今天小编为大家推荐《中外工艺美术史论文(精选3篇)》仅供参考，希望能够帮助到大家。摘要:本文分析了开展中外美术史教学对提高学生综合素质的重要作用,提出了通过课堂艺术教育实施素质教育的途径。但在实际的教学工作中,存在一些问题,对这些问题的研究和探讨对改善教学效率、提高教学质量有积极的促进作用。
第一篇：中外工艺美术史论文
中外建筑美术赏析
摘 要：本文通过鉴赏分析中外代表性古建筑美术作品，了解不同国家、不同时期建筑美术所呈现出各自不同的特点，进一步加深建筑与美术之间关系的认识，保护、维修好这些与建筑成为一体的美术作品，使建筑和美术作品能够完美地结合在一起，为我们今天的社会留下珍贵的文物建筑资料。
关键词：建筑美术建筑文化建筑保护
建筑是人类社会文明进步的产物。早在原始社会，人们就在为寻找、建造能够遮风避雨的生存空间——建筑而辛劳。当人们拥有了这种最基本的生存空间后，合理、舒适、美观的目标要求也就自然而然地被提了出来，并且围绕该目标的实现而在一直进行不懈的努力，这种努力也使得建筑学学科本身得到了较大的发展。目前，人们对建筑的理解早已突破了实用性的概念，建筑的艺术性和文化性已被越来越多的人们所接受。建筑具有物质和精神双重功能，它是通过人的智慧将科学技术和艺术结合起来，经过巧妙构思精心设计而成，是对设计构思和设计哲理的深层表达，它是社会文明的标志，是人类智慧的结晶。建筑除了满足人的使用功能外，还满足了人的审美要求。人们对于美的感受力是受他的文化修养、民族习惯、地理环境等多方面制约，不同的国家、不同地区、不同的民族以及同一国家不同的历史时代所呈现出的建筑文化、建筑美术都不同。它是形成人类文明不可缺少的一个重要组成部分，并对人类的发展产生了深远的影响。建筑美术与其他造型艺术一样，它主要通过视觉给人以美的感受，它具有特殊的反映社会生活、精神面貌和经济基础的功能。
中国古建筑艺术大约在一万年前产生，新石器时代后，中国原始建筑艺术在北方、南方的许多地域留下了重要遗迹。与西方古建筑的砖石结构体系相比，中国古建筑的最大特点就是建筑上采用木结构体系。用木料做成房屋的构架，以柱、梁、檩为主要构件，各构件之间由榫卯联接，富有韧性，中国古代建筑注重结构设计，以大屋顶为特征，中国古代木建筑中，最特别的也是最具特色结构构件是斗棋，它随着时间的推移而不断演化，斗拱的结构作用逐渐简化，斗拱的数量也由少变多，它已经成为装饰性和等级标志的象征了。中国古代建筑的特点之一是最敢于使用色彩也最善于使用色彩，这个特点是和中国建筑的木结构体系分不开的。因为木料不能经久，怕虫蛀火烧雨淋，为了维护木结构构件，使其免受风雨的剥蚀，所以，中国建筑很早就采用在木材上涂漆和桐油的办法，以保护木质和加固木构件，同时增加美感，达到实用、坚固与美观相结合的效果。以后又用丹红装饰柱子、梁架，或用油漆和彩绘在斗拱、梁、枋等处绘制彩画，对木结构构建表面多进行护理，现存的古建筑很多是反复翻修的或者是明清时代的。中国古建筑构建所采用的颜色很多情况下取决于居住者的等级，比如皇宫、寺庙，多用黄色、红色，而官员府第或园林建筑用蓝色、绿色较多。在清代，黄色是最尊贵的，明黄色的琉璃瓦只有皇宫或寺庙才能实用，官员或平民使用的都是青瓦，否则就是欺君之罪。皇宫建筑中的彩画也是黄色或贴金的居多。在皇宫内部建筑也有不同的等级，大体上可以根据檐的形式，吻兽的数量，颜色等来区分，比如重檐比单檐的高贵，黄色比其它颜色高贵，吻兽数景越多越高贵。到了清代建筑构建色彩的施用越来越复杂，突出色彩装饰性功能，这一时期最突出的就是“油漆彩画”。装饰图案多用吉祥图案，它不仅美化了建筑构件，并且给建筑赋予了达祈福求祥的愿望深刻的精神内涵。从佛教的莲花、飞天，到盛唐华丽富贵的牡丹再到明清的岁寒二友，从民间福禄寿喜到皇家的龙凤呈祥，有的还被描绘成金彩，从中可以看到中国人“祈福避祸’
‘的吉祥观念。雕梁画柱也是中国古人独特审美观的体现，它起源于远古时代部落的图腾标志，随着时代的变迁，图腾的标志渐渐在人们心中印象淡薄，雕饰的动物逐渐变成了人们喜爱的吉祥物。如皇家建筑中的龙、凤、瑞兽等雕塑体现了龙风吉祥、常用来守门的狮子在民间有辟邪的作用，用这种雕刻形式附加在建筑上，充分体现了中国独特的建筑民俗。
西方的建筑包括东方的印度建筑在现代建筑未产生以前，基本上都以砖石为主要建筑材料来建造的，属于砖石结构体系。在公元前三千多年左右尼罗河下游的古埃及用石头建造了规模宏大的金字塔和神庙，这是人类有史以来建造的第一批巨石建筑。古埃及的艺术与法老的绝对权威和其特殊的宗教信仰——对死后生活的崇拜有直接关系，陵墓是占埃及人最重要的和最具代表性的建筑，埃及的建筑艺术主要是同绕着人死后的生活而展开的，金字塔的外部造型很简单，但内部却充满着神秘，内有大量珍贵的稀世珍宝和人形彩绘棺木，四壁涂满了以今世来生为题材的精美壁画，反映了法老期望死后能够拥有一个美好的来世，有人称埃及的艺术为黑夜的艺术。金字塔内的壁画，具有一定程式化规则，人物的头部和脚绘成侧面，身体部分多绘成为正面，表情呆板，充满了神秘，壁画以黑、红、黄、褐、白色等颜料进行平涂描绘，色彩鲜艳饱满，富丽堂皇。古罗马、古希腊的建筑以大型石头雕塑为主，在公元11至12世纪以后以宗教发展带动起来的建筑艺术发生了巨大的变化，新的建筑以教堂和修道院为丰，内部以壁画、雕刻及玻璃窗画装饰为主，艺术形象刻板威严，并富有永恒的精神力量，到了文艺复兴时期，艺术与科学的结合，建筑内部的壁画、雕塑发生了重大的變化，人物被赋予灵魂，空间透视感强、造型准确、烘托明暗、动态变化万下，壁画多用湿壁画和蛋彩画来表现，如达·芬奇为米兰圣玛利亚·德·格拉齐修道院绘制的《最后的晚餐》、米开朗基罗为梵蒂冈西斯廷教堂绘制的天顶画《创世纪》、拉斐尔为梵蒂冈签字大厅绘制的四幅大壁画《哲学》、《法学》、《神学》、《诗学》等，都体现了透视学、解剖学在艺术中的运用，科学与艺术已经完美的结合在一起。西方建筑艺术除了壁画外，还体现在附在建筑的雕塑上，有浅浮雕、高浮雕、圆雕等作品，如著名的《命运三女神》就是巴特农神庙的装饰雕塑、多纳太罗为圣米切尔教堂教堂制作的壁龛雕塑《圣乔治像》、米开朗基罗为罗马圣彼得大教堂设计的建筑雕塑等，这些附在建筑上的绘画和雕塑内容多以古希腊神话、圣经故事为题材，这些作品为我们留下了宝贵的艺术财富。
中西方建筑美术的差异除了在材料、造型、空间布局存在着差异，而且体现在建筑色彩和建筑装饰上的差异，中国古代建筑的特点之一是最敢于使用色彩电最善于使用色彩，这个特点是和中国建筑的木结构体系分不开的。因为木料不能经久，所以，中国建筑很早就采用在木材上涂漆和桐油的办法，以保护木质和加固木构件，同时增加美感，达到实用、坚固与美观相结合的效果。以后又用丹红装饰柱子、梁架，或在斗拱、梁、枋等处绘制彩画。中国古代北方建筑色彩较浓重，相比起来，南方的园林建筑色彩偏淡。故宫和苏州园林分别是北方和南方建筑的代表。中国古建筑构建所采用的颜色很多情况下取决于居住者的等级，比如皇寓，寺庙，多用黄色，红色，而官员府第或园林建筑用蓝色，绿色
较多，绘画的方式多采用平涂。在西方古建筑色彩的运用相对简单一些，从外部色彩上看，色彩梢对单一，基本都是石材本身的固有色，只是在中世纪以后的占建筑中，特别是教堂建筑中，我们可以看到外立面和穹窿顶外部带有黄色、橙色、红色、绿色、等色彩的变化。西方占建筑非常重视建筑内部的装饰，基本上以壁画为主，而壁画内容多以圣经故事作为主要题材，多用湿壁画和蛋彩画来表现，15世纪以后才开始用油画颜料进行描绘，用油彩进行绘画色彩丰富、体积感强，特别是经过特殊处理，持久性能较好，在西方建筑当中教堂建筑高于一切建筑，所以也就具有鲜明的代表性。
中西方建筑文化不同形成的建筑美术也不同，从根本上说是中西方文化传统的不同。中国文化重道德和艺术，西方文化重科学与宗教，同时西方文化重视不同时代的独特精神，凸显各种流派的个性特质。西方建筑在发展的过程中，是不断求新求变，并用科学的理念进行分析演进，从中世纪崇尚精神的呆板画面到文艺复兴的科学与艺术的结合，透视学、光影效果在绘画中的运用，都反映了西方人勇于专研，勇于创新的精神。中国文化重融合、统摄、崇尚内敛，讲究空间与意境的关系，期盼富贵与吉祥的美好愿望。中西方丰富多彩的建筑文化所蕴涵的建筑特色、艺术形式、发展源流以及人文理念等差异，都能从中西方遗留下来的历代建筑物中反映出来，它们为世人呈现出各具特色的艺术魅力。
在全球文化和地域文化并存的时代，保护、维修好这些文物古建筑，恢复历史建筑文化本身的真实性和完整性，使古建筑和现代建筑能够完美地结合在一起，是继承、弘扬传统建筑文化最基础的工作，在当今变得十分中重要。在中國特别是近几年的古建筑保护工作过程中，成绩是显著的，已经逐渐得到有关部门的重视。但在保护占建筑方面还存在许多不足之处，首先对古建筑的价值缺乏深刻的认识，没有摆正城市开发建设与古建筑保护的关系。随着我国现代化的飞速发展，城市化进程步伐的加快，城市正在以惊人的速度扩张和发展。致使有些地方存在为城市建设而破坏古建筑的现象，在我国具有民族风格和地域特色的城市风貌正在逐步消失，中国传统建筑文化几乎丧失殆尽。没有使中国传统建筑与现代建筑进行完美的结合，没有突出民族特色，没有真正确立起符合中国实际的古建筑保护维修理论与实践体系，许多有一定艺术和文化价值的建筑在多次修缮后，原有历史与文化信息被修复得荡然无存。在发达国家中，大量的历史建筑被成片地保留下来，形成了特色鲜明的城市景观和地域建筑文化。西方人们有很强的文物建筑保护意识，在保护措施中技术含量很高，研究相当深入，国外许多建筑院系都设有建筑保护专业，以便培养高层次的文物保护人才，并且利用高科技手段建立历史建筑数据库、图像库等，以配合维修、复原及保护性设计，建筑美术作品尤其受政府的保护重视。如达·芬奇为米兰圣玛利亚·德-格拉齐修道院绘制的《最后的晚餐》五百年来后人不断对这幅画进行修补，到20世纪下半叶，人们又开始采用科学的手段除去所有加补的颜料，用新的科学方法一点一点地恢复此画的原貌，西方国家也是在文物保护过程中逐渐提高保护和维修的技术含量。与国外相比，我国古建筑保护意识正在逐步加强，技术含量也正在提高，如恭王府的维修改造工程是在历史原貌的基础上进行复原改造的，建筑绘画也是依据当年的图案进行描绘的，改造工程比较成功，在城市建设和发展过程中，历史建筑的保护性改造和城市开发应紧密的结合起来，在传统建筑设计与现代建筑设计之间找到一种平衡与和谐，创造富含地方特色和现代人文特色的建筑艺术空间。
中西建筑美术根本成因在于其生成的文化土壤不同，即不同地域文化和民族文化的背景的显著差异性，通过赏析中、西方不同时期的建筑美术，了解它们各自不同的特点，在加深对传统建筑艺术认识的同时，对引领现代建筑艺术的发展起到一种启发作用。在城市化进程当中，应尽可能保持古建筑艺术本身的真实性和完整性，才能延续建筑乃至城市的文化艺术与历史，只有技术与艺术能够完美地结合、实用与审美能够形成统一，才能使我们今天的建筑更具魅力。
作者：金雅庆
第二篇：中外美术史教学中的思考
摘 要: 本文分析了开展中外美术史教学对提高学生综合素质的重要作用,提出了通过课堂艺术教育实施素质教育的途径。但在实际的教学工作中,存在一些问题,对这些问题的研究和探讨对改善教学效率、提高教学质量有积极的促进作用。
关键词: 中外美术史教学 艺术专业学生 艺术教育
一
在高等学校的教育中中外美术史课不仅是艺术专业学生的必修课,也是非艺术专业学生热衷的公选课,更是促进校园文化建设、提升学生素质内涵的重要阵地。中外美术史教学不但能使学生掌握基本的专业知识,了解中外艺术的发展历程,更能通过欣赏大量的杰出艺术作品培养学生的鉴赏能力和健康的审美情趣。
(一)了解优秀的世界文化遗产,培养较高的鉴赏能力。
“没有美育的教育是不完美的教育”,中外美术史教学的开展可以唤起学生对艺术生活的追求,通过精美的图片、经典的艺术片段等,对大量优秀艺术作品进行欣赏,从而使学生了解古今中外各种不同时期、不同文化传承,了解艺术发生的历史背景、作品背后的故事,开拓眼界。在此过程中,我们要注重培养学生的艺术鉴赏力,全方位提高他们在视觉、听觉、肢体语言等方面的鉴别能力。
(二)加强民族文化教育,增加民族自豪感。
在当代的高等教育中应该秉承传统,对学生进行中国古代文化的教育,而鉴赏古代的经典艺术就是最好的途径,中国古代艺术中蕴含着深厚的精神内涵和美学价值,它们是中华民族文化的灵魂,因而中国的艺术教育也应该具有中国特色。通过对中华民族优秀艺术的鉴赏,学生不但能了解古代的经典艺术作品,而且能懂得中国古代的人文思想如天人合一、万物一体、博爱之仁等,从而加强民族文化教育,弘扬和培育民族精神,增强爱国情怀和民族自豪感。
(三)美化心灵,启迪智慧,促进身心健康。
艺术教育的功效在某种意义上是科学技术无法取代的,它赋予人大智大慧,使科学更具人性的光辉,推动科学发展。欧洲的近代史开始于文艺复兴,它是以杰出的艺术家为象征的,随之而来的才是科学的空前繁荣。开设艺术的鉴赏课程将艺术以最直接的方式传递给学生,培养学生的观察力、思考力和想象力,提高他们对新生事物的热情和敏感。此外,艺术教育还可以使学生心灵自由、心情放松、情绪饱满、积极向上,消除学习中的紧张与疲劳,从而为创造性想象力的充分扩展提供条件,促进学生的身心健康发展。
传统的中外美术史教学多数以老师的讲述为主,配以大量的图片资料供学生鉴赏。往往是图片内容丰富,信息量大,老师极力将较多的内容一股脑地倒灌给学生,课堂上互动少,有时老师的讲解一厢情愿,缺乏说服力,将原本内容丰富的课讲得枯燥无味,学生麻木地被动接受。高校的现状是招生数量不断扩大,专业规模也日益强大,专业方向越分越细,学生的素质也有较大差异。在这种大背景下,中外美术史的教学也要与时俱进地进行适当的改革,以发挥最大能效。
对于美术专业的学生而言,学习中外美术史可以在绘画技法专业课之外,系统地了解中外美术发展的脉络,以及不同艺术流派画家及作品状况,培养学生对不同风格作品的鉴赏能力。中外美术史课对美术专业的学生而言具有非常重要的意义。随着社会的不断进步,外部环境的不断变化,学生素质的改变,如何在新的历史条件下改变传统的教学方式提高教学效率是我们今天需要研究的问题。
二
现在的中外美术史教学中存在这样的一些问题:
首先,由于学科划分过细,导致学生对各门课程浅尝辄止,对学科之外的内容知之甚少。如艺术史这一块工艺设计专业的学生只学工业设计发展史,建筑专业的学生只学建筑发展史,学科更加专业化,但同时也少了知识拓展的空间。我认为学习中外美术史对于传统美术专业和设计专业的学生都很重要,它对学生艺术内涵的整体提升有重要作用,并且能给学生提供更广阔的知识空间,有助于学生将传统艺术和现代技法融为一体地创作出别具一格的艺术作品。像当代设计师靳尚谊,他的作品极具个人特色,既有浓浓的中国味,又不失现代感。从他的作品中不难看出他对中国的传统文化的热爱和精通,对中国文化的运用使他的设计独树一帜。现在有一些新型艺术学科的学生对传统的艺术史知之甚少,比如动画专业的学生一进校门就一头扎进了动画绘制技法的训练当中,从纸上绘画到电脑制作,课程排得满满当当,毕业时各个都能独立制作动画片,但是他们是否真的不需要传统艺术的熏陶呢?当然不是,如中国早期的动画长片《齐天大圣》是一部非常经典的动画片,除了故事引人入胜外,其中的动画人物设计得更是活灵活现、栩栩如生,富有想象力。人物的造型和色彩都大量吸收了中国传统艺术元素,有的甚至直接将中国民间的传统图案运用其中,使画面精致华丽,堪称经典。如果不是作者拥有深厚的文化底蕴,相信也很难画出这样的画面。所以,中外美术史的学习对于艺术专业各个研究方向的学生都是必不可少的,它对艺术类学生的整体素质、内在涵养、道德品质等诸多方面都起到非常积极的提升作用。对于艺术专业的学生来说,每一个学生都必须了解中国乃至世界美术的灿烂的发展史。如果一个人的绘画技法很高明,但是对历史上的名家名作知之甚少,那么他只能是一个出色的画匠,而不是一个真正的艺术家。学校、老师、学生都要重视中外艺术史的教学工作,不但要求艺术专业的学生学好这门课,而且要多向其它系科的学生多多开设这门选修课,让更多的学生学习,这对整个校园的文化内涵提升有积极的作用。
其次,在高校的史论实际教学中有这样的现象:史论教师缺乏,有的根本没有专门的史论老师,史论课由绘画或设计老师兼上,这些老师缺乏对艺术史深层次的研究,他们可能对不同画家及流派的作品很熟悉,但大多以画论画,流于表面上的介绍、讲解,同时他们也有专业的局限性,不能更深层次地挖掘事件形成的原因,不能将艺术和哲学等相关学科相联系,不能将艺术的本质揭示出来,不能将中外艺术的整个发展脉络作横向或纵向的比较等。这样的后果就是老师讲不好,学生听不好,导致学生产生厌学情绪。人的精力毕竟有限,专攻各有不同。对于学校来说,尽量配备几名专职的美术史论教师,让他们教授一门或几门在学术上密切相关的课程,尽量创造条件,使他们学有所长,在学术上有所研究,给课堂教学注入活力,将在很大程度上调动学生的学习热情,增强学习效果。
再次,中外美术史的教学通常用讲授法,教师讲,学生听,教师讲什么学生听什么,课堂上互动少,气氛不活跃,学生学得枯燥,学习兴趣不高。现在的史论课堂大多都是大量的幻灯片加上教师的讲述,更像是看图说话,老师将自己的理解和感受直接传达给学生,学生被动地接受,往往不能产生共鸣,教学形式非常单一,课堂上很少互动,课后也很少有作业。事实上,不同的学生对同一幅作品有不同的理解,不同的学生对艺术流派、画家的喜好也各不相同,我认为在中外美术史的课堂上要充分调动学生学习的能动性,在教师的帮助下,进行探究式的学习。教师将内容提前交代给学生,让学生在课外自己先通过查找、整理、归纳等方法对学习内容进行了解。在课堂上可以采用学生讲、老师听,集体总结的方法,让学生们充分积极地参与到学科的学习中,给他们各抒己见的机会,大家共同探讨,从中发现新的亮点,将压力变成动力,创造一个平等、互助的交流平台。
最后,大多数的中外美术史课没有很多的作业,结束的时候也往往以一张试卷或一篇论文了结。这样学生往往学得没有压力,精神上不重视,学习效果差。我觉得中外史论课是艺术系学生少有的非绘画性的课程,而艺术类学生的笔下功夫通常比较薄弱,有的同学想法很多,但是写不出来,容易犯论文的选题过大而且空泛、遣词造句不准确、文章结构不合理等问题。所以应该充分利用中外史论课的平台,鼓励学生多写,这样老师也可以通过学生的文章了解学生的见解。老师可以分阶段提供一些命题供学生选择性研究,或者由学生自己找出感兴趣的命题,教师提供帮助完成。最后要让学生既写出符合学术规范,又能够对艺术作出准确判断、具有学术价值的论文。
以上是我在实际的教学中的一些心得体会,在中外美术史的教学中还有很多的方法值得研究、创新,希望在今后的教学中真正摸索出一套行之有效的教学方法,使学生真正做到学有所用。
参考文献:
[1]王丽新.美术史教学改革的思考.攀枝花学院学报,2006-12.
[2]张敢.艺术史论.装饰,2007-7.
[3]尚刚.中国工艺美术史教学与艺术设计教育.艺术研究.
作者：宋雪萍
第三篇：中外美术鉴赏教学中比较鉴赏的实施策略
摘要：在中外美术鉴赏教学中，进行美术鉴赏学习活动可以利用比较的方法进行资料的搜集和整合，进而对美术作品和美术现象作出全面、深刻的赏析。比较鉴赏能够避免传统美术鉴赏教学单一化、片面化的倾向，突破单纯强调美术学科体系的局限，带来学生学习方式的转变，构建多样化、有层次、综合性的鉴赏视角，强化过程性与体验性，注重引导学生主动参与、独立思考与合作探究，增强学生对美术多元性、多重性和包容性的了解。
关键词：美术鉴赏;比较鉴赏;教学策略
在中外美术鉴赏教学中，运用比较的方法对美术作品和美术现象作出鉴赏，可以让学生全面了解重要的美术家及其代表作品，了解中外美术的主要风格、流派，理解美术与自然、社会之间的关系，在文化情景中认识美术。
一、比较鉴赏教学实施的标准和原则
东西方美术作品的属性特征差异可实施比较鉴赏教学。在中外的美术比较中，对于两种文化的“自然观”比较可谓其中最受瞩目的一个问题了。中国人“与物同化”，而西方人“物我两立”，这似乎成了一条定则。这一定则在艺术中映射为：中国人重表现，西方人重再现。在课堂教学中，如果把中国古代的山水画与欧洲风景画比较鉴赏，就能得出“中国山水画是视觉心像，欧洲风景画是视觉视像”的结论。
美术作品视觉形象的符号学属性不同可实施比较鉴赏教学。美术作品的视觉形象符号具有重要的价值，有时候甚至比文字文献更具有可靠性。因此，重视美术作品的视觉形象符号，是美术这个学科的自身特征决定的。其中美术作品的图像表达，除了具有美术功能以外，还包含人类聚居学、建筑学、地理学、社会学、民族学、民俗学、宗教学等多种学科交叉理论。在作品中，“肌理”“笔墨”“笔触”“构成”“色感”等符号语言特征是比较鉴赏教学中的重要内容。
实施中西美术比较鉴赏教学时，可对不同时期、不同流派、不同风格进行对比研究，比如文化背景的比较、艺术种类的比较、风格流派的比较及艺术家的比较。例如中国古代美术中的“浙派”“吴门派”“华亭派”;欧洲美术史上的“威尼斯画派”“佛兰德斯画派”;又如现代中国的“岭南派”，欧洲的“巴黎画派”;现代艺术中的“立体主义”与“超级写实主义”等流派放在一起，进行文化背景、艺术种类、风格流派、艺术家间的比较鉴赏教学研究。
艺术种类不同发展阶段的比较，艺术家不同时期创作阶段的比较，不同人文背景下作品的表现差异比较等都可实施比较鉴赏教学。
在课堂教学中，对属于两个或两个以上的文化体系或艺术体系，某一历史时期、艺术运动、艺术风格流派，两个或两个以上的有一定联系的作品，作品的外部情况等作出比较可实施比较鉴赏教学。
二、比较鉴赏的类型分析
(一)对比鉴赏
对比，可以解释为把具有明显差异、矛盾和对立的双方安排在一起，进行对照比较的一种表现手法。把对比的双方放置到一定条件下，使之集中在一个完整的艺术统一体中，形成相辅相成的比照和呼应关系。实施对比鉴赏教学，有助于充分显示事物的矛盾，突出被表现事物的本质特征，从而能够加强艺术效果和感染力。
(二)类比鉴赏
就是用推理的方法与同类事物相比较，由两个对象的某些相同或相似的性质，推断它们在其他性质上特征的一种推理形式。
(三)求同比较鉴赏
比较欣赏中的求同比较，旨在不同作品间通过比较分析找出其相同点，并借助这个比较分析的过程及结果来促进欣赏活动中的再创作，以达到理解欣赏作品的目的。对于有相同背景、相同风格、相同内容、相同画风、相同构图、相同时代、相同题材等相同因素的作品，找出其“同”的一面，对其“同”的方面进行比较，就构成了比较的基础。
(四)反差比较鉴赏
反差比较是在欣赏的过程中对相关的作品或现象进行差异性的比较，找出不同之处，以促进对作品的深入理解。这种求异的比较更容易吸引欣赏者积极主动地对作品进行深入观察和剖析，从而使欣赏者的鉴赏能力得到较快的提高。
三、比较鉴赏教学的实施流程
在美术鉴赏教学中，通过理论设想、实践验证、归纳概括及提炼反馈，以比较的方法引导学生自主搜集资料，运用比较的方法鉴赏美术现象和美术作品，引导学生自主发现和探究，形成了一套相对完整并行之有效的教学实施流程：分析教材——确立目标——搜集资料——创设情景一比较鉴赏——引导发现——比较探究——归纳总结——反馈提升。
分析教材：通过教材的分析，考察教学内容是否具有实施比较鉴赏教学的可能性和可操作性，比较内容的类型是否符合教学的原则和实施标准，还要考量学生对于教学内容的知识储备，从而找出其与之相关的教学内容之间的联系。
确立目标：通过分析教材和学情分析确立比较鉴赏教学的目标，目标的确立要从知识与技能、过程与方法、情感态度与价值观三个维度全面衡量，注重教学目标的多元化，打破单纯强调美术知识目标的局限，通过比较教学实现多样化、综合性的教学目标。
搜集资料：美术鉴赏要强化教学的过程性与体验性，注重引导学生主动参与、亲身实践，发动学生自主搜集资料，可以引导学生独立思考与合作探究，并为比较鉴赏教学提供基础和保障，这是实施比较鉴赏教学的关键点。
创设情景：要创设比较鉴赏的课堂教学情境，激发学生进行鉴赏的兴趣和热情，使鉴赏教学得以顺利开展。
比较鉴赏：把师生搜集到的资料呈现在一起，通过对比，有利于突出被表现事物的本质特征，充分揭示美术现象和美术作品的矛盾，加强比较鉴赏的艺术效果和感染力。
引导发现：引导学生通过比较的方法发现美术作品的审美特征和艺术内涵。
比较探究：通过学生比较探究，得出鉴赏结论，掌握美的规律。
归纳总结：在比较鉴赏的基础上，教师把比较鉴赏的结果进行归纳总结得出鉴赏结论，使学生明确某一美术现象和美术作品的特征，掌握美的规律。
反馈提升：通过教学反馈，查漏补缺，找出不足，重点施教，以及师生双边互动提炼出一套比较鉴赏教学的机制，让学生下次面对类似的美术现象和美术作品时能够自主运用比较的方法进行鉴赏。
比如，在比较鉴赏教学中，达·芬奇在1495年至1497年作于米兰圣玛利亚·格拉契修道院的《最后的晚餐》，这样的一件取材于基督教圣经故事的壁画，在达·芬奇之前已有不少画家表现过，同名作品便有意大利卡斯塔格诺和基兰达约创作于1480年的壁画。
把这三件同样题材的作品放在一起比较不难发现：
首先，卡斯塔格诺和基兰达约的作品中的人物近乎排列，平直无奇。他们都把耶稣单列于餐桌的外侧构成了人物与情节的疏离。而达·芬奇作品在构图上把耶稣和他的门徒位于餐桌后，左右各六个，而每三个人又构成一组，每组人物之间的间隙和距离恰恰构成了两个似于M形的起伏，使整个画面充满动感与活力，像是一曲激情澎湃的交响曲，避免了重复与单调。
其次，从人物的表情及内心世界的刻画上看，卡斯塔格诺和基兰达约笔下的人物表情单调且有雷同。而达·芬奇笔下的耶稣从容镇定，仁爱宽容，有圣者之风，犹大的表情矛盾而深刻。对于他的门徒的表情刻画也恰到好处，复杂多变，毫无雷同，而是从人物的情感出发，表现出善与美、美与丑、崇高与卑鄙的对比。
再次，在焦点投射法的运用上，卡斯塔格诺和基兰达约也均有所采用，但空间效果没有很强的冲击力，表现得浅显。而达·芬奇通过餐桌、墙体、窗户、天花板等结构透视，体现了强烈的纵深感，并且如果把餐桌房屋主要结构线延长的话会惊奇地发现他们都交于一点。这个交点恰恰在耶稣的面部，从而更加突出了耶稣在画面和情节中的核心地位，从而展现了达·芬奇对于科学的精妙掌握，体现了人文主义精神对于科学的提倡和运用。
此外，达·芬奇《最后的晚餐》在画面上传达出的象征、隐喻等信息都可以通过比较而发现达·芬奇确实是一位杰出的艺术家，作品不同凡响，而且在科学领域有非凡的造诣，在同时代画家中脱颖而出、卓尔不群。
四、比较鉴赏教学的实施要领
比较鉴赏教学的实施要领主要有：
(一)比较的目的要明确
第一，我们要明了比较鉴赏教学的目的，不要为了比较去比较，比较是为了促进学生更好地进行鉴赏活动。第二，还要清楚地知道要从哪些方面进行比较，还要知道怎样去比较。做到有的放矢、对症下药、一针见血，紧扣作品的本身和学生欣赏的需要，就重要的方面进行比较分析，尽量避免无意义的泛泛而“比”。
(二)选取的作品要具有可比性
选择作比较的作品时，要注意根据学生欣赏和理解的需要，选取与欣赏对象具有可比性的作品，或相同、或相异、或因果，等等，不可在毫无联系且无需比较的作品间进行牵强附会的比较，徒劳无益。
(三)比较的方法要灵活多样
可以通过对比、类比、求同比较、反差比较等方法的灵活运用，形式多样，尽可能使比较生动活泼，以充分调动学生的学习兴趣。
比较鉴赏在教学实践中有着其他方法不可替代的独特性，它可以针对美术学科的特点优化课堂结构，提高教学效果，并激发学生热爱祖国优秀的传统文化，尊重世界多元文化。
作者：翟明帅