钢琴作品的艺术风格论文

【摘要】作为古典乐派代表人物之一的莫扎特，他的钢琴音乐在西方音乐发展史上占有极其重要的地位，他吸收音乐艺术的精华，综合各种不同的艺术风格于一身，从而形成了独特的音乐气质与成就。文章通过对莫扎特音乐风格的探析以及对作品《A大调奏鸣曲（k331）》曲式、节奏节拍、旋律等方面的研究，旨在从中能够更好地理解莫扎特钢琴音乐的本质，为演奏者提供理论参考和依据。今天小编为大家精心挑选了关于《钢琴作品的艺术风格论文(精选3篇)》相关资料，欢迎阅读！

钢琴作品的艺术风格论文 篇1：

门德尔松钢琴作品的艺术风格及创作思想分析

门德尔松钢琴作品具有极高的艺术价值，不仅富有古典美，还蕴含着浪漫主义的思想。本文从门德尔松的艺术生平进行切入，并且观察门德尔松钢琴作品的各阶段性特征，通过探索门德尔松钢琴作品的艺术风格和创作思想，加深对于门德尔松钢琴作品的理解。

门德尔松钢琴作品，在钢琴演奏中占据重要的地位，门德尔松一生创造了150余首钢琴作品，但是发表的仅为70首。门德尔松的钢琴作品随着时间的推移，受到了越来越多人的认可，也终于摆脱了历史的偏见，获得了人们的肯定。

一、门德尔松的艺术生平

1809年，门德尔松出生于德国汉堡，具有显贵的出身，而且生活优渥。门德尔松是一位伟大的钢琴家、作曲家、指挥家，从小为音乐痴狂，是一位天生的音乐家。在年少成名后，门德尔松没有停下进取的脚步，陆续与诗人海涅、音乐家韦伯、洪美尔等建立友情，并且深受贝多芬、莫扎特的影响，创作了《将e小调随想曲》等作品。自1829年起，门德尔松开始在欧洲进行巡演，风格逐渐走向成熟，他创造了《无词歌》等作品。1832年，门德尔松的人生出现重大转折，事业、生活受到双重打击，作品开始带入悲情色彩，与之前的作曲风格形成鲜明对比，演奏技巧和音乐体裁也出现新的突破。1832年，门德尔松担任了8年的莱比锡布业会堂管弦乐团指挥。1847年，门德尔松由于伤感姐姐芬妮的去世，也于同年病逝。

与其他音乐家生前潦倒死后辉煌不同，门德尔松有一个优渥的生活环境和一份稳定的工作，社会地位也很高。但是，19世纪中叶，受到政治的影响，排犹主义让门德尔松的音乐受到不公正对待;19世纪末，门德尔松的音乐被夸大了蕴含的浪漫主义，曲解了门德尔松的作品含义;到了20世纪初，门德尔松的作品被认为低俗，从剧目中消失;二战时期，纳粹德国将门德尔松的作品封杀。门德尔松的作品可谓命途多舛。在二战结束后，人们才开始正视门德尔松的钢琴作品。

二、门德尔松钢琴作品的各阶段性特征

（一）早期作品

创作早期，门德尔松受到巴顿、克列门蒂的影响，作品大多欢快明朗，类型包括奏鸣曲、变奏曲、幻想曲等，而且这些作品没有编号。此时，门德尔松还没有形成自己的演奏风格，受到教师传统教育的影响较大，大多采取巴顿、克列门蒂的作品模式，多为大型体裁。例如，门德尔松作品中的变奏部分运用了卡农的手法，体现了门德尔松对拔河作品的研究与见解。1824年，随着个人的逐渐成熟，门德尔松开始受到莫扎特和贝多芬的影响，扩大了他的音乐视野，创作的《随想回旋曲》更是流露出青春与活力，成为门德尔松早期的代表作，具有典型的浪漫主义风格。

（二）后期作品

随着创作和演奏风格的成熟，加上社会的历练和打击，在经历了欧洲巡演和打击挫折后，门德尔松形成了独特的音乐风格。其中，门德尔松在旅行中积累了大量的素材，如《#f小调幻想曲》《3首随想曲》等，随着亲友的相继离世，他没有得到柏林合唱协会的领导职位，门德尔松事业和生活开始出现挫折。在激动和悲情色彩的影响下，门德尔松的作品改变了欢快舒畅的风格。例如，《严肃变奏曲》抒发了门德尔松的强烈情感，作品风格成型，让门德尔松在音乐体裁、和声、演奏技巧上实现了突破。

三、门德尔松钢琴作品的艺术风格

（一）古典与浪漫的二重性，崇尚自然

门德尔松的钢琴作品不仅有古典主义的理性与严谨，还蕴含浪漫主义的幻想与抒情要素。门德尔松的奏鸣曲和赋格曲在古典主义下依然含有浪漫主义的抒情要素。透过《幻想大波兰曲》和《e小调小夜曲》，人们可以窥见门德尔松的古典与浪漫。同时，门德尔松的作品蕴含着大自然的气息，人们能通过音乐感受到自然的美妙与澄净。例如，《仲夏夜之曲》通过意境结合的表现手法，反映了门德尔松的积极开朗与乐观向上。

（二）创作题材与体裁的二重性，提倡学习与创作

在钢琴音乐中，门德尔松会选取古典音乐的体裁进行创作，同时又有反常规的表现，将浪漫主义发挥到淋漓尽致，并制作了“无词歌”等形式体裁，摆脱了老旧音乐思维的约束。门德尔松大胆地取消了传统协奏曲的双呈示部，并且取消了再现部后的炫技环节，这种音乐体裁得到了音乐家的沿用。门德尔松的题材选取，也包含了古典主义和浪漫风格。古典主义有《严肃变奏曲》，减少了华而不实的技艺性，维持了贝多芬的严肃态度。同时，门德尔松的《随想回旋曲》又减少了奇幻的元素，将亲近自然的思想展露无遗，充斥着生活中的美好与光明。

（三）创作手法的二重性

门德尔松的创作手法首先受到学校的影响，之后是巴赫、克列门特和身边的朋友，再之后是贝多芬和莫扎特。门德尔松受到环境和其他音乐家、哲学家的影响，最终形成了自己的个人风格。门德尔松的钢琴曲在旋律和不同声部的联系中存在丰富的复调思维，将浪漫主义融入了古典题材中，典型的是《降e大调赋格》，主旋律为《马太受难曲》的一节经过句，创作手法自由奔放。门德尔松的大型作品借鉴了贝多芬的创作手法，演奏技巧具备继承和发展性，并推进了音乐的发展进步。

四、门德尔松钢琴作品的创作思想

（一）继承性

门德尔松认为音乐是没有新路的，艺术的基本原则不会改变，所有的新式音乐都有根源。门德尔松在继承性上是保守的，认为音乐需要有所参照，不能独立存在。即便是贝多芬也要参考莫扎特的作品，如贝多芬的第一奏鸣曲与莫扎特的创作晚期的奏鸣曲。门德尔松认为自己没有开辟新路，只是创作思想不同而已。

（二）独立性

在继承前人作品的同时，门德尔松也關注作品的独立性。门德尔松认为作品不能单纯地抄袭和模仿，需要有自己的思想和风格，并且根据自己的喜好和对歌曲的驾驭能力，选取符合自身特点的创作手法。同时，需要坚持自己的音乐道路，不要因为他人的不理解，就对自己的作品产生质疑，乃至放弃音乐道路走向平庸。

（三）明晰性

门德尔松的作品存在一种平衡，不是信念与情绪上的明晰，而是组织和头脑上的明晰。门德尔松的乐曲风格朴素简洁，音乐干净清澈。例如，《g小调钢琴协奏曲》充分表现出曲式明晰的特点，并且表现出音乐中无忧无虑、积极向上的情绪。在《无词歌》中，这一特点表现得尤为明显。

五、结语

门德尔松的钢琴作品意义深远，时至今日依然产生着深远的影响。门德尔松的作品诠释了对于美的追求，提倡心灵、灵魂上的交流，具有教化的效果。门德尔松的钢琴作品没有等级之分，提倡人人平等，崇尚自然，反映了当时的大众心理特点。同时，门德尔松的作品能让人观察到古典主义与浪漫主义的结合，让音乐变得纯粹，提升了音乐家的艺术与人格高度。

作者：冯健

钢琴作品的艺术风格论文 篇2：

浅析莫扎特钢琴作品的艺术风格

【摘要】作为古典乐派代表人物之一的莫扎特，他的钢琴音乐在西方音乐发展史上占有极其重要的地位，他吸收音乐艺术的精华，综合各种不同的艺术风格于一身，从而形成了独特的音乐气质与成就。文章通过对莫扎特音乐风格的探析以及对作品《A大调奏鸣曲（k331）》曲式、节奏节拍、旋律等方面的研究，旨在从中能够更好地理解莫扎特钢琴音乐的本质，为演奏者提供理论参考和依据。

【关键词】莫扎特；艺术风格；奏鸣曲

沃尔冈夫·阿玛多伊斯·莫扎特，18世纪欧洲音乐的重要代表人物之一。钢琴音乐在他一生创作中占有极其重要地位。他的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征，他在歌剧中所显示出的非凡天才，也充分表现在了钢琴音乐中，主题旋律宽广、悠扬、婉转，与歌剧中的咏叹调有异曲同工之妙。

一、莫扎特在古典时期的发展

“古典”是指18世纪下半叶至19世纪20年代在维也纳所形成的以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的维也纳古典乐派。这一时期的音乐崇尚理性和强调道德观念，作品结构严谨、艺术手法简洁。

莫扎特一生创作了20首钢琴奏鸣曲，他的创作富有鲜明的时代特征，他不仅沿袭了巴赫和海顿的模式，而且在经过反复的实践后，大大地扩充了奏鸣曲式的表现力。莫扎特的钢琴奏鸣曲将节奏的严谨性与旋律间起伏变化的结合达到了新的高度，节奏富于音乐的动力与自由旋律的结合得到了高度的平衡，对后人产生了极其深远的影响。使钢琴奏鸣曲的艺术性得到了新的发展。莫扎特的钢琴奏鸣曲，为钢琴音乐增添了灿烂的篇章。

二、莫扎特艺术风格形成的必然条件

（1）童年莫扎特巡回演出开始于1762年，正是欧洲战争频发的时期。此时欧洲钢琴音乐正在进行巴洛克时期向古典时期的过渡，新的音乐风格迫切要求冲破封建、宗教、宫廷的束缚，莫扎特的钢琴奏鸣曲直率、洒脱，其音乐恬静、高雅、自然的风格正符合当时欧洲的政治文化背景。

（2）莫扎特自六岁起就是一个疾病缠身的人，也许没有疾病的痛苦就不会有他深沉的音乐。疾病所造成的痛苦并没有把他推向颓废的泥潭，反而促使他用旋律、节奏以及和声的语言诉说他的生存状态，从而得到心灵的解脱。莫扎特的音乐越到他的晚期，他反抗世界、自我挣扎的成分就越多，乐曲境界就越高，震撼人心灵的力量也越大。

（3）18世纪的欧洲，同时也是启蒙运动兴起的时期，莫扎特音乐风格的发展，与启蒙运动的思想也密切联系。莫扎特生于从神秘主义到浪漫主义的过渡时代，欧洲正从虔信远离世俗的宗教世界转为相信个人可以靠自己生活。他开始让音乐表达内心情感，直指人心，因此在莫扎特钢琴音乐中，你不仅能感觉到它的典雅高贵，而且它还深刻地展示出了丰富的感情。

三、莫扎特音乐风格特点

莫扎特作为古典主义音乐的典范，他对欧洲音乐的发展起了巨大的作用。与海顿同时期的他，一生创作了20首钢琴奏鸣曲，虽然数量不及海顿，但在质量上却是毫不逊色，而且对奏鸣曲式的形成作出了突出的贡献。莫扎特是惟一一个将歌唱性的主题运用于奏鸣曲式当中的作曲家，并且在再现部当中导入副部主题使调性关系取得完美的平衡，他将严谨的节奏与感情色彩丰富多彩的旋律相结合，对今后的奏鸣曲产生了极其深远的影响。其特点具体表现为：

（1）旋律色彩极为丰富，具有柔美、纯朴、高贵、典雅的气质，有一种自然的流畅感，最能表达人的真情实感，有些旋律就像湖面的波纹一样平静，有些则是像暴风雨一样粗狂。

（2）在主调音乐里呈现出一种新的主调与复调的融合，两种类型既相互交织又各自保持着独立性，莫扎特创作出了他所独有的崭新语言，对后来的肖邦和其他作曲家都产生了深远的影响。

（3）在钢琴奏鸣曲中，经常可以见到以歌剧似的写作手法，音乐形象对比鲜明，形成绚丽多彩，千姿百态的整体。

四、莫扎特《A大调奏鸣曲（k，331）》的创作特点

《A大调奏鸣曲》是莫扎特很具典型性的一首钢琴奏鸣曲作品。它是莫扎特1778年在巴黎完成的，所表现的是他在曼海姆和巴黎旅行时的音乐印象，也就是在这个时期，莫扎特的创作进入旺盛期，很多优秀的钢琴作品也是在这一时期涌现出来的，并且他独特的创作风格也逐渐在这些作品中得以显露。

（一）大胆新颖的曲式结构

这首奏鸣曲的曲式结构之所以大胆新颖，就是因为它打破了常规的奏鸣曲式，三个乐章不仅在内容上没有任何联系，并且没有一个乐章采用奏鸣曲式。第一乐章将传统的快板乐章变为变奏曲形式，将原来的两个旋律变为了一个旋律；乐曲的发展脱离了旋律之间反衬和对比的模式，而是用具有丰富表现力的变奏与变奏描述取而代之；采用优美的行板，旋律以温柔和极其自然的口吻娓娓道来，由主题和六个变奏组成。

主题采用四部和声的织体，A大调。乐句中的附点音符和平稳的四分音符相结合，使旋律平稳中带着活泼；主题旋律的乐句虽然不长但是却兼具歌唱性、旋律性。

变奏一，旋律以问答的形式出现，并且进行了“加花”式变奏，以节奏变奏为主，织体变奏为辅，强调旋律的舞蹈性，器乐化的特点更为突出。

变奏二，倚音和颤音的运用使旋律较主题更为细腻，伴奏采用三连音的节奏型，节奏变得密集，使这个变奏更加精致。

变奏三，此变奏转调到a小调，十六分音符和八度重叠使此变奏隋绪转为激动，主题旋律的轮廓的清晰度降低。

变奏四，调性回归到A大调，主题旋律的进行较为明确，采用纯音型化的模式，是变奏三的升华和展开，变奏的跑动性降低，使节奏显得比较稳定。

变奏五，此变奏是最具歌唱性和抒情性的一个变奏，装饰音和伴奏音型的模式都是取材于变奏二，因此它也有再现的味道。

变奏六，是全曲的终曲，改用快板，节奏变为强弱对比鲜明的四拍子，使音乐具有轻松，热情的特质。

第二乐章是一首规模相当大的小步舞曲，其风格悠扬而高贵，节奏稳定委婉，线条层次清楚，内容也是相当的饱满丰富，主部四十八小节，中间转调到D大调，左右手相互交替，把音乐形象生动地展示在我们面前。第三乐章是我们熟悉的《土耳其进行曲》，a小调回旋曲式，主部第一次陈述后，副部的调性到了主部的关系大调，带给人们明快的情绪，第二次副部的调性则回归到主部的同名大调上，乐句不缓不急地进行着，我们依稀还能听到阵阵的军鼓声从远处传来，从三十二小节开始，调性变为升f小调，流畅的旋律给我们小河淌水般的舒畅感觉。

（二）歌唱性与舞蹈性相互渗透的主题旋律

主题的体裁是带再现的二部曲式，优美的行板，6/8节拍，A大调，附点节奏。在主题的4个乐句中，前半段为8小节，后半为10小节：每句前半旋律流畅抒情，每句后半是音响加厚的和弦式陈述，旋律有意简化，同音反复地使用也为后面变奏留有充足的余地。主题的呈示部分与再现部分体现了旋律的歌唱性，中间部分则主要展示了旋律的舞蹈性，每句开始都以西西里舞曲的特性节奏开始，在性格上更为内敛而婉约，音乐的安详平和情绪接近了莫扎特的音乐精神，而表现出的纯朴温暖情感的深度则是空前的。

（三）变化丰富的节拍与节奏

这首奏鸣曲不同于其他奏鸣曲的一大特点就是，它的第一乐章有六个变奏，并且三个乐章风格迥异，因此在此首奏鸣曲中包含有丰富的节拍与节奏的变化。这首奏鸣曲的第一乐章以轻快的舞曲般的乐句开始，6/8节奏型即奠定了变奏乐章的稳定性又使音乐具有流动性；变奏五以慢板形式出现，比较慢的节奏和较快的节拍变化丰富并且具有特色；变奏六作为第一乐章的结尾，用变奏的快板写成，运用4/4拍的节奏充分地体现了此变奏的舞蹈性；第三乐章用2/4节拍写成，独特的土耳其风格使这个乐章被称为“土耳其进行曲”，享誉世界。

（四）对比鲜明的力度与速度

由于时代的背景的关系，他的作品几乎没有很大的变化和起伏，几乎所有作品的力度都在一个f（强）到一个p（弱）之间，但这首作品却是少有的一部力度与速度变化丰富的作品。

速度方面：如第六变奏，是速度介于120～126之间的快板；而第五变奏，则是速度在48～50之间的慢板。虽然两个变奏速度有鲜明的对比，但是在演奏时快板不宜太快，慢板也不宜太慢，莫扎特不仅为这首作品赋予了特殊性，还将古典主义所提倡的严谨的音乐风格贯穿于作品当中。

力度方面：在这首作品中可以发现很多力度对比鲜明的部分，如变奏一的10、11小节，突强和弱形成鲜明对比，使乐曲充满生命力，见谱例1：

再如第三乐章，前8小节的旋律采用环绕式的回音音型，其力度分寸基本都控制在p，见谱例2：

而27～35小节右手则是八度强奏，音乐气势宏大，犹如嘹亮的小号吹奏，左手是带琶音装饰音的同音反复，好似铜管乐和打击乐的混合声，见谱例3：

五、结束语

莫扎特，这位18世纪欧洲音乐的杰出代表人物，在这一时期的欧洲资产阶级革命推动和法国启蒙运动的影响下，音乐在作品的题材、内容、形式、风格等方面发生了巨大的变化，作品中世俗性的因素增强，与民间音乐的联系更加紧密；内容上强调哲理性，并结合了当时的社会斗争和资产阶级革命；音乐语言精炼、朴实；曲式结构追求对称、均衡；作品富有戏剧性，强调音乐中的矛盾冲突。更为重要的是，他使这一时期主调音乐较复调音乐更为流行。

莫扎特的音乐风格既不像巴赫那样充满了自我牺牲的精神、伟大的信念以及浓厚的宗教气息，也不像贝多芬的钢琴奏鸣曲那样气势磅礴，充满着光明与黑暗的较量，而是以欢乐、幻想与美妙的童真来填充他的音乐。就如他的钢琴奏鸣曲一样，好似一条流淌在山谷中的小溪，欢快跳跃地勇往直前，焕发着最自然朴素的光彩，给人以清新脱俗的美妙听觉享受。莫扎特通过音乐作品表达出来的感情思想以及人生态度，不仅具有很特别的现代感，能够带给我们启示，而且还超越历史直至永恒。

作者：王琼

钢琴作品的艺术风格论文 篇3：

拉威尔钢琴作品艺术风格的分析和探源

摘要 莫里斯·拉威尔是欧洲浪漫主义后期一位杰出的大师，尤其以创作钢琴作品见长。其作品充分吸收了浪漫主义和印象主义等多重音乐风格的精华，同时又融入了自己个性的特色和理念，使作品呈现出别样的审美风格。本文对拉威尔钢琴作品的艺术风格进行了总结，并且就这种艺术风格形成的原因，进行了初步的分析。

关键词：莫里斯·拉威尔 钢琴作品 艺术风格 分析和探源

一 拉威尔其人

莫里斯·拉威尔，1875年出生于法国西部小城西布恩。7岁开始学习钢琴，并表现出一定的艺术天赋。14岁的时候，考入了法国巴黎音乐学院的钢琴预科班，并且学习十分认真刻苦。当他发现自己同学的演奏技术要高出自己很多的时候，他发誓一定要迎头赶上，并且最终收获了高超的钢琴演奏技艺。在钢琴学习的同时，拉威尔对作曲表现出了浓厚的兴趣，曾经尝试创作出了《古风小步舞曲》、《百闻的景色》等，可谓牛刀小试。1897年，拉威尔正式学习作曲，并且孜孜不倦地参加各种形式的音乐比赛，几年中，他一直想要问鼎著名的罗马大奖，但是因为多种原因，却始终没能如愿，但是其在准备比赛期间所创作的很多作品，都受到了普遍的好评。第一次世界大战的爆发，对拉威尔的影响极大，他在战争中看到了人性的无情和残酷，特别是母亲去世之后，他的健康急剧恶化，但是仍然坚持创作出了《库泊兰之墓》、《大圆舞曲》等作品。1932年，拉威尔不幸遭遇车祸，丧失了工作能力，1937年病逝于法国，享年62岁。作为生活在世纪之交的伟大作曲家，其钢琴作品呈现出了鲜明的艺术风格，使他在乐坛上独树一帜。

二 拉威尔钢琴创作的艺术风格

1 自然和机械的结合

拉威尔早在青年时期就对德彪西十分推崇，并且在创作中受到了德彪西很大的影响。所以他和德彪西一样，也喜欢在作品中对大自然和客观事物进行描绘。例如，《水之嬉戏》中，就将喷泉、瀑布和小溪描绘得淋漓尽致。还有《哈巴涅拉舞曲》中的西班牙景色，《滑稽小夜曲》中唯美的夜景等。或者说拉威尔的钢琴创作，和生活结合得十分紧密，生活中各种常见的情景，都能够在作品中得到充分的展现，也体现出了年轻时期拉威尔对生活的热爱和对美的追求。但是与德彪西不同的是，德彪西对景物和景色的描写，往往都将自己的情感融入其中，类似于中国传统艺术创作中的“托物言志”，但是拉威尔的音乐则是一种纯粹的模仿和表现，几乎看不出情感的色彩，更像是一个写实画家，对所见到的事物进行精心的描摹。例如，德彪西的《水中倒影》和拉威尔的《水中嬉戏》，都是描写水的作品，德彪西并没有予以直接的描绘，而是从光和色的角度进入，来达到对水的感悟和体验。但是拉威尔却是实实在在描写水，包含风平浪静、汹涌澎湃、浪花四溅等多种形态的水。拉威尔更像是一个严谨的机械师一样，把每一个零件，每一个步骤都精心设计，反复推敲，这种形式上的严谨性，甚至超过了古典主义时期的作品。如《古风小步舞曲》中，呈示部突然出现了十六分音符，使之前连贯的旋律骤然被打断，整个乐曲有了一种机械之感，像是人为操纵着乐曲的进行，既有对自然真实的描绘，也有对机械感的鲜明追求，这是拉威尔钢琴作品中鲜明的特征。

2 真实和伪装的交织

拉威尔被当时的评论家称为“伪装者”，然而这并不是一个贬义的称呼，反而是对其精湛创作技法的体现。因为他善于在作品中掩饰自己真实的内心世界。一方面，就像是前文中提到的，在对自然景物的描摹中，他几乎从来都不掺杂自己的情感，而是纯粹的描绘。不是像其他浪漫主义时期的作曲家一样，善于在作品中表现自己的情感。另一方面，他还经常对别人的作品进行模仿，让观众误以为自己和被模仿的作品，有着相同的情感基调，从而掩饰住了自己的真实想法。例如，《滑稽小夜曲》和《帕凡舞曲》，模仿了夏布里埃常用的创作手法，《水之嬉戏》则能明显的看到李斯特的影子，同时也在题材上效仿了德彪西，这种模仿使人们看不透拉威尔真实的创作个性。但是从另一个角度来说，再仿真的面具，也难以遮住一个音乐家的真情流露，因为音乐本身就是一门充满情感的艺术。例如，《水之嬉戏》中描写到的喷泉、《钟声》中的玩具钟、《哈巴涅拉舞曲》中那些可以自动跳舞的玩具等，一些观察比较敏锐的音乐评论家，早已发现了拉威尔的喜好倾向，称他为“小玩意的行家”，有着孩子般的天真和单纯。《滑稽小夜曲》中小丑怪诞的性格，《古风小夜曲》中的黑色幽默，都充分证明了这一点，或许也正是这种孩子般的本性，才能使他的钢琴创作与众不同，他的各种伪装，其实是一种通过否定自我来体现自我的最高境界。

3 理想和感性的统一

拉威尔的钢琴创作，极少受到外界的影响，而是有着坚定的自我追求。他在创作中对古典主义的各种程式和法则予以了充分的继承，遵循各种传统的作曲法则，喜欢使用奏鸣曲式，整个乐曲的构造十分严谨，因此他也曾经批评过德彪西缺少形式构造的才能，而被斯特拉文斯基称之为“优秀的瑞士钟表匠”。作品中每一个细节都是经过深思熟虑的，包含和弦中音符的数量，休止符的长短等，像是数学公式一样经得住推敲，虽然复杂，但是绝不混乱。他像是一个成竹在胸的机械师，看着自己的钢琴机器沿着设定好的程序，有条不紊地向前运行。但是我们又分明能够从作品中感受到他的感性和本能，或者说其创作在体现出理性和严谨的同时，也体现出了一定的情感色彩。例如，《帕凡舞曲》和《哈巴涅拉舞曲》中，就经常出现几个相距甚远的八度上行旋律，这样的设置就使得曲子有了一种动感的特征，从而更加吸引观众。此外，还有《古风小步舞曲》中浪漫主义颓废和伤感，《小奏鸣曲》中那不易察觉的忧郁，还有该曲第三乐章那种激情和狂野，像是一个被束缚已久的人，突然获得了自由和新生，然后忘情的奔跑。这种理性和感情的结合，显示出了拉威尔在创作中的矛盾一面。这也是其在晚年创作中饱受困扰的原因之一，即不知道自己应该以何种态度来创作作品，除了音乐上的理解和感受之外，更多的是其性格使然。

三 拉威尔钢琴作品风格探源

艺术发展有着继承性的普遍规律，这在钢琴艺术身上也不例外，只有追溯拉威尔钢琴创作的风格渊源，才能了解到这种个性特征表现的真正原因。事实上，拉威尔本身就是一位善于吸收和借鉴的集大成者，其中包含对法国传统音乐的继承，同时代的德彪西以及对古典主义的借鉴等。各种因素综合在一起，共同造就了拉威尔钢琴作品的艺术风格。

1 德彪西印象主义音乐的影响

虽然德彪西的印象主义追求被称为是“一个人的流派”，但是其影响力是毋庸置疑的，这种对于印象感觉的大胆追求，直接推动了浪漫主义音乐的发展和创新。作为和德彪西同时代、同国家的拉威尔虽然总是强调和德彪西走是截然不同的路子，但是从其作品中可以看出，其还是受到了德彪西不少的影响，当时的一再强调，也只是为了不让自己带上德彪西模仿者的帽子。这种影响在拉威尔早期的作品中就已经开始显现。德彪西早期的创作中，善于从当时的象征主义诗人的诗歌中获得灵感，以此来获得对通感的追求。例如，《贝加莫组曲》就是受到象征主义诗人魏尔伦的诗歌启发创作而成的，其中的《月光》更是魏尔伦的同名诗篇。同时，德彪西还和当时印象派绘画的莫奈等人是至交好友，受到印象派绘画的启发，他善于使用和声的色彩变化来表现出一种朦胧的效果，且每一首作品都有一个模糊性的标题。这些创作理念和追求，都给了拉威尔以很大的启示和借鉴，如他在创作中也经常使用模糊性的标题，为了追求印象性色彩而将和弦的范围扩大，使用三度音程叠置的方式，大量使用九和弦、十一和弦甚至是十三和弦等。同时将一些中古调式、东方的五声音阶等全新元素融入到作品中，表现出了和德彪西相同的对色彩的追求。可以说，德彪西的创作思想和技术，给了拉威尔以很大的影响和启发，但是拉威尔并没有完全跟随，而是始终保持着音乐品格的独立性，使自己的钢琴作品，既有和德彪西表面上的相似性，又有本质上的不同。

2 对法国传统音乐的继承

19世纪末，法国的民族音乐协会成立，这个协会旨在充分发展法国的民族音乐，体现出了鲜明的民族性精神。而拉威尔的老师弗雷尔，正是这个协会的领军者，他毕生都致力于法国民族音乐的挖掘、保护和发展，与库普兰、拉莫等前辈音乐家的理念一脉相承。弗雷尔因为民族音乐观十分强烈，所以对一些新的理念和创作技法并不感兴趣，而是满足于当代美学，把自己视为一个历史悠久的合理产物。拉威尔师从弗雷尔，从老师身上学得了严格的古典主义创作法则，为他后来作品中对严谨性的追求产生了重要的影响。而且弗雷尔本身是一个十分谦和的、温文尔雅的绅士，他的作品中在音乐语言方面总是很节制，弱奏的特点十分鲜明，这让年轻时期的拉威尔产生了浓厚的兴趣，也试着向老师一样带上各种面具来进行创作。同时，弗雷尔鲜明的音乐理念追求，并不代表他是一个固执和保守的人，相反他对别人的各种创新是十分支持的，这也让拉威尔在创作中有了坚强的后盾，各种个性探索有了极大的发展空间，可以说弗雷尔对拉威尔的创作影响是十分巨大的，多种风格的体现，都是源于对老师的模仿。另一位法国音乐大师夏布里埃，也对拉威尔的创作有着很大的影响，他的音乐具有典雅、细致的风格，同时又表现出一种讽刺和幽默。而且在技术使用上是纯粹法国式的，是法国利用全音阶创作的第一人。拉威尔对其十分推崇，早年的很多作品都是对其作品的直接模仿。如《幻想的布雷舞曲》、《豪华小步舞曲》等，都有夏布里埃的风格。拉威尔正式继承了法国传统音乐的精髓，所以作品才会体现出如此长久的艺术魅力。

3 后期浪漫主义的孕育

拉威尔的创作正值浪漫主义后期，这一时期的浪漫主义音乐已经不再纯粹，而是有了一些新的元素出现，拉威尔则是这种新元素的尝试者，这种尝试表现为一种继承和创新。一方面，他十分推崇肖邦、李斯特等浪漫主义大师和他们的作品。例如，他曾经细致研究了李斯特的《超级练习曲》，并且将其中的技巧进行归类，并在自己的多部作品中使用。作品中经常出现的“刮键”，就是李斯特标志性的技巧。又如肖邦，拉威尔的对肖邦作品中表现出的民族性的钦佩不已，甚至想要代替肖邦，投入到波兰的革命战争中，作品中的情感宣泄，也受到了肖邦的影响。而且拉威尔在充分继承浪漫主义精华质素的同时，还进行了很大程度上的创新，从而形成了自己的音乐个性。例如，浪漫主义音乐中，对音乐形式并不是太重视，而在拉威尔的创作中，音乐形式却有了十分精致的美感特征。浪漫主义音乐中对通感的追求，更是被拉威尔发挥到了极致，他以浪漫主义音乐为母体，并且进行了变异和扩展，从而形成了自己所特有的风格。

综上所述，浪漫主义时期之所以被称为是音乐历史上最重要和最伟大的时期，一个关键的原因就在于这是一个百家争鸣和百花齐放的时代，浪漫主义风格虽然是主流，但是并没有一支独大，反而从客观上激发了音乐家们对多种风格探索和追求，而音乐本身也正是在这种探索和追求中得到了发展和丰富。拉威尔作为浪漫主义后期钢琴创作的佼佼者，用自己的创作让钢琴艺术的形式和内涵，有了全新的展现。对于其钢琴作品艺术风格的研究和成因分析，将有助于我们更好的认知和体验其作品，为拉威尔钢琴作品的演奏和教学，打下一个坚实的基础。

参考文献：

[1] 周薇：《西方钢琴艺术史》，上海音乐出版社，2003年版。

[2] 亚科夫·米尔什坦：《李斯特》，人民音乐出版社，1999年版。

[3] 李斯特，张泽民、高士彦、虞承中、郭竽译：《李斯特论肖邦》，人民音乐出版社，2003年版。

[4] 李斯特，俞人豪译：《李斯特音乐文选》，人民音乐出版社，2002年版。

[5] 埃弗雷特·赫尔姆，王庆余、胡君亶译：《李斯特》，人民音乐出版社，2003年版。

[6] 沈旋：《杰出的管弦乐色彩大师——法国作曲家拉威尔》，人民音乐出版社，1983年版。

作者简介：王娜，女，1979—，河南南阳人，本科，讲师，研究方向：音乐教育、音乐理论，工作单位：南阳师范学院音乐学院。

作者：王娜