美术艺术鉴赏论文

美术艺术鉴赏论文（通用6篇）

篇1：美术艺术鉴赏论文

美术作品的艺术语言

作课人：苗玉玲 单位：汤阴县第一中学 课时：第2课时

一、教学目标：

（1）知识的传授：

通过课堂讲授让同学们了解艺术语言类型，具象、意象、抽象三种类型中中西方艺术语言不同的表达手段。

（2）能力的培养

通过课堂的讨论和教师对作品的介绍，提高学生对作品的鉴赏能力，进一步强化培养学生的知觉能力（对作品的第一印象）、描述能力（深入观察作品）、解读能力（理解认识作品）、批评思维能力、查阅资料的能力。

（3）情感、态度和价值观的树立

通过本课的学习，提高学生的审美意识,初步树立基本的美术鉴赏能力 教学重点：美术语言的类型：具象艺术、意象艺术、抽象艺术。教学难点：如何运用艺术语言

二、教学方法：讲授法、课件展示法、练习法

三、教学过程

1、课堂引入（直接导入）

我们的物质世界里的每一个物体都有其特殊的语言，就像文学艺术有文学语言，音乐艺术有音符一样，美术作品也有它特定的语言。上节课我们学习了艺术语言的定义、美术的基本语言元素以及艺术语言的表达手段，这节课我们继续学习一下美术作品的艺术语言类型以及艺术家是如何运用艺术语言的。

2、上节课内容回顾 教师活动：课件展示：

上节课内容：

美术作品的艺术语言是美术所专门使用的、具有视觉传达功能的形象和形式就是美术作品的艺术语言，其特征就是具体性和形象性。

广义的说，美术作品中参与作品表达的一切都具有语言的属性；而狭义上，指美术的基本语言元素和语言手段两方面。

美术的基本元素：点、线、面、色。

美术语言的表达手段：

1、西方绘画：明暗、空间、透视、构图、肌理

2、中国绘画：笔墨、章法、皴法 板书：美术作品的艺术语言

美术作品的艺术类型有哪些？ 3、新知探究：

教师活动：课件展示顾闳中的《韩熙载夜宴图》、梁楷的《泼墨仙人》、克里福德.斯蒂尔的《1954》三幅作品。

提出问题：这三件作品有什么不同？你从作品中分别看到和感觉到了什么？ 学生活动：学生分组讨论并回答《韩熙载夜宴图》中的人物、环境、道具真实具体，《泼墨仙人图》看上去似一个人，但又不是十分的具体准确，只是大笔概括。《1954》让人看不出什么具体的现实形象。

教师活动：分别总结美术语言的三种类型：

具象艺术：真实的再现现实

意象艺术：重在表达艺术家主观的精神世界

抽象艺术：排除了现实形象的可辨性，纯粹运用美术语言和手段本身，达到精神的纯粹和人类精神表达的自由与沟通

板书：

1、具象艺术

2、意象艺术

3、抽象艺术

教师活动：课件展示：

二、美术家是如何运用艺术语言的？

问题探究

请同学们用 3分钟的时间快速阅读课本第9页至11页，并按小组思考讨论以下问题：（1）《荷拉斯兄弟的宣誓》和《簪花仕女图》有什么共同点和不同点？体会艺术家是如何运用艺术语言的？

（2）意象艺术重在表现什么？艺术家常常运用那些手段来表现意象艺术作品？（3）抽象艺术可分为哪两类？它们分别是如何表现的？ 板书：艺术家是如何运用艺术语言的？

教师活动：课件展示《荷拉斯兄弟的宣誓》和《簪花仕女图》两幅作品 学生活动：欣赏作品，思考并回答探究问题。

教师活动：教师总结：相同点：具象艺术，不同点：语言表达手段不同 教师活动：课件展示《蓝马》和《奔马》两幅作品 学生活动：欣赏作品，思考并回答探究问题。

教师活动：教师总结：意象艺术不以纯客观再现为目的，而是重在表达：艺术家主观的精神世界。其中包括艺术家的感受、情感、观念和审美理想等。艺术家采用（夸张、变形、重组）等手段进行表达。

教师活动：课件展示《红、黑、黄蓝构成》和《牛顿色盘》两幅作品 学生活动：欣赏作品，学生讨论并回答：看到了艺术语言的基本元素。教师活动：总结抽象艺术 冷抽象：以几何块面构成的作品，我们称之为“冷抽象”或“理性抽象”。热抽象：完全或主要用色彩和有变化的线条来创作的作品我们称之为“热抽象”

4、课堂回顾总结： 教师活动：课件展示：

艺术类型 表达目的

表现方法（手段）中国画：线条和随类敷彩

具象艺术 真实的再现现实

油画：明暗、空间、《维纳斯的诞生》（波提切利、意）《荷拉透视、构图、肌理 斯兄弟宣誓》（达维特、法国）

代表作品

《韩熙载夜宴图》（顾闳中、五代）

意象艺术 重在表达艺术家主观的精神世界

意象艺术：变形、夸张、重组

《泼墨仙人图》(梁楷、宋)《虾 》（齐白石）《蓝马》马尔克、德）《 走下楼梯的裸女》（杜尚、法国）

排除了现实形象的冷抽象：用线分割块

《红 黑 黄 蓝构成》（蒙德里安 荷兰）《 牛抽象艺术 言和手段本身，达到精神的构成关系。热抽象：

顿色盘》（库普卡、捷克）的纯粹和人类精神表达用色彩和变化的线条的自由与沟通

来创作。可辨性，纯粹运用美术语面、形成面与面之间

5、自我评价练习：

教师活动：展示具象、意象和抽象美术作品若干幅让学生来辨别 学生活动：学生踊跃回答

教师活动：课件展示本节课知识问题 学生活动：学生踊跃回答

结束语：通过今天的作品赏析，我们要更进一步的认识到：美术作品中的艺术形象是通过艺术语言来创造的，各种艺术正是通过各自的艺术语言，创造各种各样的艺术形象，来表达作者对生活的独特意义和感受，并将这些体验和感受传达给我们。

5、板书设计：

美术作品的艺术语言

一、美术作品的艺术类型有哪些？

1、具象艺术

2、意象艺术

3、抽象艺术

二、艺术家是如何运用艺术语言的？

篇2：美术艺术鉴赏论文

一、关于高中美术课堂教学艺术提出的背景

笔者所执教的高中二年级学生，正处在高中学习紧张的阶段，这时期学生的心智已经比较成熟，比较容易接受一些新鲜的文化信息，学生的求知欲望强。教师在这时为学生提供丰富的文化知识，以本土文化为基础，再加上外国的古今美术知识，更适合学生思维的需求。但是处于高中阶段的学生们，因为面临高考，学习压力较大，课堂上的学习气氛往往不是很活跃。例如： 【教学案例一】

米勒是法国十八世纪法国著名的现实主义画家，他毕生以深厚的感情描写农民。他善于通过一些平凡的情节和场景，表现农民的纯朴、善良和勤劳的品德。但是在对米勒的作品进行欣赏时，学生往往不熟悉，特别是又外国美术作品，学生更是比较难理解。如在《拾穗》的欣赏教学中，学生看到的只是三个普通的农妇，在收割过的麦田里捡拾麦穗的情景，她们动作呆板，神态疲惫，秋天的烈日当头，似火的骄阳烤着大地。作为一幅世界名作，学生却很难真正理解作品的真实内涵与作者所要表达的深厚温情。教师如果设计不好课堂的节奏，课堂气氛比较沉闷，很难达到预期的教学效果，一节内容非常好的外国现实主义美术作品欣赏，却很难给学生留下深刻的印象。

美术课堂教学的节奏变化，是由师生参与和调控的过程。作为一名高中美术教师，抓好美术课堂教学的每一分钟，把握美术课堂教学的节奏艺术，是实现课堂教学效率的关键。笔者就美术课堂教学艺术性问题，在教学实践中做了一些探究和尝试。

二、形成和谐的课堂教学艺术的方法探索 1．通过教师自然的教态与语言形成和谐优美有趣的课堂教学艺术

在教学中，学生在沉闷的气氛中学习，老拉着脸、板着面孔地讲解，必定造成紧张学生的课堂心理氛围；总是微笑着讲课，缺乏表情变化，同样会产生不良效果。严肃的表情、诙谐的表情、兴奋的表情、赞赏的表情、疑惑的表情等等，应有机地交替变化。教师根据教学内容也使学生在“动”与“静”的交替中学习，达到好的教学效果。

【教学案例二】

比如在米勒的作品的欣赏中，学生看到《拾穗》的画面内容，却极难理解其真正的现实意义，老师提议学生首先回想麦收时的情景：一望无际的土地，堆积如山的金色麦垛，似火的骄阳烤着大地，和一群正在忙碌收割的人们，作为农村学生，大多都体验过。通过老师的生动语言提示，学生更能体会画面虽然简洁朴实，但丰富的色彩与色调的和谐统一。“为什么在画面的远处却有一个骑马的人，他是干什么的？”老师的这一问，学生讨论了起来，显然那人不是一个农民。他是一个监工，而这“监工”正是在巡视这些忙碌的农民。由此学生才能体会到，丰收的场面和前景人物情节形成鲜明的对比，从而揭示了当时社会的人们辛勤劳动也不能摆脱贫困和劳动创造者所有的主题。《拾穗》如果仅仅是三个女人老老实实地拾着地里的残穗，无非只是风俗画而已。正因为一个远处的监工和一个稍微伸起腰来，才显出这感到生活的艰苦而又忍受着艰苦的人物的心理和作者的同情。具有揭露当时法国农村现实的积极意义。

2．通过课堂的教学程序形成和谐的课堂教学艺术

高中美术课程的安排是每周一课时。课时安排比较少，但是教学内容又可以说是包含了古今中外的优秀美术作品。怎样让学生在短时间内了解美术的基础知识及美术欣赏的基本思路，培养学生从多层面与多角度欣赏美术作品的意识，作为美术教师，45分钟的美术课堂节奏的把握就显得尤为重要。每堂课的讲与练、说与做的时间安排为：欣赏的时间占了20-25分钟，简单的尝试练习需要7-10分钟，剩下的时间用来交流与小结。

【教学案例三】

（在《中国现代美术》这堂课里，学生从中国画、油画、雕塑及版画这四个方面欣赏到了我国现代的一些美术名家名作。当学生从齐白石的《蛙声十里出山泉》中体会到了那随着水声由远而近的蛙声，从徐悲鸿的《奔马》中感受到那马似乎要冲破画面的冲击力。但是，对于古元的版画，却露出了迷茫的神情，因为学生对版画了解得太少了。）

此时，我拿出了早就备好的从印刷厂借来的油印工具、油墨、宣纸及早就做好的纸版画母版。沉静的课堂马上活跃起来，我首先示范，滚墨、拓印、取画，当我展示了刚刚做成的纸版画时，教室沸腾了，学生跃跃欲试，我找两组学生到讲台各拓印了一幅纸版画。然后我针对古元的《一湾解冻的湖水》结合版画的制作，引导学生进行了赏析。一个小的插曲，短短几分钟的时间，学生却在思维上，随着教师的引导，不仅了解了最简单版画的制作技法，体会到了版画不同于其它画种的艺术之美；学生学习的兴趣相当高涨。学生的参与，又构成了美术课堂教学时起时伏、动静相济、紧凑凝炼的教学艺术。

3．通过丰富的视听形象来形成和谐的课堂教学氛围

课堂上只有教师和黑板两个图像，显然是过于单调，倘若辅之以实物投影、录音机、电视、电脑辅助教学软件等，那整个课堂就活了起来。课堂上，只有教师一种声音，同样单调乏味，倘若有不同声音或不同性别的声音相配合进入课堂教学过程，那又将会是另一番情形。怎样才能达到多种图像进入课堂呢？

【教学案例四】

“开国大典”是中国现代史上最重要的事件之一，而董希文的油画《开国大典》以画家独特的眼光，见证了这一历史性的伟大时刻。作为绘画中的历史，画家对真实情况做了修改，通过自己的理解表现出了新中国的人民与领袖的关系。在引导学生欣赏这幅画时，我是这样做的：

首先运用多媒体播放了开国大典的录像资料，当毛泽东那浑厚的声音宣布“中华人民共和国成立了„„”，学生心情也跟着那历史性的时刻激动了起来，此时，我展示出了《开国大典》这幅名画，让仔细观察上面的人物和景物。比较一下，作品与真实的场景有什么不同的地方，发动学生积极讨论。

《开国大典》一画不仅真实地再现了这震憾世界的历史事件，而且以那宏大的气势，庄严的构图，灿烂的色彩，歌颂了新中国似锦的前程和无限生机。构图大胆，碧蓝的天空，大红的地毯、廊柱等，既对比又和谐，庄严而又热烈。表现出古国新生的气象和泱泱大国的风度。

学生通过欣赏，了解了作品的历史背景和作品所赋于的深厚人文精神，不但培养了学生的审美情趣，而且了解了美术家给予人类历史的积极影响，并且激发了学生的爱国情感。三．研究取得的成效

我们在教学中，基本每堂欣赏课，都根据教学内容集体探讨制作一个内容丰富实用的课件，我们在备课时，力求完美，在教学中，起到了良好的教学效果。特别是我们美术欣赏课，通过老师生动有趣的讲解，学生更能理解与体会作品的“艺术内涵”。每次美术课教学，都成为学生最有兴趣的课，课堂不再沉闷，学生在学习知识的同时，感受快乐，在“快乐课堂”里学习，让学生在不知不觉中度过了美好的45分钟。

另外，在课堂上笔者经常给学生留下思考与参与的余地，课堂教学本身就是师生对话和沟通的过程，教师可以提问，学生也可以提问，教师可以提出自己的理解和观点，学生亦然。课堂也是学生与学生沟通场所，要打破用“讲授法”教学的习惯性方法，要通过讨论和活动让学生拓展思维，鼓励学生提出个人见解，让他们也可以表现自己、表达自己，可以互相争鸣。并且要给学生创造条件，让学生在课堂上动起手来，使学生在动手参与的过程中，更深切地体会到什么是“美”。

四、在追求教学的艺术性时，操作中应该注意的问题

1．教师自然并富有感染力的教态可以创造和谐愉快的教学节奏艺术，使课堂气氛处于生动与快乐之中。但是在操作时也要注意，教师的教态与语言艺术不可以过于煽情，语言要精炼有序，否则会转移了学生的注意力，使学生错过学习的重点。

2．通过课堂的教学程序形成和谐的课堂教学，在操作时，备课要细致，课堂教学时间的分配要合理，一堂好的欣赏课，时起时伏、动静相济、紧凑凝炼的教学艺术须要教师大量的备教材、备教案、备学生。要精密设计，才能达到好的教学效果。并且集体备课显得尤为重要。

篇3：美术艺术鉴赏论文

一、立足“美术”课, 构思“好课堂”

(一) 具有学科特点

我们在鉴赏一幅美术作品的时候, 既可以从图像学的角度分析作品的形式, 也可以从社会学的角度分析社会背景和作者的创作意图, 还可以从女性的角度理解作品的内容, 更可以从符号学的角度进行能指、所指的分析。因此, 我们在准备一堂美术课时, 需要根据课题的特点找准设计角度。

抽象艺术最大的特点就是“抽象”“无形”, 缺乏故事性, 学生不容易掌握和理解。由于作品最初的吸引一定是来自图画本身的形式和美感, 而非背后的故事。因此, 笔者认为对抽象艺术的欣赏和理解应该更多的从图像学和符号学的角度进行欣赏和分析。

(二) 具有节奏感和美感

需要在满足教学目标明确、教学手段恰当、教学过程具有逻辑性、教学环节具有完整性的基本课堂要求的基础上, 应该具有从教学环节的设计角度具有节奏感和美感。一首音乐如果没有高低起伏的节奏感, 那肯定会缺乏音乐本身的魅力;一幅作品如果仅有一种色彩或仅有一个事物, 那不仅不真实也不会具有美感。而一堂课, 如果没有节奏感, 课堂就会失去重点, 学生就无法辨别重要的知识点。

二、分析学情把握课堂

认真的分析学情才能准确把握课堂的难度和环节的控制。

(一) 教授内容分析

作为人类三种主要艺术类型之一, 抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式, 只不过它使用的是纯粹的艺术语言, 这是它与具象艺术和意象艺术的区别所在。因此在教学目标的设置上, 我们需要注意抽象艺术与具象艺术、意象艺术的区别与联系, 重点突出抽象艺术的特点。本节课我课程目标从三个角度进行设计:

一是知识目标, 本节课需要掌握抽象艺术的定义、分类、代表人物、两种抽象艺术的特点及抽象艺术出现的原因;二是技能目标, 学生要能区分热抽象和冷抽象作品, 并能运用所学知识进行抽象艺术创作;三是情感目标, 通过学习抽象艺术, 学生能够学会多角度、换思维看问题。

(二) 认知结构分析

认知结构1, 简单来说就是学生头脑中的知识结构。广义上, 认知结构是学生已有的观念的全部内容及其组织;狭义地说, 它是学生在某一学科的特殊知识领域内的观念的全部内容及其组织。学生已有的认知结构会影响学生对美术作品的欣赏和理解。

学生在前期已经学习了具象艺术和意象艺术, 这对学习抽象艺术有了一定的基础。但学生长期以来形成以“像与不像”评价作品的方式对本课造成了一定的难度。因此, 本节课在教授方式上应该采用对比的方式进行, 更容易让学生理解抽象艺术的另一面世界观。

比如, 在导入环节, 我采用的方式是将“现代抽象艺术的奠基人、俄国艺术家康定斯基“发现”抽象艺术的故事”变为教学情境, 让学生做一回“康定斯基”发现抽象艺术。即我选择两幅莫奈的睡莲作品, 将其倒置, 请同学们欣赏。同学们发现, 无法准确判断具体形象的画面也可以让我们感受整个画面的色彩美。然后, 教师再把作品放正, 学生们才“醒悟”出, 原来画面中画的是一塘睡莲, 这是一幅有具体形象的画面。

通过这个魔术般的情景还原, 同学们不仅对抽象艺术有了初步的概念性理解, 同时还初步了解了抽象艺术不是凭空幻想的, 也是来源于生活, 为后面的进一步探讨抽象艺术的产生埋下了伏笔。

三、环环相扣注重逻辑

教学中的每一个环节都需要环环相扣, 上一个环节要为下一个环节做好铺垫, 否则学生无法真正理解老师讲授的内容。

(一) “异质同构”, 打开鉴赏抽象艺术之门

康德认为想象力:“它有本领, 能从真正的自然界所呈供的素材里创造出另一个想象的自然界”。2例如:齐白石画中的虾之所以让人感到游动嬉戏, 徐悲鸿笔下的马之所以让人感觉奔腾飞驰, 都是由于欣赏者的想象使艺术家注入到作品中生命力重新复活。

在讲授冷、热抽象艺术时, 首先解释一个心理名词“异质同构”3, 这是鉴赏抽象艺术的主要途径。然后, 请同学对直线、斜线、折线等线条以及红、黄、蓝、黑等四种色彩进行实物的联想。如, 倾斜的小短线, 让我们想到急速落下的雨滴;红色可以让我们想到太阳;黑色可以让我们想到夜晚等等;

再请同学们进行情感联想。如, 急速落下的雨滴给我们带来速度的情感体验;给我们带来光和热的太阳会给我们带来活泼、热情、大胆、新潮的情感体验;黑黑的、宁静的夜晚, 给人沉稳、庄重、冷酷、神秘、静寂、悲哀、严肃、刚健的情感体验。

通过这两个小练习, 同学们发现:首先, 不同的线条、色彩会给人带来不同的情感体验, 这就是美术欣赏中的“异质同构”;其次, 美术作品的艺术语言具有自己独特的语言特征和情感特点, 它们可以独自给人情感体验, 而不一定要有具体的形象。

(二) 巧用原理, 探析冷、热抽象之别

在理解了抽象艺术欣赏的关键途径的基础上, 请同学们运用“同质异构”原理来感受、分析、欣赏分组讨论热抽象代表作品康定斯基的《红-黄-蓝》和冷抽象代表作品蒙德里安的《百老汇的爵士乐》。

康定斯基倡导即兴作画, 以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西, 艺术不是对自然的模仿或精心制作, 而是内心的需要。他特别强调绘画同音乐的结合, 他认为绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符, 它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界, 在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感, 因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。

荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素—直线和纯色组成他的画。他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡, 个性和集体平衡, 自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”, 也称几何风格派。

有了前面的原理学习, 同学们很快就发现了两幅作品的异同点。共同点是, 两幅作品都没有具体的形象, 只有艺术语言, 而且都与音乐有关;不同点是, 《红-黄-蓝》以色彩为主, 线、点是辅助, 而且无论是色彩还是线条都没有规律, 像是即兴创作的一样, 充满了各种的可能性;《百老汇的爵士乐》则是由横平竖直的色线组成, 看上去很有有规律, 很严谨。这也是冷抽象和热抽象的基本特点。

(三) 自我创作, 增强个人抽象艺术体验

在经历了学习原理、欣赏作品后, 请同学们根据老师通过的情景进行课堂创作, 不仅检验了课堂效果, 而且增强了学生创作抽象艺术的欲望。

提供两首不同情感曲子。请同学们分组在五分钟内利用老师提供的色块和色条进行抽象艺术创作。由于有了前面很好的铺垫和学习, 同学们不再觉得抽象艺术很难理解, 很快大家就创作出了自己的抽象绘画。同学们的创作经验分享将整堂课推向了高潮。

四、注重引导, 突出学生主体地位

新课标要求, 课堂上要突出学生的主体地位。但学生主体地位不代表是把问题直接抛给学生, 而是需要教师有针对的引导, 然后让学生通过思考、讨论, 最后总结出论点。

(一) 细化问题, 引导有方

将一个问题细化成几个不同的问题, 更有利于学生进行有针对性的思考。例如, 在分析冷抽象和热抽象的特点时, 如果直接问“请分析冷抽象和热抽象的特点”, 那么同学们会一头雾水, 不知如何下手。但若是改成“请分析两幅作品中体现了哪些艺术语言, 它们有什么异同点, 给你什么样的情感体验”, 那么学生就会顺着老师的思路去思考、判断, 最后自己总结出冷抽象和热抽象的特点。

(二) 定组定工, 有效合作

小组讨论或合作创作, 教师上课常用的体现学生主体地位的手段, 但小组合作的有效性则是因人而异。为了提高课堂的有效性, 我在课堂上采用了定组定工的分组方式, 即指定分组、明确任务。

如, 在“听音作画”的环节中作出以下安排:

第1、2组:以冷抽象的表达方式表现 (提供彩色方块纸, 不可以随意撕扯) ;

第3、4组:用热抽象的方式表现 (提供彩色纸和油画棒, 可以随意撕扯) ;

注:每一组创作一幅作品, 并推选一名组长与大家分享本组创作的感受。

通过这种定组定工的方式, 同学们可以迅速定位自己的目标, 并进行有效的讨论。在分享的过程中, 由于一组只选一人进行分享, 既分享了经验, 也节约了时间, 提高了小组合作的有效性和实效性。

五、小结

本堂美术课, 立足“美术”, 从图像学的角度对作品进行艺术分析和鉴赏。注重课堂的逻辑性和节奏性;注重学生的主体地位和情感体验;将美术鉴赏课与创作相结合, 促使学生更深刻的理解抽象艺术。

本节课还有很多值得深思的地方。例如, 在“听音作画”环节, 对音乐的选择可以再斟酌。两首曲子不一定是情感对比最强的, 可以是有所偏向的就好。

世上没有完美的课堂, 只有最求更好的课堂, 在追求好课堂的道路上, 我们任重道远。

摘要：美术作品是艺术家的情感表达, 课堂教学则具有很强的逻辑性。美术鉴赏则是通过鉴别之后对作品进行欣赏, 实现从理性向感性的升华。一堂好的美术鉴赏课堂就需要教师处理好情感与逻辑的关系。本文以具体的教学实践为案例分析美术鉴赏好课堂的构建。

关键词：美术鉴赏,课堂教学,情感,建构

参考文献

[1]王宏建袁宝林《美术概论》1994年

[2]黄茜《抽象艺术在中学美术欣教学中的实践与探索》华中师范大学硕士研究生论文

[3]吴廷玉、胡凌《绘画艺术教育》人民出版社, 2001年版, 第四章.

[4]王大根:《学校美术教育目的论》1994年版.

篇4：美术艺术鉴赏论文

一、美术和音乐的相互融合有利于在美术教学过程中提高学生的艺术感染力

艺术是人类表达和交流思想情感的一种语言，这种情感是艺术创作的主要动机和源泉，同时情感是艺术的灵魂，艺术的一切活动都受到特定情感的支配；艺术的感染力则能够使欣赏者、作者、生活三者之间互动起来，让人内心产生共鸣。长久以来，许多画家和音乐家都试图从彼此的艺术形式出发。探索彼此不同的创作灵感和激情。美国著名近代画家惠德勒，一生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体，如把作品《白衣少女》称为《白色交响曲第一》，《茫茫之夜》称为《夜曲》等等；在他的绘画作品中还有许多直接用音乐术语和素材命名的画作。

二、美术和音乐的相互融合有利于学生进一步理解艺术的共通性

色美以感目，音美以感耳，意美以感心，这一点正是对于美术之美和音乐之美通过视觉、听觉等不同感官的作用发生心灵感动而谈的。音乐和美术以不同的表现形式分别作用与人的听觉器官和视觉器官；但是，这两个同属艺术门类的姐妹花。因存在的共性而彼此联系。相互渗透，相互影响，使人们产生的审美感受，及内心产生的共鸣是相同的。中国古人认为画通音乐、寓乐于画，所以画中有乐是一样的；在一些抽象的绘画中，点、线、面、明暗、色彩等视觉要素的组合会使人产生类似于欣赏音乐作品时，由于音符和节奏的不同组合所产生的某种音乐感。这种感觉被称为艺术的通感，即艺术地相通性。19世纪末的印象主义音乐家德彪西所创作出的音乐作品《月光曲》与印象派大师莫奈《日出？印象》就是艺术互通性的最好表现。音乐家通过各种音响表现出夜晚大海的那种宁静、祥和、宏伟磅礴、变幻无穷的景色，又通过音乐的各种材料描绘出对光色的感觉，制造出一幅大海在傍晚绝妙的美丽图画：而画家则通过运用色彩将自然景色的瞬间印象再现于画面之上，通过景色中的冷暖对比描绘出晨雾中起伏的流水在光线的折射下所产生的丰富多彩，使人感受到画面中的那种和谐的节奏和韵律感，在欣赏画面的同时如同在欣赏一首优美绝伦的美妙绝唱。

三、美术和音乐的相互融合有利于提高学生的绘画表现能力

音乐是更纯粹的抽象艺术，它与美术中的抽象艺术在艺术的表现语言上更为接近。同为用抽象的符号直接传达和表现艺术家的感情起伏，思绪变化，都具有强烈的情感表现力。俄国的著名作曲家莫索尔斯基在观看了亡友画家贾尔特曼绘画遗作展后。为悼念亡友创作出了《图画展览会》这部钢琴组曲。而美国的早期画家华尔特迪斯纳，也曾根据贝多芬的《第六交响曲》创作出三幅绘画作品。印象派的另一着名画家荷兰人蒙德里安。由于晚年居住在美国的纽约，对纽约的百老汇街非常熟悉。同时又非常喜欢当时街面流行的美国爵士乐，于是蒙德里安利用生活中对爵士乐的感受创作出名画《百老汇爵士音乐》，在他的这幅画作中画家探索了不依靠具体形象，只通过线条、构成和色彩，使人联想到爵士音乐特有的那种节奏感。俄国著名的抽象派画家康定斯基更是将美术与音乐的关系发挥到极致，他认为：“绘画和音乐之间的关系，你可以‘听到色彩，看到声音。黄色好比一只发出‘尖锐声音的喇叭：浅蓝色好比长笛发出的声音；深蓝色好似低音大提琴的声音及宽厚低沉的双重贝司声：绿色接近小提琴纤弱的中间音调：红色使用得当时，给人以强有力的击鼓印象……”画家的这种感觉在他的画作《第七乐章》中表现得淋漓尽致。

音乐是弥漫在生活中的。音乐来自生活、表现生活，音乐对学生来说，首先不是表演，不是“艺术”，而是自我流露，是生活的需要，是生命的一部分。

在上色彩课以及其他的绘画课时。我们要掌握一种节奏和律感，就像音乐一样。不同的音乐有着不一样的节奏和律感，我们在绘画时要和音乐相结合，根据不同的绘画内容，去寻找并且掌握不同的节奏和律感，播放出不同的旋律，让美术生在音乐中去欣赏美术作品，去绘画出属于自己律感的作品，将美术、音乐、视听有效的结合到一起。在为学生讲解美术绘画知识的时候介绍相关的音乐知识，让学生深入理解美术和音乐结合的内涵，学会怎样去体验、学习艺术的创作。比如艺术家康定斯基的作品中有一幅作品在旋律上有着丰富的层次变化。忽明忽暗的暖色调被一根粗壮的黑色曲线统一着，这就构成了强烈的节奏感与韵律。产生了一首如同交响乐一般的视觉图画。我们完全可以在创作的时候播放一首交响乐，增加学生在创作时的灵感，增强画面中的韵律。

音乐也具有让人对美术作品产生强烈的联想作用，像民间流行的小歌曲《茉莉花》、《码头调》曲调优美，旋律柔顺而动听，虽然含蓄婉转但是却不娇柔做作，具有丰富的感情色彩蕴含在其中，这样的音乐放给学生听，很容易的使学生联想到淡雅的小花布。在音乐辅佐下去欣赏美术作品，可以大大提高学生的感受力和鉴赏能力。

美术学科与音乐学科之间有着密切的联系，不仅仅表现在音乐、文学作品，与综合实践课也有着密切的联系，在初中教学的教材中都有综合探索这一单元，这个单元所涉及的知识非常广，包括信息技术、舞蹈、戏剧、历史、地理等学科知识，要想将美术教学与综合实践活动有机融合到一起，这就需要美术老师要了解这些知识，要求教师对人文科学与自然科学知识都要有所掌握，并且将所有的知识融会贯通。

作为一名美术教师。为了让学生亲身体验不同心境下音乐作品和美术作品的情感表现力，进行了“听”音乐，“画”音乐的练习。比如听德彪西《大海》欣赏莫奈的《日出·印象》，用贝多芬《第五交响盥》去欣赏康定斯基的《第七乐章》。使学生体会到画者的心境和感受能影响匦面色调的道理；同时也使学生感受到通过静止的画面产生动态的感受。在学生们的作业里出现了跳跃的线条、鲜艳的色块、变化的点和色彩等以前没出现的创作手法。这些现象的出现正是在教学中将音乐和美术结合起来的真实体现。作为一名美术教师，在教课的过程当中将音乐引入到美术课当中，不但是对本身综合素质的一种考验，同时也是对自身提出了更高的要求，感受到培养学生的审美情趣、审美能力的重要，将音乐课引入到美术教学当中共同体验艺术作品的美是非常必要的，对于加强艺术教育，推动素质教育的发展具有重要的意义。注意提高学生的创新意识，根据教学内容适时引导学生即兴创作。

随着音乐教学改革的推进，音乐教育给予学生的决不仅仅是几首歌、几段乐曲或简单的乐理知识，而是教给学生一把开启智慧之门的钥匙，让他们用跳动的思维去创造他们更自由的“音乐王国”。

在即兴的艺术活动中，没有等级划分、没有身份标志、没有年龄限制、没有技术水平的桎梏。奥尔夫认为“从即兴开始的教育才是真正体现创造性的教学，即兴——是对一个人的一切禁锢的放纵，奥尔夫的这些观点是以最大的限度去开放人的能量，充分创造机会让原本音乐人性发挥作用，鲜明地突出了具有创造性的思维。作为一名具有创新精神的教师，应该思维敏捷、头脑灵活，在教学设计中会提供很多创造的机会。在音乐教学中，教师给学生提供好的、他们伸手可及的音乐创造形式、调动学生的创造积极性、发挥学生的音乐想象力并能顺利的以适当的形式表达出来。在《我和我的祖国》这首歌曲的学习中。教师把学生分成三组后，让他们把这首歌曲排练成一首不同形式的合唱曲。学生们在分组讨论的过程中纷纷谈论自己的观点、构思、设想。讨论异常激烈，各不相让。教师建议他们把集中构思不妨都试一试。经过讨论尝试，师生共同达成一致。在这种教学活动中，学生互为补充、相互完善、集思广益，逐步形成探求创新的心理愿望，久而久之。创新能力也就能逐步得到培养。课堂上我启发同学们结合自己的生活感受和生活经历，为歌曲换词。然后配以曲调，让他们充满激情地演唱。同学们感慨地说：“演唱自己亲自创作的歌曲，越唱越喜欢”。

新世纪是信息科技时代，经济的飞速发展和大量新科技的出现引发和推动了教育的全面改革，音乐教育也不例外。《音乐新课程标准》提出了“以音乐审美为核心”的教育理念，强调在音乐教学过程中确立师生交往互动的平等观。“教师作为教学的组织者和指导者，是沟通学生与音乐的桥梁。教师应在教学过程中建立民主、平等的师生交流互动关系。”音乐课的全部教学活动应以学生为主体，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要位置。只有建立良好的师生互动关系，才能达到最佳的教学效果。

篇5：美术艺术鉴赏论文

PS：（本试讲稿以口述为主，考生请有效记忆或背诵，本人亲自整理编写，亲测已过，试讲需要考生自问自答，一个人表演出有学生的课堂氛围，脱稿、丰富个人肢体语言。预祝考生马到成功）

导入：首先请同学们不看文字说明的欣赏罗丹的雕塑《欧米艾尔》。然后同学们可以分组讨论下这幅作品到底好看还是不好看。（学生讨论：觉得不好看，不漂亮）

虽然作品《欧米艾尔》所展示的形象虽然并不漂亮或者说好看，这种根深蒂固的观念不仅影响了人们对美术的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。但它却给人一种心灵上和审美上的震撼。这是艺术作品传递给我们一种残缺的美或者说凄凉之美。所以美术作品美和现实中的美有着不同的表现形式和定义。这就让我们一同进入我们的美术新课——艺术美和形式美。（板书——艺术美和形式美）

一、那什么是艺术美？它有那些表现？

1、请同学们分别欣赏下罗丹的《欧米艾尔》和《行走的人》这两幅雕塑作品。然后说说什么是艺术美？那现在有谁知道什么是艺术美了吗？请一位同学来试着回答下。（学生回答，之后总结）

是的这位同学说的不错。其实——美术作品中的艺术美不是等同于现实中的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的“美”。这就是艺术的美。那关于艺术美它又有那些表现呢？

2、接下来请同学们欣赏席里柯作品《艾普色姆的赛马》,和《马奔跑过程的连续摄影》，并比较摄影作品的奔马与绘画作品中的奔马带给自已的感受，有何不同？

画家所表现的马的奔跑动作并不真实”,但通过以低矮、翻滚的云层和阴暗的光线营造出一种赛马时的紧张气氛。这就是艺术美与形式美所表达出来的特有的魅力。

二、什么是形式美？如何理解和把握形式美？

1、接下来让我们欣赏一幅中国画，请同学们一起欣赏书本30页的潘天寿的作品《雄视》，并根据文字的叙述，思考：下美术作品的形式美有那些内容。

所以从《雄视》这幅美术作品中，我们可以了解到美术作品的形式美主要是由以下几个方面的内容构成的：

（1）、语言元素（点、线、面、体、色）及 其所构成的形态变化；（2）、语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；（3）、语言规则（变化统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律）等及其所构成的审美关系。

2、同学们都知道我们生活中有自己的法则——就是法律，那么形式美的最高法则是什么？请同学们结合课本思考下。-----对比统一（也称多样统一、和谐）。多样统一是客观事物本身所具有的特点。

多样统一使人感到既丰富又单纯，既活泼又有秩序。这一基本法则包含了对称、均衡、对比调合、节奏。比例等因素。这些就是形式美的法则。

请学生列出黄金分割的方法:将某直线段分为两部分,使一部分的平方等于另一部分与全体之积,或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比.用数字表示黄金分割率

1.618:1或1:0.618 欣赏作品《荷矛者》《米洛斯的阿芙洛蒂特》

从雕塑作品中体会比例形式美在人物中的运用及效果。

结合学生们平时所欣赏的模特儿的身材特点，体会合乎比例的人物身体各部分之间的比例关系。

欣赏《夜巡》并分析下此作品的艺术美感和构成。

利用光线对主体人物的形象的刻划，形成画面中心，然后形成几个次中心，使画面形成节奏上的变化，产生了特殊的形式上的美感，给人以流动和紧张的感觉。

三、这节课我们学习了那些知识点呢？

1.艺术美是通过对现实物象运用艺术语言进行再创作后产生的形象给予观者以心灵共鸣和美的感受，相对于现实生活，也称为“第二自然”。

2、多样统一是形式美的最高法则。其中包含了比例、节奏、韵律、对称、均衡等要素。

篇6：高中美术美术鉴赏及其意义教案

课时结构：一课时 教学目标：

1.通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏;

2.美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。教学重点：

培养学生送审美的眼睛，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。教学难点：

如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏一般过程或方法。教学过程： 引入新课：

随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。这节课我们一起来学习美术的鉴赏及其意义。板书设计：

美术鉴赏及其意义

一、含义

二、美术作品的分类 1.艺术门类划分 2.形式语言划分

三、意义 教学内容：

一、含义首先，我们要了解美术鉴赏的含义（板书）。（拿出天安门这张图）同学们看这张图片，当我们置身于天安门广场的时候会有一种什么样的情感呢？这位同学来回答一下，对，崇高、壮丽、神圣的情感，好，请坐。我们对天安门的这种情感不仅来自于天安门广场的建筑，更来自于我们对天安门的认知、回忆、和想象。我们对中国历史认知越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已蕴含了美术鉴赏的基本特征。我们再来欣赏这两幅图，这一幅是张萱的《捣练图》，这一幅是法国画家米勒的油画《拾穗者》。这两幅图都是以妇女为题材，前者画的是宫廷妇女捣练的场面，给人以优雅和平、富富有劳动节奏的美感，后者画的是三个贫穷的妇女在麦地里向前拾穗的情形，看了不禁让人产生同情。为什么两幅都是描绘妇女的劳动场面的绘画会给人不同的感受呢？这位同学来回答一下，作品的社会背景，好，请坐，这就需要对作品的产生的社会背景及画家本人加以考察，才能理解画家的表现意图并对作品作出价值判断。两幅不同国度、不同艺术形式的作品，分别具有不同的艺术价值和社会价值。由此可见，所谓美术鉴定就是运用我们的视觉感知、视觉经验和相关知识对美术作品进行归类、分析、判断、体验、联想和评价，从而获得审美享受，它是一个综合的审美活动。由此，我们可以知道，美术鉴赏的对象是美术作品；美术鉴赏的过程是从感受、归类、分析和判断体验、想象和评价；美术鉴赏的目的是获得审美享受，并理解美术作品和美术现象；美术鉴赏的本质特征是综合的审美活动。

二、分类

我们看这些作品，我们发现在艺术形态和作品形式上它们有很大的差异。它们属于不同的美术门类，我们首先要将其分门别类，按各自的艺术特点去鉴赏。（板书）这就涉及到了美术作品是如何分门别类的问题。美术作品都被归为空间艺术的范畴，美术根据其（板书）艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影六大类。在这六类中又可以按照材料、题材、形制、功能等划分出不同的美术种类，如中国画、油画；历史画、风景画；浮雕、圆雕；建筑设计、环境设计等，比如这两张图这一张是建筑设计，这一张是家居设计，就是按功能分类的。按照美术的（板书）形式语言上的不同特征划分出了以写实性客观再现为主的“具象艺术”、以写意性主观表现为主的“意象艺术”和以艺术语言的本体性表现为主的“抽象艺术”。

三、意义 讲到这里，我们为什么要学习美术鉴赏呢？那么我们就要理解美术鉴赏的意义（板书）。我们知道美术社会存在的产物，因此它负担着社会功能的角色，美术的社会功能体现在三个方面，即认知功能、教育功能和审美功能。有一位名家赫伯特·斯宾塞说：“没有油画、雕塑、音乐、诗歌，以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣会失掉一半。”

四、总结

这节课我们学习了美术的鉴赏，同学们下来可以选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。下一节课我们将学习“美术作品的艺术语言”，希望同学们做好预习。

作业布置：

选取一件自己喜欢的美术名作，搜集资料并做出总结，谈谈自己的想法和感受。

美术鉴赏及其意义

一、教材分析

（一）教学目标

本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。

（二）教学的重点与难点

本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。

二、内容结构

本课主要包括四个部分：

第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。

1、什么是美术鉴赏。

先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。

2、美术作品是如何分门别类的。

简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考：

（1）．绘画

按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。

按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

（2）．雕塑

按题材和功能：人体雕塑、肖像雕塑、动物雕塑、架上雕塑、纪念雕塑、环境雕塑或公共雕塑、实用装饰雕塑等。

按空间：圆雕、浮雕。

按放置地点：室内雕塑、户外雕塑。

按工具材料：石雕、木雕、泥塑、金属雕塑（包括钢铁雕塑、铜雕、不锈钢雕塑等）、根雕、冰雕、沙雕、雪雕、软雕塑等。

按形式语言：具象雕塑、意象雕塑、抽象雕塑、观念雕塑。

（3）．建筑

按功能：园林建筑、纪念建筑、住宅建筑、公共建筑。

（4）．设计

按功能：实用美术、商业美术、特种工艺美术。

按内容和材料：服装设计、陶瓷设计、工业设计、广告设计、网页设计、环境艺术设计、家具设计等。

按形式语言：平面设计、立体设计、构成设计。

（5）．书法

按形式语言：楷书、隶书、草书、篆书。

（6）．摄影

按内容：人物摄影、风景摄影、动物摄影、静物摄影。

按形式语言：具象摄影、意象摄影、抽象摄影、观念摄影。

三、美术鉴赏有什么意义。

以美术的三大功能为基础，说明美术鉴赏不仅是对知识的学习，更重要的是对培养学生认识世界的能力、审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展，都具有十分重要的意义。

四、教学内容资料

（一）作品分析

1天安门广场、黄山日出（摄影）

随着历史的发展、社会的进步，未来社会对人的素质有了更高的要求。人不仅要学习和掌握各种专门的技术以维持自身的生存，更需要养成健康的审美情趣，完善美好的人生。只有这样，我们的人生才是完满和有意义的。要做到这一点，首先要培养审美的眼睛。培养审美的眼睛有两个途径：一是欣赏大自然；二是欣赏第二自然——由人创造的艺术品。我们许多同学可能都喜欢旅游，希望到北京去看看雄伟庄严的天安门，到黄山去观赏烟波浩淼的云海和壮观美丽的日出。但这是两种不同的美——一种是自然景观，一种是人文景观。当我们置身自然景观中的时候，我们似乎完全融入自然之中，成为自然的一部分；而当我们置身天安门广场的时候，我们都会不禁在内心升起一种崇高、庄严和神圣的情感，这种情感不仅来自天安门广场的布局、空间和周围的建筑，更来自我们对天安门的认知、回忆和想象。表面上看，天安门只是一座古建筑，但从审美角度说，它已成为象征中国历史的一个审美符号。它经历了古代中国的文明和近代中国的屈辱和奋起，更见证了中国二十多年来改革开放的巨大成就。可以说，我们对中国历史的认识越深入，从中获得的审美想象就越丰富。这个过程其实已经蕴涵了美术鉴赏的基本特征。2捣练图（中国画，宋代摹本，绢本设色，37厘米×147厘米，美国波士顿博物馆藏）张萱（唐）（生卒年月不详），是盛唐时期著名的人物画家，长安（今陕西西安）人，唐玄宗开元年间（公元713—741）入禁做宫廷画师。他特别擅长画女性和婴儿，所作人物雍容华贵，形成“丰颊肥体”的人物造型，成为唐代名重一时的人物画大师。尤其是他突破了汉魏以来中国人物画主要描绘“列女”、“孝子”的传统题材，开始表现现实中的人物形象，在美术史上产生了深远的影响。

张萱一生只留下了《虢国夫人游春图》和这幅由宋人临摹的《捣练图》两件作品。《捣练图》描绘的是宫中妇女“捣练”的情景。“练”又称“缣”，是一种古代的丝织品，织成时质地较硬，须煮熟后加漂粉用杵轻捣使之柔软，并经熨平后才能使用。全画共分三个部分：右边一组描绘的是四个妇女用木杵捣练；中间一组描绘的是两个正在理线的女工；左边一组描绘的是四个妇女在熨练，其中两个拉平白练，另两个在熨练，在白练下面还有一个来回穿梭玩耍的小孩。画面形成一个完整的捣练过程，具有连环画的性质。这里既让我们看到了唐代人的衣饰、生活等，其人物造型和工细劲健的线条、富丽华贵的用色也明确传达出唐代人的审美观和审美趣味。

3拾穗（油画，83．5厘米×111厘米，1857年，巴黎卢浮宫藏）米勒（法国）

米勒（Jean-Francois Millet，1814—1875）从35岁起就定居巴比松，之后他一住就是27年，几乎一生没有离开过那里。他在那里生活、劳动、创作，画出了他一生最重要的作品。他与巴比松许多画家来往，和他们交流创作思想。他的作品反映了巴比松农民的生活和那里的自然世界。但是从米勒作品的意义来看，他又超越了巴比松派，他把人性中质朴、善良、高贵、永恒的一面呈现出来，从而感染了全世界的人。

米勒出生在法国诺曼底半岛距瑟堡和格雷维尔城不远的一个叫格律希的村子里。他的父亲是一个从事音乐并有较好艺术素养的人。他不仅指挥着一个乡村合唱队而且还搞些小雕塑什么的。米勒的母亲出身在一个较富裕的农民家里，其亲属都有着良好的文化修养。米勒从小就是在农田里长大的，直到20岁他才正式去学画，所以家庭的教养和劳动的经历培养了米勒朴实勤劳的性格，也决定了他以后的审美取向。不过米勒并不是一开始就发现自己真正的方向的。米勒17岁那年曾无师自通地画了一幅大画《看守羊群的牧羊人》，画面虽幼稚，却体现了米勒对周围熟悉生活的观察和对艺术的热爱。以后他进入瑟堡画家朗格鲁画室学画。1837年在朗格鲁的推荐下，米勒获瑟堡市政府600法郎奖金而进入巴黎一所美术学校深造。同年又成为当时巴黎著名画家德拉罗什的学生。他最初的老师无论是米歇尔•朗格鲁，还是德拉罗什，传授他的都是学院派的那一套。由于米勒是一个质朴而腼腆的人，所以尽管他内心里并不喜欢这些装腔作态的东西但还是接受了。他听从了德拉罗什的劝告去参加罗马大奖赛，但没有成功。从德拉罗什的画室出来后，米勒常出入卢浮宫博物馆，向古代大师，尤其是米开朗基罗和普桑学习。他一面学习，一面和一个朋友租房以卖画为生。为了生活他不得不去画那些受欢迎的布歇风格的作品，甚至这种风格的《卖牛奶的女人》和《骑术课》还在1848年的沙龙上展出了。这时的米勒是矛盾的，一方面他厌恶他目前的状态，另一方面又不知自己今后的道路该怎么走。一个偶然的机会使他终于清醒了。1849年的一天，他到一个画商家里办事，画商不在，正巧另两个陌生人也在等画商，只听他们指着墙上米勒的一幅布歇式的女人体说：“这就是米勒的画，他只会画这种低俗的画。”米勒羞愧难当，他决定离开巴黎，到巴比松去，即使生活再艰苦，也要走自己的路。米勒曾在给朋友的信中说过，他讨厌“夸张、装腔作势和虚情假意”，他指责那些为了职责而忘记自己品格的人（即那种被社会扭曲和异化的人），因为他们已失去了他们的本性和真实性，而这些正是艺术家所必备的。因此他要求自己一定要真实地生活、真实地创作。我们从他的作品中可以明确看到，他努力将自己所见真实地表现出来的意图。无论是《簸谷者》、《扶锄者》、《播种者》、《晚钟》、《拾穗》等著名作品，还是《牧羊女》、《喂食》、《折枯枝的人》、《砍柴者》、《在休息的葡萄工人》等这些不太有名的作品，我们都能深深感受到真实的生活气息和艺术家对生活观察之深入。播种者和簸谷者之艰辛、扶锄者和休息者之劳累、拾穗者和喂食者之贫穷，都以其深刻的真实性给观众以震撼，这与以往富丽堂皇的罗可可艺术，甚至与当时巴比松画家那阳光明媚、美丽轻松的风景画是多么的不同。当来自官方和保守势力的批评家对他大加指责时，米勒给予了坚决的反击。他说：“我将坚强地站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨碍我们民族进步的东西，但我决不做把农民加以美化的蠢事。如果只能无力地表现我自己，我宁愿不表现。”他又说：“表现大地的呐喊这不是我的发明，古已有之。我想诸位评论家们是有学识有教养的人，可我不能人云亦云，因为我生来只知道土地，我只能忠实描绘我对劳动时的观察和感受。”米勒从生活中发现的是悲壮、内在、深沉的美，他使人们看到了生活中惨烈的一面。这其中既有同情又有控诉，从这一面说，他与杜米埃一样都是批判现实主义的画家。也正因此，米勒的画使资产阶级以及他们的评论家大为惊恐，他们把他看作是社会主义者，说他企图骟起爆动，比库尔贝更危险。他们从《播种者》中看到了起义者的步伐，从《拾穗》中看到了“在这三个拾穗者背后的地平线上，隐现出造反派的长矛和1793年的断头台”。因此他们叫嚣“要把这位无政府主义的画家从画坛上清除”。在19世纪欧洲美术史上，作为农民画家的米勒是无与伦比的。他塑造的大量感人的农民形象艺术地展示了当时法国农村的真实状况，因此不少肯定者亦把他说成是革命者，是一个无产阶级的艺术家。其实，米勒是个不问政治的人，他曾说过，“一个搞艺术的人干预政治是不明智的”。所以当库尔贝邀请他做巴黎公社委员时他拒绝了。他的作品只是由于它们的极度真实性而被不自觉地赋予了社会的意义。不过他的真实性与库尔贝也是不同的，他借助的是印象和气氛，他在自然中寻找的是那些特征性的东西，因此他反对用准确无误地描摹自然和具体的细节来说话（这与勒南兄弟亦大有区别），因为这些细节会破坏他常说到的那种“思想”和感觉。他认为那些具有独特造型的动作和特定的环境就足以表达他的思想，这就是为什么我们常看到他只画一个人，或把人物变成环境一部分的原因。另一方面，他从不像库尔贝那样使人物突现在画的表面上，也不以强烈的肌理来造成直接的真实性，他将这一切都融入画面之中，所以他在保持人物结实的造型的同时，又赋予画面以诗意。在《拾穗》中，农民的贫穷与地主的丰收形成鲜明的对比，但这种对比不是利用脸部的表情而是略去细节的人物动作与环境，他使人物具有了雕塑的力量，从而歌颂了劳动者质朴、勤劳的美德。而《播种者》则更确却地只通过一个人的动作就把米勒的思想表达出来了。难怪有人通过他的画看到了起义者的脚步。米勒作品的象征意味是十分明显的，因此象征派画家雷东也给他的画以高度评价。但是米勒艺术的根本特性还在于它的质朴与真诚，它是艺术家内心情感的自然流露，这种质朴与真诚也将是开创20世纪艺术的起点，我们将在十分崇拜米勒艺术的凡高那里看到这一点。4萧景墓石辟邪（石雕，南朝•梁）

在南京和丹阳一带，已发现有南朝的宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王贵族的陵墓石雕31处，其中29处的石雕保存较好。这些石雕，包括神道两侧的石柱、石兽和石碑等。石兽相对而立，头上长双角的称“天禄”，长独角的叫“麒麟”，均是传说中的灵异瑞兽，只能用于帝王陵墓。王公贵族墓前的石兽无角，称“辟邪”。这些象征权势的镇守、护卫陵墓驱邪的石兽，形象在狮虎之间，更似以狮子为基础的夸张变形，肩有羽翼，多作昂扬张口、挺胸迈步状，形体硕大，粗壮厚重。其雄强威武的气势，具有很强的艺术感染力和很高的艺术价值，是南朝时期雕刻的代表。

萧景墓石辟邪，是上述石兽之一。其形态为挺胸昂首、张口吐舌，似正在发出震天吼声。它是用整块方形石雕刻而成，在平原之上硕大的体量具有很强的艺术辐射力，仿佛在控制着这一地域。从各种角度观看，它都给人以气势宏大、雄浑稳定的感觉。艺术家为了突出给人这一感觉，在造型上强调前挺的胸脯，夸张胸部的圆弧线，缩短腹部，夸大后腿上部肌肉和臀部的圆弧线，加粗四肢，弱化关节，夸张巨爪和大口巨舌，强调壮实和硕大的体量感，突出凶猛有力，又能使四肢非常协调地支撑身躯。它头部稍小且向后，既恰到好处地表现了昂首动态，体现灵巧性，又能造成金字塔般的稳定感。该辟邪厚重而不笨拙，稳定中又有动感，雄浑威猛，似内蕴无穷的力量。它头颈不分，全身处处运用弧线、圆形，除肢腹之间镂空外，全身无繁琐细节，连尾部也紧贴臀部扎地，羽翼仅用线刻而成，加之变形加粗的四肢和夸大的巨爪与底座紧紧连在一起，都使其不易破损，所以历经千余年至今仍较完好，不能不说与其造型有关。石辟邪的单纯、完整和矫健的外轮廓，富有很强的表现力，至今仍给人以难以忘怀的印象和美的感受。5奔马（中国画，1951年）徐悲鸿 作者简介请参照第14课相关内容。

这幅《奔马》在表现方法上，将西洋画中的解剖与中国传统笔墨相结合，显示出徐悲鸿以中西融合的方法改造传统中国画以使之具有面对现实的能力的思想。在主题上，他以昂首飞奔的骏马来表达对民族前途的关怀和希望。徐悲鸿给这幅作品起名《山河百战归民主》，表达了他对新中国成立、人民从此当家做主的喜悦心情和对祖国未来的期望与情感寄托。

6根扎南国（纸本彩墨，1998年）吴冠中

吴冠中（1919—）江苏宜兴人。1942年毕业于杭州国立艺术专科学校，1947年留学法国，入巴黎高等美术学院学习油画。1950年回国后先后任教于中央美术学院、清华大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院等，并曾担任中国美术学院客座教授、中国美术家协会常务理事等。吴冠中在杭州国立艺术专科学校读书期间受到他的老师林风眠和吴大羽的深刻影响，一生从事中西融合和油画民族化的实践，逐步形成了清新、明快，注重美术的本体语言——点、线、面、色相结合的韵律美和形式美的独特风格，具有强烈的艺术个性和时代气息。在《根扎南国》中，吴冠中以他特有的手法，以点、线、面、色的结合，塑造出南方特有的郁郁葱葱、繁茂似锦的大榕树形象，给人以强烈的形式美享受。吴冠中还十分注意理论上的总结和著述，他对美术的形式美的论述在20世纪80年代的中国产生了广泛的影响，出版有《绘画的形式美》和《风筝不断线》等文集，以及各种个人画集。1991年吴冠中获法国国家文化部授予的文学艺术最高勋章。7太白行吟图（中国画，局部，纸本水墨，81．2厘米×30．4厘米，日本东京国立博物馆藏）梁楷（宋）

梁楷(生卒年不详)，是南宋著名的人物画家。性情豪放，不拘礼法，自号“梁疯子”。梁楷早期的人物画细密工致，后变为简练粗放、纵笔挥洒，寥寥数笔便能画出人物的精神气质，具有很强的艺术感染力。后人称他的这种画风为“简笔画”，这是梁楷对我国古代人物画的突出贡献。现存的《太白行吟图》描写唐代伟大诗人李白的豪放性格，全画只用寥寥几笔，即把那种桀骜不驯、才思横溢的风度神韵，刻画得活灵活现。这既得力于画家对李白的性格特征的正确把握，也和他熟练地掌握了中国画的笔法密切相关。这是我国绘画史上最早具有代表性的“减笔画”之一，可谓之极品。中国奥运中心垒球场设计方案

这是为2008年中国北京奥运会设计的一个垒球场场馆方案。作为建筑设计，既要从审美的角度实现其造型上的美观，又要考虑其功能上的适应性，同时还要兼及其周围的环境（其中包括色彩、造型和高低等方面）。从造型上看，该设计极为简化，只在一面形成一个敞开的盖顶，这种极少主义式的设计显然是来自现代主义的设计观，就像里特维特的《红蓝椅》一样；在功能上，该设计以三角形来适应垒球比赛的需要，在其周围建起层级式的观看台，并在周围建有相应的配套设施；在环境上，我们虽然无法看到周围的情况，但从其视图上就可以看出其高度、造型和明亮的盖瓦与周围环境和谐相处。

8红蓝椅（木质上色）里特维特（荷兰）

《红蓝椅》是“风格派”最重要的代表作品之一，也是现代主义设计中里程碑式的作品。它完全采用最基本的几何元素或几何形态构成，没有任何隐晦或掩饰，色彩元素也仅限于红、黄、蓝三种原色，可以说，它完全是按照“风格派”创始人之一蒙德里安的艺术理论创作出来的，只不过蒙德里安的作品主要是平面的绘画，而里特维特的《红蓝椅》则是立体的。尽管我们所看到的是一把真实的椅子，但从功能上说，它却并不具有实用性，因为人坐在上面并不舒服。它的重要性首先在于它是由标准化的几何构件组成的，这就为此后现代设计产品的批量化生产提供了参照和依据，这一点是开创性的；其次，它的与众不同的现代形式语言，使之终于摆脱了传统家具设计的阴影，宣布了现代主义设计的出现和独立，由此成为现代形式主义设计的重要的里程碑式的作品，对整个现代主义设计运动产生了深远的影响。

9筛谷的妇女（油画，131厘米×167厘米，1854年，法国南特美术馆藏）库尔贝（法国）

库尔贝（1819—1877）是19世纪后半期法国著名画家。生于法国东部的小城奥尔南市一个葡萄园主的家里，从小就直接接触到农民的生活，并接受他祖父给他灌输的革命的思想。家庭的宠爱和较好的生活境遇使他自小就养成了自信和敢说敢为、我行我素的性格，他对生活和未来充满了信心。库尔贝基本上是一个自学成才的画家，要说老师，对他来说就是先辈大师的作品和自然。他从先辈大师那里吸取创作灵感和技巧，而从生活和自然中寻找思想，他把二者有机地结合在一起——技巧服从思想，思想加强了技巧。这就是库尔贝艺术的主题：使艺术担负起社会的责任。在这一思想的指导下，库尔贝积极参加社会的斗争实践。1871年巴黎公社成立后，库尔贝积极支持这个无产阶级自己的政权，并担任了公社革命委员会委员、造型艺术委员会主席、公社第六区顾问、公社驻美术学院代表和教育委员会委员，他以极大的热情投身改造旧制度和建立新的美术趣味的工作。这一切行为使资产阶级恼羞成怒。公社失败后，便以“杀人、煽风点火和招兵买马、篡夺公职并合伙毁坏古迹”的莫须有罪名将他逮捕并处以323091法郎68生丁的罚款，将他所有的作品及财产没收。1877年12月31日库尔贝客死瑞士。

1855年，库尔贝为反对官方美术的虚伪并表明自己的艺术态度，在巴黎世界博览会对面自建了一个小棚子，举办了以“现实主义：库尔贝，他40件作品的展览”为题的个人展览，并发表了《现实主义宣言》，提出“绘画实际上就是具体的艺术，它不是别的，就是对现实的即存事物的描绘”的观点。他企图把他所看到的一切都按照它们原来的样子描摹下来。在这次展览上，库尔贝展出了他的许多重要作品，其中就包括《筛谷的妇女》，这些作品都反映了他企图客观地表现视觉真实的愿望。当有人要他画宗教画中的天使时，他一口回绝，说他无法画出一个他从未见过的长翅膀的人。因为库尔贝的目标是明确的，那就是像他宣言所说的，“我的心愿全然不是要达到为艺术而艺术那个无益的目标，„„要按照我的所见来表达我们时代的风格、思想、面貌，不仅做一名画家，还要做一个人，总之，要创造活生生的艺术这才是我的目标”。正因此，库尔贝在《筛谷的妇女》中真实生动地描绘了一个他所常见到的农村妇女劳动的景象，表现了劳动者特有的健康的美。

舞蹈（油画，260厘米×389．9厘米，1910年，纽约现代艺术博物馆藏）马蒂斯（法国）

亨利•马蒂斯（1869—1954）出生于法国北部的勒•卡图镇，年轻时曾从事法律工作。有一次生病住院，闲来无事读了一本绘画方面的书，使他对美术产生了兴趣，遂立志终身从事美术，这年他21岁。1891年马蒂斯考入巴黎朱理安学院，1895年成为当时著名象征主义画家摩罗的学生。

马蒂斯的艺术主要植根于后印象派，不过经过几个复杂的演变之后，马蒂斯彻底脱离了后印象派，但他更加强了色彩的表现力。从1904年开始，马蒂斯开始形成自己的风格，以强烈的原色对比和粗犷的线条去体现他对客观事物的感觉。传统绘画的透视和明暗手段被他弃置一边，只是在构图上还显示出有秩序的现实境界。也就是在这个时候，马蒂斯又开始了对日本绘画和非洲艺术、阿拉伯图案的借鉴，这使他的艺术日益个人化。马蒂斯不仅把东方的技法（毛笔画）发展到他的创作中来，还利用舞蹈、音乐等多种艺术元素来丰富自己的绘画语言。《舞蹈》创作于1909—1910年。马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连，画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空，一大片绿色让人想起翠的绿地，人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上，舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯，四肢疯狂地舞动着。据说，马蒂斯的这个主题可以追溯到希腊的瓶画和民间舞蹈。

（二）名词解释

1、审美教育

亦称美育或美感教育，是一种通过美的教育而使人性发展和完善的活动。审美教育的基本内容是：通过具体的审美活动而逐步培养人的正确的美丑观、善恶观、是非观、爱憎观，从而净化人的心灵；逐步培养和提高人鉴赏和创造美的能力，使人的潜能得到更好的发挥。审美教育的特点是寓教于乐，在没有任何强制的过程中潜移默化，最终达到人性的逐步发展和完善。审美教育不应仅仅局限于自然和艺术领域，还应包括社会实践，在社会实践中进一步培养人和现实的审美关系。在西方，柏拉图（Platon，公元前427—公元前347）、亚里士多德（Aristoteles，公元前384—公元前322）开始注意倡导审美教育；在近代，对审美教育给予极大关注的是德国美学家席勒（J．C．F．Schiller，1759—1805），他认为要把人性从自私和腐化中拯救出来，使人的感性冲动和形式冲动（又称理性冲动）协调一致，使不合理的社会变成合理的社会，惟一的途径就是通过审美教育。马克思主义认为，审美教育并非获得人性解放的最终条件，而是人认识世界、改造世界和自身的一个重要手段。因此，审美教育对人的发展具有重要的现实意义。

2、审美鉴赏力

是指人的一种历史地形成的鉴别、认识和评价现实现象和艺术品之美丑的能力，亦称审美判断力。它是审美主体（人）通过美的创造和美的鉴赏而培养起来的一种能力，具有社会性和个体性差异。从社会性的角度说，任何主体的审美鉴赏力都是受到一定历史发展所提供的可能性的制约，因而具有共同的地方；但是由于主体的生活经验不同、审美修养的不同，审美鉴赏力又表现出个体之间的差异性。它既是依赖于个人审美趣味的单独判断，同时又普遍有效。德国美学家康德（Immanuel Kant，1724—1804）把它归于“先天共通感”。但按照马克思主义美学观，共同的审美鉴赏力是同一社会关系的产物。审美鉴赏力的培养和发展，不但依赖于直接鉴赏经典艺术品，而且还依赖于社会实践，在实践中形成正确的是非、善恶、真伪、美丑观念。

3、美术分类

美术是人类特有的精神产品，是人类在长期认识和改造世界的过程中，为了更好地生存而以自然和人造材料，通过平面和立体的形式，表达人类思想、情感和意识形态的精神的物质化显现。可以说，有了人类，就有了美术。为了更好地理解美术，人们做出了各种努力。由于美术是由人创造并最终服务于人类，所以自西方文艺复兴时期开始，美术就被归入人文学科，与自然学科并列。在这其中，又由于美术的塑造性而被称之为造型艺术，与表演、诗歌、文学、音乐等艺术并列。但“造型艺术”这个概念也是有局限的，因为像舞蹈、戏剧、艺术体操等表演艺术也同样强调造型性。于是，人们又根据各个艺术门类在时间和空间上的特点而把美术划分在“空间艺术”的范畴之内。

由于美术既是一种具体的社会历史现象又是流动的文化精神形态，其中包含了丰富的美术现象、美术形态和美术门类，同时，美术的创作和鉴赏又是复杂而开放的，与不同时期、社会、历史、种族、文化、观念、心理等有着千丝万缕的联系，所以，从本质上说，任何关于美术的定义、概念和理论都是不完整的，只是我们理解美术的参照。

四、小结

(一)本课包含内容十分丰富，学生应把握住教学重点与难点，在如何进行美术鉴赏上下功夫。