美术作品特征

2024-05-12

美术作品特征（精选9篇）

篇1：美术作品特征

第一课《美术作品的特征》

即墨一中刘青

教学设计：

【教材分析】本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，让学生理解审美观念的形成；掌握美术作品的基本涵义，美术的门类、特征；以及学习美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生的审美意识。

【教学目标】通过欣赏美术的经典作品，了解美术作品的基本特征,并引导学生了解美术创作、鉴赏活动的特点。

1、知识目标：通过对美术作品基本特征的概括和认识，让学生从整体上初步了

解美术作品与其他艺术作品的基本特点所在。

2、能力目标：引导学生了解美术创作、鉴赏活动的特点。

3、情感目标：增强学生接近美术、了解美术、学习美术的兴趣。

【教学重点、难点】

1、教学重点：

掌握美术的分类及特征，让学生掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。

2、教学难点：

如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和特征。

【课时安排】一课时。

【教学环节】为了使每一个学生都能积极主动的体验审美的乐趣，顺利达成教学目标，课前搜集、整理了大量的背景资料发给学生，让学生通过提前阅读，提取有价值的信息。

一、创设情境，导入课题：

引导学生欣赏视频：《梵高》。

教师：请同学们谈谈梵高的作品美在哪里？我们如何进行欣赏？

（教学构想：随着社会的进步和经济的发展，人们在满足了物质生活的需要之后，对精神生活的要求也越来越高。当我们面对数量众多，风格各异的美术作品时，如何来辨别作品的好坏，如何认识和理解艺术家的表现方法，作品的意义，对作品的价值的判断以及会从内心产生喜欢或厌恶等的情绪反应。所有这些疑问的产生，都涉及到了美术的鉴赏问题。此处第一个问题为学生提供了一个畅所欲言的机会，各抒己见之后我会让学生带着兴趣和疑问进入本课的学习。）

二、讲授新课：（课件展示）

1、美术鉴赏

2、美术门类

3、美术作品的特征

（教学构想：本课涉及的新知识主要以基本概念为主，所以我采用了讲授法，对

于相关的作品采用对比、演示法，从而使学生在欣赏作品中认识掌握美术作品的基本特征。我充分考虑了鉴赏顺序的安排，以及对学生的认知规律的合理利用。）

1、什么是美术鉴赏？

欣赏齐白石的中国画《虾》和德国画家丢勒的油画《野兔》，介绍美术鉴赏的一般过程和方法，阐明什么是美术鉴赏及其对象、过程、目的和本质特征等。

【自主学习】：结合课前学生搜集的一些知识,课堂上学生自主讲解，教师补充。共同找出特点。

通过对两幅画的欣赏以及对各自相关知识的查证，得出他们的内涵是不同的。所以美术鉴赏是被动接受与主动参与的综合的审美活动。

美术作品的直观和相关知识是美术鉴赏的基础，这就要求鉴赏者必须首先具备美术的基本知识，识别美术的基本类型和一般表现方法，然后才能进行实质的鉴赏活动。

【学生活动】：通过两幅作品的对比，认真体味美术鉴赏的内涵。

（教学构想：为了让学生很好的理解什么是美术鉴赏，在这一部分我主要运用了作品欣赏讲授法，引导学生了解美术鉴赏的真正内涵。）

2、美术门类包括哪些？（课件展示）

美术根据其艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、篆刻。

在此基础上，还可以按照其材料、功能、题材和内容等分别作更细致的划分。

【合作探究】:

教师：结合课本，请同学们分组讨论探究，完成美术门类以下知识点的学习。

（1）美术作品是如何分门别类的？

（2）各艺术门类的代表作品有哪些？你能区分出来吗？

（3）通过以上两题的讨论与探究，师生共同归纳总结出美术门类有哪些？美术根据其艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、篆刻。

【学生活动】：欣赏图片，探究问题。

3、美术作品的特征（本课重点）

学习了美术鉴赏的概念和美术作品的分类，美术鉴赏有哪些特征呢？

用比较的方法，把美术作品与音乐、文学作品相比较，概括出五个基本特征： a、造型、空间特征（最基本特征）

b、视觉特征

c、材料、肌理特征

d、静态特征

e、动态特征

【合作探究】：通过多媒体视频的播放和图片的展示，请同学们分小组讨论探

究美术作品特征的以下几个知识点。

（1）美术作品的视觉特征表现在哪三个方面？各有哪些代表作品可以体现？

（2）美术作品所用材料与肌理之间的关系。

(3）对达芬奇的作品《最后的晚餐》进行赏析。

【学生活动】：欣赏作品，了解掌握理解美术作品的五个特征。

（教学构想：本节课我主要采用美术作品与音乐、文学作品相比较的鉴赏方式，使学生在问题与美术作品的结合中了解掌握美术作品的五个特征，使学生更容易理解运用。）

【小结】：材料的不同，运用的艺术表现手法不一样，使作品形成不同的视觉美感，不同的特征给我们带来美的享受。

【学生活动】：通过以上的学习，能运用美术作品的基本特征，独立完成对某幅作品的赏析活动。

图片欣赏：

教师引导学生品味美术作品的特征与美术鉴赏之间的关系：独立完成以下对本节课重点知识的归纳和总结。

1、美术根据其艺术门类划分为：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、篆刻。

2、美术作品的五个基本特征：

a、造型、空间特征（最基本特征）

b、视觉特征

c、材料、肌理特征

d、静态特征

e、动态特征

（教学构想：阶段性总结，重点知识巩固，为以下难点知识的学习做好铺垫。）如何理解美术作品的五个基本特征？（根据课前对导学案的学习，请你从某幅代表性的作品方面入手分析。）

（教学构想：在掌握本课重点的基础上，深入了解本课的难点。）

课堂练习：

根据对美术作品种类及特征的理解，就齐白石的《蛙声十里出山泉》进行赏析。

课后拓展：

中国绘画的画幅形式有：长卷、立轴、中堂、条屏、斗方、扇面、册页等。

课堂总结：这节课，我们学习了美术鉴赏的概念、美术作品是如何分门别类的以及美术作品的特征等，使我们从宏观上认识了美术以及美术鉴赏的基本知识，为我们今后进一步学习相关的知识打下了基础。

（教学构想：知识巩固、知识拓展与研究性学习层层递进、逐步升华，使本课内容内化为学生的创新意识，为点睛之笔。）

板书：

第一课美术作品的特征

1、美术鉴赏

2、美术门类：绘画、雕塑、建筑、设计、书法、篆刻

3、美术作品的特征：

a、造型、空间特征（最基本特征）

b、视觉特征

c、材料、肌理特征

d、静态特征

e、动态特征

【教学反思】：

利用学生熟悉的梵高的作品入手，激发学生的学习兴趣，通过提出问题与典型作品鉴赏的结合，对本课的教学内容进行了讲解。在讲授新课重点内容时，我主要采用美术作品与音乐、文学作品相比较的鉴赏方式，让学生对美术作品的五个特征有了更深层次的感受，又突出了重点、解决了难点、利用所学知识，分析了一些典型性的美术作品，最后是知识拓展和研究性学习，本节课脉络清晰，教学环节承上启下，局部与整体统一。

备课时，依据高中美术课程纲要，力求在教材的指导下取得最佳的课堂实效，又不拘泥于教材，灵活运用教学手段，积极引导学生“看、思、疑、析、体验”，为学生以后的学习奠定良好的基础。备课时，不仅要备教材、更要“备学生”。学生是教学的主体，教师的教学行为必须是有的放矢。素质教育下的课堂要求我们：

1、心中有目标

2、脑中有思路

3、眼中有学生

4、嘴中有话题

5、手中有技巧。

本课的新知识主要以基本概念为主，所以我采用了讲授法，对于相关的作品采用对比、演示法，从而使学生在欣赏作品中认识掌握本课的重难点。

篇2：美术作品特征

各位评委老师大家好，我是美术组一号考生，今天我说课的题目是《美术作品的特征》，下面我将从教材分析，学情分析，教学目标，教学过程等几个方面对我的说课进行阐述。

一、教材分析

掌握教材是上好一节课的基础，在正式内容开始之前，我先说一下对本节教材的理解。《美术作品的特征》是鲁教版高中美术鉴赏第一单元第一课的内容。本节课首先认识美术的分类以及基本特征，从而引出美术鉴赏的意义，由此掌握美术鉴赏的方法。本节课是整本教材的开篇之课，对整本教材起着基础性的作用，所以，上好本节课尤为重要。

二、学情分析

学生是学习的主体，只有充分了解他们，才能获得更好的教学效果，本节课所面临的学生群体具有以下的特点：高中生的抽象逻辑思维比较发达，感知与观察能力较强，但对美术作品的理解仅仅停留在表面，也希望了解更多美术本质性的知识，所以，本节课侧重去引导学生去独立思考，提高审美能力。三、三维教学目标

根据新课程标准，结合了教材学生的实际，设立的了本节课的三维教学目标 1·知识与技能：了解美术的分类以及基本特征

2·过程与方法：通过对比，讨论，欣赏的方法，提高学生对美术作品的认识

3·情感态度及价值观：提高学生对美术作品的认识，形成健康的审美情趣，陶冶情操，理解并尊重世界文化的多样性

四、教学重难点

基于对教材学情的分析以及三维目标的设立，本节课的重难点确立如下：

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重点：美术作品的分类以及美术的基本特征

难点：如何通过教学使学生了解美术鉴赏的意义，提高学生的审美能力

五、教学方法以及学法

为了突出重点突破难点，更好的实现教学目标，在本节课中我主要采用的是讨论法，提问法，欣赏法，情景法的教学方法。在学法上，主要采用的是小组自主探究的方法。

六、教学准备

由于本节课多采用图片对比的方法，所以我准备了资料丰富的多媒体课件以及绘画作品，石膏像，青铜工艺品等。

七、教学过程

接下来，到了我说课最重要的环节，教学过程，下面，我将从几个方面对我的教学过程进行设计。

1·导入：为了提高学生的兴趣，用多媒体展示中西方的美术作品，同时提出问题，这几幅画中你最喜欢哪一幅?说说你的原因。学生积极回答，最后老师总结，同学们的回答都涉及到了美术鉴赏的问题，那什么是美术?对他如何来进行鉴赏呢?顺势引出今天的课题《美术作品的特征》

本环节的设置可以使学生在欣赏中更好的理解本节课的内容 2·新课讲授

在这一环节中，结合了高中生的认知发展，主要采用的是图片对比的方法。

(1)展示不同类型的美术作品图片，请同学们结合课本内容对他们进行分类。学生进行分组讨论之后得出，美术的门类有：绘画.雕塑.建筑.工艺美术.设计艺术.书法.篆刻。在此基础上又可以细分为很多种。同时多媒体播放美术作品，请同学们对他们进行分类连线。本环节可以使学生通过连线的小活动充分理解美术的分类。

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(2)为了使学生更好的了解美术作品的特征，我设置了以下的环节。将绘画以及石膏像教具像同学们展示，提出问题：绘画与石膏像在空间表现上有什么不同呢?学生通过看，摸等观察很直观的得出，绘画是二维空间，而石膏像则是三维空间。同时展示齐白石的《牡丹》，使学生在空间的理解上对他的造型进行分析，这幅画画牡丹但不是真实的再现，而是讲究以形写神，由此引导学生对中国传统绘画中“造型”与“传神”的理解。本环节一方面使学生能够直观的理解美术的空间特征，另一方面可以使学生对中国造型以形写神有一个初步认识。

(3)欣赏美术作品就是为了让人们有一个直观感知，离开了视觉，就无法谈欣赏。下面，让同学们闭上眼睛，播放一段钢琴曲，学生感受到了美，接着，停下音乐，播放美术作品，闭着眼睛的学生们无法用眼睛去观察，没有了视觉，就体会不到美术作品的美，从而得出美术作品视觉特征。通过这个环节的小活动，学生通过亲身实践感受更加理解了美术的视觉特征。

(4)通过之前的学习，引导学生对石膏像以及青铜工艺品来进行对比赏析，得出美术作品的材料，肌理特征。本环节可以让学生充分发挥自己合作的精神。

(5)展示《蛙声十里出山泉》以及《最后的晚餐》

问题：两幅图在构思上是怎么样的?表现了什么?师生共同总结：虽然画面是静态的，但是他们在表达一个故事主题时，会选择一个特别的有代表性的瞬间，具有戏剧性，让我们回味无穷。本环节通过欣赏作品引导学生充分了解美术作品静态的特征。

3·拓展

多媒体出示《鲁内斯夫人》，让学生们根据她的神态给她添加内心的独白。学生踊跃回答。通过本环节可以使学生更好的融入到课堂中来，提高学习兴趣。4：小结作业

通过多媒体展示中外优秀美术作品，让同学们通过本节课学到的知识对他们进行赏析，灵活运用到实际中去。同时布置一个开放性的课下作业：课下去美术馆找一幅自己喜欢的画对他进行赏析。本环节的设置是体现了情感态度价值观的目标，让学生有更多了解美术作品的机会，提高学生的审美能力，尊重并理解世界文化的多样性。

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以上就是我对教学过程的设计，下面是我的板书设计

八、板书设计

考虑到学生的认知发展特点，我采用的是提纲式的板书设计，简洁明了的向学生们展示了本节课的重点，以便学生更好的把握知识点。

美术作品的特征

1·美术的门类：绘画.雕塑.建筑等。2·美术的特征：（1）空间造型

（2）视觉（3）材料，肌理（4）静态

中公讲师解析

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篇3：美术作品特征

一、欣赏以线造型的中外美术作品, 提高学生对“线”这一艺术表现与应用形式的审美能力

线条是美术作品最基本的造型应用手段, 是构成视觉艺术形象的一种基本元素, 无论平面的还是立体的作品;不论是写实, 还是装饰的作品;不论是抽象的, 还是具象的作品……在长期的美术发展过程中, 线作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言, 一直处于十分重要的地位, 并越来越显示出丰富的表现力和艺术美感。

二、突出中国传统美术中线的作用

中国画的线, 可以追溯到仰韶时代的彩绘画, 晚周帛画, 楚、汉漆器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样, 是中国最早用线的作品。鲜明、生动、挺拔的线条, 描绘了漩涡纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象, 体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来, 随着人物画创作的兴盛, 线描艺术发展到了一个高潮。

吴道子是唐代的线描大师, 他的画及善用线, 所用的线条“磊落飘逸”“笔墨遒劲”, 他画中的人物描写上粗细不同的线条表现, 生动异常, 富于强烈的动感和节奏。在其后期的用线, 更是“高侧深斜, 卷褶飘带之势”, 通过创造具有深浅、浓淡、粗细的线条去表现物象的细微、高、侧、深、斜的立体变化, 线条充满了情感, 极大地提高了中国画线条的表现力度, 其代表作品有著名的《送子天王图》《八十七神仙卷》。张择端的《清明上河图》, 是北宋末民俗绘画的代表作品, 它以汴河作为描写对象, 画家以高度概括的线条表现技巧和市俗写实主义的风格, 再现了那个时期的民俗、民情、民风的社会生活。

篇4：美术作品特征

线，或称线条，是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素，由于它们往往是和形、体、色、光等视觉同时并存的，所以，造型观念中的线，往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系。这些能力的形成必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用，是中学美术教学的重要环节。

一、欣赏以线造型的中外美术作品。提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力

线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，在长期的美术发展过程中，“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自南，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富于感情色彩而又极富装饰性的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。

二、重点强调中国传统美术中线的作用

中国画的线，可以追溯到仰韶时代的彩绘画，晚周帛画，楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样，是中国最早用线的作品。唐宋以来，随着人物画创作的兴盛，线描艺术发展到一个高潮。吴道子是唐代的线描大师，人们称吴氏的线条为“吴带当风”，体现了高度的“运动感”和“节奏感”，充分发挥了线描艺术的效果。中国画家经过长期的艺术实践，对线的运用各具风采。传统技法——十八描，即是各种线的生动画法。

三、东西方绘画用线的异同

由于受不同文化背景的影响，东西方绘画的线在形式美感上各不相同：东方绘画中的线注重表现情感，富于韵律感和装饰美；西方绘画中的线具有较强的理性特征，不能把这两者对立起来，应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的，只是由于欣赏习惯，绘画造型的传统观念的差异，形成了不同的表现方法和民族风格。东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起，如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了东方艺术的特点，给人一种新的美感享受。在我国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术有新的发展和变化，对中外美术作品的优良传统，部应认真研究继承，在学好我国传统绘画课的基础上，还需了解西方美术。“西为中用”，使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。

篇5：美术素描五官造型特征

嘴，就形状来说，是由覆于上、下颅骨和牙齿之上的双唇所决定的。颌骨和牙齿形成的弧度直接影响双唇的曲直。嘴形的不同，就是由颅骨和牙齿的弧线所定型的。嘴唇由口轮匝肌组成，上下牙齿生在半圆形的上下颅骨齿槽内，外部是呈圆形体积。上唇中间皮肤表面有条凹，称人中。嘴唇的表面有唇纹，各人的唇纹形状不同。上、下唇的活动十分灵活，彼此呼应，不仅对发音有很重要的作用，对表情也有直接的影响。

鼻：

鼻隆起于面部，呈三角状，有鼻根和鼻底两部分组成。鼻上部的隆起是鼻骨，它小而结实，其形状决定了鼻子的长、宽等。鼻骨下边连接鼻软骨，包括鼻中隔软骨、鼻侧软骨和鼻翼软骨，鼻翼可随呼吸或表情张缩。鼻子的形状很多，因人而异，有高的、肥厚的、也有尖细的或扁平的等等，都是形象特征的概括。鼻孔的形状随鼻形而变化，特别与鼻翼有很大的关系。

眉毛：

眉头起自眶上缘内角，向外延展，越眶而过成为眉梢，分上、下两列，下列呈放射状，内稠外稀，上列覆于下列之上，起势向下，内侧直而刚，并且常因背光而显得深暗，外侧呈弧形，因受光显得轻柔弯曲。人的眉毛形状、走向、浓淡、长短、宽窄都不尽相同，是显示年龄、性别、性格、表情的有力标志。

眼：

眼睛是由瞳孔、角膜、眼角组成球形嵌在眼睛窝里，上、下眼睑包裹在眼球外，上下眼脸的边缘长有睫毛，呈放射状。上眼睑，睫毛较粗长向上翘，下眼睑睫毛细而短向下弯。

两只眼球的运动是联合一致的，视点在同一个方向上，由于头部的扭动，眼睛出现了不同的透视变化。

眼睛的形状不同，有圆、扁、宽、双眼皮、单眼皮等区别。

篇6：美术作品特征

摘要：中国美术历史悠久, 各类繁多, 有其独特的艺术风格。艺术家们受到文化、地域、时代、生活等影响造就丰富的中国美术。中国美术有一个很基本的特点是人生而美术, 其基本原则是观照人本身, 主要为人身心服务, 同时融入宗教信仰、思想等。通过分析中国美术特征对美术教学进行思考, 期待更好的将美术成果运用到美术教学中去。

关键词：中国美术; 人生; 教学;

一、中国美术概述

美术源于生活又高于生活, 它是社会意识形态的一种, 由社会生活决定和制约, 并且还会反作用于生活。归根结底美术是为人服务的, 美术通过美术作品、大众接受及美术本身的形式等作用于社会生活, 同时美术本身发展和美术创作也对其自身起到积极作用, 形成一个自给自足的循环体系。

中华民族文化历史悠久, 中国美术以中华民族历史文化作基础, 不断发展不断壮大, 形成自己独特的民族风格, 富有强大生命力和美好辉煌的未来。展现出中国艺术强大的生命力和光辉未来。中国美术历史源远流长, 它不仅包括绘画、工艺还有雕刻和建筑等, 并且中国美术还具有自己独特的传统体系这与西方美术有很大不同。

从社会公众角度出发中国美术有一个很基本的特点是人生而美术。中国美术基本原则是观照人本身, 主要为人身心服务, 同时融入宗教信仰、思想等等。美术概论里面的“成教化, 助人伦”的概念就是这一体现, 美术作为一种社会意识形态发挥了它的社会功用价值。“逸笔草草”“写胸中意气”强调艺术家的情感抒发, 具有审美娱乐功能并且通过美术作品使人们得到心灵的愉悦放松。无论是中国画中的气韵生动、外师造化, 中得心源, 建筑的和谐安详, 还是书法中的万物有灵, 这些都是强调以人为主要前提的。中国人非常重视人本身, 不骄不燥、喜欢和平内敛, 注重个人修养。中国美术注重表达人生态度追求人生价值, 体现中国画的精神内涵。中国美术融入宗教和哲学思想, 很多美术作品主题为人与自然和谐相处。它受儒学影响以人为本, 追求真善美。道教的“天人合一”也影响了很多著名画家。中国画讲求“气韵生动”“以形写神”“形神兼备”“似也不似之间”“传神写照/迁想妙得”。

二、中国美术蕴含的精神价值

中国美术影响广泛, 承载着生命气息, 无论是美术理念还是美术作品都要充满生的动力。

为人生而美术是指中国美术具有创造守候生命的艺术精神, 从人的生命/人格及心灵等方面来关照。首先, 中国美术承载人的生命力量与意义。中国画里面的写生充分体现这一观点。什么叫写生, 就是对照实物进行绘画, 从词源意义上说, 写生是因为五代时期的画家腾昌v“工画而无师, 惟写生物”而来, 写生不仅仅是对照实物去描绘, 更是需要画家看到描绘对象的的状态生命力量, 这就是生的意义所在。

从古代的美术作品中我们可以看到人们对生殖对生命的信仰。传统美术作品中充分体现的人们对的生态度, 那就是子孙万代、生生不息。在原始时代有很多丰乳/肥臀、大肚的女性造像, 些造像其实就是当时人们对生殖崇拜的一种体现。被中国美术作品呈现出来的还有中国民间很多象征性的生命符号。例如:连年有鱼、鱼莲生子、石榴百子、葫芦生子等象征生子的美术作品形象。还有最常见的中国人结婚时的早生贵子, 后面的观音送子、老虎头的鞋等等无论是以绘画形式还是刺绣形式又或是雕塑形式, 都要是在表现美术的生命力量与意义。

其次, 中国美术富含人的理想与品格。中国人在追求了基本的存在后, 对生命的力量及意义进行探究, 并且把生命的意义及内涵提升到人的品格上, 并给予分级。为此, 中国美术总是具有以人格衡量审视品评美术行为与作品的观念与行为特点。例如几岁孩童都知道的“四君子”和“岁寒三友”。梅花是我国的传统名花之一。人们赋予梅花“雪中高士”把其人格化了。范成大在“梅谱前序”中说到:“梅为天下尤物, 无问智、愚、贤、不肖、莫敢有异议。学囿之士, 必先种梅, 且不厌多, 他花有无多少, 皆不系轻重。”还有咏梅蕴含着古代文人的人格意识。更有很多人以梅为名以梅自号。可见梅花孤标姿态/品格风流得到人们的认同, 受到历代文人的喜爱。除“梅兰竹菊”外还有古人喜画荷花, 荷花也入诗也入画, 一直以来都是文人墨客吟诗作画的题材之一。荷花具其独特的审判意象, 承载着我们的精神寄托有着深厚的文人情怀。人们赋予荷花清香纯洁淡雅的品格, 有“出淤泥而不染, 濯清涟而不妖”的品格。古代都是把人品和作品联系在一起的, 无论书画作品还是书法作品还是雕刻等等都要承载着人的追求理想人格的精神内涵, 画如其人就是这个意思。

最后, 中国美术承载丰富的生命情感。中国画讲究“妙在不似之似之间”。黄宾虹说:“绝似物象者与绝不似物象者, 皆欺世盗名之画, 惟绝似又绝不似于物象者, 此乃真画”。中国美术承载的生命情感让作品升华。东汉时期的《马踏飞燕》自出土以来被视为中国青铜艺术的奇葩。马踏飞燕运用浪漫主义手法烘托出了骏马矫健的英姿和风驰电掣的神情, 以人们以丰富的想象力和感染力, 既有这也是中国力的感觉, 又有动的节奏。还有这一时期的《击鼓说唱俑》, 特点一目了然, 诙谐/幽默, 形象生动具有很强的感染力。中国美术承载丰富的生命情感, 生动/丰富/有感染力。

三、美术教学的启示

无论是中国画还是雕塑还是书法等待都充分发挥和体现人的人生价值与意义, 为人生而美术是中国美术正流。中国美术为人生而美术的理念也让我在教学方面得到很多启示:

(一) 引导学生多观察、多实践、身临其境、从心出发。注重写生, 让学生从内心情感出发去体会。给学生更多的实践机会, 增强学生绘画热情和自信心。面对真实的描绘对象, 从中找到自己感兴趣的点, 促进学生观察能力和感悟能力的提高。吴作人先生提出“艺为人生”的.观念, 他认为艺术是与社会生活密不可分的, 随时代的发展而发展, 是不能脱离现实的, 是能够让人理解的, 是人世之作。他在提倡教学与社会结合, 与创作结合。所以要让学生融入生活, 体会生活, 多写生。可以是对同一物象不同视点的观察, 也可以是不同时间的观察体会, 也可以是不同地点同一物象的观察描绘。让学生有一个基本的观察分析能力, 提高审美能力。

(二) 让学生寄情予画, 给自己的画带来生命活力。学生在创作时有一个基本要求应该是符合自然, 抒发情感。因为学生的性格各不相同, 有的张扬, 有的内敛, 有的安静, 有的活泼, 所以每个同学表现在画中的状态一定不同。学生看到同一物象或经历同一事件的感受是不同的, 需要认真体会通过作品表达出来。古人言绘画妙在似与不似之间, 不能只要求学生画的像, 关注更多的应该是感受, 感觉像才是对的, 这对学生形成自己的独特风格很重要。不可以让学生只停留在技法上, 这样只会是图片复制, 没有意趣。重点要做的是需要让学生理解感觉像才是对的。

(三) 分析大师作品, 体会大师作品中的巧妙构思与情感表达, 提高学生审美能力。这样学生在自己的创作时就会发挥其审美力, 提高作品的格调。

四、结语

中国美术丰富多彩, 在教学中要把握为人生而美术的整体方向, 对学生进行实践引导, 师法自然寄情于景。引导学生内外兼修提高学生品格, 提高学生审美能力使学生真正学到美术的真理, 使中国美术在光辉的道路上继续发光发亮。

参考文献

[1] 翁振宇美术教育概论[M].北京:中国美院出版社, .

[2] 吕品田.中国美术发展战略研究[J].美术家通讯, 2008.

篇7：现代工艺美术设计创造特征

文章根据在实际操作中，对这三个方面分别进行了说明，讲述了工艺美术在实际设计中所体现的创造性。

关键词：工艺美术;创造特征;创新设计;与时俱进

1 艺术构思的创新

在工艺美术设计中最重要的部分就是艺术思路，工艺美术设计的要求是让我们在创造中要有较为明确的创新思维，从而达到高水平的工艺设计，在构思的时候充分发挥工艺美术的审美感情概念。

选择好的框架思路，有关工艺要用到的素材也要整理采集，并且要在原本的层次上进行加工制作，充分的使作品的艺术含量高超、新颖、独特。

进而可以从中看出，工艺美术的技术一定是要有很强的创造性思维结构的。

心里所想象构思的事务，要从事实中看出它们的关联，这是一个很有必要培养的好习惯，也是在脑海中有这样或那样的构思的时候占有很重要的地位。

下面是根据每个点进行的简要说明：

首先，工艺美术设计创新的特点非常有内容并且很广泛，它的作用是能够把审美、科学、价值观等等一些成分融合在一起。

现今的大多艺术作家应该对思想文化素质的新局面多做一些研究和足够的重视，因为必须对其进行全面了解之后，才能知道每个时段艺术的体现和想法，在实际创作中就能够使设计非同凡响，让设计层次更高，更上一层楼，从而更好的创作出更加优秀作品。

其次，工艺创新的想法还需要根据设计创作的人自身个性来决定，在设计者的大脑中发挥运用，工艺美术的创作时一定要放开心灵，摒除杂念，把自己的思绪活跃到极致，对于艺术的构想它不可以撇弃创新单独的进行行动，而且创新本来就没办法不存在设计者的想象力中。

联想每件东西、事物的关联可以让设计者从中得到灵感，然后再把设计者的想象和生活中事物夸张化和光线的明弱等等一些方法加以调整从而达到艺术创作。

目前，就社会中保存着的艺术品来说，假如能够清晰明了把事物之间的关联展示出来，还可以再一次的进行连合，而且体现的方式要做到突出和简明的要求，满足上面所说的条件后这个作品才可以说是大功告成，是一个成功的艺术品。

因此，要想创作出相当完美的作品就一定要具备足够的想象力和灵活的创造力，而且在施展自己的想象力的时候不要忘了一点，就是要对所要涉及到的法则也要做到相当灵活的运用，如果想要达到如此境界的话，就需要提高设计者的艺术水准，在培训的同时也要注意增加设计者的专业素养和对新的知识的认知，还要注意提升从事人员的思想品德，让人品方面也提高上去。

最后，工艺美术设计的整个创作想法，在最开始的创作灵感出现的时候，要用到很多很多的精力来完成这个想法，在这个思路的基础上还要经过再三的推敲琢磨，所以这也仅仅是在工艺设计的开端，对于全部的进程来说艺术家们就需要了解相当庞大的信息和设计领域方面的专业知识。

国内外的市场经济和社会活动中，在探索新的学问的时候，要把所触及到的新事物进行了解，增加自己的见识，多学习一些文化知识，还要把新的知识做出整理归纳，这样可以对以后的创作中起到很好的效果。

2 工艺美术设计要与时俱进

第一，现代工艺美术设计与过去传统的模仿以及表现相比较已经有力全面的突破，现代工艺设计对于设计师面对世界以及人生的特殊领悟有力进一步的加强，使得设计艺术更加的具有全新的时代感。

因为现代社会经济不断的快速发展，人们固有的欣赏习惯以及审美情趣在当今世界当中发生了极大的变化，为了能够有效的将现代工艺美术设计的艺术品位置进行有力的加以提高，那么我们就需要在当今工艺艺术中注入具有时代信息的创造性审美观念;第二，现代工艺美术设计的民族化就是在设计中将本民族的艺术和审美在长期的历史发展中形成的传统风格展现出来;第三，现代工艺美术设计非常注重以表现为主的抽象性风格，在现代工艺美术设计的审美意识中，不能有过多和过分的雕饰，要求产品应该要以简洁性或抽象性的特征为主。

经过过综合分析认为，当今社会正处于不断高速发展阶段，时代在进步科学也在不断的进行空前的发展，时间因素与空间因素相比较显得更加的尤为重要，那么现代工艺美术的设计应当将时代性作为主要设计理念，利用抽象性思维作为整体工艺设计的辅助。

对于时间因素的工艺思维我们应当进行有力的把握，因为想要工艺美术的效能进行全方面的提高，是无法脱离创新观念得以成功实施，更加的无法创造更大的价值利润以及进一步增强创造的生命力。

将艺术的表现力进一步加以全面扩大是工艺美术设计的创造特征，对于美的形象我们的设计人员应当在宏观以及微观的世界当中进行有效的捕捉，进一步得以更好的创造出更美的作品，使得艺术和美学之间也得以更好的相互完美融合在一起。

3 运用现代信息技术加强创新的效果

随着科学信息技术的发展，photoshop、corelDRAW等一系列软件已经成功的应用与现代艺术设计中来，简化了设计人员的制作过程，使设计人员把更多的精力投入到作品的创新上。

可见掌握熟练的软件技术能够提高设计人员的创造水平。

要想创造出更好的现代工艺美术作品，必须首先学会和掌握计算机技术，不仅要利用计算机在网络上获得各种资源、信息材料和知识，而且还能够应用现代技术软件加强对艺术的设计，使设计师能够更好的应用综合知识进行传播、整理、分析和利用来进行创造。

电脑科技对传统造型艺术的挑战及为当代美术设计的发展提供了机遇，面对国际各类艺术的相互激荡，我们应把握世界高新技术发展趋势，积极应用现代技术，和科学发展的消费心理紧密联系起来，不断调整，不断优化新技术，以信息技术带动艺术创新，提高知识创新和技术创新的能力，更好的实现工艺美术设计以信息技术的结合，提高工艺产品的科技含量。

4 结束语

工艺美术和创新思路想法一直紧密联系在一块，能够很好的配合在一起，起到了互相补助的作用，创造人员不单单是对工艺进行设计，也是制作工艺的人。

现今工艺美术的创造总共有三个特点，关键表现为对艺术的思路、锐意创新和对当代技术的运用。

在随着我国不断的发展与进步中，社会成为了一个科技信息全面发展的新时代，使工艺美术在创作的时候渐渐步入了使用电脑创作的新道路。

在实际操作设计过程中，具有灵活创新的思维，从事设计行业的人员应该具有一定的创新性想法，要有效的认识和考量以及解析、综合等客观事物，做到这些能保证作品在一定水平上表现出的文化涵养和它的精神力量，并且给人一种耳目一新的特殊感觉。

总体来说，工艺美术跟随着时代的进步也在逐步的提升，在以后的发展前景当中，有着很高、很长远的前途。

参考文献

[1]孙衡.材料+构成+色彩的综合表现-论艺术设计专业基础色彩教学的理念[J].艺术教育，(01).

[2]王佳.设计中视觉传达方向视觉设计思维与设计语言的关系探讨[J].产业与科技论坛，(04).

篇8：肖邦钢琴作品的旋律特征

肖邦是音乐文化史中最伟大的旋律作家之一,他的旋律中一个重要的部分就是波兰的民歌,在肖邦青年时期有一首管弦乐伴奏的钢琴幻想曲就是根据波兰民歌主题写的,还有一首b小调谐谑曲中间的抒情段落里有一支波兰的圣诞节歌曲的曲调,有一首《棕榈岛》玛祖卡舞曲开头的旋律是在波兰家喻户晓的童谣《草地上花儿五彩缤纷》的天真可爱的旋律等等,肖邦的旋律与波兰民歌的联系绝不仅仅在于他在自己的作品里偶尔引用一些民间曲调,也不仅仅在于他的作品如前奏曲、夜曲中常常可以看到民歌所典型的音调、歌腔。

肖邦的旋律还和马索维亚的舞蹈有关,我们从肖邦作品的命名就可以看出这一点,在波兰马索维亚地区的居民称为玛祖尔人,肖邦写的四十九首《玛祖卡舞曲》就是以玛祖尔来命名的,肖邦的玛祖卡舞曲源自玛祖尔、库亚维亚克、奥别列克三种波兰民间舞曲,肖邦借用了波兰固有的乡土舞曲的形式,并糅合了这三种舞曲的特点,以他独特的创意发展成新鲜的形态与内容,肖邦为玛祖卡舞曲赋予了精练的旋律,在和声上也有着新的创意,玛祖卡舞曲本来频繁的使用匈牙利风格的增二度及三度的跳跃,肖邦却用了增四度和大七度,使玛祖卡舞曲在保持本身原有的珍奇之外,又加入了独创的异国情调。

自古以来,在波兰的民间生活中,声乐和器乐都很盛行,尤其是小提琴,波兰民歌是单声的,并且常常带有不复杂的伴奏,器乐的音调也常常渗透到波兰的民歌中,这种声乐性和器乐性的结合也是肖邦旋律的一大特点,他的音乐中有许多旋律是歌曲的音调自由地转为器乐的音调,或是相反地,器乐的音调为声乐的音调所代替,但最常看到的是前一种情形,以降D大调夜曲作品第27号为例,在这里如歌的曲调广阔、自由地流露着,很自然的转为象小提琴般的华彩的音型,并带有肖邦所特有的精巧奇异的节奏;肖邦在将声乐性和器乐性结合的同时还加上旋律的变奏,在他的很多乐曲里,歌曲性的旋律在变奏时经常带有器乐的色彩,像他的摇篮曲、f小调夜曲作品第55等都能看出这一特点。

除了声乐性和器乐性以外,宣叙调性、朗诵调性也是肖邦的旋律特点,肖邦的旋律常常像是在说话,而且这种说话也象它们歌唱那样富于表现力,例如E大调练习曲的主题,简直使人想去唱它,这支美妙的旋律完全是歌唱性的;作品第37号G小调夜曲整个第一段几乎完全是激动的宣叙调。

肖邦的旋律和俄罗斯民歌、俄罗斯作曲家的音乐也有相似之处,俄罗斯民歌有一个特点就是变体发展,肖邦的音乐有一很大的特点就是旋律的变奏,才气洋溢的摇篮曲就是变奏最出色的例子,整个作品中,在不变的主音持续低音上,每一小节变换着主和弦与属和弦的和声,乐曲的开头,在很淳朴的固定低音的背景下,奏出有明显的民间色彩的旋律,肖邦虽然喜欢用“装饰”型的各种变体手法来改变它,但始终保持音乐的总的温柔诗意的、宁静安谧的“亲切”的性质。

肖邦爱用旋律化的音型而不用一般形式的进行,从而避免了钢琴织体的一般公式。肖邦的旋律化音型非常丰富多彩,在作品第10号a小调练习曲的末尾,和弦外音与和弦内音组成一个半音阶,这音阶柔和地在主和弦与下属和弦的背景上流露出来,在另外一首作品第25号之十一的a小调中,肖邦采用了与前面一首相近的旋律和声基础,但由于改变了音的排列而形成完全不的音乐形象,不同音程突然地、甚至有些奇特的变换使这曲折的音型带有激动、突进和戏剧性的色彩,非常巧妙的衬托出基本主题的雄壮的进行曲的步伐,虽然旋律性的音型很复杂和独特,但还是很容易听出组成它的基本因素是:主和弦(低声部)和半音音阶(高声部),在这里有表现出肖邦善于用简单的手段达到多样化的才能,这也正是使肖邦的艺术为百万听众易于感受的特性。

肖邦的旋律中还有一个很重要的成分就是复调的写法,肖邦很重视赋格在旋律中的运用,他本人很推崇巴赫的音乐,自幼年直到成年始终在研究巴赫的48首前奏曲和赋格,但肖邦自己并不写赋格,肖邦只常常在音乐中运用模仿的复调写法,即把几个含有同样旋律的声部交织起来,如:OP.50升c小调玛祖卡舞曲的开头;肖邦在运用复调写法时喜欢用不完全的模仿,如OP.27升c小调夜曲的再现部内,在基本主题后附加的低声部非常自由,有时模仿它,有时隔三度重复它,有时具有独立旋律的意义。肖邦的音乐贯穿着复调,但却不是象巴赫的复调音乐那样,在肖邦的旋律中,个别声部并不彼此模仿,并不一个跟着一个重复同一旋律,他喜欢把各声部编织在一起,使每一个声部都有自己的旋律,如在降b小调奏鸣曲谐谑曲的中间部分里面才气洋溢的对答,上声部是宽广的,有时平静悲哀,有时带有激动的歌唱性旋律,伴随它的是内声部的短暂的二度‘叹息’,当上声部沉默时,从这些音调中引申出流畅的下行旋律。

肖邦的作品几乎全部是钢琴曲,几乎涉及到钢琴音乐的各种体裁,并且都获得了丰硕的艺术成果,他的旋律和音乐不象舒曼、李斯特等人的作品那样绚丽多彩,但他成功的创造出了富有个性的钢琴写作艺术,他的音乐远远超过当时的传统界限,肖邦既不算是先驱者,也没有继承人,可以说他的音乐是空前绝后的,对后人的影响力非常深远。

参考文献

[1]保罗．亨利．朗《西方文明中的音乐》[M]贵州：贵州人民出版社出版，2001

[2]A．索洛甫磋夫《肖邦的创作》[M]北京：人民音乐出版社出版，2001

篇9：美术作品特征

一、“梵高奶奶”及其作品

常秀峰(1933—)，女，河南省方城县拐河镇江家村一位普通农民，不识字，更没学过绘画，在2003年来到儿子在广州的家之前连县城都没去过，但她为孙女讲述农村风物而信手涂鸦的蜡笔画，竟有后印象派的风格，被儿子放到博客上并经网络传播而迅速走红。由于她的蜡笔画色彩鲜艳、形象生动，爱画向日葵(见图1)，与梵高的向日葵作品风格相似，故而被网友称为“梵高奶奶”、“中国农村的梵高”。中国、新加坡、欧美等国的数十家报纸、电视台报道了她的作品。她在香港成功举办了画展，两次被请上《鲁豫有约》，出版了《梵高奶奶的世界》和《俺们农村》两本画册。赵瑜先生的散文随笔集《小忧伤》，所有插图全部选用她的绘画共计64幅。世界著名摄影师克劳迪·斯鲁本收藏了她的蜡笔画《石榴树》，台湾马英九先生也收藏了她的画作。斯鲁本说:“梵高奶奶和我一样，都不是在用机器和笔展示艺术，而是在用心。”著名画家陈丹青称赞常秀峰的画有“质朴的震撼和心灵纯净的体现，她用纯真无瑕的眼睛，去观察和感受生活的真谛”。

二、常秀峰作品艺术风格分析

1.绘画题材

从绘画题材看，常秀峰画的最多的是各种花卉、树木以及自己的家庭生活，然后是乡村集体生活，包括春播秋收、斗地主、吃食堂、娶新媳和祭奠毛主席等场景。其作品所描绘的全部是农村人熟悉的题材，或者是作者经历的社会生活。如《玉米和豆角》的题材就是中原农村最常见的作物，玉米植株间距大，一般在玉米地里要插种各种豆类，因此更显得真实可信，浓郁的田园气息扑面而来。

常秀峰画了大量的花卉植物，尤其是牡丹、荷花、向日葵。为什么热衷于画这些题材呢?她说:“牡丹是幸福花，向日葵是向阳花、还能榨油，荷花干净、高尚。”

常秀峰不画世俗津津乐道的帝王将相、才子佳人等戏文、传说，基本上也不描龙画凤，也不画麒麟送子、鱼跃龙门等吉祥主题，她不说牡丹是富贵花，她没有“富贵”的概念，她只求世俗而质朴的幸福。常秀峰也不画民间迷信的阎王神佛，更不画土匪劫掠、刁民赌抢、媒婆欺蒙等民间常见的丑恶世事。她滤掉了几十年含辛茹苦的黄土地上的卑污和艰辛，只展示她质朴、博大的爱，她画那个正在或者已经逝去的农村，她画画的目的就是让孙女多了解农村，为孩子提供认识乡村的素材。

常秀峰也写生，在花园里捡树枝回家画，有时候还要回老家“充电”积累素材。常秀峰除了画自己熟悉的农村题材以外，偶尔还应孩子们的要求画一画她并不熟悉的长城、圆明园、桂林象鼻山与刘三姐以及她住了七八年的城市，但显得勉为其难，表现得柔弱陌生，显然是不够熟悉、不够了解的缘故。

图1 熟透的向日葵(常秀峰)

常秀峰的绘画，纯粹是发自内心的真情流露，无涉名利富贵，只是为了表达作者对乡间生活和劳动的热爱，具有一种质朴、纯净的精神，这是职业画家所不具备的。

2.绘画语言

常秀峰的绘画在造型、色彩、构图等绘画语言方面，带有强烈的主观性。

在造型方面，常秀峰的绘画突出主要特征，省略细枝末节，对有兴趣的形象和部位有意放大或夸张，其他地方则相对简单、概括，具有民间绘画大胆、直率、朴实、主观的特点。如《繁花似锦》《荷花》就是典型例子，因为重点表现花朵，所以画面上除了花朵绿叶、莲蓬之外，其他部分都忽略。又如《石榴树》重在表现“石榴”，所以作者就画了剖开一半露出石榴籽的情形，这种舍表求里、带有装饰趣味的造型手法，是民间美术常用的艺术手段，这在常秀峰的绘画中屡见不鲜。

在色彩方面，常秀峰喜欢用纯色，因为从未受到过专业训练，她没有原色和间色、复色的概念，而且蜡笔材料的特殊性也限制了单色混合成间色、复色的可能性，所以常秀峰喜欢使用主观意向强的色彩或彰显个人偏爱的喜庆色彩，一般是采用平涂的手法，画面效果具有对比强烈、色彩明确的特点。

常秀峰对色彩的认识是单纯的，在她的眼里，红就是红，绿就是绿，蓝就是蓝，不会将红色按色性分为冷红色和暖红色。在表现上，她尽量省略生活中丰富的多层次的灰色调，夸张色彩的纯粹程度，如用大红或朱红去表现太阳，用湖蓝表现海水，同时大胆地使用对比色和纯度较高的原色，以取得响亮的画面效果，形成粗犷、明快、朴实、热烈的色彩风格。

作为民间美术家，常秀峰喜欢用红黄绿蓝等颜色，她笔下的家乡总是鲜艳的:玉米是金黄色的，番薯是红紫色，蘑菇是赭红色，牡丹花是正红色的，葡萄则是浓烈的紫色。这些颜色纯度高，对比鲜明，画面效果明快爽朗、简单自然。如图1用色大胆，翠绿的叶子和明黄的向日葵花瓣奠定了整幅画面鲜活的基调，色彩感强，对比强烈，取得了很好的视觉效果;两个熟透的向日葵色彩浓重，又具有调节画面、协调色彩效果的作用，使整幅画艳而不俗。而在《老太太眼中的圆明园》中，常秀峰却一反常态，使用了忧郁的蓝色调，只有个别小花采用黄色，以调节画面。色彩在常秀峰的画中具有很强的表现性。

中国画所谓的疏密聚散、西方画所谓的正倒三角形构图，甚至气韵、节奏等形式美的规律，“梵高奶奶”也许根本不懂，更说不出个所以然，但她在绘画中不自觉地运用了这些形式美的法则，她是凭借个人对美的感受来作画的。在这一点上，常秀峰的情况完全符合民间艺术家实践先行的特点。

从构图看，常秀峰的绘画体现了民间美术的平面性、装饰性。有时为了把从各个方向看到的形象表现在一张画中，她常采用“鸟瞰式”的构图方法，把很多视点看到的形象画在一幅画中，画面构图很满，但又疏密有致。这样的平面构图画面容量较大，尤其是在画比较大的场面时，为了能够比较全面地表现对象，常采用这种“鸟瞰式”的构图方法。如《家乡的秋天》(见图2)就体现了民间美术这种自由、奔放、大胆的构图形式，作者将从不同角度看到的东西，及知道的、想到的或彼此无关的东西，都拼凑罗列到画面上，直到画满为止，从而解决了不同视点、不同时间、不同空间的结合问题。如荷塘、小径、柿树、各种花草等，都可集中表现在一个画面上，具有很强的装饰效果。这种打破时空的造型方法，在民间美术中显得合情合理。

3.技法和风格

图2 家乡的秋天(常秀峰)

从常秀峰作画材料和工具上看，蜡笔用得最多，她也尝试过彩色铅笔、油画棒、水彩、水粉等，这些工具材料都具备易掌握、易得到、造价低的特点。常秀峰还敢于创新，如用牙签刮出线条，用装修涂料抿到画面上做雪景。而蜡笔线条粗放、不宜画细的特点虽然限制了画面细节表现，但也正体现了民间绘画追求整体感的要求。

从绘画技法看，表面上，常秀峰的画不讲什么技法，与其他的民间绘画一样不讲画理、画法，却能收到意外的效果。她的作品由点、线、面组成，多平面化，少立体感，大多数作品直接以蜡笔涂抹，偶尔有勾线填色，部分作品根据需要先平涂出底色，再勾画线条，如《生长的向日葵》;或者在底色基础上以牙签、油画刀或其他简单工具刮出所需线条，刻画成纹理或者叶脉，如《玉米与豆角》。

从个人风格上看，常秀峰的作品朴素自然、感情纯真炽烈，毫无矫揉造作与无病呻吟之感，澄净明澈的内心通过画面一览无余。常秀峰的画是阳光健康的，也是温暖人心的，她带了浓烈的情感去描述一个个正在逝去的乡村风物。那幅《熟透的向日葵》与梵高的名画《瓶中的向日葵》一样，用色亦是绚丽夺目，但梵高笔下的向日葵让人感觉焦灼、扭曲、疯狂和孤独，而“梵高奶奶”的向日葵却欣欣向荣，生机勃勃，无忧地生长，快乐地成熟。

常秀峰的作品属于写实主义，当然，由于民间艺术的影响，再加上其个人毫无美术训练基础，她的造型具有概括、适度夸张、抽象和美化的特点，恰好处于似与不似之间。著名画家曹新林说:“这属于原生态画作，朴实、漂亮，很有艺术灵气。”

《论语·为政第二》说:“《诗》三百，一言以蔽之，思无邪。”常秀峰的画之所以能够感染那么多人，就是因为她能直抒胸臆，大雅若俗。