生以后从一片空白开始发育，在接受教育的同时不断成长和发达，成为有理性和智力的人。所谓理性是在人类社会中求生的规则，理性培育主要是培养能承受各种社会约束而努力融入社会的能力。而智力则是对世界的认识，智力培育主要是学习在社会中求生的各种技能。理性和智力是后天培育成的，人从零岁到二十岁接受教育，这段时间的理性和智力成长程度将决定人一生的命运，其中理性教育的程度又将起到主导作用。试想我们培养出一个不能融入社会但有高智力人，可以说只是培养了一个高智力的动物，对个人和社会都是有害的。

从教学中可以观察到，刚开始学习钢琴的儿童都是很情绪化的，他们的喜怒哀乐直接表露在脸上和行动中，这和小狗小猫是一样的，因为他们的行为主要受动物脑的影响。他们离不开亲人，不愿单独走进课堂，还不知道将来进入社会，要独立和各种各样人打交道。他们天性活泼，喜欢好听的音乐，但要自己去学习产生音乐的钢琴时就太容易表现出畏难情绪、甚至产生厌恶情绪。情绪化是本能，是人的动物性的一面，是将孩子培育成人首先要遇到的障碍，可见理性和智力的培育是多么艰难。

理性和智力的培育是强制性的，否则我们的孩子就不能区别于动物成为一个在人类社会中有求生能力的人。但是在我们的教育观念中有不少倾向是在培养高智力的动物。特别是在科学技术高度发达的今天，重智力轻理性的教育倾向就是一种比较容易看到危害性的倾向。有些倾向我们还很少意识到它的危险性，例如我们不少家长和老师只重视知识或技能教学，忽视学生在知识学习过程中反映出的学习态度、思维方式等直接和理性教育相关的教学。重知识轻过程的教育实际上是放弃了理性教育。

其实，理性教育处处都体现在智力教育的过程中。音乐是人类大脑新皮层创造出来的，是智力的产物。音乐直接影响人的情绪，所以在人的理性和智力教育中都占有重要的位置，积极向上的音乐对理性和智力的培育都有正面的作用。钢琴之所以被称为乐器之王，是它宽广的音乐表现力能极大地影响和感染人喜怒哀乐的情绪，使之上升为人特有的情感，所以世界各国都很重视面向孩子的钢琴教育。由于钢琴和钢琴曲都是人类高度智力的产物，所以钢琴教学也是一种高级智力教育。但钢琴复杂的结构和高难度的表演技巧，学习钢琴的过程不是件容易的事。学会演奏一首钢琴曲不但需要用大脑新皮层的理性和智力去理解乐曲所表达的情感，还要用十个手指再现这一情感并在黑白键盘上作反复的高难度练习，最后成为记忆在小脑中的肢体语言。这一过程对孩子来说，是人生道路上第一次遇见的真正困难，但也是学习做人的最完整的一次机遇。作为老师的我们和学生家长也要学会在这过程中不断鼓励和帮助他们具有克服困难的勇气。

首先要提供适当的方法让他们懂得只要开动脑子困难总是可以克服的，同时要让他们享受演奏好每一首钢琴曲带来的心灵上的震憾，使之成为努力攀登一个又一个音乐高峰的原动力。做好这两个方面的工作，孩子们才能在学习钢琴的同时学习到情感的表现能力、感受能力、想象能力、分析和判断能力、人际情感交流和互动能力、自主的行动能力及高度的责任性等和理性和智力相关的基本求生能力。最终孩子们会懂得学习是自己事，一切成功都离不开刻苦努力地奋斗。

但是，现实生活中不少孩子在学了多年的钢琴以后，最终还是选择放弃。因为不少家长只是将钢琴学习简单地看成是一种技能学习，没有很好地面对孩子在学习钢琴过程中产生的情绪化问题，错失了一次对孩子进行全面的理性和智力教育的机会。例如有一个孩子已考到了钢琴十级，但是进入大学前的第一件事就是要求家长将钢琴卖掉。这些孩子在钢琴学习的过程中充满了无奈和被迫，很少从钢琴中体会到快乐和幸福。这样，被压抑了的“怒和哀”的情绪一旦条件合适就会总爆发出来，学习钢琴的经历反而成了孩子成长道路上的痛苦的回忆。还有一个例子，一个小学的班级从一年级开始学琴的人数多达30人，但坚持到小学毕业的只有2个孩子仍在学琴，这不仅仅是孩子的不坚持，也是家长的不够坚持，从而放弃学琴，放弃正面面对困难的一次机会。

孩子的钢琴教学要明确提出两个需要达到的目标：通过钢琴学习的过程，让孩子具备在社会中独立生存的能力；通过钢琴的技能教学，使孩子能表达自己的情感，传递对美的追求。为达到这两个目标，钢琴教学的形式、教学内容、教学方式、教学环境等都要有利于孩子克服学习过程中的情绪化，进而上升为积极向上的生活动力。

理性培育的核心是培养克服困难追求目标的能力和良好的人际关系，让孩子具备在社会中独立的生存能力，理性培育的主要障碍是情绪化。为此，老师和家长都不能忽视学习过程中孩子情绪的变化，特别是表现出不想学钢琴或不愿进行艰苦的钢琴练习时，要了解其原因，帮助孩子解决他所遇到的困难，进行情绪转换工作。绝对避免简单训斥或放弃学习，否则孩子在今后的人生道路上很难会有克服困难的勇气和向着确定目标努力奋斗的精神。同时，孩子在不同年龄和不同阶段会有不同的情绪变化，要根据具体情况采取相应的措施。例如，有一个叫Kin的小朋友，由于畏难情绪，他在学琴半年后出现过1个半月左右的消极期，不愿意弹琴。但是他对音乐还有兴趣。为此在1对1时，指导老师采取先不强迫他弹琴，而是给他弹他喜欢的儿歌，让他跟着唱音符，来调动他的兴趣。在课下练习中，又让他在家长指导下上网观看配有该曲的动画片视频，既加深他对该曲表达的情感的理解，又提升了他的兴趣。这样他畏惧练琴的情绪出现好转，重新激发了他弹琴兴趣，学习速度也变快了。此外，还需要注意的是情绪的转换工作不光是老师和家长的事，必需要和孩子一起寻找情绪转换的方法，这样孩子才能慢慢懂得学习钢琴是自己的事。

4-6岁孩子的性格行为主要还是受动物脑的控制，一切以自我为中心，行为情绪化又容易受环境的影响，情绪自控能力都比较差。4岁半左右大脑新皮层处在特殊的发育阶段；一是要扔掉出生以后多余的脑神经细胞，孩子显示出好奇心强，但精神不容易集中，情绪波动比较大的特点；二是新皮层运动区对手指指挥还不是很灵活，特别是4岁的孩子还很难按老师的要求进行键盘活动。但有目的和有规律的手指运动反过来也能促进新皮层的发育；三是新皮层的听力区处在最佳发育阶段，对音高和节奏很敏感。这年龄段孩子开始学习钢琴时，要用比较长的时间对他们进行适应性训练，目标是使孩子从不排斥钢琴到习惯每周上钢琴课，帮助孩子从情绪化开始向理性转换。所以这一时期的钢琴教学形式可以考虑采用4-5个孩子在一起学习的小班教学，进行互动式教学。教学过程中，老师弹一些孩子喜欢的乐曲，让孩子围着看老师弹钢琴，认识钢琴和认识音乐，让孩子开始有追求美的习惯。由于孩子注意力集中时间短，一次课堂教学应有多种形式变换。教学内容不应刻意追求指法和能学习多少钢琴曲目量，而应该将学习重点放在听力和节奏训练上。回家练习时尽可能由家长陪同，养成规定时间练习的习惯，让孩子把练琴变成同吃饭睡觉一样必不可少的事，一旦养成习惯将产生良好的影响。

钢琴学习不仅是技能训练，若能注重过程教育，必会对儿童的成长起到巨大的作用。使钢琴学习不仅实现了钢琴梦，还实现情绪化向理性的转变，最终实现智力和理性培养。

参考文献：

[1]梁筱妹，方冰.儿童钢琴学习中的能力培养途径研究[J].音乐大观，2013，（07）.

[2]许尧.视唱练耳和钢琴学习的结合运用探讨[J].黄河之声，2012，（17）.

[3]黎松涛.学前教育专业钢琴技能教育思考[J].兵团教育学院学报，2012，（02）.

[4]杜晓兵.钢琴教学中贯入音乐理论及钢琴教学法的重要性[J].文艺生活·文艺理论，2014，（07）.

篇10：钢琴的学习方法

可以借鉴）

大钢琴家的练习方法大钢琴家的练习方法

一、亚瑟·鲁宾斯坦（Arthru Rubinstein1887~1982）

鲁宾斯坦生于波兰罗茨，自由即显露音乐禀赋。四岁开始学琴，不久即负笈柏林，同时钻研钢琴与作曲，十二岁在柏林首次登台，自此开始踢辉煌的演奏生涯，马不停蹄的在世界各地演奏，成为本世纪最伟大的钢琴大师。他有着过人的记忆力与精力。他是一个性格外在的演奏家，他热爱人类，热爱钢琴艺术，这所有的人生观都在他的演奏中表露无疑。

1、如何练习：

①、很少练习，常用意识的无声练习。②、每个人应有不同的弹法。

③、注重感性音乐、高尚优雅的音乐气息。④、不练车尔尼等练习曲。⑤、只练困难乐段。

2、是否作基本技巧练习： 不做基本练习。

3、如何背谱：

用“心像”是背谱，能记住乐谱上任何一点，完全照相试的记在心里。

二、鲁道夫·塞金（Rudolf Serkin1903~1991）

塞金是当今五大钢琴家之一（纽约时报所选），他的演奏形态端正而感情细腻，他的演奏给人的感觉是内在的充实感而不是华丽，他的拿手曲目是莫杂特、贝多芬及德奥浪漫派的作品。从他的演奏中可感觉出他的热情洋溢，技巧纯熟，动作相当夸张，音乐在嘴边不停的哼唱，他虽然是钢琴大师，但限于他的触键房是很少改变，所以他不属于技巧与风格灿烂的演奏家，他的最大特点是对音乐能进行深入的探讨，然后展现出明朗的建筑性。

1、如何练习：

①、每天都需长时间练习，练过5小时候才进入状况。②、用慢速及快速练，不用中速练，但加上表情。㈠

③、练习曲用Moscheles、Hummel、Thalberg、Liszt等，很少用Czerny.④、强调技巧的重要性，没有技巧，既没有音乐。

2、是否作基本技巧练习： 强调音阶、琶音等基本技巧练习，但不用哈农。

3、如何背谱：

①、指法的记忆，是危险而不可信赖的。②、我靠不知不觉地回忆记谱。③、也用分析。

④、我无法想象一句一句背，谱子一直跟着我，甚至使我无法睡觉。

三、威廉·巴克豪斯（Wilhelm Backhaus1884~1969）

巴克豪斯生于德国的莱比锡真是德国的文化与音乐中心，巴克豪斯自幼即师从艾洛斯、烈根德弗，1891年进入莱比锡音乐院，毕业后移居法兰克福，虽当时有名的钢琴家兼作曲家的德尔贝特（D·Albert）学习。德尔贝特教他最拿手的“贝多芬作品诠释”。1900年，巴克豪斯初次在伦敦登台，一鸣惊人。他除了21岁时应聘为英国曼彻斯特音乐院教授及1907年23岁在仲德斯豪音乐院任教，但时间很短，自始至终他都已演奏家的身份活跃于舞台上。

1、如何练习：

①、强调音阶、琶音及巴赫，这是他的技巧基础，75岁时，每天连半小时以上的音阶琶音。②、不能以复杂的技巧就认为是难曲，即使最简单的莫扎特乐曲，要做到完美也是困难的。③、不要只练那些几分钟就能弹出的音群，优美旋律的曲子，这对演奏家是危险的。

2、是否作基本技巧练习：

一生都在练音乐、琶音，但都加上表情。

四、华尔特·纪瑟金（Watter Gieseking1895~1956）

纪瑟金出生于法国的里昂，四岁开始弹钢琴，据说他在6岁的时候在法国贵妇人面前弹奏舒曼的幻想曲作品17号。8岁写了奏鸣曲作品二一起其他曲子。10岁进入德国汉诺威的市立音乐学校，接受卡尔·赖玛（K·Lei-mer）,这是他一生中唯一的老师。他初次正式登台是在20岁，而且一鸣惊人，3个月内在汉诺威廉著演奏六场贝多芬的全部奏鸣曲。

1、如何练琴：

①、强调寻求人走路时最自然的姿势弹奏。

②、练习要求绝对正确，即使ppp,或pp都要清楚区分。

③、注重耳朵训练、注意听自己的演奏，要以批判别人的态度来听自己的。④、音节练习要求以快速弹奏，ppp的音量。

2、是否作基本技巧练习：

要练习音阶、琶音能从ppp~fff间弹出各种等级的音量，还要用ppp和最快的速度弹音阶、琶音。

3、如何背谱：

可以不用琴练习，就可以背谱。

五、亚图·史纳伯（Artur Schnabel1882~1951）史纳伯是上一代的奥国大钢琴家兼伟大的教师，他是雷谢狄斯基（T·Leschetizky）的门生，它是第一位被称为贝多芬专家的演奏家。当代的钢琴演奏家或者教师都以师事史纳伯为荣，甚至以他这一系的教学系统而自夸。

1、如何练琴：

①、最初较为注重技巧练习。

②、有了技巧后，把技巧放在第二位，否则会变成单纯的技巧家。③、音乐注重直觉。

④、强调音乐的诠释，要忠于原谱。

2、是否作基本技巧练习： 教学是注重技巧练习。

六、克劳迪欧·阿劳（Claudio Arrau1903~1991）

阿劳是南美洲最杰出的钢琴家，也是当代名列十大的钢琴大师，他出生于南美洲智利，在德国受教育，最后在美国定居，虽然他在美国逗留44年，他仍然保留他的智利公民的身份。由于母亲的启蒙，在3岁学琴之前，已可背弹贝多芬的奏鸣曲，是个惊人的神童，五岁举行首次独奏会，六岁入圣地亚哥音乐院，八岁在圣地亚哥正式登台举行独奏会1853~1918年间师从于马丁·克劳塞（Martin·Krause）克劳塞1918年逝世后，他完全靠自修完成了自己的音乐教育，为了在紧张中保持平静而看了许多“禅宗”方面的书，并从禅宗中不断地找到钢琴艺术所必备的条件。

1、如何练习：

①、在12到13岁时，每天练3小时基本练习。②、14岁以后，该练乐曲困难部分。③、演奏前不到会场预演。

④、每天练习时间随个人的体力、意志力而定，有时一天练了20小时来准备，最重要的是身体不觉得疲劳。⑤、提倡身体放松、精神紧张地处理音乐。

2、是否作基本技巧练习：

强调学生开始时必须做很多的技巧练习。

3、如何背谱： 用四种方法记忆 ①、心像记忆 ②、声音记忆 ③、分析记忆

④、肌肉动作记忆。即手指位置记忆，分析记忆，最后直到能正确即以每页的详细细节为止。

七、西西里·珍哈德（Cecile Genhart）

珍哈德是美国伊士特曼（Eastman）音乐院之著名老一辈教授于1975年退休，训练出许多优秀的学生。她跟艾德温·费雪（Edwein Fischer）、法国的菲利浦（Philipp）曾弹给布索尼（Busoni）听过，那时的德彪西刚开始有名，在伊士特曼教过10年后，又跟Matthay学了一阵子，终于成为优秀的教师。

1、如何练习：

①、注意巴哈作品的训练。

②、练习基本定律：你必须明白你再做些什么？为什么做？在什么时候做的？又怎么做的？ ③、多做分析、思考后才知怎么练习。④、注重移调练习。

2、是否作基本技巧练习：

要求具有绝对的音阶、琶音的技巧，并作移调练习。

八、古伊欧玛·诺瓦斯（Guiomar Novaes）

诺瓦斯是巴西的著名钢琴演奏家及教授，生于巴西圣保罗；在巴黎音乐院跟Philipp学习。1916年在美国纽约首演，在哈利埃时·布劳（Harriette Brower）的钢琴精粹（piano Mastery）提到她和其他大师对她的琴艺评论：“诺瓦斯的琴艺本身就是艺术，对于每一个细节，她总是处理得毫无缺点，似乎没有难倒她的问题，同时诺瓦斯在音阶上的处理更是完美无瑕，恰到好处，尤其是她的滑音，更是没有一位音乐家可堪比拟，她的和弦丰富，颤音犹如鸟鸣，听众总是不由自己的为她的琴艺所倾倒，而且也讶异于她完美的技巧以及对原著的诠释能力，她能将作品中如诗般的情绪化的特质，以澎湃而震撼的方式表达出来。”

1、如何练习：

①、练习时就忠于原作。

②、演奏时必须把技巧练好，但不能想到以技巧取胜，所有的知识尽情尽兴。

③、在音乐院时通常每天4~5小时，测验时才练到6小时，学生时代练过Philipp、Pischna、Cramer、Bach很少特别注意技巧练习，技巧对她而言是天生的。

2、如何背谱：

很自然的记忆，不勉强，靠视学与听觉达成心像记忆。

九、斯罗伯德亚尼克（Slobodyanik）

苏俄的钢琴家，1968年首次在美国演出时，评论家说到：“也许是自吉列斯（Gileles）、李希特（Richter）以来从苏俄来的最优秀的钢琴家”。他和吉列斯、李希特同时纽豪斯（Heinri Nerhaus）的学生，而他是纽豪斯的最后一个学生。纽豪斯对他的评论是“具有无比天赋的才华”

1、如何练琴：

①、他是一位天生的钢琴家，如果有音乐会又有新曲目，就每天练6至6小时半。②、“我练习时通常将全曲从头至尾弹，如果有什么地方错，就重弹那些地方。” ③、他全靠本能来弹奏。

④、肖邦的练习曲是最好的练习曲。

⑤、好的声音是从内心，大脑，也从手而来，脚也有点作用。

十、卡沙德修斯（Casadesue1899~1973）

罗伯特·卡沙德修斯。1899年生于巴黎，他的家族是有名的音乐世家，12岁进入巴黎国际音乐院就读，接受路易斯·狄耶梅（Loris Diemer1843~1919），14岁以首奖毕业。他的演奏特征是音质透明、洁净的技巧以及纯粹的演奏样式，成为法国新时代的代表钢琴家二战后迁居美国，在各地举行演奏，并录下巴哈、莫杂特三台钢琴协奏曲的唱片（Odys·Y31531）,大获成功，1973年去世。

1、如何练琴：

①、练习要求重要的是声音，不是技巧，然后是圆滑、平均。②、重视触键，踏板的运用。

③、用Czerny练速度、Philipp练均衡。

2、是否作基本技巧联系：

重视技巧练习，认为c大调、降B大音阶最难弹。

十一、艾丽琪亚·拉罗查（Alicia Larrocha）

拉罗查1923年出生于卡塔龙尼亚的大都市巴塞罗那，拉罗查的母亲和阿姨都是西班牙的作曲家，格拉纳德斯的学生。2岁他的阿姨教她学钢琴，4岁师事法郎克·马歇尔，5随即登台举行独奏会，11岁与马德里的交响乐团协奏演出。1940年起在西班牙各地作巡回演出。1943年荣获马歇尔金牌奖，1947年起在巴黎、伦敦等欧洲主要都市活动，1954~55年的演奏季赴美国登台，并由美国的笛卡拉唱片公司录音灌制唱片而备受瞩目。1956年与卡隆德携手演出，同年获得好莱坞国际音乐奖，1960年为纪念阿尔贝尼斯诞辰百周年，举行多场演奏，1972年荣获当代“钢琴女王”的尊称。

1、如何练琴：

①、音阶、琶音是必需的，教学时视学生缺点，需要而有所不同。②、练和弦用很慢的速度，把手放在键上感受它的扩张。（小手的人练的）③、时常做伸展练习。（从小到现在）④、练习扩张手指的方法：

⑴ 第二指与第五指之间，用另一只手，将手指张开。（不用钢琴）⑵ 有计划、机械式的在钢琴上打开手，尽最大可能张开弹奏和弦。

⑶ 伸展和弦练习用2、3、4指弹4度泛音，即先弹C、F、A，试着弹C、F、B。⑷ 用五只手指弹9和弦。

2、是否作基本练习：

教学生们必须要练，现在她没时间练，只练演奏曲目中困难部分。

3、如何背谱：

①、先用手]、再用智力、加上分析、先背左手。

②、自然的记忆，由重复的练习，自然而然的记住，但这是危险的。③、“我认为重要的是分析一乐句的曲式、节奏、段落。” ④、手指的记忆有效但危险。

⑤、重音的记忆。（尤其是西班牙乐曲）⑥、键盘视觉记忆。

⑦、记忆是复杂的，必须运用所有的方法，最重要是要有音乐的耳朵。

十二、华尔特·克林（Walter Klien）

克林是维也纳音乐院的教授，并时常赴世界各地旅行演奏，中视第五季维也纳时间曾播出他演奏的孟德尔松的G小调协奏曲，所录的唱片以莫扎特的所有钢琴曲为著名。

1、如何练习：

①、练习乐曲时，我练得很慢，不用踏板，试着听到每次的新发现。②、练习乐曲时，我还找一些有关资料进行研究。

2、是否作基本技巧练习：

不做音阶及技巧练习，练习乐曲中的困难处。

十三、汤玛士·华沙利（Tamas Vasary）匈牙利名钢琴家，得过国际肖邦大赛冠军。

1、如何练习：

①、我的练习方法，因新乐曲，或练差不多了，或者在音乐会前而所不同。

②、首先练到我能用“心”弹，然后用耳朵弹，反复练习到能为自己弹或为太太弹。③、然后设法能离开钢琴来学习每一个音符，在飞机上也可以背谱，想出每一个音。④、普通曲子开始时先做重点练习，巴哈赋格则一开始就仔细而慢的从头到尾。⑤、这些阶段完成后，我就分手背。

⑥、演奏会前两周每天练习整场曲目，用标准速度，但没有用上表情，两三天前才尽全力加表情，以培养情绪。

2、是否作基本技巧练习：

学生时代练很多困难的技巧练习，现在我找些两手都很难的曲子练习，例如拉哈马尼诺夫的第三号协奏曲，或者把肖邦练习曲，用左手弹右手的部分，或者两手同时弹右手的部分。

十四、毕晓普（Stephen Bishop）

生于美国洛杉矶，双亲是南斯拉夫人，后在英国著名钢琴家拉·赫斯（Hess）门下学琴。19岁时在伦敦正式演奏，1961年，被邀请在爱丁堡音乐节上演奏，英国作曲家班乃特（Richard Rrdeby Bennett）,还为他写了一首钢琴协奏曲。目前是非利普唱片公司的专署艺术家，录制发行了贝多芬钢琴协奏曲全集（phi 6747 104）巴尔托克钢琴协奏曲（phi 839 761,9500 043）葛里格、舒曼钢琴协奏曲（Phi 6500 166）等等超过了20张唱片。毕晓普是一位率直，音乐性丰富的钢琴家，但并不是每张唱片都能贯彻其独特风格。他的特征是琴声晶莹清澈，经常出现别的钢琴家所不曾表现得优美音色，同时表现自然流畅，如果能塑造并表现自己的个性，就能进入大师级的演奏家之列。

1、如何练习： ①、每天练5~6小时。

②、通常我不练得太快，假如我需要那些特别的技巧，例如，八度，我就找一些八度的曲子来练。

③、假如巴尔托克第二协奏曲，如果是一次又一次的练，即使练到手僵硬，也无法练好，必须找一些技巧练习来帮助克服。

④、曲子练到相当熟后，就分段练，如是奏鸣曲就练发展部。

2、是否作基本技巧练习：

如果有时间就练音阶，技巧练习也是如此，这些都很重要。

3、如何背谱：

记忆对我没什么问题，它是来自正确的练习，我不会一句一句的背。

结论

下面将上面所述，做一结论，作参考：

1、练琴的方法，因个人的天分、才智而有所不同，如果他是绝顶聪明，能像鲁宾斯坦、约瑟金等的有过目不忘的本领，无形中，他就省掉许多练习过程。这些特例的练琴，或被谱方式，不是一般人所能效法的。

2、通常在学生时代，必须多练练习曲，基本技巧等，先打好基础，待技巧已够好时，可以省略一些练习曲，但基本技巧必须作，因为即使是只练困难乐段的演奏者，为了克服这段技巧时，决不能一次又一次机械式的弹奏，一定得设法，改变方法练习，已达成目的，这些改变，就会运用到一些基本技巧的练习方法。

3、练琴时间的长短，因人而异，不过要想弹好钢琴，每天最少也得四小时至五小时之间，如果不是绝顶聪明，而要有好成绩，则必须超过这些时间，尤其是学生时代。

4、音阶、琶音、巴哈等的练习，有些大演奏家，如巴克豪斯、塞金等一辈子都在练，因之他们手指的灵活性，到老年，比较看不出衰老的现象。只有少数演奏家，不廉基本技巧，所以我们可以得到一个正确的结论，练习曲，即基本技巧练习，在学生时代，必须多多加强练习，目前有一部分人，提倡不练基本技巧，认为技巧泉可以有乐曲中获得，要用这种方法的人，第一，必须是天生就是弹钢琴的料子；第二，要绝对的天才，否则就只有为兴趣而练着玩的人。

5、联系必须‘专心一致，必须明白你再弹什么？为什么弹？怎么弹？弹得怎么样？也就是多做分析、思考、然后练习。

6、尽可能在15岁以前把技巧练好，并多背些曲目，才有希望成为演奏家。

7、练习时要慢，并要找一些相关资料研究。

8、练琴不能懒，随时扩充曲目。

9、背谱是复杂的，要做到万无一失相当困难，所以要尽可能运用所有知道的记忆方法来背谱，以防万一有一方失误，还有另一方法可补救。

10、东方人天生手小，所以最好在发育期开始，多做扩张手指的练习，使相当有帮助的，如果手指能多扩张一个键，也许就是你弹起来舒适、放松。

11、练琴时，要找缺点练习，如果不做技巧练习，必须学会自己从困难乐段中设计练习方法。