声乐演唱中的心理调整

第一篇：声乐演唱中的心理调整

浅谈声乐演唱过程中的心理调控作用

内容摘要：演唱者在演唱声乐作品时，部在有意或无意地进行着心理对演唱技法和歌唱情感的控制。在演唱中如何利用心理的调控作用来提高演唱技能。增强歌唱情感的表现就显得格外重要。本文就声乐演唱过程中的心理调控作用谈一下本人的看法。

关键词：心理调控歌唱技术情感表现心理过程个性特征

一部声乐乐谱，无论它有多么详尽，也都无法确切地体现出人类情感的细微变化和色彩差异。这就需要声乐演唱者的再次创造。这个创造过程必然会包含一定的、内在的心理成分，即心理调控。它直接影响歌唱技术的好坏和歌曲情感的表达。在这里，歌唱过程的心理调控包括对歌唱声音和动作的心理调控，也包括勾画艺术形象时必要的情感表现的心理调控。这时，个人的审美、主观感受和认识都对其心理调控有着一定的制约作用。

一、对歌唱声音和演唱动作进行心理调控

声乐演唱的声音、动作都是由一系列的生理反应引起的心理反应，再由心理反应来调控人的生理动作，最终完成这一过程的。对声音的调控表现为对音高、音强、音值、音色等的感受能力;对演唱动作的心理调控主要包括对演唱姿势、呼吸动作、咬吐字动作等一系列动作的心理调控。

1、对歌唱声音的调控

对音高的调控主要依赖于个人音准的心理感受。歌唱者并非都对声音的高低有着天生的灵敏度。有的歌唱者视唱和歌唱时音准都不错，但听辨音高时却显得较差，有的相反。还有的学生由于歌唱技术问题也会出现跑调的现象。前两种情况需要歌唱者刻苦训练，提高对音准的感受能力。后者则需要提高歌唱技术能力，多听多练。

声音强弱的调控是建立在较好歌唱技术水平的基础之上的。因为如果是初学者，则对弱音的调控能力就比较差。首先，表现在拍子的强弱调控上。二拍子、三拍子、四拍子、六拍子等的节拍强弱规律都有不同，这时就要依照作品的节拍对强弱进行心理的调控。再有，每首声乐作品由于所表现的内容不同，有时也会有一些渐强、渐弱、突强、突弱等不同演唱要求，这就更需要歌唱者加强心理调控的能力，准确无误地表现作品。

对音值的调控非常重要。一组音由于有了音值的长短才组成了美妙动人的旋律。有不少声乐学习者都有不同程度的拖拍、抢拍、少拍现象，有的与伴奏者配合不到一起。其中绝大部分都源于心理上对音值的调控，“心理节拍”的不准确造成的。准确的“心理节拍”和恰到好处的音值长短会使歌曲显得更加生动形象。

对音色的调控是表现作品艺术形象的重要手段。声乐作品风格多样，同样也就要求歌唱者在一定范围内调整和变化音色。江南水乡的歌曲细腻委婉，演唱时音色就要甜美、秀气;陕北地方的歌曲豪爽大气，音色就应调整为明亮、高亢。同时，表达不同情感时也要及时对音色进行调整，哀求时的音色、悲伤时的音色、愉快时的音色、发怒的音色都应该有所不同。像我国著名的声乐表演艺术家郭兰英就很善于利用不同的音色来再现不同的艺术形象。

歌唱是表现美、传播美的声音艺术。一个歌唱者，无论他(她)的技术多么高超，如果不去重视和表现声音色彩，那么他(她)就是为了炫技而歌唱，其歌声就会缺乏生命力，也不能使观众得到美的享受和心灵的满足。

2、对歌唱动作的心理调控

首先，歌唱时的站立姿势十分重要，站姿的正确与否对声音的好坏有着很大影响。不仅仅是视觉上的美感，更重要的是，错误的站姿会直接影响声音技巧的发挥。如：双肩高耸、头部过仰、下巴紧张、双脚重心偏移等等这些错误的站姿，会使声音出现卡、撑、挤、喉肌过于用力、气息上浮等问题。同样，解决歌唱中某些问题时，脚跟向下使劲可以使气息扎实。歌唱时，对歌唱姿势进行细致的心理调控，避免不正确姿势的出现以影响歌唱时声音的正常发挥。

对歌唱咬、吐字动作的调控也非常重要。歌唱者演唱一首歌，最重要的是要让听众清楚歌曲的意思，即听懂歌词。这样才能准确地表达歌曲的内容、情感、从而感染听众。要有意的对咬、吐字动作进行调控：字头要清晰、宇腹要饱满，字尾要归韵。有的歌唱者将“阳”唱成“昂”;有的由于方言的影响，将“来”唱成“奶”。前者属于字头不明显，后者是字头错误。还有的将“黄”唱成“欢”，未将字归韵。这些错误都可以在心理的调控下避免。有时，咬、吐字的轻重调节还可以直接反映出歌曲的情感色彩。

二、对歌曲的情感表现进行心理的调控

在歌唱过程中，为了刻画出生动的艺术形象，需要借助于心理对情感表现的调控作用。它还与歌唱者个人的审美观、主观感受和认识有密切的关系。

首先是歌唱者对歌曲作品内容和内涵的理解，理解必须是多面的、深入的，这是其基础。然后在心中勾画出逼真的景象或人物形象，这就需要演唱者有丰富的幻想力。了解了作品内涵，有了逼真的幻想，再用精湛的歌唱技能和美妙的音色，将歌声传达给听众，使听众也进入到歌者所营造的情景当中，故而产生共鸣。

这就需要对歌曲的情感表现进行心理的调控。例如我国著名声乐表演艺术家郭兰英在演唱《人说山西好风光》时，“展开想象，调动记忆中自己生活过的家乡和其他去过的地方的印象，心中描绘出一幅幅图景时，„„把客观自然的美移到自己的情感中，即景生情、情再具象为景，从而涌现出一个崭新的意象。再通过相应的技巧、手段、把情、景的想象转化为音乐形象并外射出来。”她将歌唱的情感表现建立在景观的幻想之上，“去创造只可意会不可言传，难以形容却动人心弦的情感、意趣、心绪和韵味的美，达到了心灵与自然的契合，从而使观众在情景交融的氛围中去体味，延伸至那更深、更浓重的美。”可见，想象的合理以及丰富程度直接影响着情感表达的尺度。又如郭兰英在演唱歌剧《白毛女》中“哭爹”一段时，她“联想到旧社会贫穷农民卖儿卖女，父母儿女硬被拆散、生死离别的痛苦，内心视像中描绘出一幅悲惨的图景”，在这种联想之下进入角色，赋予角色生动鲜活的情感表现，激发人们心中对喜儿的同情和对地主阶级的憎恨。正如德国著名女高音歌唱家汉姆波尔(1885-1955)所说的：“用你的心儿去歌唱”那样，歌唱的情感表现依赖于歌唱者的心理感受，只有先想到才有可能做到对歌曲情感表现的心理调控。

由此可见，心理调控作用于声乐演唱的始终，甚至作用于演唱的准备工作中。歌唱的心理过程和歌唱主体个性特征是一个紧密联系、不可分割的统一体，歌唱主体个性特征是歌唱的心理过程形成并发展而来的，而个性特征又调节着心理过程的进行并表现着心理过程。这也正是由实践到认识，再由认识到指导实践的过程。在演唱声乐作品时，只有遵循这一规律，准确地把握和理解歌曲的内涵，才能将作品演绎得更加出色。

参考文献：

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2、邹长海著《声乐艺术心理学》人民音乐出版社200

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3、赵梅伯著《唱歌的艺术》上海音乐出版社200

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4、薛良著《歌唱的艺术》中国文联出版杜199

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5、李晋玮李晋瑗编著《沈湘声乐教学艺术》华乐出版杜200

3、2

第二篇：谈谈声乐演唱中的呼吸

声乐是指用科学的发声方法，发出优美嘹亮的歌声，又用歌声透过音乐化了的文学语言，生动地塑造不同乐曲中的人物形象、描绘歌曲意境、表达歌曲思想感情的音乐艺术。因此，作为一名歌唱学习者，就要掌握一套科学、卫生、完整、有效的发声方法，了解发声器官的构造和发声的基本原理，并通过不断的实践，方能把自己的歌唱乐器打造成一件优质品。 关键词：音乐艺术,歌唱,演唱中的呼吸

声乐是指用科学的发声方法，发出优美嘹亮的歌声，又用歌声透过音乐化了的文学语言，生动地塑造不同乐曲中的人物形象、描绘歌曲意境、表达歌曲思想感情的音乐艺术。而声乐的乐器不象小提琴、钢琴等乐器那样定型，它就是人体本身，它需要在演唱的过程中，根据不同的歌曲风格和感情的需要，不断地调整呼吸的强和弱、共鸣腔体的大与小，并掌握适度的紧张与放松，方能发出高质量、完美的歌声。因此，作为一名歌唱学习者，就要掌握一套科学、卫生、完整、有效的发声方法，了解发声器官的构造和发声的基本原理，并通过不断的实践，方能把自己的歌唱乐器打造成一件优质品。而在整个演唱过程中，呼吸已成为重要的基础，是歌唱的生命。

(一)呼吸器官的组成

人体的呼吸器官，包括鼻、口、咽、喉、气管、支气管以及肺。其中口、鼻、咽、喉、气管等是吸入和呼出气息的通道;肺是储存气息的一个器官，存在于人的胸腔中，其外部由肋骨及控制呼吸的肌肉群等组成。肺本身是不会进行独立呼吸的，它是靠控制呼吸的两组肌肉群的扩张和收缩来完成呼吸运动的。论文检测。在胸腔下部存在着横膈膜，它的形状类似于倒置的碗，吸气时横膈膜下沉，胸腔扩大;呼气时横膈膜上升，胸腔缩小。

(二)歌唱状态下的呼吸特点

日常生活中的呼吸与歌唱状态下的呼吸有所不同：日常的呼吸只是一种自然的、下意识的本能运动;歌唱的呼吸主要靠肺的底部的最大扩张，是一种有意识的、有一定深度、经过训练而形成的运动。歌唱时，吸完气后仍要保持吸气的状态，胸部不能很快地塌陷，然后再缓慢地、有控制地把气呼出。当然，这要经过长时间的训练，用意志来控制呼吸，才能形成吸气肌和呼气肌之间相对平衡的对抗，从而产生稳定的、优美的歌声。论文检测。

(三)科学、理想的呼吸方法

通常所使用的呼吸方法有三种：上胸式呼吸、腹式呼吸和胸腹式联合呼吸。其中胸腹式联合呼吸法是目前所公认的最科学、最理想、最符合生理机能而被普

遍采用的一种呼吸方法。其训练方法有两种：(1)快吸慢呼法。你可以想象为突然间受到一种惊吓而倒吸一口气，然后就“站定”在这种状态上，腹部保持一种内外力量的对抗，稍后将气息慢慢吐出。这时横膈膜也得到了一定的锻炼，有了一定的支撑作用。做此练习时要注意胸部的动作是自然提起的，不要有僵硬、紧张的感觉。(2)慢吸慢呼法。你可以想象为远远地飘来一缕花的清香，你自然而然地去吸闻，这时两肋与腰间肌肉就会向四周扩张，然后保持这种状态，将腹部以下肌肉放松，慢慢吐气。论文检测。做此练习时要注意吸气的自然性，不要过于做作。

呼气时，一定注意吸气后不要马上吐气，仍要有意识地保持吸气时的状态，胸部不许塌陷，要感觉到吸气肌肉群将气息有力地吸入到肺的下端，气息有了一定的落点和支点时，即我们平时所讲的“气沉丹田”，再慢慢地、有控制地放松吸气肌群，腹部肌肉紧张度逐渐松弛，使气息均匀、连贯地呼出。这样就会使呼气更加平稳而有力、均衡而有控制。

(四)常见的呼吸问题及解决方法 有这样一句名言：“只有懂得怎样呼吸的人才能歌唱”。由此可见，呼吸是歌唱发声的基础和重要环节。呼吸只有处于最自然、最深部位的状态时，歌唱者才能全神贯注地投入到歌曲的演唱中，才能进入作品风格的展现和艺术创造的状态中。而现实中很多演唱者由于呼吸上存在着这样那样的问题，无形中阻碍了自己的音乐表现力。常见的呼吸问题有以下几种： (1) 漏气的问题

歌唱者吸气后，由于自身对气息的控制能力较差，或者意念上的“保持吸气状态”的意识不强或有所松弛，所以在发声前往往先把吸入的气息松掉，或者在发声时同时呼气，这样就造成了气不够用或所谓“沙声”的现象。

解决方法：首先要在意识上有所加强，同时加强对气息的控制练习，保证吸入的气息有一定的停留感，声带要闭合。

(2) 吸入的气息位置浅的问题

在歌唱中，由于歌唱者吸入的气息没有沉入底端，胸腔没有扩张，横膈膜没有下沉，导致吸入的气息量不能支付歌唱的需要，从而出现“僵硬”或喉部拼命用力而使声音“挤”、“卡”或“抖动”的现象。

解决方法：要把意识集中在“吸”上，有意地加强吸气时的深度和力度，呼气时仍要注意保持吸气的状态，腹部不要软弱无力，注意吸气肌肉群和呼气肌肉群之间力量的平衡。 (3) 用日常的呼吸状态去歌唱的问题

由于歌唱者混淆了日常状态下的呼吸与歌唱状态下的呼吸之间的关系，用平时的呼吸状态去唱歌，而使得歌声出现“白”、“喊”、“虚”的现象。

解决方法：认识歌唱时正确的呼吸状态，加强肌肉控制气息的能力，解放喉部肌肉，学会适度的紧张与放松，增强共鸣的感觉。 米兰的一位著名声乐大师曾说过：“好好唱，怎样舒服，就怎样呼吸”。在呼吸方面，强调了自然性、流畅性，而不应该是过分的、僵硬的。呼吸是歌唱的基础，是非常重要的，但是需要强调的是：正确的呼吸只是一种手段，还要与其它条件如咬字、共鸣等相结合，才能最终获得良好的、自如的声音，而不能说“呼吸决定一切”。所以，在演唱的过程中，一定要做到各方面条件的有机结合，才能唱出最美、最动听的歌声。

第三篇：论声乐演唱中的情感表达

淮安市淮阴区棉花中学 223300 张翔

【内容摘要】：歌唱艺术是以人声来表达，而声乐演唱中的有声有色关键就在于对作品的理解程度有多深，其次就是赋予歌曲恰当的情感因素;它主要是指由歌唱演员怎样将声乐作品变成有声、有字、有情、有形、一种绘声绘色的创造性艺术性表演活动。如何充分理解声乐演唱中的“有声有色”可以说是演唱者能否把握的艺术生命。本文重点通过对《晴朗的一天》的分析和演唱以及情感的表现来谈声乐演唱中声音与情感的运用。

【关键词】： 分析作品; 演唱处理; 情感表达; 有声有色

声乐作为一门艺术，最显著的功能就是抒发人类的感情，表达人类的思想，故也称情感艺术。它以演唱或演奏为中介，使音乐形成一种“流动的建筑”并展现在听众的眼前，直接作用着听众的感情，使之产生想象和联想，从而达到理解和共鸣。当今，许多参加声乐高考的学生只注重声音技巧的训练，不断的追求高音、追求声音的宽度，而不去琢磨歌曲的内容，忽略歌曲的艺术内涵，这样就算把歌曲唱出来，声音也不动听，也不会感染人。那么如何才能要唱好一首歌?如何把作品处理的“有声有色”?

首先要有准确的理解，然后才是正确的处理。演唱者首先要对作品内容进行全面深入的了解，如作品的时代背景、音乐风格、故事内容等，同时要对歌曲的整体内容、歌词内涵、旋律线条、曲式结构、力度、色彩、节奏、和声调性等方面进行分析，也不能忽视伴奏部分，对任何一个音符和表情记号都要认真对待，然后用与内容贴切的歌声艺术传导给听者，使之能充分领会并为之感动。 其次重要的就是情感问题，声乐艺术的魅力与美感是取决于演唱者的情感表现，只有优美的嗓音和发声技巧而缺乏情感的准确依据与生动的表现，演唱者就不可能完成声乐艺术的创造任务，那么在演唱中也无法取得理想的效果。声情并茂的歌声是给予欣赏者一种心理上的满足，是演唱表现最佳效果的体现，也是演唱审美的最高境界。因此，学习和研究科学的发声方法、掌握发声技巧，运用一切手段，使演唱者得以随心所欲地运用演唱技巧去表现歌曲情感是必不可缺的。为了更好地表现歌曲的情感及歌声更具有感染力，必须借助联想和想象，从歌曲创造的整体意图到细微的情感变化发展，了解全曲各部分的内在关系和歌曲传达给演唱者的各种情感信息。从而使演唱中的情感表现生动地刻画出歌曲表现的艺术形象。

声乐演唱的声音与情感，可以说是演唱者能否把握的艺术生命。这几个字虽短，可仔细挖掘分析来看，我们可以发现这四个字赋予了更多的艺术内涵下面我们从作品《晴朗的一天》的分析和演唱中来剖析声乐演唱中的“有声有色”。具体分为：

一、了解作品所处的时代背景

歌剧《蝴蝶夫人》是19世纪末20世纪初意大利最杰出的作曲家普契尼根据贝拉斯科的同名改编而成，这部歌剧深刻地揭示了日本妇女“蝴蝶夫人”的爱情悲剧。《晴朗的一天》是歌剧第二幕蝴蝶夫人唱的一段咏叹调，蝴蝶夫人的丈夫平克尔顿是一个美国海军上尉，平克尔顿离开日本回国时答应第二年春天玫瑰花开、知更鸟做窝时就回到蝴蝶夫人身边。然而，平克尔顿一去三年，渺无音信，蝴蝶夫人并不知道她的丈夫已抛弃了她，娶了一位美国夫人，更不知道命运将会给她带来何等悲惨的结局。她怀着真诚的爱情和热情的期待，等待她的丈夫归来。《晴朗的一天》这首著名的咏叹调就是表现蝴蝶夫人幻想中她的丈夫归来的那一天。作曲家在其中运用了宣叙调和咏叹调的互相对比、相互结合的手法，深刻地揭示出蝴蝶夫人内心的炽热感情和盼望丈夫早日归来的迫切心情。尤其将东方女性内在、羞涩的心理刻画的细腻而传神这首咏叹调开始时是四三拍，很安静的行板，抒情的旋律，细腻地提示了蝴蝶夫人心灵深处对幸福的向往。

二、深入作品的分析

歌剧是以歌唱艺术为主的综合艺术形式，歌剧中必然会有合唱部分，它在描绘意境、创造环境气氛、刻画群体人物的心情和剧情矛盾冲突方面发挥着重要作用。一个歌剧、歌曲演唱者为了演好自己在歌剧中的扮演角色，除了对唱段内容进行分析、理解处理之外，还要对整部歌剧的故事情节、人物关系及种种矛盾在事件中的发展以及自己扮演的角色在剧中的作用等进行分析，以便更准确的把握戏剧发展。

通过各种分析，可以对剧中人物有整体全面的认识，以便把握分寸、准确生动的塑造人物形象。对于歌剧要先丛剧情角色等方面进行分析，目的是为了使歌剧表演者能很好的掌握戏剧发展的层次与节奏，使演员的表演逐步进入角色。但是，作为一个声乐表演者对作品内容分析只是作品“二度创作”的准备工作中的一部分，而对于歌剧作品音乐部分的分析则显得极其重要，因为歌剧是以歌唱为主的戏剧。

① 整体曲式结构

以《晴朗的一天》为例，这首咏叹调是中部分段展开，并有较为长大的尾声的单三部曲式，请参看下列简单结构图例：

A B Aˋ 尾声

(1——8) Ⅰ(9—18)Ⅱ(19—37)Ⅲ(38—48) (49——56) Ⅰ(57—62)Ⅱ(63—70)

② 各乐段的分析和演唱 A乐段

(1—8)歌词意分两个层次：睛朗的天空，遥远的海面是自然景观，是相对的静态的;一缕清烟，一只军舰出现是客观的动态。音乐的四个乐句也是由高音区走向低音区，呈波浪式下行。在演唱的处理上要用极平稳的弱起音，声音好像从遥远的海面上飘过来一样，生动地表现出一种由远而近，由静而动的画面来。分句要明确，同时声音又要十分连贯，强弱的分寸要把握准确，声音结束在段落结尾的弱音上。如图示1—2—1

《晴朗的一天》出现因为在第二幕里，一开始就是：“当晴朗的一天⋯⋯”，我觉得不是很好。因为单从“当晴朗的一天”这句开始唱，情绪变化不突出，常让人误解成巧巧桑站在山坡上对着大海抒情，殊不知在这之前她的情绪是非常激动的，她生气铃木对平克尔顿失去信心，说：“他会回来的，你哭了?为什么?为什么?你缺乏信念!” ，巧巧桑是带着对未来的憧憬，充满幻想地说：“你听⋯⋯”她将视线从铃木身上慢慢地转向大海，深情地眺望远方，从心里唱出：“当晴朗的一天⋯⋯”由于这首歌的主要表现部分都在歌曲的旋律之中，因此伴奏是和演唱者同步弹奏主旋律，为的是突出音乐主题。

B乐段(9—48)分三阶段展开。

BⅠ(9—18)是从客观的动态描绘向主观的人物形象过渡。白色的军舰慢慢驶进港湾，舰上礼炮齐鸣靠近岸边。这两句歌词的曲调到了两次向属方向的转调，连续的转调增加了音乐的动力感和色彩的明亮度。在18小节处转回到降b小调，引出温柔多情的蝴蝶夫人。如图示1—2—2

(见表情术语(dolcemente—温柔地)。在演唱的处理上BⅠ的起句仍用弱声唱出p的力度，然后逐渐向f层层推进，注意15小节处是BⅠ段的高潮，演唱要有热情。在17小节情绪转换温柔的表情，同时力度减弱。把握从p—f—p的力度强弱的分寸是十分重要的，掌握好情绪转换时的对比会增加戏剧性的效果。

BⅡ(19—37)是从人物形象过渡到人物内心表现的阶段。BⅡ又分为前后两个大乐句，前句8小节(19—26)音乐第一次发生节拍的变化从3/4拍变为2/4拍，歌曲中的同音重复与音程的大跳，形象地表现出单纯、痴情的蝴蝶夫人急切等待的心情。后句(27—37)两小节的切分音型引入后面的切分和弦伴奏，使音乐逐渐开始活跃起来，想象中的身影朝蝴蝶夫人走来，这人很可能是她日夜思念的丈夫，她的心情开始激动不安，音乐终止在f小调的属和弦上，有一种明亮的色彩，预示着一种希望.如图示1—2—3

BⅡ作为展开的中间环节，要把握好表现的分寸，使中间过渡显得自然，演唱时多用说话的状态，大跳的地方声音位置要上下统一。27小节虽然声音是弱起，但要有内心的热情，细腻地表现出想象中平克尔顿出现在眼前的那种心情。

BⅢ(38——48)转为4/8拍，节拍的分割和同音的重复，表现出一种紧迫感。朗诵式的旋律插在伴奏的空隙中，富于戏剧性，生动的表现出内心期待即将实现的那种急切的心情。BⅢ是临近全曲第一个大高潮的准备阶段，也是中部层层深入，逐渐积累能量的最后阶段。这种能量的释放，是

通过再现前大幅度的力度对比，把藏于内心深处的情感像火山爆发一样在再现那一瞬间迸发出来，掀起全曲第一个大的高潮。在处理上，声音演唱同伴奏部分都要注意弱音的控制，特别是ppp的效果，这不仅是为高潮的出现作准备，同时也是达到音乐上戏剧性对比的需要。 如图示1—2—4

在唱到第38小节的“他是谁?他是谁?”的时候，表现既要激动又平稳，用近似说话的读白方式来演唱，与后面再现那种全身心的歌唱形成鲜明对比。 Aˋ乐段

(49—56)虽然是原样再现，在表现上与前面的A(显示段)有着完全不同的意义。如果说前面的A(显示段)是一幅客观的由远而近、由静而动的生动画面，Aˋ的再现则是主人公主观情感的抒发，像决堤的洪流奔腾而出，一泻千里。在演唱的处理上，要做到淋漓尽致，用足够的音量来表现音乐的完整性、辉煌性。

尾声

(57—70) 表现出一波未平另一波又起，再一次掀起情感的波澜，几乎是呈直线上升状，声音以ff的力度直达高潮，主人公用近似喊叫的声音，满怀期望，呼唤着幸福的未来。然而这种期望的信念越强烈，距离现实就越远，悲剧的力量就越大。当唱到“满怀着忠诚的信念再相见”音乐达到最后高潮，悲剧的力量催人泪下。如图示1—2—5

歌曲的最后两句是全曲的高潮，表现出巧巧桑的坚定信心。伴奏部分出现急速的颤音，与歌曲的开头首尾呼应，左手一开始是切分节奏，形成一种向上的推动力，深切的低音加强了坚定的力量，同时也能给演唱者力量，为最后的冲刺作准备。当巧巧桑的最后一个高音在延长的时候，伴奏以fff力度弹出“当晴朗的一天”的旋律，以再现的手法突出了巧巧桑的主题，加强观众对全曲的印象，帮助演唱者的情绪能合理地进行与升华、消退，因此，尾奏是歌曲情感的余波。

普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》是世界歌剧宝库中的精品，而《晴朗的一天》这首著名的女高音咏叹调又是这部精品中的精品，是西洋歌剧选曲中上演率最高的作品之一。对于这首咏叹调的演唱者来讲，只有通过深入的分析和理解作品，全面地把握作品，才能被音乐深深地打动，也只有这样，演唱者才能完美地表达作品，才能打动观众，使观众得到完美的艺术享受。

三、注意歌曲中的表情术语

在歌曲的演唱中，曲谱上的表情术语具有直观性，理解表情术语的含义可以对我们的声乐演唱具有辅助性的提示作用，因为表情记号丰富是一首歌的一大特点，一会儿慢，一会儿快，一会流动一会绵延，一会儿热情洋溢，一会儿柔和甜美，渐强马上又渐弱等等，因此我们同样不能忽略其作用。

四、要善于运用音乐充分展开联想和想象

音乐亦是艺术，艺术就要有这个想象的思想。想象在对声乐作品进行“二度创作”的过程中，不但能帮助演唱者在思想上作好发声准备，而且总是首先在脑海中出现一幅画。想象往往是开启演唱者灵智的钥匙，它能丰富感情激起情趣、促进行动，使演唱者更加忘我地投入地演唱。

五、赋予作品恰当的情感

情感艺术是声乐艺术的生命，声乐艺术的目的是精神的体现，这充显示了情感在歌唱中的重要作用，而歌唱的最理想的境界，则足以情带声、声情并茂。

音乐是人的感情的表达，声乐是用人声演奏的音乐，所以感情的表达最为直接。而最直接的表现最自由，且最易感染人。作为一个好的演唱者应该认识情感在歌唱中的地位，在其演唱时，让自己置身于歌词创作的情境中去，深入体验，为其感动、为其感染，真情流露作品中的感情，并且自己还要经常深入生活、观察生活，积累感情素材，并进行艺术处理与作品的情感相符。

总 结

中华民族灿烂历史文化长远悠久，音乐同样是这个古老文化的组成部分,而是声乐艺术又是民族音乐中重要的内容。一首好的作品需要优秀的词曲作家来创作,更需要出色的演唱者用心去理解去分析，运用情感进一步演唱,这样才能充分体现出歌曲的内涵与意境。我们只有很好的进行分析和理解，处理好演唱情感的关系，当然这也是需要一定的专业水平才能做到的，只有这样才能使声乐作品更好的呈献给广大的观众及听众，使声乐艺术得到更加广泛地传承和发展。

参考文献：

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[4]钱仁康、钱亦平：《音乐作品分析教程》，上海：上海音乐出版社，2001. [5]于润洋：《西方音乐通史》上海：上海音乐出版社，2001年 [6]《高师声乐教学法》张婉编著 广东高等教育出版社 2004年

[7]罗宪君∕李滨荪∕徐朗：《声乐曲选集》，北京：人民音乐出版社，1986年 [8]周小燕：《声乐基础》，北京：中央广播电视大学出版社，2004年 [9]杨立岗：《声乐教学法》，上海：上海音乐出版社，2007年 [10]《歌唱的艺术》赵梅伯著 上海音乐出版社2004年

第四篇：钢琴伴奏在声乐演唱中的作用论文

伴奏是音乐创作的主要组成部分，而在声乐作品演唱过程中的作用尤显重要。声乐作品的演唱者的确占据主导地位，但钢琴的伴奏与别的伴奏乐器比较，其优点是不能相比的。钢琴伴奏在声乐领域里叫做coach，它在声乐演唱中起着艺术指导的作用。以钢琴伴奏角色参与声乐教学与歌唱活动，提高演唱者水平，加强演唱者对音乐的领悟能力，指导演唱者进行舞台实践的学习，以达到培养演唱者整体专业能力提高为目标。钢琴伴奏是作为一种特殊和独立的声乐表演艺术形式，其主要目的是协助声乐演唱，能够妥善处理演唱中的各种情况，这是更侧重于歌者默契配合中呈现的艺术内涵。

一、钢琴伴奏与声乐演唱之间的联系

著名的小提琴家林耀基先生曾经说过，“钢琴伴奏像水，合作者像船，水能载舟，亦能覆舟。”。此话正好说明了声乐伴奏和视唱是分不开的，它们之间是互助的。声乐伴奏是时间和空间的艺术，钢琴演奏是经由时间来显示着它的音符。声乐演唱则是由歌词和音乐来显示它。音乐伴奏是一个有机组成部分，不仅使伴奏乐曲与演唱部分交融，音乐内容可能会得到一个很好的展示。一直以来，人们用“红花绿叶”来形容声乐与伴奏的联系。换句话说，人们会觉得声乐钢琴伴奏是陪衬声乐，事实上，钢琴玩家在使用他们的音乐技能诠释声乐作品正确的含义，再加上歌手通过音乐表演展示音乐风格。音乐在人类历史上，器乐的诞生，虽然晚于声乐，但是当仪器的阵列已经登上音乐舞台，先与声乐亲密联系一起，声乐伴奏是最早实践，实现了自己的价值，自己存在的表达方式。一首歌被雕琢成完美的作品，由歌手和伴奏者的共同努力，配合默契，达到了旋律和伴奏里你中有我，我中有你，完美的和谐。因此，声乐伴奏和声乐歌手之间是相辅相成的伙伴关系。

二、声乐演唱中钢琴伴奏的优点

(一)钢琴伴奏的多音性

大部分音域最广的现代钢琴由88键构成，包括钢琴范围的最高音和最低音组成，可以使用钢琴来展现。与此相反，通常音域如如弦乐器，吹奏乐器，唢呐等乐器，有五个八度和两个半八度音阶，音乐经由这些手段不能完全实现。所以最广泛音域的钢琴，有多音性的特性，不管是什么样的乐器搭配，演奏音域都在范围之内。

(二)钢琴伴奏具有强大的和声

和声是声乐现有技术的最常用的方法，并且经常被使用的，它主要是在各种声音的基础上依据一定的组织规则，形成多声部的组织形态。然而，并非所有的乐器都能演奏出完美的和声。比如，管乐器不能在同一块乐器上和声的演奏，弦乐器只能起到最大的两个音，但钢琴是不同的，它可以是在同一时间在同打10种声音，因此，和谐的效果，钢琴伴奏比任何其他乐器伴奏更多的优点，使得它可以更完美服务于演唱，使其表现力更加丰满。

(三)使用范围更广的钢琴伴奏

伴随着不断的发展和完善，钢琴所具有的功能和性能的影响也得到了极大的提高，并与现代人逐步增加对在钢琴教育的投入，钢琴开始进入公众生活的视野，钢琴伴奏也得到了广泛的应用和普及。在现代，钢琴伴奏受到作曲家和歌手的亲睐，很多声乐都是与钢琴伴奏分不开，大量的应用和不断增长的钢琴伴奏范围也使得钢琴的伴奏变得更有魅力。

三、钢琴伴奏在声乐演唱中的作用

一般来说，一个完整的声乐作品都离不开钢琴的伴奏，但很多观众在观赏声乐表演的过程经常忽视钢琴伴奏的影响力。

(一)提示作用

提示作用是其中钢琴伴奏的最根本的作用，在这个进程中，因为紧张或一些突发状况也许会影响演唱会终止，那么就需要钢琴伴奏着敏锐采取钢琴伴奏来提示演唱者，协助还原正常的演唱。不同场合的表演，提示也是不相同，整体可以分为色调和色彩提示，音色、风格技巧和提示，速度和情绪几种不同的钢琴伴奏技巧。在声乐进程中，主要确保的就是作品的调性，声乐歌唱的曲调和绘画色调选择的基调是相同的，只有能够确立调式才可以以扩大为目的的声乐表演，歌手也一定要把调性作为演唱的基本。但在实际唱歌进程中，很多歌手会离开主旋律，那么就需要一个完美的钢琴伴奏给予提示，以帮助他们回归主旋律。可以被看作钢琴伴奏的音调和颜色之前预备是很重要的。还有就是钢琴伴奏在色调和风格技巧。这一点，在声乐进程中，对钢琴的伴奏要求是很高的，通常风格和基调是由钢琴伴奏呈现的，这给观众展示出演唱即将开始，并告诉观众唱歌的风格和整体的风格，然后歌手按照钢琴伴奏的提示正式演唱。

(二)衬托及互补功能

要想完美地诠释出一部声乐作品，不仅需要歌手的完美演唱，也需要完美的钢琴伴奏，这两者相互联系，缺少任何一个表现都不能称为完美的声乐艺术表达。在声乐演唱，人声可以表达内心的感受和想法，但是不能表达出意境和形象，钢琴伴奏能够弥补这方面的不足之处，钢琴伴奏最突出的优点是可以生动地再现了画面，善于创造心情的音乐作品，这种互补性恰恰是声乐功能至关重要。

(三)在声乐演唱变化处的指导和加强作用

声乐歌唱的过程中是不断变化的，会有一个微妙的调整范围，这些调整的范围内，歌手可以适当作出调整，但此时钢琴伴奏可以起到联系和指导的作用，这种影响主要表现在钢琴伴奏的速度和情绪变化的指导作用。演奏时，可以使用间奏来调控速度，经由钢琴的伴奏来控制速度。例如，在有些伤感的地方，钢琴伴奏可以有意减缓速度，让悲伤的气氛得到充分的渲染，进而有效地引导观众进入作品的情感氛围。其次，在钢琴伴奏音调变化的指导作用。大家都知道，人声歌唱的声音属于单身部类别，而钢琴伴奏则属于和声部的范畴，有时歌曲在调性变化时，只对人声的部分依靠识别是有一定难度的，但伴随着钢琴的伴奏，这个时候，可以预测调性，识别语音，通过钢琴伴奏多部分的支持，快速帮助艺术家捕捉音调。最后，钢琴伴奏以及力度上的作用。有时愤怒的声乐作品或紧迫是人的声音不能被解释的，因为大多情况下人声力度的转化是有限的，钢琴伴奏可以很好的发挥自己的独特优势，加强演唱更好的声音表现效果。

结语

声乐演唱和钢琴伴奏的关系非常密切，两者相互联系，相互促进，进而产生独特的默契，一首声乐要想表现的非常淋漓尽致，是离不开钢琴伴奏的，但是往往又有不重视伴奏的这种情况，所以要避免这种情况的出现，将音乐风格和艺术魅力全面的体现出来，以创造更高的声乐境界，带给观众听觉盛宴。

第五篇：浅谈奥尔夫教学法在儿童声乐演唱中的应用

摘 要：在物质文明快速发展的社会，人们开始追求精神上的满足，音乐作为一种精神产物，成为人们生活学习中的一种重要的形式与学科。越来越多的儿童与青少年加入到声乐学习的行列之中。奥尔夫音乐教学法以一种鲜活的生命力丰富了音乐教学。通过自己的理解与实践，把奥尔夫音乐教学法融入到儿童声乐课中，使儿童在歌唱训练中快乐的享受音乐的同时，又能获得正确的歌唱技巧。

关键词：奥尔夫教学法 儿童声乐教学

一、奥尔夫音乐教学内容与方法

奥尔夫音乐教育不仅是一种“和动作、舞蹈、语言紧密结合在一起的”教育，同时还包括歌唱、表演、即兴创作等内容的综合教学。一般将其分为音乐、动作与舞蹈、语言三大类。

但是在教学实践中，这三类不是独立存在，而是紧密联系在一起的。教学方法主要是采用集体教学，在教学中，强调的是“过程”，引导、启发学生积极参与、创作，关键是强调学生的体验和探索。遵循探索-模仿-迁移-即兴创作的原则。

但是，并不是固定的某种方法或某个音乐就是叫奥尔夫音乐教学法或者是奥尔夫音乐，只要符合奥尔夫的理念和原则的音乐就是奥尔夫音乐，符合他的理念的方法就是奥尔夫教学法。正如奥尔夫本人所强调的：“走遍全世界的，不是我为表明一种观念所写的《学校儿童音乐教材》，而是那个观念本身。”[1]所以，在不同的学科所表现的也不尽相同：奥尔夫教学法中动作与音乐结合可应用于孩子们的数学教学中。只要正确、系统地学习、研究、探讨奥尔夫教学法，取其精华，有机地与不同学科相结合，就会为我所用，使教育不断地发展与进步。

二、奥尔夫教学法在儿童声乐课堂中的运用

(一)运用在儿童发声技巧中的奥尔夫

1、呼吸

世界著名声乐教育家卡鲁索曾经说过：“一旦掌握了呼吸的艺术，学生也就算走上了客观的艺术高峰的第一步”。可见呼吸是歌唱的动力所在，也是歌唱的关键因素。

在歌唱训练中，我们亦可通过游戏的方式进行呼吸训练，用生动活泼的比喻，或者创设一个情境，使理论的讲授变得生动、易接受。可让小朋友想像一下自己走进了一个大花园，里面的花开的争奇斗艳，一阵微风吹来，阵阵清香扑面而来用这种情境诱导孩子“闻花香”，用最自然的状态体验了深呼吸。也可给他们讲述：秋天来了，田野里长满了蒲公英，让我们拿着蒲公英，把它们吹散吧!然后和孩子一起做深深吸气、吐气的动作。

2、练声

在成人声乐中，经常会用一些字母来练声，像a、i、u、mi、ma、mu等。可是在儿童声乐课中，“可不能像烹调一样，照着‘烹调法’烧菜、煮汤。”在孩子们的世界里，并不理解为什么要唱这些没有意思的东西，久而久之就会觉得歌唱很枯燥乏味。如果换成象声词，比如让他们模仿小猫、小鸭子、小鸡的叫声，孩子们则会兴趣盎然。

例如：

5 3 1| 5 3 1||

小花猫喵喵喵

1 3 | 5 3 |1?―||

喔喔喔喔喔

在奥尔夫音乐教学中，语言作为很重要的一部分应用到音乐教学中。“作为人声，它与歌唱在生理上和发生原理上有许多共通的东西”，“语言进入教学可以说是奥尔夫主张的‘适于开端’的教育观念的体现”，“这也充分体现了儿童教育的一个重要原则：从孩子熟悉的环境与事物入手。”[2]

(二)运用在教授儿童歌曲中的奥尔夫

1、创设情境，由故事引入

西方有一种“以学生喜爱和兴趣为导向”的理论[3]，也就是说由孩子们感兴趣的东西入手。孩子们都非常喜欢听故事，如果上课之前用生动的语言，夸张的动作和表情，绘声绘色的把歌曲中所描述的故事情节讲述出来，不仅能让孩子们兴趣倍增，还可以对理解歌曲的主要内容、情感表达有更加深刻的把握。

2、以朗诵导入歌词和节奏的学习

能把语言、动作、音乐融在一起的就是节奏，因此节奏训练就是奥尔夫教育内容和方法的基础。在歌唱中，音准和节奏是最重要、最基础的部分。而通过每个人都会的语言，来进行节奏训练不仅是非常有效地手段，将语言引入音乐教学还是奥尔夫在音乐教学中的一项伟大的贡献。

用孩子们所熟悉的姓名、生活的声音节奏进行节奏朗诵训练，如：

××|×××|××××|××|××××|

妞妞王小明欧阳雪莲走走跑跑跑跑

××××××|××××××|

刮胡子戴帽子真漂亮真可爱

这样，在学习歌唱的过程中，可以直接提示孩子们这一小节是“走”的节奏型，这一小节是“跑跑”的节奏型，这一小节是“刮胡子”的节奏型，这一小节是“扔手榴弹”的节奏型……

(三)运用在理解歌曲中的奥尔夫

1、用身?w感受歌曲的结构

活泼好动是儿童的天性，既然这是成长中的自然规律，我们更不能去抑制。可以利用这个规律让孩子用身体各部分的动作对音乐做出反应，这种即兴表演促进了学生的自我表现能力、反应能力、创造能力和想像能力。

通过这种方法可让孩子们根据不同歌曲旋律的高低走向、强弱变化、曲式结构用不同的动作做出相关的反应。当旋律上行的时候孩子们会用手臂往上划弧线，或者直接蹦起来;旋律下行的时候孩子们会用两个小拳头从上往下交叉旋转;每次开始时就是一个不同的动作;还可以提示他们觉得旋律一样或相同的时候，可用同样的动作表示。这样一来，孩子们会享受在其中，并在不断的创造新动作。在潜移默化中，对音乐的感知能力和欣赏能力有了进一步的提高。

2、图形谱

除了通过动起来去感知音乐，我们同样可以用视觉的手段――图形谱来进行听觉能力的培养。在进行歌唱的听力训练和音乐欣赏教学中，图形谱的引入，让孩子们对音乐的旋律、歌词一目了然，使得学习过程变得轻松、快乐。

在歌词和旋律的学习中，可以一个分句画一个图形或者符号表示，比如《国旗，国旗真美丽》里的歌词。我们就可以画一面国旗代表第一句，第二句用星星表示，第三句画一朵云彩，最后一句画一张小嘴，这样歌词就轻而易举的记住了。此外，可发挥孩子的主动性，让他们自己把听到的、学到的音乐画出来。[4]这样通过听觉与视觉相结合的方法，大大提高了学习效率。

参考文献

[1]李妲娜，修海林，尹爱青.奥尔夫音乐教育思想与实践[M].上海教育出版社，2011年9月

[2]廖乃雄.音乐教学法[M].中央音乐学院出版社，2005年7月第1版2009年11月第3次印刷

[3]沈湘.沈湘声乐教学艺术[M].上海音乐出版社，1998年版

[4]曹理，何工.音乐学习与教学心理[M].上海音乐出版社，2000年4月第1版2008年6月第4次印刷