浅析钢琴演奏中的“呼吸”

浅析钢琴演奏中的“呼吸”（精选11篇）

篇1：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

浅析钢琴演奏中的放松论文

[摘要]放松是钢琴演奏的基础，由于生理上的紧张而导致弹奏姿势不好、演奏时对乐曲的处理、表现、思路不明确以及对环境的变化不能很好的适应而过度紧张会影响到钢琴的演奏。

[关键词]钢琴 放松 理解 体会 练习

放松是钢琴训练的基础。如何在练习的过程中做放松呢?我认为有以下几点。

一、理解放松

放松不是技术，而是一种状态。在形式上，一般可分为静态放松和动态放松两种。静态放松是持续的放松，如熟睡时的状态;动态放松是瞬间的、局部的，是一种完整动作张弛的一个间歇，目的不是为了静止，而是为了“待动”。钢琴演奏中的放松就属于动态放松。

正确的放松可以理解为一种“积极休息”的状态，在所有可以不用力的时刻和所有可以不用力的身体部位，都处于毫不费力、非常舒服的状态，同时又可以随时转入行动的状态。这种放松是相对紧张而言的，是去掉多余力量而并非不用力。在进行某种弹奏技巧时，往往容易产生多余紧张，也就是与弹奏动作无关的别的肌肉的紧张;或者产生过度紧张，也就是与弹奏动作有关的`肌肉不适度的紧张，这在钢琴学习中是一种普遍现象。在技巧训练中强调放松就是要做到规范的触键动作，即相关肌肉的紧张和不相关肌肉的相对放松。

二、体会放松

体会是一种感受和实践。著名钢琴教育家周广仁教授曾这样形容:“手指好比在前线打仗的战士，必须要有畅通无阻的后方来支援。”这里说的“畅通无阻的后方”就是指从手腕到肩部，包括整个身体的上部都要放松。也就是从第一个支撑点指尖开始，到另一个支撑点接触琴凳的身体为止都应该保持自然松弛的状态，尤其是肩关节到腕关节处，任何一个部位出现了紧张状态，力量都不能畅通无阻。

任何形式的放松都是相对的，比如，手指的放松并不是不用力就能把手指支撑起来，手型的放松也不是指整个手掌软绵绵的趴在琴键上。在弹奏中没有绝对的放松也没有绝对的紧张。臂的放松:在做这个练习时，大部分学生会主动的拿起手，不能被动的让老师帮忙拿起。在松手坠落的时候，大多出现手臂悬在空中，没有“掉下去”的感觉。针对这一普遍现象，可以在提起时用“吸气”、落下去用“呼气”的感觉来协助体会放松。还可以向前附体90度，双臂向下自由摆动来体会双臂的放松。手腕的放松可以用下面的方法试一试:手指击键后按住琴键，让手腕做一些上下左右或旋转的动作。在练习手指放松的时候，可以将处于休息状态的自然弧度的手指置于桌面，然后抬指，随即又回复到休息的状态，循环往复的练习。

三、练习放松

紧张与放松的快速交替是钢琴演奏的基本原理，没有紧张，钢琴不能发声，没有放松，音色不能优美、演奏不能持久。关键是要去掉多余的动作和多余的“紧张”。比如弹和弦和八度时，紧张与放松的交替就体现的更明显:第一步是手指贴键的准备，是放松的状态;第二步是抬指、发力、触键;为了声音干净整齐，刹那的紧张是非常重要的;第三步是刹那的放松。可见这个过程正是“松”、“紧”、“松”的快速交替。

钢琴弹奏是从头到脚的全身运动，是全身各部位的高度配合。聆听是取得身体动作放松的关键。更重要的是演奏者在聆听时及时鉴别声音的质量，养成追求美好音色的敏锐感觉。

1.肩、肘、臂的放松

肩关节僵硬会引起背部酸痛，要达到手臂在键盘上左右移动，肩关节必须放松。教师只需要轻轻敲打学生肩膀，同时还要向学生讲述力量流通的路线。弱奏时控制音量的正确方法是:降低触键的速度、减少掌关节的爆发力，并不是小心翼翼的不敢下键;上行时将身体右倾、下行是将身体左倾，让身体调整到能使手臂自如活动。不要依靠耸起肩膀来腾出手臂活动的空间。

肘关节是上臂与前臂的连接枢纽，起着传递和调配力量的作用。练习中，可以让手指站在键盘上，将肘部像扇翅膀一样上下摆动，就可以获得放松。多练习抒情乐曲可以使肘关节放松。

手臂用力不恰当，容易造成手酸。首先，在放松的潜意识指挥下，手臂有意的去找放松的感觉。其次，通过远距离跳动来放松手臂，化解手臂的僵硬。

2.手腕、手指的放松

手腕是连接手掌和手臂的枢纽，是手臂力量传到指尖的控制阀，又是各种音色、奏法的关键，腕关节如果盲目用力，会使音色变得难听。做一些连音与跳音的对比练习可感受使用手腕力量的区别。跳音时利用轻微的手腕来完成手指触键，手腕的运动方向是上下的;连音时可以利用移动手腕的方法将力量传送到各个指尖来完成连奏，手腕的运动方向是左右的，有弧度的。

手指是钢琴弹奏最直接最敏感的部位，手指的动作也是瞬间的紧与立即的松。根据重音位置及音型调整手指的高度，即高指与低指两种不同触键技巧，可以用第一音高抬指的力度带出后面若干音。

3.练琴方法获得的放松

慢练:在初步体会放松或一种技巧没有熟练前，快速弹奏会使学生淡忘放松的感觉，只有反复的“慢练”，不断聆听放松带来的优美音色，才能使放松贯穿于整个弹奏过程。

精练:放松在一定程度上还受熟练程度的制约。一些生硬、紧张的动作，常会随着动作的逐渐协调即“精练”而自然消失。如音阶进行时的穿指动作，由慢到快的反复练习，就能做到放松自如、流畅连贯。

总之，放松是钢琴演奏的基础，也是关键。正确的学会放松是弹好钢琴的先决条件。在弹奏中不但要学会调整身体各部位肌肉的放松，做到有控制有支撑的放松，而且还要具备良好的心理素质，使之能适应不同的环境，从而演奏出好的音色与美的音乐。只有学会了放松，才有可能在钢琴演奏的领域中挥洒自如，得心应手。因为放松是走向钢琴演奏艺术殿堂的必由之路。

参考文献:

[1]亨利涅高兹.论钢琴表演艺术[M].人民音乐出版社， .241-243.

[2]赵晓声.钢琴演奏之道[Z].世界图书出版公司，，(4): 56-59.

[3]姜文子.论钢琴演奏中的放松问题[J].沈阳音乐学院学报，1998，(04):29-33.

篇2：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

钢琴艺术不是单纯的演奏方法和各种技能技巧的训练，而是演奏全面素质的培养和训练。一个重要的不窑忽略的方面，就是演奏心理对演奏的作用和影响。演奏心理是学习与实践过程中心理现象的反映，认知演奏者在演奏学习、艺术实践中的心理变化规律，是提高演奏能力和课堂教学水平的重要环节。演奏心理支配和影响着技能技巧及音乐情感的发生和发展。演奏心理意识的外在反应就是演奏的行为，也可以说演奏艺术是人的演奏心理的艺术。

在钢琴教学中，一些教师已经自觉或不自觉地把演奏心理教学运用到课堂中。心理教学法深化和发展了传统的生理教学法，揭示了演奏与触键的产生和发展规律，体现了钢琴艺术的科学性。作为钢琴教师必须要掌握钢琴教学的心理规律，从而启发学生运用意识、感觉、想象、情感等心理手段，对演奏与触键的生理技能进行调控。心理学使我们知道，人的心理活动直接影响到实践能力。在钢琴教学中会出现一些现象，由于演奏心理的不稳定使演奏能力、演奏水平都随之发生变化。如一些学生在上课或自己练习的时候弹得很好，但一有观众就会局促不安，演奏时会出现手臂僵直、手腕僵硬、手部紧张弹不开、触键方法不正确、弹奏力度不统一等诸多问题，使演奏水平大打折扣。还有些学生在台下练习得非常熟练，可一到台上就会出现忘谱、错音等情况，这是由于紧张失控而产生的演奏心理障碍。各种因素造成的情绪紧张，会使已经熟练的动作和熟记的材料不能重新回忆、再现或再做，被心理学家称为“怯场”。“怯场”是一种心理反常现象，是不正常的心理和生理过程所造成的，这样的演奏心理会给演奏带来极大的影响。

钢琴艺术不同于其他科目，较为抽象，不够直观，完全是凭演奏者的感觉和体会来掌握演奏的技能技巧。17世纪意大利入培特罗·托西指出：“没有敏锐听觉的人永远也不应当从事教学工作……”在多年的教学工作中使笔者深有体会，很多演奏技巧不是演奏理论能够讲得清楚的。学生的演奏能力与理解力又各不同，教师就一定要因人而异，采用不同的教学方法来启发引导学生。在演奏训练中，凭借着自己的思维展开丰富的想象，将弹奏的原理和机能中比较抽象和不易理解的`概念变得滴晰可辨、浅显易懂，多采用“比喻”的方法，是达到这一目的的重要教学手段。教师在钢琴教学过程中对演奏技巧与演奏心理应给予同等的重视。

在钢琴的教与学的过程中，要注重加强演奏心理训练。演奏心理训练培养演奏者善于控制和调节自我心理状态的能力，在演奏时能置于乐曲角色之中，达到最佳的演奏状态。笔者在从事多年的课堂教学和演奏中初步探索出了一些对演奏者进行心理训练行之有效的途径和方法。

一、激发学习兴趣，加强意志和性格的培养

大多数演奏家都对自己从事的事业有着强烈的爱好和情感，这种情感是从兴趣开始的，是兴趣的升华，只有对钢琴艺术充满了兴趣。才会为之努力。教师在教学中要把调动学生学习钢琴的积极性放在首位。托尔斯泰说：“成功的教学所需要的不是强制，而是激发学生的兴趣。”教师的神态、语言、动作、指挥、示范等一切教学行为都会传送出情感的信息。教师要以积极饱满的情绪去感染学生，教师以亲切自然、满怀信心的形象出现在学生面前。会给学生留下美好的印象，会使得学生心情开朗、满怀激情地投入到钢琴学习中去，以使学生从训练之初，就养成一种良好的演奏精神状态，非常自然地、诚挚地带着美好的愿望投入到钢琴学习的情绪中。此外，还要不断地开阔艺术视野，大量查阅音像资料，提高音乐艺术审美能力，使教与学有机地紧密地融合在一起。

人的心理特征的重要方面是意志和性格，是经常的、稳定的、本质的心理特征。每个人自身所体现的意志和性格都各有不同，就性格方面而分析，分为外向型和内向型。外向型的学生性情会较为开朗、乐观，自信心强，演奏心态积极，演奏心理相对比较稳定。而内向型性格的学生在同外界接触中，就会比较紧张、缺乏自信心、容易害羞。大多数内向性格的人在演奏时会出现消极的演奏心理，就是“怯场”的心理。对于这种情况的学生，教师就要采用多鼓励、多欣赏的方法，多给学生表演锻炼的机会，让学生对自己的演奏充满自信。平时要多培养演奏的情绪，保持饱满、乐观的精神状态，经过长时间的训练，才会使学生拥有良好的演奏状态。另外还要注重培养学生努力钻研的学习精神，加强演奏技能技巧的训练，具备了一定的演奏能力，自信心自然就会随之增强。

二、培养演奏实践的能力

演奏艺术是舞台艺术，是同观众见面的艺术。要鼓励学生在课下多参加舞台实践活动，积累舞台演奏的经验与自我驾驭的能力，在反复的舞台实践中不断地改善自身的心理状态，消除心理障碍，实现自我调控能力，从而在演奏中能够更加充满信心：在上台前，要保持积极向上的演奏状态，培养演奏的欲望，稳定心态;在演奏时，注意力要高度集中于乐曲之中，不受外界干扰，音乐一起就要全身心地投入到乐曲的情境中。有这样一句话：“先打动自己才能打动观众。”这样演奏时就能始终处于可控状态。另外台上。演奏时的表情感觉要与乐曲表现的内容相吻合，而且还要注意落落大方的台风，上下台的步态及舞台礼仪。作为演奏者，其歌奏的目的就是要使观众融入到你所演奏的乐曲情感之中，只有弹奏与表演协调一致，才会把观众带入到美的感受中。

篇3：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

1. 钢琴演奏中的呼吸及其重要性

呼吸为生物体的生命活动提供能量, 是为了维持生物体的机能所进行的必要运动。钢琴艺术作为人类艺术世界中重要的组成部分, 与人的生理和心理等因素有着密切的关系。表演者的脑、手、臂、脚乃至整个身心都担负着音乐的某种特定任务, 是否能够控制和安排好呼吸, 对于协调和把握好演奏者的弹奏动作有重要的作用。因此, 对于钢琴演奏者来说, 在钢琴学习过程中要进行专门的呼吸训练, 有意识地改变原来的自然呼吸频率, 使演奏者更好地协调和放松身体, 达到心理、情绪、思维、肢体语言等协调的最佳状态, 更好地完成演奏任务。

2. 钢琴演奏中呼吸的安排

在钢琴学习过程中, 演奏者要积极训练, 使自己呼吸从本能变成一种技巧, 同时更要学会根据演奏状况调节和安排好自己的呼吸。

2.1 与演奏者状态互补充

从生理学的角度来理解, 高频率的呼吸能够使人兴奋和紧张起来, 而绵长舒缓的呼吸则使人放松。在钢琴演奏过程中, 演奏者的状态十分重要, 过度的放松或者过度的紧张都是不利于弹奏的, 演奏者可以通过呼吸来调节自己的消极状态。例如, 演奏者可以利用深度呼吸来松弛自己的肌肉和神经;也可以通过频率稍快的呼吸使自己进入一种相对积极的演奏状态中去。同时, 钢琴演奏对于演奏者的体力有一定要求, 演奏者应学会深度呼吸, 使自己的精力和体力更加充沛。

2.2 与钢琴曲目相协调

呼吸是准确表达音乐作品情感的重要手段之一, 没有呼吸的钢琴曲目就如同没有句读的文章一般沉闷而令人无从欣赏, 在钢琴演奏中的呼吸必须与钢琴曲目相协调。演奏者要根据作品的结构, 借助呼吸来划分乐句、乐段, 勾勒作品形态, 表现其内在所蕴含的丰富情感。演奏者在进行弹奏实践中, 应随音乐作品旋律的高低、力度的强弱、速度的急级、节赛的疏密、情感的变化自然而然地进行吸气、呼气、闭气。

3. 钢琴呼吸训练

在钢琴演奏中呼吸有着重要的作用, 钢琴演奏者可以通过以

时, 闻者为之战栗。本首练习曲, 篇幅达到4面纸, 而充斥着各种震音, 由慢而快地练习, 才能将手指的灵活性和手腕的摇动充分结合起来的。

综上所述, 只有认真地去读懂每首练习的要求, 看清练习的目的性, 集中注意力去弹奏每首练习, 在这本书弹完之后, 你就有可能真的成为钢琴演奏家。

注释:

1.王靖一.《感受哈农——浅谈练习哈农的意义和如何练习哈农》.《音乐天地》2010年1月.

下方式掌握正确的呼吸方法, 将本能的呼吸行为转变为技能的呼吸行为。

3.1 进行腹式呼吸

腹式呼吸是一种深度呼吸, 可以使演奏者的气息更加绵远深长。腹式呼吸的动作特点是吸气时腹部向前突起, 横隔膜向下用力, 将内脏器官往下压, 胸廓扩大。腹式呼吸可以使人感到心情舒畅, 心平气和, 可以使演奏者的演奏心理处于较好的状态;同时, 这种呼吸方式还可以使演奏着呼吸通畅, 肩部、背部肌肉松驰, 有利于肩关节活动和两臂下沉触键, 避免气息上提、气短、架肩、缩脖等妨碍演奏的不良现象。

3.2 训练呼吸的节奏

演奏者有意识地进行有节奏的呼吸训练, 可以使自己在演奏实践中自然而然地达到一种人琴和谐的状态。这种方法是演奏者在放松状态下, 通过按脉搏的方式记录自己心跳的节拍, 然后通过打节拍的方式来进行呼吸。在训练初期, 演奏者要循序渐进, 可以先进行6拍的呼吸, 吸气后屏气3拍, 呼出6拍, 再屏气3拍, 依次重复;在下一阶段, 演奏者再尝试练习8拍节奏, 吸气、屏气、呼气、屏气都要坚持到8拍;在练好8拍节奏呼吸的基础上, 演奏者可以练习呼吸与乐曲节奏同步, 最好选择自己熟悉的曲子与呼吸配合训练, 这样效果更好。在呼吸练习中, 呼吸应轻盈、缓慢、细匀、调和, 使人感到舒服, 不要过度用力。节奏呼吸练习有利于身体和大脑同步, 帮助演奏者进入协调状态。

3.3 学会聆听“呼吸”

掌握正确的呼吸技能, 就必须要学会聆听呼吸。钢琴音乐是听觉的艺术, 感受钢琴音乐的艺术形象, 是培养演奏者良好的音乐感受能力和鉴赏能力的有效途径之一。在这里的聆听和欣赏包括两方面内容:一方面是欣赏音乐作品本身, 演奏者要注意听出乐句的句头、句尾和句子的走向, 要注意听出乐句的语气和情感。其中, 乐句的句头一般手腕要轻轻带起犹如歌唱时呼吸的气口, 而句尾则会自然减弱;另一方面是欣赏钢琴大师们的演奏作品, 注意他们是如何处理演奏中的呼吸的。

4. 结语

呼吸作为生命存在的标志, 它既是生命的本源, 也是音乐的本源, 没有“呼吸”的音乐是没有生命的音乐。“呼吸”贯穿于整个钢琴演奏的过程, 钢琴演奏的成熟境界在于熟练、正确的运用呼吸;而丰盈饱满、融会贯通的呼吸状态, 将使人人与音乐达到一种自然的协调。钢琴演奏者应正视呼吸的重要性, 并积极的进行呼吸训练, 为实现钢琴演奏的成功而努力。

参考文献

[1].赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海:世界图书出版公司, 1999.

篇4：浅析钢琴演奏中的“弹情”

前不久，我观摩了一场国际性的钢琴比赛，一位英国教授在听完一名中国选手演奏的李斯特音乐会练习曲《轻盈》后，对我说：“中国学生有魔术般的手指，但我听不懂……”听后我不禁愕然。是啊，如果音乐失去了情感，演奏者无法与听众沟通，那么他弹出来的只不过是乏味的、毫无生机的声音罢了。音乐中的“情”就像人的“情感”一样，没有情感的人不是完整的人，同样，没有情感的音乐又怎会让人听懂呢？

那如何在钢琴演奏中做到“弹情”呢？我从以下几个方面来谈。

一、正确的读谱和扎实的基本功

正确的读谱和扎实的基本功是钢琴演奏者必须具备的基本条件。

1.正确的读谱

音乐作品是以乐谱的形式存在的，作曲家通过乐谱来表达思想感情、创造和塑造音乐形象、表现内心世界。乐谱是演奏者根据作曲家的思想和意图进行创作的重要依据，是作曲家与演奏者之间的共同媒介，也是音乐情感正确表达的保证。所以，一个演奏者想要把作曲家的情感和自己对作品的理解在演奏中都表现出来，就必须仔细、认真地读谱、练谱。乐谱中的音符、指法、节奏节拍、音乐术语和表情记号、踏板的运用等都非常重要。每一个演奏细节都不能忽视。演奏者常常在音符的演奏方面没有问题，但容易忽视乐谱中的音乐术语、表情术语，恰恰这些就是钢琴演奏的动情之处。p、f、crese、lento等等，往往会给你明确的提示，会让你的演奏更贴近作曲家的创作情感，使自己的演奏更具有感染力。

2.扎实的基本功

钢琴演奏者不像演唱者那样直接通过自己的声音来抒情达意，而是通过自己的手指触键的力度、速度等方式通过钢琴来表达自己的情感。演奏者要想把自己的情感通过手指表达出来，就必须有扎实的基本功。在演奏者的手指触键时，力度的运用一定要恰当。在表达一种辉煌或振奋人心的情感时，力度的运用就要重一些，使听众可以感受到作曲家和演奏者的这种激动的情绪；而在幽静、沉思如梦幻般的情境中，演奏者在力度方面就要运用得轻一些。但只是轻，还是要弹奏清楚，让人能清楚地听到每一个音，这就更需要扎实的基本功。其实， “轻”很容易做出来，但“轻而清楚”恐怕就比较难了。模糊的音乐是不完整的表达，也就更不能表达出真实的情感了。

二、深入的理解作品

要想演奏好一部作品，演奏者除了要正确的读谱和具备扎实的基本功之外，还要深入地理解作品、分析作品。演奏者不仅要对一部作品的作者、作曲风格、作品背景有所了解，还要分析和掌握作品的曲式结构和内在逻辑，做到这些，演奏者才可能会对作品有一个整体的、理性的认识和更清楚地情感表达。

1.了解作品的作者和创作背景

钢琴演奏者对作者的了解、对作品创作背景的了解，对其在演奏中音乐的情感表达有特别重要的帮助，因为时代造就英杰，每个作曲家都是一个时代的产物，他的性情、思想都是在时代变迁中产生的。比如，肖邦的《降b小调钢琴奏鸣曲》，该曲作于1844年夏天，是肖邦与乔治·桑一起在诺安时创作的。正值华沙起义后肖邦流亡巴黎时期，作曲家把对祖国沦亡的极度悲痛、对侵略者的极度憎恨和对美好生活的向往全部倾入作品中，音乐成为表现其爱国主义情感的核心。再比如贝多芬的钢琴奏鸣曲《告别》，演奏者在弹奏这首曲子之前，就应该了解这首作品是在作曲家的祖国沦陷后，他的好友、他最大的支持者鲁道夫大公爵到国外避难一年后又重逢的背景下创作的。了解了这个创作背景，演奏者就可能把作品中的从悲痛到激动、从孤独到兴奋的情感表现出来，就会为自己的演奏增光添彩了。

2.了解作品的风格

要正确地理解一部作品，还要具体地分析这部作品的风格与其他作品的异同。当然，分析风格截然不同的作品是比较容易的，但如果作品的风格有些差异，而差异又很微妙，这分析和演奏起来就有些难度了。“比如同时悲剧风格的作品，有的可能是悲中有喜，有的则可能是悲上加悲。”

在当今的一些钢琴比赛中，“一方面比的是技艺，但更重要的是比技艺之外更重要的东西-----这就是对作品的理解力。”理解好作品风格上的微妙的差异，就可能在一些细节上处理得好，这样，演奏者可以在情感的表达上做到恰如其分，就可以征服评委和听众。大的差异把握好，小的细节处理好，他弹出来的“情”才更打动人心。

3.分析曲式结构

很多时候，我们在读一篇文章时，会归纳它的框架结构，总结它的中心思想，以便更深地理解这篇文章。钢琴演奏亦是如此。钢琴演奏者在拿到一个作品时，要通过细心、正确的读谱，来分析音乐作品的结构形式，这便是曲式分析。通过对作品的曲式分析，演奏者可以了解到作品中的各种和声织体的变化和内在的逻辑，可以了解到作品的调式、调性，可以了解到作品中句子和段落的划分，了解作品中“起承转合”这样的演奏逻辑，便更能使自己游刃有余地驾驭作品。如作曲者苔克拉·巴达切夫斯卡所作的《少女的祈祷》，曲式为变奏曲式。引子以倚音八度的下行音阶为主，使人感觉到似乎是教堂的钟声打破了早晨的寂静，令人心旷神怡；接着右手八度琶音奏出三连音为主的优美主题，表现了天真无邪的少女在听到教堂的钟声后，内心展开的无限遐想。再次交替出现的变奏，每一次都会有明确的思想，而不是杂乱无章的简单堆砌。了解了这些曲式结构，再来深度演奏乐曲，挖掘内心的情感世界就变得感同身受，容易理解了。

三、演奏中的二度创作

二度创作对演奏者来说是一个永恒的主题，它是把无声的乐谱变成有情感的、有生命力的运动，把無声的音符变成运动的音响，把无声的作品变成一个个栩栩如生的艺术形象的一个再度创作的过程。

1.丰富的想象力

想象力是人的大脑对事物产生一种虚幻的影响，可以加深对一种事物的理解。在钢琴演奏中，想象力是演奏者的情感来源，恰当的想象力可以使演奏者更加深入地了解作品的内涵，使其弹出来的情感更加丰富，弹出来的东西更形象化、具体化。

例如在演奏贝多芬的《告别》奏鸣曲第三乐章《重逢》的时候，通过演奏者对《重逢》的创作背景的了解，就可以在引子部分想象到两个分居两地，长时间没见面的老朋友即将见面时的那种急速的步伐，焦急的心情，迫不及待地表情。再例如，柴可夫斯基的钢琴曲集《四季》中的《十一月——在马车上》，在尾声部分，音符的时值变得越来越长，音响效果越来越微弱，演奏者就可以想象到马车已然渐渐远去，铃铛声渐渐变小的画面。

由此可见，丰富的想象力对音乐的情感表达来说，是不可缺少的，它可以帮助演奏者完成对作品的二度创作。

2.鲜明的个性

同样的作品，演奏者在情感表达方面应该有不同的表现。弹出来的情感有新意，才能给听众耳目一新的感觉。听一些著名钢琴家的演奏，并试图去模仿，这对一个钢琴演奏者来说是一种进阶的途径，但是如果只是鹦鹉学舌，没有在演奏中投入自己的情感意识和创作热情的话，那么他表现的东西必定是邯郸学步，止步不前。

每个作品都是“自在之物”，演奏者除了按照作曲家的意图来演奏之外，还应巧妙地加入自己对这部作品的理解，在弹“情”时，要投入自己全部的热情、智慧和才能，在符合原作内容的基础之上，使音乐作品放射出异样的光芒、精湛的演绎。

篇5：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

关键词：钢琴演奏；人文素养；乐感；演奏技巧

随着我国社会经济的快速发展，人民对精神文化的需求日益丰富，钢琴的使用量也逐渐增加①。钢琴演奏作为一门艺术，需要钢琴演奏家借助钢琴对钢琴作品进行表演，让观众在聆听钢琴作品过程中感受到美。一首完美的钢琴演奏在台上只有短短的几分钟，但是演奏家却在台下练习了许久，只有演奏家具备高超的演奏技巧才能在台上展现出爆发力。基于此，本文就对钢琴演奏中的人文素养、乐感以及演奏技巧进行探究。

一、钢琴演奏中人文素养、乐感以及演奏技巧的重要性分析

1.人文素养在钢琴演奏过程中的重要性分析

随着我国社会经济的快速发展，人们对艺术的追求呈现出多样性，钢琴作为一种乐器，可以陶冶人们情操，让人们徜徉在音乐世界里。钢琴演奏时艺术的二次创作，钢琴演奏家在进行钢琴演奏过程中只有对演奏曲目有着良好的感知、理解，才能将演奏曲目演奏的完美②。面对此种情况，就需要钢琴演奏家具备较高的人文素养，在进行钢琴演奏前期对需要演奏的曲目进行理解，并在理解过程中融入自身对音乐知识的理解、人生经验、艺术审美等方面内容，从而让钢琴演奏家在钢琴演奏过程中能够顺利演奏出曲目的意境，吸引更多的钢琴爱好者进行聆听，增加观众对钢琴演奏的认知。

2.乐感在钢琴演奏过程中的重要性分析

乐感是指对音乐的感知，是音乐教育中是一个非常重要的内容，钢琴演奏者只有有了丰富的乐感，才会让其在接触到钢琴音乐作品时产生心灵上的反响；而如果钢琴演奏者不具备丰富的乐感，耳闻仙乐却无动于衷，就不会完美的演奏出钢琴曲目③。通常情况下，音乐乐感主要包括：音高感，节奏感，和声听觉，旋律感等一系列音乐感知，有些人先天具备音乐乐感，而有些人则需要后天培养。钢琴演奏家在进行钢琴演奏过程中需要借助钢琴来对音乐作品进行演奏，在此种情况下，钢琴演奏家具需要在音乐乐感的指引下，才能对钢琴演奏曲目进行完美的表演，让自己对钢琴演奏作品的结构组成、音符、旋律、钢琴谱等方面内容进行详细了解，并在演奏过程中融入自身情感，从而让钢琴演奏家在钢琴演奏过程中展现出爆发力，进一步增加钢琴演奏艺术对观众的吸引力。

3.演奏技巧在钢琴演奏中的重要意义分析

钢琴的演奏技巧十分丰富，钢琴演奏家在进行钢琴演奏过程中可以自如地弹奏各种音阶、半音阶，各种音程的跳动，各种双音、和弦以及各种复杂的乐曲，钢琴演奏家只有具备高超的钢琴演奏技巧，才能将钢琴曲目完整的演奏完毕，所以钢琴演奏技巧是衡量钢琴演奏者演奏水平的重要手段④。钢琴演奏家在进行钢琴演奏过程中对不同的演奏曲目使用不同的演奏技巧，让观众在聆听钢琴曲目过程中产生情感上的共鸣，从而吸引更多的钢琴爱好者聆听。在西方浪漫主义产生之前，钢琴演奏过程中出现了“钢琴炫技派”，这部分钢琴演奏家在进行钢琴曲目演奏过程中经常会使用连奏、跳音以及半连音，并在钢琴演奏的整个过程都保持着兴奋的状态，充满精神，从而将钢琴曲目完美的进行演奏，实现钢琴演奏的目的。

二、培养钢琴演奏中的人文素养的措施分析

钢琴演奏与一般的艺术有着差异性，其在表演过程中需要人们用心去感受，去寻找音乐中的慷慨激昂。钢琴曲目中的每一个音符都是曲子组成的主要部分。钢琴演奏者在进行钢琴演奏过程中不仅需要具备高超的演奏技巧，还需要具备加强的人文素养，从而能够可以让演奏家在钢琴演奏过程中融入自身情感，演奏出更加动人的钢琴曲，因此，提高钢琴演奏者的人文素养具有重要意义⑤。通常情况下，培养钢琴演奏中的人文素养需要从以下几个方面展开：首先，钢琴演奏家在平时生活中需要多聆听音乐，对钢琴曲目进行深入研究，积极探索钢琴曲目中的情感。其次，钢琴演奏家需要在日常生活中多读书，从书中增加自身文化底蕴，广泛阅读与钢琴有关的书籍，更加深入了解钢琴相关知识，从而增加自身钢琴文化素养。再次，钢琴演奏家需要多去参加一些钢琴演奏会，聆听其他钢琴演奏家演奏的曲目，并对这些曲目进行分析，找出不同钢琴曲目中的差别之处，然后其他钢琴演奏家的演奏技巧、演奏方法等方面内容进行学习，从而对自身钢琴演奏方法进行总结，找到属于自己的钢琴演奏方法，提升自身钢琴演奏水平。最后，钢琴演奏家可以去大自然中找寻“自由”，感受大自然风光的魅力、开拓自己的胸怀，并去社会中进行走访，了解平常人生活中的酸甜苦辣，从而使得自身阅历得到丰富，感受到钢琴曲目中更深入的感情，提高自身钢琴演奏水平。

三、提升钢琴演奏家演奏技巧的对策分析

钢琴演奏技巧十分丰富，具体包含钢琴的声音、钢琴的音色能量、钢琴演奏者手臂力量、钢琴演奏者弹奏时手的姿势、挥动、琴前的坐势等等，是成为一名优秀钢琴演奏者的基础，对钢琴演奏者的演奏质量起着至关重要的作用⑥。“笨鸟先飞”，钢琴演奏家要想掌握高超的钢琴技巧与后天的勤奋练习是有着直接关系的，因此，钢琴演奏家需要在日常生活中加强对钢琴技巧的练习，从而提升自身钢琴技巧，保证钢琴演奏水平。通常情况下，提升钢琴演奏家演奏技巧的方法有以下几种：首先，俗话说：“冰冻三尺，非一日之寒；滴水穿石，非一日之功⑦”，所以钢琴演奏家要想具备高超的演奏技巧是和日常生活中的勤奋练习分不开的。因此，钢琴演奏家需要加强对钢琴技巧的练习，在练习过程中需要将自己的练习时间、练习内容进行合理规划，加强对音阶、长音、短音以及颤音的练习，并在练习过程中有重点的对演奏技巧进行练习，掌握不同钢琴演奏曲目的音准和节奏，根据钢琴演奏曲目选择自己的钢琴演奏技巧，勤练习，做到熟能生巧。其次，钢琴演奏者需要注重手腕和手指的练习。钢琴演奏对演奏者有着较高的要求，要求钢琴演奏者需要具备长手指、有力的手腕，从而保证钢琴演奏过程中可以实现身体的各个部位高度配合，提升钢琴演奏水平，因此，钢琴演奏者需要在日常生活中加强手指、手腕的练习，在钢琴演奏过程中保证注意力高度集中，对自己演奏的曲目做到认真聆听，找到演奏过程中发音不规范的地方，查明原因进行改正，并在钢琴演奏过程中保持一颗平稳的心态，不浮躁，让自己在钢琴演奏的整个过程中都充满激情，从而将钢琴曲目完整的弹奏出来，提升自身的钢琴的演奏水平。最后，钢琴演奏者需要对自身音乐表现力进行提升，在日常生活中加强对各种钢琴曲目的学习、聆听《爱的纪念》、《献给爱丽丝》、《克罗地亚狂想曲》、《蓝色的爱》、《命运交响曲》⑧等众多的钢琴曲，让钢琴演奏者在聆听钢琴曲目过程中提高学习情趣，使得内心得到升华，从而让钢琴演奏者在钢琴演奏过程中实现情感的爆发，提升音乐表现力，提升钢琴演奏水平。四、提升钢琴演奏家的音乐乐感的对策分析乐感是钢琴演奏过程中慢慢形成的，是艺术的一种直觉表现，其可以激发钢琴演奏者的演奏天赋，让钢琴演奏者在钢琴演奏过程中更高的把握钢琴演奏节奏，从而保证钢琴演奏的顺利完成。因此，钢琴演奏者要想保证钢琴演奏质量就需要不断提升自身的音乐乐感，具体可以从以下几个方面进行：首先，每一首钢琴曲都是由五线谱、符号等部分组成的，钢琴演奏者需要加强对这些方面内容的学习，并在演奏过程中保持自己的良好心态，在演奏过程中始终精神饱满，从而让自己在演奏过程中提升乐感，促使乐感朝向正确的方面发展。其次，乐感主要是通过视觉、触觉、听觉等方面进行激发的，所以钢琴演奏者在日常生活中需要加强对这些方面内容的训练，让自己在平常的练习过程中将钢琴的张力展现出来，并通过多种感觉进行表演，从而提升自身对音乐乐感的感知。再次，钢琴演奏过程中的旋律变化是多样的，而旋律也是培养乐感的重要途径之一，所以钢琴演奏者在平时需要加强对钢琴演奏旋律变化、节奏变化等方面内容的练习，让自己对钢琴音乐有一个具体的认知，仔细聆听钢琴音乐旋律变化情况，从而提升钢琴演奏者的音乐乐感。最后，钢琴演奏者还需要在日常生活中加强对钢琴曲目的练习，让自己对钢琴曲目形成一个整体认识，在练习过程中加深对每一个音节、符号的理解，从而让钢琴演奏者在潜移默化中形成一种乐感。

结语

总而言之，钢琴演奏家在进行钢琴表演过程中只有具备高超的演奏技巧、良好的音乐感知和人文素养才能顺利的演奏，因此，钢琴演奏家在日常生活中需要加强自身演奏技能、音乐乐感和人文素养的学习，并在演奏过程中对这些内容进行应用，从而让钢琴演奏者在钢琴表演过程中充分展现出钢琴演奏的魅力，让观众在聆听钢琴演奏过程中感受到钢琴演奏的魅力，喜欢聆听钢琴演奏。

注释：

篇6：钢琴演奏中的节奏感论文

关键词:钢琴 乐器之王 音乐的脉搏 音乐的生命 钢琴演奏 节奏感

钢琴被称为是现代乐器中无与伦比的乐器之王,它能够用仅有的88个琴键表达出人类所有的情感——欢乐、忧愁、哀伤、哭泣、沉思、庄严、诙谐……而要将情感正确完美地表达出来,节奏感是至关重要的一点。

一、节奏是音乐艺术的脉搏、音乐的生命

音乐的存在和进行,首先就在于节奏的作用。节奏在音乐中就像生命存在于每时每刻中,就像我们的脉搏每时每刻都要在跳动一样,节奏的脉搏每时每刻都贯穿在音乐之中。流行音乐由于讲究效果,在演奏时常加入很多打击乐器,在每小节重怕时,低音鼓浓重地打出了节奏重音,表现非常有规律的节奏使听众很容易便被这种节奏所感染,而这也是它通俗性的表现。而严肃音乐节奏的表现方式就不可能像流行音乐那么外在,所以往往容易在某种程度和某些方面被忽略,而使音乐感受能力稍差的人,由于感觉不到节奏的律动而无法感受音乐的存在和进行,更别提进一步地理解和享受音乐的艺术美了。音乐的节奏不可能像机器那样纹丝不动,一首奏鸣曲,一个乐章内虽有一个基本速度,但在欢快时,也许稍稍加快了一点,抒情的地方也许要稍稍放慢一些,但是基本速度不能变,从整体感觉上速度必须是统一的,这样乐曲才能完整。由此可见,节奏是音乐构成中的重要部分,在音乐表现中具有重要意义。

二、节奏在钢琴演奏中的重要地位

钢琴演奏是音乐艺术的主要表现形式之一,它利用手指及全身心弹奏钢琴来表现音乐形象,用钢琴音乐语言来倾诉心声,使演奏成为有灵魂的活的富有情感的表演。而音乐感觉本身具有一定的抽象性,容易意会,不易言明。必需通过节奏和声音两个具体的要素来加以体现。因此,节奏问题在钢琴演奏中具有极其重要的作用。在我们的练琴和演奏中,由于通常没有其余的节奏乐器如鼓等来伴奏,节奏的体现全靠弹奏着的良好训练和感觉去体现出来,由此节奏感的强调就显得至关重要。

三、如何来培养节奏感

(一)培养正确、良好的节奏感首先要做的是使“步伐”整齐——即搞清拍子、数准拍子、统一速度。要做到节拍准确,必须做到熟练掌握各种常用的拍子;养成正确数拍子、打拍子的习惯;保持稳定的速度数拍子,并按正确的节拍练琴。对于钢琴学习者来说,一个大项是音阶、琶音及其他练习曲,另一个大项是乐曲、复调曲、奏鸣曲等。这两个大项都要求节奏的统一、稳定,所以数好拍子,弹稳拍子,是一项最基本的要求。

(二)培养节奏感必须做到突出节奏的律动。例如:贝多芬“悲怆”奏鸣曲第一乐章的快板部分。左手有大段的每小节八个音的分解八度震音,弹奏时在保证节奏稳定均匀的基础上,在每小节第一个音上加适当重音,作为节奏支点和发动力,随后的七个音比第一个略轻但均匀流动。以这组有规律的分组和感觉,连续演奏下去,配合右手坚定奋进的旋律和表情起伏,形成一种不屈不挠的决心和气势给听者一种精神力量,并有不可阻挡之感。

(三)注意节奏的呼吸。人的说话、唱歌都要呼吸,钢琴演奏也一样。我们常说弹琴像唱歌那样委婉动听,那么,呼吸理所当然十分重要。

(四)突出节奏的特性。根据音乐的特点强调不同的节奏点或某些有特点的节奏。比如在圆舞曲中第一怕与第二拍之间比较紧,而将宽出来的时间放到第二拍与第三排之间;或者有的乐曲可以将附点节奏略靠后些,使其更有风格或活力等,这些特点在我们演奏中如果掌握的好,也将会加强音乐表现力。

篇7：情感掌控在钢琴演奏中的重要性

一、分析乐曲的音乐背景

我们如果要成功地演奏一首钢琴作品，并把它的内容完美地表现出来，首先要对作品有深刻的理解，了解作者的有关情况和他的创作意图。了解一首乐曲的音乐背景，主要应从以下几点来具体分析：

1、了解作品的时代背景。一首音乐作品总是表现了作曲家对某个时代的现实生活的感受。

2、了解作品的民族特征。一切音乐作品都深深地植根于民族民间音乐，因此，都具有强烈的民族特征。

3、了解作者的创造个性。作曲家由于生活时代、环境、素养、经历和艺术趣味的不同，表现为各不相同的创作个性。比如我们学习巴赫《十二平均律钢琴曲集》第二册第15首《G大调前奏曲与赋格》，就需要对巴赫以及那个时代风格有所了解。那个时期演奏所使用的是古钢琴，这种乐器不但键子轻而且声音纤细、音质清脆，要求声音清楚干净、颗粒均匀。这首作品的前奏曲旋律弹奏时要求指尖触键积极。

二、正确、细致地分析乐谱

提到正确地分析乐谱，许多学生认为只是音符的正确、节奏的正确。而实际上除了这两者之外还有许多重要的标记，都直接影响着对乐曲的理解、表现以及对乐曲风格的处理。

1、音乐术语：包括乐曲情绪、表情、音乐的性质、速度等等，这些术语提示学生，乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板，这直接关系到整个作品的风格把握。如《车尔尼钢琴初步教程599》82条，这条练习曲开始标有Allegretto al hongroise，意思是匈牙利风格的小快板。为什么说是匈牙利风格的小快板呢?因为曲子用了大量的`三连音、装饰音和跳进旋律，使音乐活泼生动、情绪激烈，近似匈牙利音乐风格，准确地说是匈牙利吉普赛民间音乐风格。

吉普赛音乐具有热烈、活泼、狂放的特点和风格。弹奏时，除在技术上要把三连音时值弹奏准确、均匀、清晰而连贯之外，还要注意第一段的装饰音在前半拍，同时没有连音线，而第二段装饰音却在后半拍，并且有连音线。除这些细节问题之外，还要尽量表现出吉普赛音乐特有的风格特征。

2、具体的力度标记：在古典音乐中，一般从PP到FF之间就有P、MP、MF、F的六个不同层次;而浪漫乐派及后期作品从PPPP到FFFF，幅度加宽，还有SF、SFZ或CRESE、DIM等等。这些具体的力度标记，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。

3、速度的不同变化：如放宽(Allargando)、减慢渐弱(Calando)、加快(Accelerando)、逐渐加快(Stringendo)等等，不同的速度变化直接影响着乐曲的效果。如《车尔尼钢琴初步教程599》第89条，开始标有Allegro——Galoppo,意思是快速的加洛普。“加洛普”是18世纪流行于德国和法国的一种快速二拍子轮舞，其风格热烈激昂、潇洒活泼。这首练习曲在弹奏上，手指要准确到位地触键，随着音乐的进行，手指伸展后手腕要左右转动，移动重心，每个音都要弹奏得扎实饱满、清晰均匀。因此，学生在演奏作品时要把握不同的速度要求，尽可能表达出作品的本意。

三、正确、熟练地运用弹奏技巧，掌握旋律的歌唱性，并正确地划分乐句

1、歌唱性的旋律最能体现音乐的本质。钢琴弹奏中的歌唱性其实并不难。首先我们要做到心中有歌，要让自己真正感觉到所弹的乐曲是歌唱般的音乐。其次要学会相应的触键方法，熟练地掌握各种弹奏技巧，感觉音乐与弹奏音乐是同时进行的。歌唱性的音乐是多种多样的，有明亮的、欢快的、忧伤的、暗淡的等等，那么就要求我们运用不同的触键方法和弹奏技巧来得到不同的音色。不同的弹奏技巧可以得到不同的音乐，乐曲的类型也决定着弹奏的方法。

2、呼吸是音乐语气的一种表达和交代方式。我们应该从内心深处去体验和感悟乐句的呼吸、乐句的语气和乐句的脉搏以及音乐的走向。具体地讲，乐句划分有以下几种情况：(1)乐谱上的连线就是分句线。(2)有连线并不意味着是分句线。音乐作为一种特殊的语言，是生活语言的升华，它有其自身的语言呼吸和语气特征，我们必须深入探究、准确理解，使自己的弹奏有呼吸、有语气、有情调，从而使弹奏富有表现力、具有感染力。(3)乐谱上没有连线时怎么划分乐句。钢琴曲乐谱上没有连线的情况也较为常见，可以说是不乏其例。这就要根据音乐的性质、情绪、风格、音乐的语气等来体验、感受、理解并划分乐句。如《钢琴基础教程1》第26页《卡尔图里舞曲》，全曲没有一条连线，经过弹奏体验、感受、分析，就可以明显地发现它是四个小节为一个完整的乐句。

篇8：钢琴演奏中的“呼吸”处理

一、正确理解与划分乐句

划分乐句是为了理解乐句，理解乐句是为了理解乐曲。一篇文章，只有懂得了每句话的意思，才能理解全篇的意思。同样，一首乐曲，演奏者只有懂得了每个乐句的含义，才能领悟全曲的含义，分清了乐句，就能体会到各句之间的关系。下面简单地分析一下怎样划分乐句。

1. 对作品要反复认真地体味、感受，从心理上接纳每一个音和每一个句子，了解每一个音和每一个句子所要表达的意思。培养良好的音乐感受力是正确划分乐句最可靠的途径。这一点在歌曲中是比较容易理解的。特别是那种结构方整性的歌曲，比如四句歌词对应着的四个乐句，句与句之间都有明显的呼吸。而钢琴乐曲中有的乐句也与此类似，分句比较清楚，容易理解。有的则不那么一目了然，这就是“器乐化”的乐句。但无论如何，所有旋律实际都存在着乐句的构成。我们必须细心研究分析，了解作品创作的时代背景、风格特征，作曲家的创作特征、创作原因，并反复地感悟，这是正确划分乐句的第一步。

2. 与文章的句子不同，一个乐句有多种的划分方案是完全可能的，而且这几种方案都有其道理，都可以成立。但它们之中只有一种是最能令听众满意的方案。因此演奏者要细心比较多种划分方案，用心体会它们的细微差异，以选择出在听觉和感觉上最满意的一种。

3. 要特别注意远距离的音及顿音、跳音、被休止符隔开的音的划分。这些音都不相连，但不见得不是一个乐句，演奏者要注意它们之间的运动趋势，以及在表情达意上的连贯性。而有些乐句的划分并不是在明显的停顿处，而是在连续的八分音符和十六分音符中间。因此重视作品中的每个音对于处理好作品是非常重要的，必须细心体会。

二、正确理解音乐作品，合理运用乐句之间的呼吸

1. 要理解乐句。

首先要理解它们的气质、性格、风格，以及乐音运动的趋势、逻辑关系，把理解的内容与音色的选择、连奏与断奏的奏法、力度及其对比变化指法等各种演奏记号与表情术语结合起来。理解乐曲上的所有标记是最基本的一点。任何一位作曲家对于其作品所做的处理都有其内在的道理，决不允许演奏者轻视马虎。只有尊重作曲家的创作意图，尊重各种演奏记号，才能对作品进行较好的演绎。例如王建中创作的钢琴曲《山丹丹开花红艳艳》的引子，这段音乐描写了春天花鸟宜人的美丽景象。在演奏开始的倚音时，演奏者要用缓慢的吸气带动身体提起手臂，再用缓慢的呼气放下手臂弹奏这个乐句，手臂动作随着呼吸的频率安静而舒缓，这样演奏的音色才柔和而集中。要演奏好这个句子，演奏者就要控制好气息，呼吸不能太猛。这段乐句之后的琶音要立即换气，气口、气感要快，演奏要与开始的倚音形成前后呼应，犹如远方的惊雷滚滚而来。接下来要长吸气，一口气弹出长连音，把气呼尽，后面的乐句是一组长连音，呼吸就自然协调了。所以这段音乐要呼吸两口气，并且这两口气要相互呼应，使音乐逐渐地展开，准确地表现出春天万物生机的景象。再如，在此曲快板结束与慢板交接之处，在慢板的前6小节气息必须沉住，演奏者要立即深深地吸足一口气，先胸口提着屏住气，然后慢慢地呼出来弹奏这段优美的旋律。接下来引入慢板部分，要用长气息，流畅、舒展、豪情满怀地弹奏左手一连串的16分音符，前面6小节憋足了的气，在后面慢板中慢慢地释放，将音乐逐渐并缓慢地推向高潮，这就是旋律的起伏带给呼吸的不断变化。音乐作品反映了作曲者心声和情感，这些心声和情感往往要通过演奏者的呼吸才能准确体现。旋律有了呼吸，才会有意味，才能去打动听众，才能让欣赏者体会到音乐中触及灵魂的境界。钢琴演奏在速度、力度，以及其它演奏法上的处理与呼吸的关系也很密切。作品的强弱所表达的都是作曲者内心涌动的情感变化，这些情感变化表达的都是作曲者无法用语言所能表述的内心诉说，所以每一个音符的演奏都会触及作曲者敏锐的内心世界。钢琴虽然是一件没有生命的物体，但是如果演奏者能用自己的情感、智慧表现语言所不能表达的东西，用自己的心跳、呼吸表达内心深处的美感，用手指去指挥着“它”按照自己的意图去表达，就会让钢琴拥有生命，就能做到人琴合一，琴心共鸣，做到键盘成为心灵与手指的延伸，“人”“琴”“音乐”融为一体，这样就能达到表现音乐内涵的目的。

2. 应注意呼吸的时间问题。

我们知道，音乐本来就是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。笔者认为，演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在演奏情绪高涨激昂或者速度较快的一段乐句时，呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但无论怎样，演奏者的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于学生演奏中呼吸的掌握，教师应先让学生把乐曲演奏熟练完整，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，即将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体，以使学生达到“人琴合一”。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，学生也才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

音乐的呼吸感是钢琴演奏中非常重要的表现手段，它为整个演奏贯穿了“气”和“韵”，它可以使快速的乐句淋漓酣畅，使慢速的乐句缠绵深沉。而不同演奏者呼吸的协调感，在乐曲表现中有着不同的音乐表现。呼吸得是否自然，演奏得是否贴切，可表现出演奏员对乐曲的理解，以及对乐曲气口切入的准确与否。

篇9：浅析钢琴演奏中的放松

关键词：放松 理解 体会 练习

钢琴家亨利涅高兹说：“钢琴演奏最困难的就是弹得长久，很响亮而又很快。”要达到这一点适时、及时的放松调节是关键，同时弹奏时的音色变化、跑动速度乃至整个技术水平都是受放松制约的。钢琴演奏者在演奏过程中，紧张与放松交替、并存，这是钢琴演奏运动的一般特征。如果演奏中没有“紧张”，钢琴无以发生，如果演奏中没有放松，则演奏出的音色不能优美、动听，演奏也不能持久。

（一）身体的协调放松

熟悉钢琴弹奏的人都知道，钢琴弹奏并不只是身体某一个部位的运动，而是一项全身运动。那么在钢琴弹奏过程中，弹奏者必须始终保持身体各部位的高度配合和自身身体的协调统一。首先是一定要有正确的钢琴演奏坐姿，正确的坐姿是钢琴演奏协调放松的前提条件，也可以避免在弹奏中出现一些不必要的紧张状况。当然，除了演奏的坐姿需要注意以外，身体的肩部、背部、大臂、小臂以及肘部都是力量的来源，它们和手指都密切相关，在动作上形成一个统一协调的力量传递。整个演奏的放松是力量的自然流动，呼吸匀称，内力充足，弹奏集中，放松迅速，使自身动作的紧慢与音乐的张弛有机融合，合二为一。克劳伦斯.格.汉密尔顿曾说：“在进入触键学习之前，学生先得具备使参加弹奏的全部肌肉彻底放松的能力。如果缺乏这种能力，他就会陷入很糟的困难，就像雕塑家用坚硬的粘土来塑造作品一样。”其次，聆听乐曲是钢琴演奏者取得自身动作协调放松的关键。通过聆听音乐，把握节拍，融入情感，来使自身心灵与演奏的音乐形象产生情感共振，用自己的心灵阐释演奏的音乐内涵，释放自己的正能量，让自身肌体在音乐的自然释放中保持放松和增强根据需要进行协调处理的应急能力。

（二）肩、肘、臂的放松

在钢琴演奏中，演奏者要让自己的手臂在键盘上能够左右移动自如，那么，演奏者的肩关节一定要放松。具体而言，教师要让学生在理论上有足够的认识，然后再在练习中不断指导和提醒，让其熟练后再慢慢的做到真正的放松。演奏者的肘关节在演奏中起着传递和调配力量的作用，肘关节可影响弹奏力度与手腕的动作。在钢琴教学中，音乐教师对此可分单一动作练习和结合乐曲练习。而演奏者如果在演奏中手臂部分用力不适当的话，就有可能容易造成手臂酸痛。那么，怎么来解决这个问题呢？最好的方法是演奏者在弹奏中用意念使自己的手臂放松，即潜意识想着手臂要处于一种自然放松的状态，在演奏者的这种潜意识指挥下，演奏者的手臂就会有意的去寻找自然、放松的感觉。

（三）腕、手指的放松

在钢琴弹奏中，所有的力量要经由肩部到达两臂，然后通过灵活的两腕和平稳的手指最终到达指尖。而手腕则是连接手掌与手臂的枢纽，它能够有效调节传送到指尖的力度。腕关节在钢琴演奏中起着举足轻重的作用，如果调控不当，那么演奏出来的音色会变得很难听。手指是演奏中最后力量的汇聚处，全身的力量调度最终要通过“前方”的手指来落实。所以，手指是钢琴弹奏最直接最敏感的部位，手指的重量要根据力度的要求来调整，演奏中，我们要竭力保持手指的自然流動性，演奏的动作要简单自然，在肢体放松的情况下保持手指的稳固与灵活。

（四）练琴方法获得的放松

除了上述身体系统必须放松外，练琴方法也是放松的关键。练琴是一个由慢而快的过程。那么在慢练中，演练者可以先初步体会一种练习的技巧，在练习中再慢慢的加以体会和感悟，聆听放松所带来的那种音色美，让放松贯穿于整过弹奏过程中。慢练之后要注重精练，某些不熟悉的技巧在慢练的基础上会逐渐熟练，动作也会慢慢的变得自然并且协调。而那些生硬、紧张的动作会在练习中逐步消失。如音节进行时的穿指动作，应是大指关节弯曲平稳的提前从四指下穿过，同时肘稍抬，水平调节手腕，使大指能顺利到达。在这个过程中，学生出现的问题或是大指僵直的穿过，导致穿行空间不够，与其与手指互相碰撞，影响穿行过程；或是忘了提前穿指，轮到大指弹奏时突然穿过而出现大指重音；或是不抬肘送腕，使大指触键困难，触键不准等。总之，初学伊始，顾此失彼，生硬别扭，我采取了逐步解决的方法。先学会正确的穿指动作，然后引导学生在意识中提醒自己在第二指弹奏时就会将大指送进去，在此稳定的基础上稍作抬肘送腕，协助大指触键，这样由局部到整体，由慢到快的重复练习，最终使音阶进行放松自如、流畅连贯。只有具备这种反复的动作重复能力，才能够使人达到用最直接、最省力的动作途径取得最准确的效果。

总之，放松是钢琴演奏的重要基础，学会放松是钢琴入门的必由之路。没有放松，就不会有灵巧的手指；没有放松，也就谈不上优美如歌的音色；没有放松，甚至会走上弹琴的歧路。只有学会了放松，才有可能在钢琴演奏的领域中挥洒自如、得心应手，才能够弹奏出优美的旋律，塑造出生动的音乐形象来。因此放松是走向钢琴演奏艺术殿堂的必由之路。

参考文献：

[1]王克，杜光.中等学校音乐教学法[M].北京：人民音乐出版社，1997.

[2]邵智贤.钢琴的音色与触键[J].音乐艺术，1994，（03）.

[3]黄丹华.用力与放松的关系[J].中央音乐学院学报.1996，（04）.

[4]于润洋.音乐美学文选[M].北京：中央音乐学院出版社，2005.

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篇10：手腕在钢琴演奏中的重要性及功能

在钢琴弹奏中,腕是整个演奏器官的“弹簧”。手腕的这一重要位置使它在钢琴弹奏中起着承上启下的关键作用。手腕在钢琴弹奏中的重要性

在实际的钢琴演奏中,手腕处于十分重要的位置,它是连接指尖与手臂的桥梁,是手臂向指尖输送力量的必经之路。手腕是调节，缓冲整个演奏器官（上身、臂、下臂、手）施加到手指上去的力量和重量；手腕是帮助控制整个演奏的力度和乐句的“呼吸”；手腕要帮助和配合手指去适应键盘的位置；手腕起到稳固整个手和各个手指的“架子”的作用。因此，对不同的音乐表现的要求，手腕一定要有高度的适应性。

手腕具有灵活性、弹性，通过多训练可以产生很大的力量。苏联著名的钢琴教育家阿·尼古拉耶夫说：“我们必须记住，手指技术是完全要靠手腕灵活来决定的。”在我们平时练习手指独立性时，高抬手指是为了打开指掌关节，使手指有力触键，然而弹奏时要快速、清晰，就需要手腕的弹性及灵活来协调动作，只有手腕放松，手指的跑动才能灵活及持久。

手腕的灵活是弹奏准确的重要因素之一。首先头脑一定要清楚，读谱也要准确，然后再练琴时通过刻苦的练习获得准确的运动习惯动作。亨利·涅高兹说：“手在钢琴上最好的位置应该是最容易变化的位置。”手腕灵活才能迅速变换手的位置。五指的位置是最自如和容易准确弹奏的。手腕要根据音型，音乐的走向灵活移动，在弹奏中不断的微调，使手指总是处于五指的位置，这样我们在演奏时就能够弹奏的自如、准确。手腕在钢琴弹奏中的功能

手腕具有柔与刚两种功能。在乐曲中弹奏如歌的和弹性的音色时，手腕是柔韧的，而我们在弹奏强有力的声音时，手腕就是坚硬的。这种触键方法，手指尖端结实，利用手臂的冲击力来弹奏，手腕与手指起到了支撑作用，发出华丽、铿锵有力、粗犷的音色。对于手腕的这种功能在我们钢琴弹奏中的运用，常会发生两个方面的误解。有的以为手腕必须得完全放松但是这样就会变得疲软，有的以为手腕必须绝对坚挺又会导致僵硬。这两种误解都会在很大程度上影响乐曲的总体演奏水平；或由于过多的、不必要的手腕动作使所有的力量无法抵达指尖，而在松垮的手腕中“流失”；或由于过分的僵硬的手腕而使整个音色变得粗糙，猛烈而尖锐，失去钢琴音质所独具的即铿锵又柔和的美感。

篇11：浅析钢琴演奏中的“呼吸”

摘要:“内心听觉”在整个钢琴演奏和学习中发挥着非常重要的作用,钢琴演奏不能光重视训练手指的技术能力,而忽视了内心听觉能力的训练,本文以内心听觉的培养在钢琴演奏中的训练为出发点,结合本人多年来钢琴学习的心得,把内心听觉的培养贯穿整个钢琴学习过程,让更多的钢琴学习者能够注重内心听觉能力在钢琴学习中的发展和培养。

关键词:内心听觉;重要性;培养;训练

近年来,“内心听觉”这个词在音乐界备受关注,内心听觉是一种音乐能力,它在音乐演奏中发挥着越来越重要的作用,音乐是听觉的艺术,学习音乐,尤其是学习钢琴演奏,拥有敏锐的音乐听觉能力是至关重要的。音乐要靠听觉来欣赏,音乐技艺的程度水平也要靠听觉来辨别。李斯特曾经说过“用心灵创造技术”,就是指演奏家的技术是植根于自己的内心深处的,把一首作品演奏成功,并不是只解决了技术问题就可以了,高质量的音色及对作品的表现和理解都是同时必须要做好的,根据研究认为,通常人们都具有不同程度的内心听觉能力,这种能力经过专门的训练可以逐步提高,而这种能力的提高又有助于提高理解音乐的能力,因此,我们必须始终把内心听觉能力作为钢琴演奏学习的重要组成部分。

一、内心听觉的含义及重要性

(一)内心听觉的含义

内心听觉能力是一种音乐能力,是一种构成内心音乐形象的能力,它不受外界声音的影响,以音乐感知为基础,以完善音乐意象为目的,不依赖于乐器和人声想象出来的音响,它具有先导与创造能力。内心听觉是音乐家最重要的音乐听觉能力之一,内心听觉的发达程度决定着音乐家内在的音乐想象力反映真实的.音乐现象的能力。内心听觉在钢琴演奏中的心理活动分为两个部分:听觉意象的形成和听觉意象指导演奏,因此在学习的过程中要从两个方面着手:一是随着听觉意象的不断完善形成内心听觉;二是让内心听觉发挥作用即通过形成的听觉意象指导并调整实际演奏效果。

(二)内心听觉在钢琴演奏中的重要性

在平时的钢琴练习过程中,内心听觉起着主导作用,练习时如果没有内心听觉的支持,弹出的音乐就会显得苍白无力,缺乏艺术感染力,所以演奏者在演奏过程中必须要在内心形成自己想要的音色、速度及力度等,并在练习的过程中通过对自己身体及手指触键角度的调整来达到自己所满意的音响效果。

二、内心听觉的培养及训练

内心听觉的心理过程主要通过听觉意象来体现,因而训练听觉意象能力的提高对内心听觉能力的提高有着直接的影响。内心听觉能力的培养是一个循序渐进的过程,为了比较有效的提高内心听觉的水平,这里介绍几种专门的训练方法:

(一)“歌唱”训练

著名钢琴家格伦・古尔德在弹奏钢琴的过程中,不仅会专注的演奏,口中还跟随着旋律哼唱,忘我的投入到演奏中,这种哼唱弹奏的方式是一种学习和理解音乐的比较有效的方法。钢琴是富有歌唱性的乐器,演奏者的内心歌唱能力的水平决定演奏出音乐的优美程度,只有通过歌唱旋律等方式来培养和发展这方面的能力,才能逐步提高内心听觉能力,从而感悟音乐的歌唱旋律性,把作品弹的“有血有肉”。

(二)“想象”训练

音乐想象是以音乐意象为基础的,内心听觉的形成也要靠音乐想象来形成,音乐想象能力的提高是发展内心听觉的关键。钢琴演奏是把人类生活中的实物,如高山、河流等和人类情感中喜悦、悲愤等化作声音来表达出来,人们在生活中接触到的事物,大都与声音有着紧密的联系,使演奏者对对所接触的事物进行想象,通过想象与音乐音响融合,从而产生音乐听觉形象,这种音乐听觉形象在很大程度上依赖于音乐听觉经验。

(三)“冥听”训练

冥听是指演奏者在演奏前事先听到自己内心第一流的整个演奏效果的能力,这需要演奏者具有一定的音乐积累和音乐感觉,冥听水平的高低决定了演奏水平的高低,冥听一般经过“树立声音标准”、“模仿杰出声音”、“创造新的声音”这三个过程,在脑中积累了丰富的音响材料之后,要努力在内心形成自己所要的音响效果,演奏者应将自己的演奏效果和内心听觉听到的效果进行对比,在练习的过程中逐步缩短两者之间的差距,这对于演奏者的演奏质量有着显着的作用。

总之,音乐是听觉的艺术,内心听觉又是音乐听觉的核心。通过听觉想象的训练可以有效地提高内心音乐听觉能力,培养和发展钢琴演奏者的内心听觉能力就是让演奏者有较高质量的听觉感知能力,精确的把握对音乐作品的表现和理解,提高音乐的表现力。内心听觉在钢琴演奏中具有至关重要的地位,对音乐有着举足轻重的影响,也应是每一位钢琴演奏者必须强化训练的重要基础。