光与影油画艺术论文

摘要：彩作为油画艺术的重要语言因素，是油画艺术不可规避的课题。本论文以油画风景写生及创作为切入点，系统地论述了色彩的功能性、目的性以及色彩的构成因素和色彩建构的情感、精神本质。下面是小编精心推荐的《光与影油画艺术论文(精选3篇)》相关资料，欢迎阅读！

光与影油画艺术论文 篇1：

油画创作技法及表现研究

摘 要：油画艺术具有丰富的表现形式，对于油画创作，不仅需要把握笔法、技法的运用，还要兼顾色彩、线条、肌理，以及明暗变化的合理调控，从而让油画艺术更具感染力。探讨油画艺术创作的主要技法，梳理影响油画艺术表现的主要因素，有利于对其未来发展趋向进行总结。

关键词：油画创作;技法运用;艺术表现

在油画创作中，厚重的色彩、灵动的笔触、丰富的肌理，成为古典油画的鲜明特色。随着现代审美理念的发展，在借鉴古典油画创作技法基础上，当代油画更加强调象征性、抽象性、表现性要素的挖掘，来融入创作者的主观情感。艺术世界是开放的、多元的，不同的艺术风格百花齐放。围绕油画创作，需要探讨其技法及表现形式，对未来的发展趋向进行探讨，如油画创作题材的拓深，新技术、新材料的融入，制作工具的革新等等。不同技法所创作的油画作品，其艺术表现形式也迥然不同。

一、油画艺术创作中的主要技法

对油画艺术的研究，绝非简单运用植物油调和颜料，再绘制出不同的艺术形象。油画艺术具有综合性，融合了多种造型手法和创作技法。如写实油画，在二维空间中创作逼真的立体物象;抽象油画，借助于色彩、线条、颜料等，来展现独特的构图与韵律美[1]。同样，在油画创作中，不同色层厚薄的对比、颜料色彩的调试、笔触的变化所带来不同的画面肌理效果等，都增添了油画艺术的感染力。

（一）油画创作的主要步骤

欣赏一幅油画作品，要抓住作品的肌理变化，从中来获得极度舒适的和谐之美。油画创作要注重色彩明暗、强弱变化，画面层次的错落有致，特别是古典油画，其构图要求更加严谨，对画面色彩的运用更加细腻。色彩是影响人的视觉的最主要因素，油画作品中富丽堂皇的色彩，更具视觉吸引力。但通过对优秀油画作品的赏析，精美的油画作品更需要依托其独特的技法来呈现油画艺术的魅力。例如油画罩染法，通常利用调色油或媒介剂对一些颜料进行稀释，使其呈现透明或半透明状态，将之涂染在油画的不同色层上。这种技法最显著的特点是让油画画面呈现润泽、透明的效果，也让油画的不同色层能够直观显现出来。古典油画的创作往往不是一次完成的。油画家在创作古典油画时，通过多次涂层、多次修饰、多次覆盖、多次罩染等手法，最终获得良好的艺术成品效果。塑造也是传统油画创作的基本方法，在塑造中，可以从颜料色彩的明暗变化、色彩饱和度及色彩视觉效果上，增强油画画面的肌理感[2]。优秀的油画家往往善用色彩的罩染手法，来调和出珠宝般的光泽。其步骤主要有：先将造型描摹在画布上，选用单色线条，勾勒基本形貌。这样描摹，便于从整体上布局画面。接着，用蘸有油的白色颜料进行多层次塑造，来表现不同视觉元素之间的明暗对比变化。在创作中，对于暗部，涂色较薄;对于中间或亮部，涂色较厚。对于不同的色块，要做到精准涂色，细致刻画，来表现油画的层次感，增强画面的虚实关系。油画创作通常需要多次涂色来完成。在塑造阶段，色彩要求纯度更高一些，但要把握合理的度，为后续的罩染留有余地。相对于第一遍铺色，塑造时，对色相要寻求变化。静置一段时间，让颜料完全干透，再施加调色油稀释的颜料，对油画的不同色层进行涂色。在涂色时，下层色彩要能够透露出来，上下层色彩能够形成微妙的色调变化。如深红色彩，涂罩稳重的蓝色，油画画面呈现冷中透暖的视觉效果。

（二）油画创作的技术方法

从油画创作过程中，对技法的运用也在与时俱进。由最初的传统写实，发展到后期的抽象表意，再到后现代创作理念的渗透，技法的融入让油画艺术获得了创新发展。总体而言，对油画技术方法的归纳，重点体现在三方面。

第一，聚焦生活细节，丰富油画创作题材。从油画创作选题来看，生活中的点滴、细节，成为油画艺术追求的重要方面。艺术源于生活，油画创作的灵感往往从生活细节中被发现。同样，油画创作，要把握美好的情感，用心和情感来表现生活，发现最美的风景，积累更富有特色的创作题材。第二，捕捉审美意象，升华创作视觉形象。对于油画家而言，在采风的过程中需要对构思、意象进行筛选和提炼，从不同的视角来剪裁素材，用另一种视觉形象来表达出来，融入创作者的思想、情感和想象力，赋予作品独特的审美意义[3]。在油画创作中，把握具有审美意义的意象，不仅是在头脑中短暂地保留其形象的一个念头或印象，还需要通过具体的创作，不断淬炼和提取，完成整体的构思与展现。法国油画家席里柯的《梅杜萨之筏》，其构图、色彩、画面审美意象的表达，以及人物情感、动作的刻画，都可谓独一无二。席里柯在创作该作品时，曾深入到海难者家中，去了解故事，走访每一位海难生还者，才完成了构思。第三，抓住色彩，善于搭配，突出油画的主题情感。油画创作绝非单纯意义上的视觉形式，更是对色彩艺术的生动表达。从色彩的选择、搭配上，来获得视觉感染力和冲击力。色彩是油画创作的重要表现要素，创作者只有深刻体会色彩的灵性，恰当给予排列组合，才能呈现不一样的视觉体验。如红与绿的搭配，视觉效果更鲜艳;蓝与白的搭配，展現浪漫感觉。另外，可通过对色彩的色相、明度、纯度的调配，来表达创作者的艺术情感。

二、油画技法的表现要素

油画艺术在材料、色彩、形式、笔触等方面运用不同技法，所展现的画面语言也不尽相同。创作者可以利用技法表现来融入情感和思维，创作极具表现力、塑造力的油画作品。

（一）油画形体与色彩的配合

从绘画实践来看，形体、色彩都是表现视觉形象的重要媒介。不同的画种对形体、色彩的要求也不尽相同，但总的来说，色彩的选择、运用，往往是为形体服务的。回顾传统绘画艺术，抽象主义、表现主义的形体、色彩的侧重点有所不同，但都在于让观者能够从作品中感受色彩依附于形体的创作本质。尽管创作对象在质感、体积感、色彩等方面有所差异，但形体与色彩的关系是紧密的。同样，在油画创作中，不同年代、不同创作者对作品形体的把握，都要考虑相应的色彩搭配。油画创作不仅要融入绘画思维，还要抓住色彩与形体的合理搭配。

（二）选择恰当的色彩

在绘画艺术中，色彩是基本表现要素。在油画创作中，创作者也会根据自己对色彩的理解，选择不同的色彩来赋予作品不同的视觉内涵。色彩本身并无情感可言，但人对色彩却有不同的感受。审视凡·高的《向日葵》，该作品所用的黄色系是暖色调，给观众带来热情似火的温暖感受。同样，黄色系饱满单纯，绿色作为衬托，两者搭配更为清新绚丽。向日葵是创作的形体，对于向日葵的形式，凡·高以夸张的手法、大胆的色彩选择，让作品成为艺术的永恒。黃色，受到凡·高的青睐，在创作中，凡·高利用黄色来象征美好的愿望。观众在欣赏该作品时，从黄色系色彩表现上，感受到作品对生命活力的展现，对生活情感的向往。从当时的创作背景中，落魄的凡·高仍在追求幸福的信念。色彩是多样的，不同画家对色彩的选择也不同。毛焰在油画创作中，题材选择往往范围狭窄，但其作品却呈现鲜明的个性。毛焰的用色手法与众不同，如在一些作品中，利用大部分的灰调色来创作，斑驳的光点、遒劲的笔触让画面呈现勃勃生机。毛焰之所以善于灰调色，与其内心的情感有密切关联。从作品中所反映的愿景，可以看出其内心的细腻、敏感、孤傲、焦虑。他的一些作品利用近乎单色的灰色调，画面犹如梦境，形体对象与灰色调融为一体，所营造的画面氛围让观众不自觉地联想到中国传统笔墨文化。再如，周春芽的绿狗系列作品，也是选择单纯的绿色作为创作主色调，对物体本身固有色彩的突破，使其油画创作更具个性特征。

（三）油画的笔触运用

从视觉表现上看，不同的笔触带给观众的情感体验也不一样。油画创作中的笔触，往往与创作者的情感相一致，或轻或重，或缓或急。笔触的运用让油画画面产生薄厚的对比，加之色彩的明暗变化，让作品富有肌理感。油画家在笔触的选择和处理上，背景部位多采用平涂手法，在景物或人物肖像部位多采用聚散笔触。油画中的笔触，与所选颜料也有关系。轻薄的颜料，色彩透明;厚重的颜料，笔触厚重，给观众带来更多的记忆感。如在冷军的油画创作中，笔触讲究细腻、平滑，结合不同的画布、底料，让画面更写实;闫萍在油画创作中，对笔触的运用，讲究一定的速度感，让画面极富张力。对笔触的处理，与创作者的情绪交织在一起，而优秀的油画作品，往往非一次完成，而是在对绘画技法的多次交叠中完成。

（四）油画肌理的表现

莫奈认为绘画的好坏，可以通过抚摸画面的表层感受得来。油画创作中，画家需要借助于不同材料来完成创作，肌理就是画家所要表达的画面质感。笔触的灵活运用，体现了创作者的用笔情感。康定斯基的《教堂》，笔触短促，运用稳重、低沉深色调，来展现教堂的质朴。用明亮的黄色、橘黄色，对教堂顶部塔楼进行涂色，形成亮部，将阳光照在教堂塔楼的视觉形态表现得淋漓尽致，也让作品整个画面呈现鲜明的对比效果。在意象构成形态上，康定斯基运用粗犷的笔触、简单的色彩，将自己对作品的理解表达出来，极富感染力。另外，油画的肌理感与新材料的创新应用有关。如克里姆特的《吻》，在创作中融入金粉、金片、银箔等装饰材料，让画面极富浪漫激情。

三、结语

油画艺术在创作中，对技法和表现要素的运用，包含了创作者对生活的理解、对物化形态的情感与体验。安格尔的油画，追求典雅与韵律，呈现美妙的视觉表现;凡·高的油画，突出色彩的强烈对比，给人振奋与激情。学习油画技法，掌握油画创作表现特色，有利于让油画作品展现更具人文性的独特内涵。

参考文献：

[1]徐栖桐.油画技法及其在绘画创作中的表现力浅析[J].艺术家，2020（1）：27.

[2]朱鸿萱.西方油画作品中光与影的表现研究[J].艺术品鉴，2021（6）：150-151.

[3]陶源.浅述传统油画与当代油画的继承发展[J].艺术评鉴，2021（1）：34-36.

作者单位：

宿迁学院

作者：孔光

光与影油画艺术论文 篇2：

浅析油画色彩的运用与表现

摘要：彩作为油画艺术的重要语言因素，是油画艺术不可规避的课题。本论文以油画风景写生及创作为切入点，系统地论述了色彩的功能性、目的性以及色彩的构成因素和色彩建构的情感、精神本质。系统地分析了创作主体的主观性与色彩形成的关系，揭示了油画创作中表现力与情感之间关系与影响，阐明了色彩在现代绘画中的重要地位，结合国内外强调色彩因素的画家和作品，分析并论证油画风景写生的色彩要素。

关键词：油画;色彩;情感

引言

色彩语言在油画创作的过程中体现出强烈而独特的表现力，色彩语言的表现规律可谓油画的核心。它还是艺术家主体表现个性风格和精神外化的关键环节，重要因素。与简单的公式不同的是，艺术家要想形成自己独特的色彩语言不仅要正确认识色彩规律，更要熟悉掌握和灵活运用艺术法则。世间万物都是各种色彩与形态的构成。然而色彩的情感表达，是赋予绘画作品灵魂的集中表现，色彩本身就是存在生命情感的一种具象的存在，内心中的喜怒哀乐要能形象的表现，音乐艺术领域中，艺术家们用音符书写;在绘画的领域中，艺术家则运用色彩有力的表达。色彩是绘画最具表现力的语言手段，也是艺术家创新的突破口，艺术家孜孜不倦的探求，使绘画的语言得到丰富与拓展。

一、色彩运用在油画风景中的特点归纳

（一）巴比松画派—还原自然与原始的质朴色彩

十七世纪中叶，在法国巴黎南郊约公里，枫丹白露森林附近的巴比松村，巴比松镇，在那里掀起一场油画风格及观念的大转变。卢梭、柯洛、杜比尼这些强调科学风景画法的画家聚集在了巴比松镇，把画架搬出了画室，直接面对大自然的壮丽，开始运用写实的笔法、真实的色彩，生动的描绘着自然风貌。画家们的作品后来被归结为一个新的画派—巴比松派。可以说巴比松派是法国浪漫主义画派开始转向写实主义的一个开端。之前的法国艺术界对风景画的关注度一直不高，认为单纯的描绘风景是不值得关注的，巴比松画派风景画作品的出现及发展使得世人幵始被大自然的优雅所感动，可以说巴比松画派是后来风景画作为一门独立且重要的绘画题材奠定了坚实的基础。

（二）印象派—记录光与影的瞬息色彩

印象派也称之为印象主义，是世纪—年代在法国兴起的，是西方绘画史上最具代表之一的艺术流派，印象主义画家深受巴比松画派的影响。一群年轻的充满抱负的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了他们的首届画展，有位画家的作品参展，并向官方的沙龙开启挑战。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等画家都有参与。他们诞生在同样不愿轻易接受新事物的时代，画展后一些杂志的讽刺文章记者给他们取了一个极具嘲笑意味的别号—“印象派’’。印象派画家开始不依据陈规的绘画知识，以瞬间变化的色彩印象来做画，找到一个具有特点的侧面切入，成为创作的元素，所以他们只有疾飞画笔的绘制，把色彩直接涂于画布上，他们较多考虑的是画面的总体效果，枝节细部都简化了。他们采取在户外光线下直接绘制，用思维来探索光与色的规律，并将瞬息的光感通过脑海处理后表现于画布上，这种对光线和色彩的认知达到了色彩与光感美的极致。

二、油画风景中色彩的表现力与情感语言的重要体现

（一）色彩的抽象性表现力

继抽象表现主义各流派的绘画实践之后，世纪年代中期出现了以注重视知觉绘画抽象形式探索的“光效应”艺术。“光”艺术在现代科技革命促进了西欧，艺术家最显著的特点是注重对颜色光学理论研究，物理学和其他科学，强调身体上的同构的绘画形式与心理因素的本体关系。

光线绘画效果进行充分的挖掘上的颜色，艺术家用材料不同颜色的光的折射，反射，透射，构成了一个巨大的彩色实体空间和语言色彩变化的影响。然而由于光效应艺术家大都抛弃作品中的个人情感表现，也很快使它走向了衰落。但它来创建不同的视觉印象，并具有强烈的兴奋和新奇感，广泛应用于欧洲和美国以及当代世界建筑设计，城市规划，设计，家居娱乐玩具，窗口布局，广告，纺织印染，色蕾舞，观看电视和其他艺术空间。从而使色彩与当代人们生活联系日益紧密，渗透到了人类生活各个领域，使色彩的意义进一步拓宽。

（二）色彩的象征性表现力

随着人类文明的演进，色彩在历史的发展中也被赋予了一些特定的涵义，如不同的颜色在基督教中象征着不同的涵义，红色象征着基督的流血和牺牲，金色是上帝神圣力量的化身，白色代表圣洁纯净等等。

当然同样的色彩在不同的民族文化中也有着不同的象征寓意。艺术家们运用色彩的象征意义进行创造，形成了他们独具魅力的色彩。如高更的塔希提作品中，正是运用色彩的象征寓意展现了一个神秘的土著民族的生活习俗，构成了其独具特色的个性化色彩。

追寻色彩的象征性、服从整体情绪的和谐以及颜色的装饰性风格构成了高更色彩的个性化特征。在塔希提岛的毛利人眼中，无论是图九高更《我们朝拜玛利亚》大海还是山林，都隐现着神的影子。它主宰着所有部族的繁衍和年景的丰饶，冥冥中有着超然的存在，它规定着人的敬畏和禁忌。敬神祈神活动围绕着塔希提人的生活。高更的《我们朝拜玛利亚》（如图九）就是表现的这一活动。整幅作品色彩纟旬丽斑驳，不追求透视感，而是运用装饰性的色彩、几乎平涂的方式营造出原始宗教的神秘氛围。画面左边是一位肩负孩子的母亲，穿着很鲜艳的红色塔帕裙，右侧中景几个在祈神的半裸妇女，在阳光的照射下呈现出一种原始的神性。

结束语

本文主要对油画艺术个性化色彩做了归纳梳理，可以说，色彩是绘画最具表现力的语言手段，色彩也是现代艺术家创新的主要突破口。随着艺术家孜孜不倦的探求，绘画色彩得到了丰富拓展。因此，无论油画风景抑或是人物肖像，作品真正的动人之处不在于如何精细地再现自然形态，也不在于如何把各种详尽的细部融汇在一起，而是仰仗画家针对个人择选的客观物象时的深沉感受，遵循艺术家凝结其上的心灵感应和精神实质。波洛克曾说：“绘画是由一些自然发展，我想表达自己的感受，而不是绘画图形，技术只是表面的一种手段。因此，笔者认为，无论是写实还是写意、是再现还是表现、是具象还是抽象，不同的色彩表达方式只有在主体的积极创造中才能大放光彩，才能获得特定的精神内涵和价值。

参考文献：

[1]李广元，西方色彩研究[J]哈尔滨：黑龙江美术出版社，1994.

[2]林夕，李本正，范景中译长沙：湖南科技出版社，2014.

[3][德]瓦爾特·赫斯欧洲现代画派画论选[M]北京：人民美术出版社，1980.

[4][唐]张彦远历代名画记全译（修订版）[M]承载注贵阳：贵州人民出版社，2009.

[5]丁建元，色之魅-中外油画名作的解读[M]北京：中国文联出版社，2004.

[6][德]瓦尔特·赫斯宗白华译欧洲现代画派画论[M]桂林：广西师范大学出版社，2002.

[7]杨身源，张泓昕.西方画论辑要[M].南京：江苏美术出版社，1990.

[8]克莱夫·贝尔艺术[J]中国文艺联合出版公司，1984（9）.

[9]王鹏，领悟艺术与人生[M]北京：人民邮电出版社，2009.

[10]周楷，美术专业毕业论文写作[M]南宁：广西美术出版社，2000.

[11]李少文，人不止于艺一中央美院“艺文课堂”名家讲演录[M]北京：北京大学出版社，2010.

作者简介：

李嘉慧（1992.8.8），女，汉族，籍贯：山东肥城，沈阳师范大学美术与设计学院，19级在读研究生，硕士学位，专业：美术，研究方向：理论。

作者：李嘉慧

光与影油画艺术论文 篇3：

王家儒:儒家•道家•艺术圣徒

画家小传

王家儒，海口人，油画艺术硕士，现为海南大学教授，硕士生导师，海南省“省优”专家，中国美术家协会会员，中国水彩画家协会会员，海南省美术家协会副主席，海南省青年美协名誉主席。

其美术作品多次参加国内外美术展览，其中十几次由国家文化部和中国美协主办的展览，一次获铜奖，六次获优秀奖，五次获得海南省美术作品一等奖。部分作品被国内外美术机构和私人收藏。

1988、1995、2008、2010年分别在四川、海口、法国巴黎和德国海德堡举办个人画展，出版《王家儒作品选》、《王家儒油画风景系列》、《装饰绘画艺术》、《中国书画百杰王家儒作品选》、《中国当代美术家王家儒作品集》、《海南书法美术》专集。

文艺评论获得第7届中国文联文艺评论三等奖，专著《海南美术书法》获海南省文艺评论特别奖，《海口老街》获海南省优秀精神产品奖，

据说，王家儒的画室是颇为隐秘的，很少为人打开。

而这一次，它打开了。

走进王家儒画室内更“隐秘”的工作间，我惊讶地发现：同时有几幅画稿搁在画架上，有些刚刚起稿，有些则已接近完成。王家儒看出了我的疑惑：“我已习惯了同时画几幅画，因为我创作一幅画的时间很长，通常需要一两年。”我诧异：因为王家儒的画向来给人轻松率意的感觉，有些画更像是灵感突至时“一挥而就”。他笑笑：“轻松率意？那只是最后出来的效果，其实要达到这种轻松率意，却需要长时间的苦心孤诣，何况油画的绚烂效果有时必须用反复揉擦叠加，方能达致……”。

谈话一开始，就有了一种出乎意料的率直与深刻，以至于我们走到画室客厅，侃侃而谈艺术、人生、历史、文化之时，做为主人的王家儒居然没给我倒上一杯水，而我们一聊就是整整一个下午。这种谈话本身就很解渴。

作为学生，难忘三位恩师

出生于二十世纪50年代的王家儒如今依然具有着年轻人的敏捷和热情。从小就喜欢画画的他，从知识分子出身的父亲那里继承了对古典文学与书法的热爱。十几岁的他在海口一堆“名家”中，独独跟上了一个名叫石蕃荣的画家学画。在那个推崇“红光亮”的革命年代，石蕃荣却是一个挺纯粹的画家。“说起来是老师挑学生，但其实，学生也是挑老师的！很奇怪的是，对我影响最大的三位老师都属于那种独立特行的艺术家，或许也是我天性接近他们吧！”

到上世纪70年代初，十多岁的王家儒在海南美术界已小有影响，且参加了广东省的美展。这时石蕃荣提出让王家儒向张应中老师学习，进一步提升自己的绘画水平。

张应中是江西人，毕业于广州美院油画系。他对海南风景怀有一份挚爱，“他是第一个真正把海南的风景画出来的人，是他第一个发现了海南色彩的美！他也带动了海南一大批画家去画海南的风景！”张应中不仅教给王家儒如何画画，更重要的是还教他如何做人，让他懂得了什么才是真正的艺术。

从此，王家儒开始“疯狂画画”的同时，拼命阅读世界名著及美术史。他似乎从老师身上也找到了自我：同样对自然特别敏感，同样惯于用情感与自然对话，同样喜欢用诗一样的绘画语言去发掘大自然的美。甚至他也传承了张应中的“遗世独立”与“落落寡合”，学到了他对艺术严厉以至苛刻的态度。王家儒清楚：做为艺术的圣徒，自己今生除了艺术，别无他求。

于是，在命运捉弄他、两度考上广州美院均未能去成之际，王家儒并没有气馁。上世纪80年代，他考取了西南大学著名画家刘一层教授的研究生。

刘一层，中国第一代画家唐一禾的高足，法国“新古典主义”的传人。对于这个来自“遥远海南岛”的南国弟子，刘教授总是用启发式的语言开导王家儒，比如王家儒画素描时很有激情，刘教授赞赏之余，也会加上一句“激情很好，但难道只能这样吗？”后来王家儒才悟到，老师其实是逼他丰富各种艺术手段，练出“十八般武艺”来！

“艺术要有三个不重复：不重复古人、不重复自然、不重复自己！”，“永远要搞自己的艺术！”王家儒记得老教授临别时的赠言，他称：这几句话，他会记住一辈子！

作为画家，凸显海南气象

老画家柯兴发对王家儒的画有一个玄妙而又精当的评说：“王家儒画出了海南的空气！”

何谓“空气”？光与影、云与雾、晨霭与暮色……是，又不尽然。王家儒的画幅中多为海南景象：热带植物、黎村苗寨、骑楼老街、椰林渔排，每每都在正午灿烂灼热的阳光直射之下。可它不又仅仅是物象，更是王家儒的心象。“风景画就没有社会现实意义吗？”王家儒反问道，“不尽然，你看，我的画中，自然景物与人的家园，都很宁静、温馨，充满阳光，这其实是我的‘理想家园’，其底色或许正是因为自己对社会生活现状的某种不满。所以，看起来甜美的画面其实是流淌着忧伤的。这也正是我这几年常往东南亚跑的原因，在东南亚一些地方，我还能找到自己童年时期见过的既明媚、又充满野性的海南，那个更具神秘感的海南。而现实中的海南，由于过度开发，已经难觅昔日那种气象了！”

王家儒的“海南景观”既有着如此浓烈、浪漫的主观投射，同时更重要的，画中还蓄积着他对东西方艺术史至高境界的体悟求索。比如俄罗斯巡回展览画派、法国巴比松画派及印象派的浓郁诗情，比如他所推崇的中国画的“唐宋意境”。他告诉我他常常苦恼于不能像古人一样将空灵与饱满、清淡与浓烈、旷达与沉郁、豪放与优雅等看似矛盾的各种特质融入一张画图中，因为自觉尚不能臻此高境，他迟迟不愿出大画册、办大型个展。不用说，对那些瞄准各种大展的“主题性创作”，或将自己定位于“画马画驴”的“系列”型工匠的做法，他也不屑为之。为了他心目中至大的“心象”，他懂得舍弃，耐得住寂寞！

作为老师，渴望薪火相传

毋庸讳言，以王家儒作品的水准及其人格魅力，有一拨年轻人追随他，是再自然不过的事情。

不过，王家儒并不看中为师者“前呼后拥”的荣耀，他更多的是感到一份“薪火相传”的责任。“将心比心，当年的我受惠于那几位老师，如今自己对年轻人也该用点心，在他们成长过程中助一臂之力！”

还有一点，或许出自王家儒对美术界现状的极度不满，“名利纠缠，江湖味重，离真正的艺术越来越远，风气很坏！”痛心疾首之余，王家儒希望年轻人中能有一部分人不为所动，回到艺术的本质中来，做一个“坚决的孤独者”，追求与天地精神同在。

但是王家儒仍不无失望地叹息：当前海南大部分年轻艺术家在艺术技法与人文情怀上，都不免太单薄了，尤其是后者，“文化落差大，要努力呀！”

对王家儒的画，我心仪已久，也不乏体会，但这次长谈还是进一步加深了对其人其画的认知程度。外表谦逊柔和、一派儒者风范的王家儒其实骨子里血性而执着，对自由与浪漫的追求持久不懈，同时他还有着道家的仙风道骨。其画看似宁静祥和轻松写意，其实无不有着强烈的激情和浓稠的忧思。而他将西方艺术圣徒与中国士大夫精神融为一体的人生态度，更是其身上最令人折服的一大特质。

王家儒身上，部份地体现出海南艺术的良知和方向！

作者：马良