古罗马雕塑艺术风格论文

【摘要】从雕塑三个时期，用代表人物作品来分析其艺术风格。阐述艺术与生命同在，艺术是人的存在的认知的一种方式。不同时期的艺术风格概括为，古希腊古罗马的写实风格，文艺复兴特征性的艺术风格，现代的抽象概括风格。发展变化地继承前个时期的艺术表现，是艺术家对生活、生命的理解和看法。下面是小编整理的《古罗马雕塑艺术风格论文(精选3篇)》，希望对大家有所帮助。

古罗马雕塑艺术风格论文 篇1：

论雕塑教学中艺术理念的培养

摘 要：莎士比亚曾说过：“一千个人眼中就有一千个哈姆雷特”。每个人对艺术的鉴赏能力大相径庭。本文意在从中国雕塑教育的现状和鉴赏中西方不同的艺术风格里看出艺术理念的发展，了解在教学过程中各种艺术理念的融合，从而帮助学生发现雕塑创作中的艺术生命潜能。

关键词：雕塑教学；理念；培养

1 中国雕塑教育的现状

1.1 中国式雕塑教育

雕塑是为我们日常所熟知的一种艺术表现形式，而雕塑教育我们更是从小就对其有所接触，泥塑，木工等基础的雕塑技艺在我们美术课上成为老师与学生共同交流的平台，深受广大学生的喜爱。而我们应该承认的是，在中国过去几千年雕塑艺术在师承传授方面未曾有过规模化、系统化即学院式教学体制，有很多东西停留在“经验”水平上，没有较完整系统理论，本世纪初才有一批批有志者远涉重洋去学习西方雕塑艺术及引进西方教学模式，过于“西式”的教学模式既带来了新血液，但随之而来的也是本民族的雕塑教学迷失了自己的特色。在当今世界文化竞争、艺术发展异彩纷呈的形式下，我们反倒对本民族优秀的艺术形式了解和研究得不够，使其在教学过程中得不到重视与发展。作为教学，如果这样一代一代下去，我们民族教学体系的建设就一直难以被重视，我们民族自己的雕塑艺术传统就得不到继承、发扬、发展和光大，最终将会过度的同西方化而取消了自己的意识。

1.2 中国式学院教育

我们国家目前有几十所专门的艺术院校设有雕塑系或者雕塑专业，但是我们纵览一下，就会发现这几十所的艺术院校的雕塑教学总体来看都是一个模式，更为突出、甚至严重的问题就是都仍然采取着单一的西方造型手法和西方的教学体系。

现中国大多学院采取了以学习西方古典雕塑的技巧、语言和表现方式的教学方法，更加倾向于视觉审美。亦或是通过各种方式，接受西方现代雕塑的资讯，从事形式语言的探讨，强调雕塑的自身造型规律和语言，进行抽象、半抽象的实验，进行新材料的尝试。当然，在这之中也有部分学院注重了民族艺术的理念，比如西安美院雕塑系就把研究学习民族优秀雕塑遗产并逐渐建立民族特色的雕塑教学体系列为长远目标，这是一种自觉的文化选择，在中国引进了西方现代主义雕塑体系之后，一部分雕塑家在接受西方现代主义雕塑影响的同时，自觉将它们与中国传统的、民间的雕塑进行嫁接和融合，希望完成民族雕塑的现代转化。只有民族才是世界的，中国的雕塑教育要学会从民族艺术的基础上衍生，与世界的多元化艺术相融合，共求发展。

2 中西雕塑艺术风格

2.1 中国雕塑

在中国古代其实是很少纯粹的艺术雕塑艺术品，这是一般人不重视中国古代雕塑的主要原因。中国古代的雕塑作品受到当时的社会制度、文化、哲学与宗教的影响甚大。中国远古时期重视礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术才能，并且以此形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类是建筑装饰，如大型陵墓或者皇宫的修建里的装饰雕刻及各种雕塑成品。中国的雕塑作品大都讲求“神韵”，中国的古代雕塑同古代建筑、绘画、书法、诗词、歌舞、戏剧等一道，构建出不同于西方而属于自己的完整独立体系，在世界艺术之林占有极其重要的地位。我们应当深入研究和充分认识本民族艺术体系的可贵之处。

2.2 西方雕塑

西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。在西方，“摹仿说”的艺术思想指引了古典写实主义的艺术发展道路，也带领其写实主义造型手法的古典雕塑艺术达到高峰，创造像古希腊的、古罗马、文艺复兴以致19、20世纪写实雕塑的灿烂辉煌，出现了无数雕塑大师，留下了大量优秀的写实性雕刻艺术遗产。

3 在雕塑教学中艺术理念融合

3.1 艺术理念融合

世界是一个复杂的多面体，站在高山上和坐在草原上看到的事物千差万别，每个人对于艺术的理解也是大相径庭，梵高的星空绚丽又神秘，达芬奇对刻画人物细腻入微，毕加索的自画像疯狂又激烈。它们都是公认的世界艺术，不管作者感受也好，怎样理解也罢，但对美的诠释无疑是他们创造艺术最核心的部分。中西方的艺术理念纵然有许多不同之处，但美的表达和欣赏却是它们都完成了的。何为“雕塑”？就是将无形的东西加上自己的主观意愿最终以实体的方式呈现出来，那里包含了你的思想，你的语言，没有情感的雕塑作品与坚实的铁块，山上的石头没有任何区别。艺术之间相互融合、互相借鉴以成为雕塑作品的大多数形式，艺术的发展规律既然如此，那么艺术教育当如何发展？是否可以套用一种模式、一种体系？我认为艺术教育模式同样应该是丰富多样的。

3.2 培养艺术理念

在学习培养艺术理念时，我们首先要打破原有观念的认同，在学习中要不只从民族的角度也更要从世界的角度去看待艺术的发展，在雕塑教学中采用中西观念结合的方式，不过分的夸大西式教育的有益条件，善于引导学生发现不同风格的艺术之美，同时重视民族艺术的学习和吸收，强化造型和材料技能训练，引导学生充分感悟材料，深化艺术思想和观念表达，展开并实施实验性探索，培养学生的综合创造力。将其与当代艺术相衔接，并敞开胸襟主动接受西方艺术的冲击，积极借鉴西方艺术道路的成功经验，进而构建具有中国当代精神的理论基础和艺术形式，才能使中国当代艺术真正屹立于世界艺术之林。

4 结语

从本文中我们了解到中西方不同的艺术理念，也明白了中国现有的雕塑教育中所存在的狭隘之处及如何来看待并解决这一问题。历史的发展就是不断的综合，唯有坚持自我的发展并积极的吸收外来的理念，艺术才会越来越丰富多彩。眼界的开阔才能让学生感受到来自世界更多的美。

参考文献：

[1] 梁思成.中国建筑史学家[M].中国雕塑史，2011.

[2] 孙振华.中国古代雕塑史[M].中国青年出版社.

作者简介： 谢子扬（1978—），男，湖南冷水江人，本科，助教，湖南人文科技学院美术系教师，研究方向：雕塑教育。

作者：谢子扬

古罗马雕塑艺术风格论文 篇2：

从雕塑作品杂谈木刻继承与创新

【摘要】从雕塑三个时期，用代表人物作品来分析其艺术风格。阐述艺术与生命同在，艺术是人的存在的认知的一种方式。不同时期的艺术风格概括为，古希腊古罗马的写实风格，文艺复兴特征性的艺术风格，现代的抽象概括风格。发展变化地继承前个时期的艺术表现，是艺术家对生活、生命的理解和看法。

基于创新，要谈到继承，对于木刻版画而言要基于原有的版种艺术语言上学习继承后再发展、创新。要考虑怎样发挥版画语言的叙述性，发掘更深意义上的表现。

【关键词】艺术；作品；雕塑；风格；继承与创新

艺术作品以艺术形象反映社会生活。艺术是艺术创作主体对社会生活的反映，艺术家进行艺术创作，需要以自己的全部身心去拥抱生活。

雕塑作品大致可分为三个时期。第一时期是古希腊时期，形式有浮雕、圆雕等，一为神塑像，再为运动竞技者，胜利女神，萨莫雷斯，刚柔用大理石塑身体，服饰的柔美，“v”字各个方位造型突出了力量。断臂维纳斯三个段式，体态S形，黄金比例的运用，面部表情等几个方面刻画。

第二时期是文艺复兴时期，内容为希腊神话，圣经故事，代表人物米开朗基罗，木石雕刻、圣母、美第奇是他的创作素材。

第三时期以19世纪时期现实古典主义的罗丹为代表，他的叙事性由一个动态的内容瞬间凝固的表现力，具有古希腊，文艺复兴及19世纪现实的描述，从不同的角度观看作品都富有感染力。《加尔市民》6人群雕，具有生命本质的阐述，作品突出人性，少了前两时期的神性。雕塑作品《吻》中一对青年男女的爱情，更加突出了作者对人性思考的理解。20世纪亨利摩尔，贾科梅蒂等代表那个时期的一个创作潮。贾科梅蒂借助抽象的人物表现形式，符号化的语言，再现了艺术的崇高感。他用拉伸拉长的人物符号化语言，是“写实性”的，是生命和生活的记录。这是前后必然的连续。这是人性的思考。解放人的思想束缚，多语言的艺术展现。

雕塑是静态的艺术作品，但它具有时间性、空间性、动态性为一身，是瞬间的凝聚。以上三个不同时期，雕塑在其历史时期具有不同的表现语言，故而再现出不同的作品状态。

19世纪到20世纪罗丹、贾科梅蒂、亨利摩尔用各自独特独创性是在文艺复兴时期上的创新，表现人的生存状态，体现人性，解放神性。古罗马古希腊是写实性强，平和地以神、人合一为初衷。运动劳作的神，更具人性化，神人合一源于对神的崇拜和对运动员运动竞技者的赞扬。而恰恰文艺复兴是宗教盛行，用基督圣母子等形象，强化西方君主统治。可以见得，神性、神人合一、人性不断变革是各个时期社会变革所形成的。艺术作品也是通过艺术家就与当时历史社会现状而创新变化的。

这就形成了不同时期的艺术风格，可以概括为，古希腊古罗马的写实风格，文艺复兴的特征性艺术风格，到现代的抽象概括风格。这是发展变化的，下个时期继承了上一个时期的艺术表现形式。创新了、发展了，经过时间的积累，作品的成熟，慢慢形成了艺术流派。

我分析一下罗丹和贾科梅蒂。罗丹大体以内容语言为主，具象多一些，以具象的人物进行简洁夸张，夸大的不是很多，多为概括，也是主体形象和动势变化小，多以人物凝重的神态、面部表情叙事。这是他的艺术表现，是他的风格。贾科梅蒂抽象线条概括人物大多是看不出他们的表情。而是夸张极简地把人物拉伸拉长再拉长再拉伸。是以抽象符号形式语言为主，但同时也表现艺术家强烈的情感，对于我们诉说他对艺术创作追求的风格。

艺术风格不是一蹴而就的，是艺术家通过长期的摸索与实践，不是一朝一夕。经过大量作品而形成的独特的艺术语言。就我以后的创作而谈，首先要多了解当今的社会，多体验，到乡村、工厂、生活中采风，通过思考，画小稿、小草图，积累丰富多量的生活素材。多看艺术名人传记，通过艺术家的成长历程，多了解艺术作品的创造过程，了解艺术家的心路历程，了解他的思考轨迹。从对作品的情感表达方面，多看艺术理论书籍，丰富自己的理论知识，然后用理论可以指导实践，指导作品的创作。多参观展览，各大书画展、绘画展，在看别人的创作作品的同时，观摩，比较，分析后学习适合自己的作品创作方式来提高。学技法，看构图，主要看作品上的思想的表现与再现，与艺术作者保持同一思考高度。在参观展览作品的同时，汲取精华，丰富自己的艺术语言。在内容和形式上，题材和自己的思路结合，提高艺术的品味，沉淀素养。在理论的指导下，实践是最重要的，设计构思实施是最终目标，达到一张更比一张进步的效果。

每种创作方式都依据于它本来固有的艺术界定，版画就是这样。

我现在研究的是版画方向，首先了解木板、铜板、丝网版等个个板种的表达语言，在专业性的表现技法，绘画语言上的继承，不能在专业的固有延续存在的手艺上创造、篡改，要在原有的版种艺术语言上学习继承后再发展、创新，要多在取材、构图、角度等方面考虑。要考虑怎样发挥版画语言上继承后发展。创新多在取材构图角度等。要考虑怎样发挥版画语言的叙述性，发掘更深意义上的表现。

就如珂勒惠支的大多数木刻作品，刀法苍劲有力，并没有太多的刀法与花哨的技巧。但在当时基于当时社会现状，艺术家对人物的情感情绪以及动作进行深入的剖析，故而木板作品才更加有感染力。形成她的自己的艺术风格，她的创新在于她对人物表现的思考，对当时社会劳苦大众的深切同情。

基于创新，要谈到继承，对于木刻版画，木刻在中国古代有长期的历史，主要表现在中国传统木版年画上。最重要的发源地有天津杨柳青，苏州桃花坞，山东潍坊，现在这些地方的木刻年画都是物质文化遗产。木刻板画并不等同于木板年画，但他们是同宗同源，发展的历程也相似。就这一点上，我们就可以吸收年画的造型、语言，用这样的元素符号，来丰富木刻版画中的艺术语言。这就属于也算是在学习后，继承的基础上的创作，在积累了丰富的创作作品基础上，就可以称之为有了自己的语言。对于这种带有创造的具有艺术语言的作品，暂且算是创新了吧。

但是这种创新也不都是一定正确可取的。 所以艺术作品的创作是一个艰苦的思考过程，需要我们长期的总结和思考，在否定，在批判，改正，再积累，再总结，来回反复，最终形成自己的作品系列，绘出自己的风格，确定自己的艺术语言。

艺术是条漫长而艰辛的路，只有大量积累作品才会继承传统，总结创新，用实践和作品来形成自己的艺术语言和风格。

参考文献：

[1]崔开宏.雕塑的魅力[M].北京：人民美术出版社，1989.

[2]李允经.中国现代版画史[M].太原：山西人民出版社，1996.

[3]王宁宇.雕塑艺术欣赏：人与雕塑[M].太原：山西教育出版社，1997.

[4]董书兵.凝住的时空：雕塑艺术欣赏[M].北京：中国纺织出版社，2000.39.

[5]王红媛.著.世界艺术史.雕塑卷[M].北京：東方出版社，2003.

[6]黑崎彰，张珂，杜松儒.世界版画史[M].北京：人民美术出版社，2004.

[7]欧阳英.西方美术史图像手册.雕塑卷[M].杭州：中国美术学院出版社，2004.

[8]李仲著.木版画[M].重庆：西南师范大学出版社，2007.

作者简介：汪妍（1981-），女，辽宁抚顺人，沈阳师范大学，14级在读研究生，艺术硕士学位，研究方向：美术版画。

作者：汪妍

古罗马雕塑艺术风格论文 篇3：

欧洲青铜雕塑

欧洲青铜雕塑，是世界艺术宝库中极具特色的门类之一，有着悠久的发展历史和丰富的艺术风格。同时，青铜艺术品为欧洲大多数知名的艺术家们提供了一个展示自己艺术才华的途径。

在西方，公元前5世纪的青铜雕塑尤为世人注目，这一时期的著名雕塑家有古希腊的菲狄亚斯、克里蒂、米隆、波利克列特、克珂帕斯等，但他们的原作已极少见，今天在世界各大展馆存放的多是摹制品。真正能从原作中品味艺术家风格的还应从文艺复兴时期开始。

文艺复兴时期

文艺复兴时期，雕塑家在人文主义思想的影响下，创造了许多歌颂生活、自然和当代英雄人物的作品。他们运用神话题材来表现人类的现实生活，表现对人的无穷创造力的赞美，表现对生活的乐观和信心，在雕塑创作中挥洒自己对古典艺术遗产的兴趣，并力求摆脱传统影响，强调人物思想感情的表现，具有创造与变革的精神。

意大利文艺复兴的早期（1420～1430年），涌现了一批中世纪时期很少见的雕塑家。他们最初只是生产一些仿古品和赝品后，独立式小雕像逐渐在拟建筑风格背景下形成，并体现出他们这些文艺复兴支持者的口味。从幸存下来的早期古董仿制品或衍生品中可以推定，小雕像在公元一世纪就存在。最早有据可查的作品是由佛罗伦萨的多那太罗（1386～1466年）和他的搭档制作的。在多那太罗工作过的每一个城市，他都推广青铜的雕刻艺术。罗马的菲拉耶特、佛罗伦萨的委罗基奥（1435～1488年）、波拉约洛（1431～1498年）和伯托尔多（1420～1491年）等都追随他。他们都擅于制作肌肉发达的男性青铜像。

最有天分的青铜小雕塑家是安德利亚·瑞乔（1460～1523年），他在帕多瓦重新创造出一个完整的世界。有女神、森林之神、英俊裸体的牧羊男孩、野兽、僧侣、奇形怪状的灯、怪诞的面具和色情作品。另一位帕多瓦的伟大青铜雕塑家是拉文纳（活跃于1496～1525年），他的作品有圣徒、森林之神、烛台、吊灯和墨水台等；而安迪卡（1460～1528年）则用擦光棍将裸体雕塑作品抛光，然后使他变暗，再在部分地方镀金，有时甚至在他们的眼里灌上纯银。

风格主义在意大利

在文艺复兴盛期，人们对于那个时代最伟大的意大利雕塑家—用大理石进行雕刻的米开朗基罗(1475～1564年）过于迷恋，很少有人注意青铜雕像。在他离开佛罗伦萨后，艺术家才重新以青铜雕塑作为自我表现的一种手段。1540年左右，班迪尼利（1488～1560年）以古罗马人雕像为原型制作了一系列青铜雕像；还有切利尼（1500～1571年），他是一个金匠，经过训练，也开始生产小雕像。大约1570年，为了装饰佛罗伦萨的豪华宫殿的壁龛，征集了最优秀的8个裸体众神像，这8个神像以不同的风格显示了8位雕塑家的能力。他们中间的博隆纳（1529～1608年）制出了一个典型风格主义的阿波罗。

风格主义产生于16世纪20年代至30年代的罗马和佛罗伦萨，非常强调形式，在具体塑造形象时往往把人体处理成不同方向的灵活的多角度的优美姿态，不论从哪个角度观赏雕像，都给人以美的享受。这种新的雕像构图，是经过巧妙设计而创作出来的。但是，对人物形式的过于追求往往导致了对内容的忽视。

博隆纳将米开朗基罗在结构布置上的技艺与制造铸模的技巧结合起来。他早期的小雕像很罕见。后来他又委托安东尼奥·苏西尼（活跃于1580～1624年）生产。他们的作品超越了传统神学题材的界限，包括了野蛮人和雅致风格的人物，像风笛手和牧羊人。这些模子在佛罗伦萨的手工作坊里重复铸造了大半个世纪。

随着亚科布·桑索维诺于1527年到达威尼斯，给这里带来一个真正的青铜雕刻的盛行时期：浮雕、小雕像和半身雕像源源不断地从铸造间涌出，同时也涌现出了大批的制造工匠，其中最杰出的是维托里亚（1525～1608年）。

北欧的文艺复兴

青铜雕像向小型轻便化发展，有利于将意大利文艺复兴时期的文化和技术传播到全欧洲。法国于1500年入侵伦巴第时，就接触到了这些文化。随后，弗朗西斯一世让意大利的切利尼和普里马蒂乔为他在枫丹白露的新皇宫铸造铜像。当地的雕塑家也开始使用青铜制造纪念雕像。这些雕塑家中有亚克魁特（1515～1572年）和普里埃尔（1536～1611年）。一种伟大的风格因此在法国树立起来，并且持续到本世纪。在德国，特别是纽伦堡，青铜小雕像由小彼得·菲舍尔（1487～1528年）用来装饰台式喷水池和墨水池。1600年左右，在奥格斯堡和慕尼黑，出现了一家独特的青铜雕塑家学校。其中有几位曾经在佛罗伦萨与博隆纳、弗里斯（1545～1626年）、盖尔哈德（1550～1620年)和瑞舍勒 （1570～1642年 ）一起工作过，后来在布拉格成为鲁道夫二世的宫廷雕塑家。

巴洛克风格在罗马和佛罗伦萨巴洛克式雕塑是16世纪末至18世纪中期欧美洲雕塑中的一种主要风格。它同宫廷和教会文化相联系，其特点是对比鲜明、紧凑有力，形象富于动势，着力夸张，追求宏大豪华，讲究现实与幻想的结合，并力求把雕塑融合在城市建筑群和宫廷花园环境之中，以产生强烈的装饰性构图与富丽堂皇的艺术效果。

在罗马巴洛克时期，有一个有趣的创新，就是小雕像常常用雕塑家的作品作为铸模进行铸造。这样的一些作品来自贝尼尼（1598～1680年）、阿尔格迪（1595～1654年)和他们的助手，在佛罗伦萨，独立生产小青铜艺术品的传统，是17世纪80年代由美第奇尔家族发起复兴的，福吉尼（1652～1725年）和索单尼（1656～1740年）生产的。愤怒的姿势或无生气的昏倒姿态的人物，经过铸造，形成生动的艺术作品，然后用自然物作为装饰底座和台架，将这些雕塑融入自然之中。

十七和十八世纪的法国

波旁王朝把法国带入17世纪，路易十三不但使王权得到空前巩固，而且战胜了强大的邻邦西班牙，到路易十四（1643年至1715年在位）五岁登基，治国72载，对外用兵，扩疆开土，颇有成欧洲霸主之势；对内改革经济，削弱诸侯。由于这位追逐荣誉、好大喜功的君王大兴土木，奖掖文艺，使法兰西文明得以发扬光大，令举世瞩目。

1661年，路易十四命人把凡尔赛小城堡全面改建成欧洲最大的王宫御苑，几乎全国最著名的雕刻家都被召到那里，为这座典型的法兰西宫苑建筑作装饰。领导这项工程的设计师是“国王首席画师”查理斯·勒布伦。他的艺术思想在凡尔赛花园雕刻上得到充分体现：希腊神话的题材，古典主义的风格，雕刻与环境的结合，王权至上的思想。在这些作品中，暗喻“太阳王”的太阳神阿波罗是这座林木蓊郁、水光潋滟的宫苑主宰；狄安娜猎罢，率领众宁芙 沐浴戏水；酒神巴库斯及其狂女们，追逐打闹；海神涅普顿手持三叉戟，号令海怪，出巡水面……总之，这些天神仙女们，被召到凡尔赛，以其英武威猛或风流妩媚，装点其太平盛世。几乎所有这些作品，都被用青铜仿造成家庭用的小型产品，并带有细腻的细节装饰。个别的小雕像（有一些是表现世俗主题的）还被大量生产。

17世纪法国青铜小雕像家中最著名的是米歇尔·昂吉埃（1612～1686年）。在1652年，他塑造了系列的六个典型的众神像和女神像，这些神像后来被重新制作成各种尺寸。

18世纪的法国雕塑以罗可可风格为主：一种华丽雕琢、纤巧繁琐的十分女性化的艺术式样。它的发起人是路易十五的情妇蓬帕杜夫人。代表这一风格最高成就的是皮加尔和法尔科奈，他们雕琢的女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，似乎是以软玉温香般的青春之体在邀人爱怜。

这期间，以小型雕塑为主要创作形式的名家是克洛德·米歇尔（1738～1814年），又叫克洛迪翁，他的技艺十分娴熟，醉醺醺、色迷迷的萨堤洛斯和黠慧而放荡的酒神狂女或娇媚迷人的宁芙，是他表现的主题，但似乎品味有些失之于轻佻。

十九世纪青铜艺术品

在极度动荡和高速发展同时并举的19世纪，法兰西尤其引人注目：拿破仑称帝、波旁王朝复辟、百日王朝和二次复辟、七月革命和七月王朝、1848年革命和第二共和国、普法战争和巴黎公社等，社会动荡频繁。与此同时，资本主义经济空前发达，科学技术日新月异，思想意识及文艺创作极端活跃。其风格主要以罗可可遗风、新古典主义和浪 漫主义为主。

新古典主义是流行到19世纪初的雕塑风格，在法国的倡导者是路易十五的情妇杜巴利夫人。这一风格是把古希腊罗马雕塑遗产奉为典范和理想，表现重大的社会题材和崇高英勇的精神，其代表性的名家是七月王朝时期的雅姆·普拉迪埃（1790～1852年）。

19世纪的法国雕刻成就，主要体现在一批浪漫主义雕刻家的作品中，浪漫主义广泛吸取古今各大流派的艺术精华，以不拘一格的手法，表达主观感受，宣泄感情的洪流。浪漫派的特征是冒险和放纵思想。浪漫主义时代的明显标志是本能超越理智、想象超越形式、感情超越理性、狄奥尼索斯超越阿波罗。

在浪漫派的所有表现上，最为突出的是以个人的精神感受和感情冲动来引导他的创作。在法国这样的雕刻家有费朗索瓦·吕德（1784～1855年）、奥诺雷·多米埃（1808～1879年）、安托万·巴里（1796～1875年）、让-巴蒂斯特·卡尔波（1827～1875年）、奥古斯·罗丹（1840～1917年）等。他们代表当时法国雕塑艺术风格的主流。

在小型铜雕作品名家中，戴维·德·安格（1788～1856年）和费朗索瓦·吕德是浪漫主义名家。他们的许多作品被缩小成青铜艺术品并且广泛流传，后者的《那不勒斯的捕渔男孩》（1831）是这次运动的代表作之一。朱尔·达卢（1838～1902年）赢得了许多关于建筑公共纪念雕像的工作，他的小雕像大多是这些纪念雕像的副产品，最有吸引力的作品是关于农民和劳动者的。马修·莫洛（1822～1872年）是吉安·莫洛的儿子和学生，他曾为巴黎市政府大厅、奥古斯都教堂、巴黎大剧院等重要场所制作雕像。1842年，他的作品《美丽的蒂亚米第》获罗马艺术大奖。在1850年前后，他为著名的瓦尔·奥斯尼铸造艺术室工作，作品为很多收藏家所喜爱。

拿破仑一世时期之后，浪漫主义运动出现时，法国雕塑家们为迎合企业家的需要，提供铸模用于工业化生产青铜艺术品，像Barbedienne、中世纪、文艺复兴时期以及少数民族的人物塑像很受欢迎。小雕像的表面常常镀金、上珐琅或有其他的装饰，并印有“真铜”字样，以有助于鉴别铜与仿铜。但许多伟大的雕塑家都避免用这种方式证明作品的真伪。

走兽派 浪漫主义的表现形式之一是对动物的刻画，表现得最好的是激动人心的对抗。从19世纪30年代开始，最早也是最伟大的走兽派雕塑家安托尼·路易斯·巴里（1796～1875年）塑造了一系列惟妙惟肖的争斗中的珍禽异兽。P·J·美勒（1810～1879年）喜欢塑造驯养的或被猎杀的动物；摩格尼兹很会刻画鸟类。在20世纪，这个受人欢迎的领域吸引了两个主要代表人物：意大利的布卡提（1884～1916年），他的动物有着机智诙谐的抽象造型；美国的赫伯特·海索特尼（1877～1962年）的作品则更加抽象。

十九世纪末期及二十世纪早期

维多利亚时代，英格兰才有青铜雕塑文化，伦敦艺术联合会有意做出这种尝试，促进了它的发展。最精美的作品是由托马斯·桑尼克劳夫特（1853年）所作的《在马背上的维多利亚女王》纪念雕像的缩小像。

在1870年到1920年之间，出现了许多“新雕刻艺术”学校，以与“大陆新艺术运动”相呼应。艾尔弗雷特·吉尔伯特（1854～1934年）是他们之中最有代表性的人物，以制作男性裸体艺术品为主，像《武装的珀耳修斯》、《喜剧》和《悲剧》。同样风格的还有哈墨·桑尼克劳夫特（1850～1925年）的《Teucer》，利顿勋爵（1830～1896年）的《与皮索恩大蟒蛇格斗的运动员》。

责编 亚 军

作者：北京：王福阳　曹京馨