声乐教学训练基本方法

第一篇：声乐教学训练基本方法

声乐教学的基本方法

嗓音功能本身是每个人生来固有的，但是唱得动听的能力却主要是训练的结果。歌唱是通过用特殊的方法——多方法的语言来训练嗓音功能而获得的。这是因为人体的各发声器官在歌唱时运动状态和它们间的相互协调作用是看不见摸不着的，主要是依靠声乐老师把自己歌唱发声的感受、体验、歌唱的经验和方法，通过通俗的、精炼的、准确的、形象的、生动的教学语言传递给学生并指挥他们的发声器官协调配合，让他们歌唱，教师再根据学生的歌声，进行判断、评价、提示，再应用教学语言，引导他们逐步调节、校正发声机体，使之找到正确的歌唱方法。那么，在教学中教师如何运用好语言教好声乐课，下面就我自己的经验体会。

一、精炼准确性声乐是一门实践性很强的艺术，正确的歌唱方法主要是靠训练获得的，而训练又必须是在有限的课时内进行，这就要求老师的语言要精炼而又准确。老师的教学语言精而准才能抓住教学中的主要矛盾，精而准才能体现教学的重点，精而准才能解决声音中的主要毛病，精而准才能对症下药，精而准才能使学生对复杂的理论理解透彻，如通常可以听到老师在课堂训练中这样提示学生：气息沉、吸气深、吐气稳、下巴掉、笑肌提、牙关开、咽腔张、前胸松、后背紧、气息通、双肩落等。也有些老师在课堂上针对某个问题大讲特讲面面具到，有的则空谈声乐理论，使学生感到漫无边际，无重点，演唱中会感到无所适从。声乐教学语言的精练准确既要合乎逻辑，又要顾及到学生的认知能力，使学生容易理解，过于专业化的教学用语，如：“运用头腔共鸣来歌唱”、“运用胸、腹式联合的呼吸方法”、“你要用真假声混合的唱法唱”，以及过分强调教师自我体验的提法，如：我是应用头腔共鸣唱的，就是把声音唱在头上，让头顶来歌唱等等的语言往往会让学生莫明其妙，弄不明白。精练准确的教学是建立在活泼通俗易懂的教学语言上的，在声乐教学中教师不断扩展自己的知识面，丰富发展自己的教学语言，教学中就能达到化复杂为简单，化抽象为具体，化模糊为生动的教学效果，精炼准确的语言来自教师客观敏锐的听觉，它是教学的基本功，也是声乐教学的基矗精练准确的语言来自教师主观努力的教学经验，它是教学实践而成的积累。也是声乐教学的关键。

二、辩证统一性在声乐教学中，每一个学生都有一个训练的总目标，教师对这一总目标的教学要求，心中是有数的，但在具体的分阶段的教学中，不可能把未来的目标要求拿到现阶段来付诸实施，在对学生进行歌唱技巧训练，音乐处理表现，音乐感受和创造思维的综合训练过程中，教师要处理好整体要求和局部训练的辩证统一的关系，声乐教学主要是靠教师的听觉和辨力来指导学生的训练，听到了学生演唱中的问题，就要拿出具体的办法去解决，声乐教师责任就是要训练学生有一对客观的耳朵，能听出自己演唱时的对与错，所以教师的分辨能力和教学方法是直接影响学生的演唱水平的，就声音的训练来讲，正确的歌唱方法是整体的歌唱，这就要求声乐教师的思想方法是辨证的，听觉是平衡的，看问题是客观的，分析和解决问题是全面的，比如在声音的训练中，当强调声的高位置时，同时要强调气息的低控制，否则就会产生气浅、喉紧，发出的声音效果尖、挤、卡、虚的现象，在提示气息下沉有深度时，同时要保持高的歌唱位置，反之就会破坏歌唱状态的平衡性和完“整性。在训练中让学生把喉咙打开时，又要提示学生把声音唱的集中;提示靠前唱时，又要注意声音的垂直性;提示歌唱发声中要有点感觉时，又要注意整体面的结合;提示笑肌上提时注意下腭向下松的感觉，真声位置假唱，假声位置真唱，闭口音开着唱，开口音关着唱，这一系列的训练方法、观点、语言无一不贯穿在辩证统一的规律之中。

三、形象比喻性声乐教学中由于声乐教学语言语义的不确定性，学生对教师讲述的要求常常感到不易理解，教师采用形象的语言把比较抽象的概念具体形象化。为了达到训练的目的，教师还常采用启发式的感觉教学方法，所谓感觉教学就是将我们日常生活中能做到的一些动作和感觉用于歌唱和训练之中，通过这些感觉体会到科学的发声状态，达到训练的效果。如：训练气息下沉时，用闻花的动作，双手提水的感觉去体会就不至于把气吸到胸上。当训练声音靠前唱时，教师会说“让你的声音先向后划圈再抛向前方”“让声音坐在气上滑出去”“唱高音时要像跳高运动员起跳时脚先向下蹬，身体再向上抛的感觉”“声音要始终向前滚动的唱，气才不会重”“声音的高位置像雨伞的伞蓬，气像伞的把”，“声音像风筝在空中自由飘荡，?气息要像线轴始终在下面拖着?“吸着唱”“喊着唱”“真的唱”“假的唱”“收着唱”“开着唱”“竖着唱”“圆着唱”“扁着唱”等等。在声乐教学中采用确切生动，形象的语言，比用单纯技术性的阐述，更易为学生所理解和接受。声乐教学没有器乐教学那样直观，学生只能通过聆听教师的演唱和从教师的教学语言中，去理解发声的原理和琢磨歌唱的技法，去领会音乐作品的内涵，去创造美好的声乐艺术形象。教学语言起到信息传导与反馈的作用，对声乐教学的语言研究探索，对促进声乐教学水平，教学效果的提高，有着十分重要的意义。

第二篇：声乐教学三原则和五个基本的教学方法

摘要：声乐教学时要遵循因材施教、实践性、循序渐进三原则，以及突出法、对比法、模糊论、积极主动法、良好的情绪气氛等五个基本教学方法。

关键词：声乐;教学;三原则;基本教学方法

声乐教学是一种特殊的教学，它采用个别授课的方式，教学对象各不相同，这就要求声乐教师既要掌握个别对待，因材施教，又要遵循具有普遍性、一致性的客观规律，即声乐教学的三个原则和五个基本的教学方法。 教学方法的三原则

“教学”二字，既有教又有学，声乐教师要通过研究正确的理论和教学实践才能创造出好的教学方法，好的教学方法必须遵循以下三原则，这是前人积累的声乐教学的共同规律，千万不可忽视。

一、因材施教

这条原则的意思就是教师要按照学生的条件、特点去教，要根据不同条件和素质的学生，采用不同的教学内容，实施不同的教学方法和教学手段，采用因人而易，有的放矢的措施。还要针对学生的声音特点、声音技巧和艺术表现力而采取的教学对策和教学方案，使学生的声乐得到进一步的发展。

因材施教就是实事求是，从实际出发，按学生的实际进行教学。

二、实践性

声乐属于表演艺术，是一门实践性重于理论性的学科。声乐技能技巧的训练和声乐艺术实践，是声乐教学的组成部分。技艺结合，艺术创作，艺术要求、艺术想象、艺术境界是主人，是决定性，起主导作用的手段。

声乐教学中，学生歌唱基本技能的掌握，是教师指导学生不断反复和不断巩固的过程，是一个实践应用的过程，只有通过艺术实践才能了解学生的学习情况，发现技能训练的不足，才能及时地修正和调整技能训练的不足和方法，使学生的声乐技术不断地得以巩固和完善。

声乐艺术实践是巩固学生所学知识和技能，发展学生艺术创造能力和检验教学效果的主要渠道。因此，要不断地创造条件，让学生多参与艺术实践，巩固和发展课堂上所掌握的声乐知识和技能，丰富和提高学生的声乐艺术表现能力和创造力，使技艺结合突出实践，以实践指导教学。

三、循序渐进

无论何人在任何情况下学习，只能是逐渐进步的，不可能一步登天，学习不能急于求成，只能稳步扎实的进行。

对于初学者要先了解学生的嗓音条件，让其自然发声，然后制定教学设想，学会初步发声的方法;学生掌握初步发声方法之后要进一步对其声音进行润色美化，训练整体共鸣的运用，训练声乐的技巧——声音的灵活性气息的延长与稳定，音量、音色的变化与稳定，声音的表现力，学习感情的表达手段，包括提醒、心理、手、眼、身等动作的协调与统一。以上几点应有统一安排有一定的先后顺序，而且经常是兼而有之，交叉进行，循序渐进。

五个基本的教学方法

有五个基本的教学方法，是要贯穿于教学过程始终的。这就要求我们在实践中体味并根据自己的经验，不断丰富它，补充它。

一、突出法

一个时期突出一两个问题，把复杂问题简单化。这样才便于学生记忆，便于他们重视和反复练习。也只有这样，才符合解决问题的层次性和顺序性，才有真正的教学效率。要因人施教，教师不能千篇一律不问学生的条件、特点去教，要突出学生需要及时解决的问题。

二、对比法

教学过程就是正确、错误、好些、差些的更替过程。在一定的要求和目标下，正确的次数占了大多数，这个阶段的任务就基本完成了。重要的是，抓住基本错误和基本正确的这两头来对照比较，让学生体味两种唱法有什么不同的效果，有什么不同的自身感受。没有比较就不知道区别，就不能进步。如学生只知道教师点头、摇头而没有自己认真对比过，那在学习的速度和巩固程度上，都有远远比不上认真按照对比原则指导下的学生。

三、教学上的模糊论

如在一个阶段内，你拿几年后学成时应有的效果要求学生，那他永远不对。就是在一个阶段内的有限目标下要求学生，也不能总是要求他做到那个最好的，最无可挑剔的效果。在教师的头脑中，要有个最低的界限，只要进入正确范围，即使还有些不准确、不理想，也要肯定。你要相信：在正确范围内实践次数多了，熟能生巧，时间长了，必然越来越稳、越准。实际上大演员的演出，也不是每场质量都完全相同的，为什么不允许学生有时不够标准昵?

教师严格要严到学生的音准、节奏和用功不用功这些问题上，严到正确、错误的分界线上，其它事情，如对小的摆动，要模糊些，等待学生自己调整和进步。

四、积极主动法

让学生一方积极起来，主动起来。教师在教学中不能包办和硬灌，不能采用填鸭式的教学方法，要发挥学生的主动性和积极性，要鼓励学生的钻研精神，应当鼓励学生不但在发声方面多钻研，还应当在音乐的其他方面进行钻研。教学中不要对学生包办代替，要让学生发挥自己的主动性，在指定的范围内自己挑选曲目，平时还要让学生多听音响，多看谱子，教师在学习方法上多加指导。声乐教学的方式以教师传授为主，但这并不影响学生的积极性，要采用启发式，让学生在学习过程中通过自己的思索，了解掌握学习训练的过程和技术手段，触类旁通、灵活引用，主动的学习。

五、努力保持课堂上良好的情绪气氛

声乐教学和其他学科一样，始终是严肃认真的，但也不是特别紧张。应该“寓教于乐”，就是要在“乐”中受到教育，保持课堂上良好的情绪气氛。教师要采用多样化的教学方式，采用比较适合学生接受的途径，让学生有一个宽松的环境和愉快的心态。

学生唱对了教师当然高兴，如果没有达到接受的预期结果也不要着急，可让学生休息片刻，谈一谈课外的话题，松弛以下情绪，过一会再热情地启发他们，声乐教学要使学生在充满信心、充满喜悦的心情下学习，保持课堂上的良好气氛。

只有按照上面的原则和方法才能取得良好的效果，培养出优秀的声乐人才。

第三篇：美术宝教学速写训练的基本方法

速写训练的基本方法

速写训练是对学画者观察能力、分析能力、理解能力和表现能力的全面训练。

速写训练中对观察力的训练， 不仅要训练眼睛看得准，还要训练在作画时有正确的观察方法什么是正确的观察方法?一般说来，以我们平时看东西的习惯来作画，往往是看到哪里 画到哪里，这是一种局部的观察方法，用这种看一点画一点的观察方法作画，不能做到 表现对象的本质关系。我们要画好速写，就要改变这种局部观察的习惯，学会整体观察 的方法，养成整体观察对象各种造型结构关系的习惯。这种整体观察方法要求在作画时 观察对象要有整体意识，在画某一点、某一局部时，不要只盯着一点看，而是要将所画 的这一点、这一局部与其他部位相互比较，对所要画的局部与其他部位的上下左右关系 及它们之间的内在结构关系做到心中有数，从整体关系下笔。这种比较的过程，实际上 就是整体分析和理解对象的认知过程。正确的观察方法，只有通过大量的练习，才能逐 步真正掌握。速写训练是练眼、练脑同时又是练手的过程。 绘画是一门技艺性很强的艺术，下面就速写训练的一般顺序及一些学习方法和作画步骤进行阐述。

一、由简到繁

初画速写，可先从较简单的描绘对象入手。如一个小木凳，一双随便摆放的雨靴， 一件挂在墙上的衣服。作画时先画对象外形轮廓的大关系，用直线画出基本形，注意线

条的长度比例及各线条的倾斜度。在此之后，再充实些细节。 例如画一张凳子，凳面与凳腿的关系是大关系，而榫头及局部特征等都是细节，这些细节可在进一步深入阶段逐 渐画完。

“繁”的物象是指结构关系较复杂的对象。如：枝叶茂盛的大树、衣纹繁多的人物 等，作画方法也和画“简”的东西一样，先从大的方面入手，确定了大的关系后，再充 实细部。要将复杂的物体理解为是由各种简单部分组成的，然后将各简单部分画在复杂 的大关系之内，这样完成起来就有条不紊。画复杂物象较难处理的一点，就是整体与局 部的关系。画各个细部时，要注意到它们各部分之间的关系，同时还要照顾到整体的大

关系，不要因描绘细部而使整体显得 琐碎。只要我们把握好先画大关系，后充实细部的原则，画“繁”的对象便不会感到困难。

由简到繁的训练从大的题材上讲，可先画花卉，后画树木风景，最后画人物。

二、由静到动

初画速写，应先从静止的对象画起，稍熟练之后，再描写处于运动状态下的物象。 静止的物体或处于不动状态下的人，有利于初学速写者在作画时能从容地观察对象，反 复比较所描绘对象的各种结构关系，使初学速写者能在认真研究描绘对象各种结构关系

的基础上下笔。作画时用线要肯定，线条是为了表达对象的形体关系，交待清楚结构造 型而画的。线条的来龙去脉要有根据，这个根据就是 被描绘物的结构。 初学速写者在作画时应将所画的速写与描绘对象进行反复比较，从而纠正画得不准

确的部位。速写造型练习的最佳描绘对象就是静止的物象和不动的人物。我们看到许多 速写范画，一个轮廓有时有几根复线。 这就是对作品进行矫正而产生的痕迹。 画动的物象，如动态人物、动物等，需要在掌握一定的静态速写的基本功后再结合

结构规律、运动规律加以训练，这样画起来就容易得心应手了。 有关动态速写的注意事 项及作画步骤，在后面的有关部分将会阐述。

三、由慢到快

画速写并不像我们有些初学者所想象的那样，下笔如写草书，一挥而就。因为画速

写的过程，是一个对形体观察、理解、表现的造型过程。这一过程，初学者须仔细体会， 扎实描画。逐渐熟练了，画速写的速度就会快起来。 初学者应先画慢些，如人物速写每 幅可在45 分钟至1 个小时左右完成，以后可逐步过渡到半小时画一张或一刻钟画一张。 并且在训练过程中还要不时的将慢、快训练方法穿插进行，这样才能在速写训练中既得 到扎实的练习，又掌握到速写的一些方式方法。

四、从描绘有规律的对象到描绘无规律的对象

初学速写者首先要画一些有规律的对象，这样有利于把握造型的准确性，并掌握速

写的一些技巧。描绘有规律的对象，可先画一些基本 形明确的花卉和重复出现的有规律 的人物动态。在掌握了一些速写基本技法之后，再画一些无规律的对象，如杂乱无章的 灌木丛，转瞬即逝的不规则的人物动态。有规律的对象较易把握，通过中轴对称性原则， 可以获得较准确的轮廓。 而规律感不强的对象，则较难把握，需要有一定速写基础后， 方可对之速写。

五、临摹与速写相结合

学画速写的过程，应该是临摹优秀速写范画与对着对象写生相交替进行训练的过程。

临摹的目的是为了学习前人的技法，如对形象的概括、取舍、交待结构以及一些用笔用 线的技巧等等，尽可能在临摹中获得体会。另外，类似速写形式的优秀的 线描画、连环 画都可以临摹。通过临摹可以学到一些概括形体、处理衣纹、疏密穿插等方面的速写技 法。另外在初学速写的过程中还要多临摹优秀的艺用人体解剖图谱，以求在临习的过程 中掌握人体的基本结构知识。 要做到临摹与速写反复交替进行，这样临摹才能有体会， 才能将临摹中学到的东西运用到速写中去，真正变为自己的东西。

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第四篇：声乐教学中的表演训练

内容摘要 :歌唱表演艺术是多方面知识的集中体现,在教学中,教师不仅要求、引导学生寻求歌声之美,还要处理好声、情、表演技巧之间的矛盾,以及上课与上台的辩证统一的关系,更好地促进我国声乐教学与声乐表演艺术的全面发展的关系。

关 键 词 :声乐教学 歌唱 表演 训练

在声乐教学中,教师不仅要求、引导学生寻求歌声之美,而且还应加强对学生们的歌唱与表演、形体的有机结合的教育,使学生们获得声、情、形并美的新境界。要想达到此境界,就需要教师平时严格要求与训练,只有这样才能使学生在今后的表演艺术中有更大的作为,使他们逐渐地达到声情并茂“尽善尽美”的艺术境界。然而那种认为只要掌握了一套先进的、科学的发声技巧或具有一副好嗓子,就什么都有了的想法,是不足取的。因而,表演艺术是声乐教学体系中一个不可忽视的课题。

一

歌唱是音响艺术,但不是歌唱者随心所欲制造出来的,是作曲家们善于运用音乐的多种素材(节奏、节拍、调式、和声、对位、速度、力度……)精心设计出来的,用以表达某种思想感情的旋律。可以说,出色的表演技巧与完善的歌唱艺术,在艺术表演中是相辅相成的,缺一不可;反过来讲,脱离了歌唱的艺术表演,表演技巧也将失去其自身的价值。声乐的艺术魅力与美感效果,取决于声乐的情感体现,声情并茂、以声传情,正是以情作为声的体现基础。如果我们掌握了各种声乐技巧,而缺乏情感的准确性和生动的表达,只知唱,而不知或不善唱情,同样不可能完成艺术的创造任务。“凡音者,生人心者也。情动于中,故形于声。声成文,谓之音。”“唱者不得其情,则邪恶不分。悲喜无别,即便声音绝妙,而与曲词相悖,不但不能动人,反令听者索然无味矣。”故作为一位歌唱家或声乐教育家,仅精通发声是不够的,还必须是位相当出色的音乐家,并有运用声音来表达歌曲的能力。因此,声乐艺术如失去了情感的动作性和其表情力量,那么歌唱就失去了灵魂的光芒。 在声乐教学过程中,学生的声音需要训练、培养,而歌唱中的情感运用和表现也同样需要训练和培养。只有训练有素的演唱者,登台时才有可能自如地表达歌曲内容的内在美,使其以情带声、以声传情,达到声情并茂的高超艺术境界。而那种认为可以以声带情,或是只要有了一副珠圆玉润的好嗓子,依词曲就能唱出动人心弦、感人肺腑的歌唱的方法是不实际而片面的。歌唱演员的舞台动作和表演的协调,是声乐艺术不可分割的一部分,是歌唱者利用嗓音、控制和使用表演构成了统一的舞台形象,以取得声情并茂、拟形传神、慑服人心的艺术效果。所以用训练有素的歌喉,出色地表达歌曲的音乐词汇,调动自身表现自如的机体,有力地辅以表演动作,是声乐演员肩负的双重任务。就一般歌唱演员来说,表演训练与歌唱训练相比,有相当多的人没有像重视歌唱那样来重视表演的训练。这就造成了舞台动作的表演规律的缺乏,对于如何创造一个深刻而动人的舞台艺术形象,更缺乏自觉的追求和深入细致的研究。

二

古今中外一切卓有成就的音乐表演艺术家,无一不具有高超与独特的表演技巧以及渊博的知识,因为艺术表演是来源于生活的,它是生活中人类各种感情的集中、提炼、美化、再现和升华。从事这项工作的歌唱者和教师需具备相应的知识结构,比如:音乐基础理论、和声、曲式、复调、音乐史、艺术史、文学史、美学、政治、表演理论、语言学、音韵学等。总之,歌唱者应具备或超过常人所了解的知识范围和文学修养,才能从不同的侧面反映音乐作品的时代风貌,使其在歌唱时掌握好以往各个时代的音乐作品,并反映其实质。杰出的女高音歌唱家卡拉斯,之所以能在声乐与歌剧表演艺术中取得举世无双的卓越成就,就是与她掌握了非凡的歌唱技巧、表演技巧以及有很好的文学修养分不开的。由此可知,对歌曲内容理解得越深刻,越能获得丰富的内在思想感情,就越能增强歌唱的表现力。然而演唱这优美的歌声和内蕴的激情又必将有外在的形态动作美,使歌声伴随演唱者的丰富内涵及舞姿,更深刻、更突出、更鲜明地增强声乐的表现力。由此可见,声乐表演艺术是声乐语言、舞蹈动作相互关联、相互扶助的血肉关系。

所谓内在实质是人的内心、思想、心境、理想、道德、性格及对外界的各种矛盾现象的情感反应成理性上的分析、判断。所谓外在是指这种思想情感对内心活动的表达,即通过感染,产生共鸣,从而达到其应有的艺术效果。内在是外在的源泉,内在是外在的依据,外在是歌唱者恳切的流露与表达。否则他们将成为无源之水、无本之木,在舞台上就会出现做作,没有真正的感染力,只能符合生活中的特殊需要,不符合艺术的表现需要。对于上述情况,只有教师平时严格要求,时时注意,才能不断地提高、丰富自己的审美境界。从内心理解、分析作品的思想情感,提高歌唱与表演艺术的能力,使艺术在时空感方面得到声情并茂的构思、布局和变化,并设计其蓝图,使台上的表演与台下的观、听众融为一体。

三

脸和眼是人之心境和窗户,这是众所周知的,每个学习音乐艺术的人都应恰到好处地掌握它。音乐作品中的喜、怒、哀、乐、厌、恶等,都是用这两部分来表现的。表现得越淋漓尽致,出神入化,愈是让人赞叹。这就需要我们做教师的耐心地去训练、去引导。然而学生在平时更要重视对社会的观察、分析、研究、体验,去丰富生活,这样才能使其表演的歌曲内容不干枯、造作、虚假而浮浅,把作品所要塑造的形象,创造得丰润充实,生动自然,深切。常有“一生唱此曲,而不知此曲所言何事,所指何人,口唱心不唱,口中有曲,而面上、身上无曲,此所谓无情之曲。”①“声为情役,腔为情设”“情之所至,音之所生”。动人要先动情,所以作为一个歌唱者首先要有饱满的歌唱热情,即“未成曲调先有情”的情绪。也就是说,一首歌曲的感情体验,是从歌曲的局部分析和理解中入手的,如果只注意一些发声技巧问题,注意力没有集中到歌曲中去,这就很难表达歌曲的感情了。

总之,歌唱中的表演艺术是多方面知识的集中,声乐教师要做到这些,必须勤勤恳恳地去训练、培养我们的学生,尽量使他们在校期间多学到些知识,才能更好地服务于社会,对此我们应恳切地说:“这是我们教师的一种责任、法则和规律,也同样是职业道德。”如不了解这一点,而只是在声乐教学中一味强调发声技巧、节拍、节奏、吐词、咬字等,就像只教其磨刀,而不管其砍柴一样顾此失彼,以致我们的教学走向无法完美、难尽人意的地步。因而,希望教师在教学中正确地处理好声、情、表演技巧之间的矛盾,以及上课与上台的辩证统一的关系,更好地促进我国声乐教学表演艺术的全面发展与进步。

第五篇：声乐教学呼吸方法

关于歌唱呼吸及几种吸气方法 歌唱需要气息，那是不是气吸得越多越好呢?朋友你一定有过这样的体验：因为担心气不够用，就吸进大量的空气，结果还是觉得气不够用，而且唱起来觉得憋得难受。这是因为气吸得过多过满时，呼吸肌肉群用力过多，造成肌肉僵持的缘故，也就是说气息吸得过多，会影响歌唱的正常进行。 这种积极、放松的状态，首先要有正确的歌唱姿势：适度抬起胸部，两肩松垂、颈部放松、两眼平视有神、面带微笑(一种发自内心深处的微笑)。保持这种姿势，通过下面几种吸气方法的学习，来体会正确的歌唱吸气。 (1)叹气式吸气： 叹气在日常生活中是很普通的现象，它是放松的也是向下的。它有利于吸气肌肉群的放松，以便更好的吸入气息。具体做法是先叹后吸，你心里主要想着叹气，而不是吸气。当气息随着“叹”被排出后，也就是呼气肌肉群的工作做完了，接着吸气肌肉群就会立即开始工作——吸气，这个循环是自动完成的。如果你脑子里想的是吸气，就会使你的吸气肌肉群总处于一种工作状态，无法放松，气息也就难以正常的被吸入。注意：叹到那里就吸到那里，不要人为地做强制性的动作。唱的过程中要保持叹气的感觉，每个乐句都是如此，形成良好的呼吸循环。 (2)闻花式吸气： 闻花式吸气方法容易使气吸得深，而且没有吸气时的抽气声和多余的动作，也较容易体会和掌握。闻花时，因花香使人的心情特别愉悦，辨别花香时又要求特别认真和用心，是一种既放松又兴奋的感觉。具体吸气时是：上身完全放松，腰围很舒服地向往松开，随即胸部也有舒张感，体内空间增大使气息很自然地流进去。这样的吸气既松畅又适度，吸后人很兴奋，胸有宽敞感。用这种吸气的感觉来歌唱，气息通畅，声音圆润。 闻花式可开口，也可闭口，闭口时嘴不能闭的太紧，太紧会影响进气的速度和灵活性。单纯练习吸气时，可采用闭口吸气。歌唱时最好自然张开嘴与鼻子同时吸气为佳。不论是闭口还是开口与鼻子同时吸气，最关键的是要体会气息流入体内时的感觉。 (3)惊讶式吸气 惊讶式吸气，就是利用人在惊讶时，生理作出的快速反映，达到快速吸气的目的。这种吸气既吸的快又吸得深，它能使呼吸肌肉群在瞬间完成收缩与放松的循环，能锻炼呼吸器官的快速灵活性。这种吸气也称为“喘气”。表现悲愤和激昂情绪效果较好。 以上三种吸气方法的学习和掌握，一方面可以通过做一些单纯性的练习，如快吸快呼，快吸慢呼，慢吸快呼，慢吸慢呼的练习;(它不是主要的，只是一种辅助性练习)。另一方面就是在演唱中去练习，这是主要的练习方法，因为纯生理性的吸气动作不与歌唱结合起来，歌唱所需要的那种深、松吸气就无法得到，也就是说，歌唱良好的吸气只有在歌唱实践中才能获得。 另外，还有一些根据歌曲情绪需要的吸气方法。如补气：它是在情绪连贯不断但又需要吸气时，在保存原有气息上补进一部分气去，使气息维持饱满状态。“偷气”：用在字多、曲调快时乐句之间的换气，动作要敏捷，吸气快而少。 歌唱呼吸中的气息保持和运用 唱歌的朋友都曾有过这样的体会：歌唱中经常感到气短、气不够用，越唱越憋，很吃力。这与不会运用气息和保持气息有关，虽然吸气吸的很深，但一唱起歌来，气息很快就浮上来了，或者是很快跑光了。那么，吸气动作完成后，应该如何保持和运用吸入的气息呢? (1)歌唱中要保持吸气状态 吸完气后，有一个瞬间的停顿，这是吸气后、用气前一个自然的短暂停顿，这个停顿造成了吸气和用气二股力量的对抗，用气时要尽量利用这种对抗力。它不仅可以保持气息的深度，还能使歌唱时气息均匀、流畅、持久。仔细体会一下，这种对抗实际上是一种吸气的保持状态。用吸甲I气状态演唱，只是一种感觉，其实谁也不能在唱的过程中还能吸进气来，但是就用这个感觉便可以达到保持气息的目的。这种状态能保证声音位置和气息的平衡，还能使气息保持一定的深度和畅通无阻，在演唱过程中，气息越是不够用，就越是要保持这种吸气状态。 保持吸气状态歌唱的练习 首先做做无声练习，吸完气后，把舌尖轻轻触下门齿，发出“丝丝”声，一口气吐得时间越长越好，要求呼出的气息要均匀、平稳和慢，让“丝丝”声强度一样，不可忽强、忽弱，呼气越慢越长，就越能体会到呼与吸的对抗作用，和气息需要有意识控制的力量。传统声乐有一种利用吹蜡烛练气的方法。将一根点燃的蜡烛置于前面，吹蜡烛时，不许将蜡烛吹灭。要求慢慢把蜡烛火苗吹向一个方向，且火苗要平稳，摆动幅度不能大。练习后，如果自己的后腰和腹部有酸痛的感觉，说明你找到了呼气时对抗或者说是控制的正确感觉。 (2)歌唱中保持叹气状态 歌唱中容易出现的气息不够用和憋气现象，除了与吸气状态保持不住有关，还有一点就是与气息不放松有关。歌唱中气息需要被控制，以保持气息通畅持久的使用。但如果气息被过份的控制，则会引起呼吸器官、呼吸肌肉群僵硬、不灵活。导致气息无法通畅，难以持久。怎样做到吸入的气息既能保持又不僵呢?最好的办法就是放松和叹气。这里所说的放松是对过份僵持而言的。叹气是指用叹气的感觉，而不是把体内的气全部呼出去。叹气动作是我们生活中的习惯动作，人人都会做，而且比较容易找到放松的感觉。在积极兴奋的气息保持中，不可忽略运用叹气的感觉来歌唱，这样，气息不仅有深度，也自然、放松、流畅。在使用叹气状态进行歌唱时，要注意声音不要脱离呼吸，否则就会气声脱节、难以保持住呼吸了。也就是说演唱中的叹气状态是和保持吸气状态同时存在的，那一方都不能缺。它们使气息的呼出既能保持但又不僵，既放松但又不是呼吸肌肉群的完全松懈。这种呼气方法也称作“揉气”。意思是指：吸入胸腔的气息，被腰、腹部的肌肉群犹如揉面似的慢而有韧性地向外“揉”出。保持叹气状态歌唱时，如果你感觉腰腹部膨张而不僵，胸部扩展而不憋，气息有控制的流出，这时，你的感觉就基本上对了。继续巩固这种感觉。

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