完美教学素描

完美教学素描（共6篇）

篇1：完美教学素描

课题：静物结构素描 授课人：孔佑璇 课时：1课时 授课类型：新授课

教学目的：理解掌握物体内部结构，提高抓形能力 教学重点：理解物体内部结构 教学难点：如何去表现物体的内部结构 教具准备：课件、范画 学具准备:绘画工具

教学方法：示范、启发、引导、讨论、欣赏、体验 教学过程：

一、组织教学，导入新课题。

二、复习旧知识

什么是结构？怎样去找物体的结构（师生一起回忆旧知识）

二、讲授新知识

在画前，首先要观察分析形体的结构特征

内容有：

①、形体特点（物体是方的？圆的？规则的？不规则的?）②、高宽比例(单个物体高宽的比例、一组静物中各个静物之间的比例)③、空间位置的比较（前后左右）④、虚实比较（前实后虚、主实次虚）⑤、形体的衔接关系、物体边缘线位置以及结构钱的隐现等等。作画步骤：（老师一边示范一边讲解）

步骤一：从长线分割画面空间，确定大体构图，运用描绘单个物体的基本形的方法，画出所有物体的基本形态。

步骤二：从主体物开始，运用线条造型方法，画各物体的形、结构。用线要注意轻重、浓淡、宽窄的变化，主次关系。把物体各部位的透视开关画准确。

步骤三：画出明暗交接线的位置，把背光部位和投影稍加渲染。步骤四：认真检查，整理画面的各种关系使之准确、协调，调整完善画面。

四、课堂训练

指导学生正确的观察方法，指导学生整体刻画，处理好画面效果。

五、布置作业

临摹范画，多练习，从整体入手，先掌握大的结构关系。

六、课堂总结

本课重点解决结构素面的立体认识，结构认识及透视关系。要解决这些问题，可以做针对性的练习。

七、教学反思

大部分同学能够掌握静物素描的作画步骤及结构，但还有部分同学还学课下多联系，充分利用时间才能把握整体画面效果。

评课记录： 主讲人：孔佑璇 课题：静物结构素描

参加人员：王艳、安然、郑敬超 优点：

1、教学目标确定的比较准确，突出重难点。

2、严格按照学案式导学的五个步骤进行授课，能够调动学生自主学习的积极性。

3、多媒体的应用能够帮助教学，帮助学生化解思维难题。不足、改进策略：

教师在处理教学最后分钟稍有些紧迫，虽然在有效的课堂时间内进行了这堂课，但细节部分还需讲解。因此在今后的讲学中需要更好的把握时间。

篇2：完美教学素描

第一步：准备绘画工具，长方形的宣纸，三只绘画铅笔，颜色有灰色，黑色，浅灰色组成，一块橡皮擦，一块打磨纸。

第二步：将宣纸摆放成长的形状，因为鼻子是画长像的，选用正中央的部分，先用灰色铅笔画出鼻子的大致轮廓，粗线条即可。

第三步：用浅灰色的铅笔画出鼻子的鼻孔，填补鼻子的表面，将周围多余的线条擦除干净。

第四步：用黑色的铅笔把鼻子的鼻孔填补充实，鼻头用擦出一点空白的地方，显得鼻子挺拔而有力。

第五步：将鼻子周围粗线条擦拭干净，用灰色铅笔加以描绘，鼻子顶部三分之一的位子在两侧加深颜色，把鼻梁凸显出来。

第六步：用黑色笔描绘鼻孔后方，加深，显出鼻孔的轮廓。

第七步：鼻子下方的唇上部擦干净，用灰色铅笔描绘出唇上部的线条。

第八步：将画面打磨，周围多余的地方擦干净，将鼻子，鼻孔周围的线条打磨一下，显出立体有清晰的鼻子来，鼻梁部分需要在中间加一点空白，这样子就把鼻子的素描画画好了，你学会了吗?

篇3：完美教学素描

改革开放以来,随着艺术设计的发展,传统的素描教学体系与现代艺术设计之间逐渐出现了脱节现象,传统素描教学已经不能适应现代艺术设计专业发展的需要,而现代艺术设计专业对素描教学的要求也与传统素描教学有所不同。因此,伴随着艺术设计专业的发展,根据“素描”教学的不同目的和研究方向,素描也逐渐分为传统素描和设计素描两大类。传统素描即为绘画素描,是画家以单色形式作画,对自然形态中的物象进行形体结构、明暗关系、空间虚实、表面质感等方面的分析与塑造的一种素描表现形式。设计素描则是以素描为手段,以设计为理念,力求有目的地剖析物象的内部形体结构,在比例、透视等基本规律的掌握和运用下,对物象进行拆分切割,以平面构成、立体构成为基础,通过联想、创意重新组织画面的有设计专业性的素描表现形式。设计素描不同于传统素描,传统素描主要是再现客观物象,而设计素描则是表现那些并不存在的抽象形态,它强调抽象造型意识的培养,是艺术与设计的完美统一体。

设计素描与传统素描的差异

1.教学目标的差异

设计素描与传统素描在教学目的、教学方法上都存在较大的差异。设计素描的教学目的是通过对物象的素描结构分析、具象与抽象表现、形体转换、解构重构、空间意向、形象联想、创造性思维的表现等一系列有针对性或规定性的课题训练,透彻地理解素描的基本原理,掌握素描的多种技法,从而提高艺术设计的表现力与创造力,进而进入到设计创意和想象的造型素描训练之中,通过对设计素描理论及技能的系统、科学、严格的讲授与训练,培养学生正确认识与表现物象的造型形态,掌握概括与归纳物象的能力,为后续的专业设计打下良好的基础。

而传统素描的教学目的则是通过素描教学使学生掌握正确的观察方法和表现方法,领会造型的基本规律,把握整体与局部的关系,理解和把握客观物象基本的形体结构、空间透视、比例、明暗关系、质感、量感、审美等等之外,更重要的是引导学生在感性和理性两方面平衡发展,开启学生思维的潜能,激发其创造才能;通过素描教学,使学生掌握另一种语言系统——形象的语言,为以后的美术专业学习打下坚实的造型基本功,为艺术基础的创造提供必要的前提。

2.观察方法的差异

没有观察就没有艺术的产生,灵感是要从现实生活中发现的,因此,不同的“观察方法”会产生不同的“表现内容”和“表现技法”,而设计素描的“观察方法”与传统素描的“观察方法”存在着明显的差异。设计素描的“观察方法”首先受到设计思维的影响,它强调突出分析、理解以及思维的创意、突出观察的“分析性”与“选择性”。而传统素描观察的出发点和归宿地则在于视觉效果的还原与再现,传统素描必须统筹兼顾光线、环境、角度、结构等诸多因素的影响,因此传统素描不仅要求客观真实地反映物像的形体结构,而且还要求表现出它所处的空间,所处的氛围以及光感、质感、量感等众多外在于物体结构的视觉性因素。设计素描培养的是一种更加理性的思维方式,它为今后的设计专业学习打下方法论的基础。设计素描也要写生,但不是为写生而写生,而是通过写生进行“解构”与“重构”。设计素描是把客观物象作为研究事物的媒介与桥梁,通过物象形体结构的起伏变化和结构穿插去探究更为深刻的本质特征,其表现内容不受制于视觉所见,更加关注形体内部的结构。这正是设计素描与传统素描“观察方法”的本质区别之所在。

3.思维模式的差异

设计素描与传统素描在思维方法上也存在很大的不同。设计素描更多是运用抽象思维模式,因为设计素描是以结构训练为基础、以设计理念为主导的造型体系,它打破了传统素描的具象思维模式,使学生重点把握事物的本质特征和形体关系,通过开放性的发散思维、创意来研究构成抽象形态要素的排列组合关系,在质感追求、“解构”与“重构”中求取新造型,训练新理念。相反,传统素描则更多地是运用具象思维模式。具象思维模式能够让学生从宏观的角度把握整个画面,运用自身的知识与个性语言通过客观物象具体形态的再现来呈现作品的艺术价值,这其中包括大量的理性知识,如透视、解剖等。

4.训练途径的差异

从训练途径方面讲,设计素描在造型方法上多采用结构画法,它摆脱了传统素描的全因素明暗调子的表现方法,通过对物象的结构分析表现、物象的具象与抽象表现、物象的意象描绘表现、物象的矛盾空间表现、物象的质感表现、物象的解构与重构表现、设计素描的创造性思维表现等方式、方法的训练,不仅表现出客观事物外在的形态构造,而且还要表现出客观事物的内部结构关系,理性剖析物象结构的内部本质。而传统素描的训练途径主要利用科学的方法步骤,艺术地再现客观物象。传统素描基本上是沿用按部就班的常规训练方法,从几何石膏、石膏头像的训练到静物、风景、人物头像、人物半身、全身等程序训练,通过基础素描透视、结构形态研究、写实形态表现、明暗概括表现、空间表现训练、综合表现等一系列训练使学生掌握作画步骤及写生的能力、技巧,并对物象的形状、体积、结构、色调层次作深入的研究,掌握形体结构和调子的变化规律,进而提升综合的造型能力。

总之,设计素描与传统素描之间存在不小的差异,但二者之间又是相辅相成,传统素描是设计素描的基础,设计素描是传统素描的发展与延续。离开了传统素描的根基,设计素描就如无根之木、无源之水。传统素描为设计素描提供较强的造型基础与全面的理解、刻画物象的能力以及很多理性的知识基础,设计素描则为传统素描带来了更多的发展性的思考。

广告设计专业的素描教学

目前,国内广告设计专业素描教学的内容并没有形成统一的体系,也没有专门针对广告设计专业的素描教材。从种种迹象与信息表明,现行的大多设计素描教材与授课内容更多地是针对工业设计或者其它艺术设计专业,这对于广告设计专业而言并不乐观。在众多的设计专业中,工业设计注重结构素描训练,服装设计专业注重线描的训练,建筑设计、环境景观艺术专业注重空间结构、透视的训练,等等,各有偏重,不可一概而论。因此,广告设计专业的素描教学也应该有所偏重,突出重点,不能人云亦云地追风,否则就会出现基础课与专业的严重脱节。

篇4：素描教学改革要凸显素描的本质

关键词：素描本质；艺术创造；素描教学

一、对素描本质的理解

素描中的“素”应取“简洁”“朴实”“本质”“直截了当”之意，“描”即“画”，素描就是用最简单的工具（如铅笔、炭笔、钢笔、毛笔等，配合各种纸张），用最朴素的手法（线条、明暗、虚实等），进行绘画的方式，隶属于造型艺术的范畴。

广义上，以单色进行绘画的造型方式，都可以称之为素描。狭义上，是通过对形体的研究和描绘，掌握正确的观察方法和表现方法，用几何归纳的方法来认识自然万物的造型法则，从而使我们摆脱自然形态的表面描摹，既科学又艺术地掌握造型的能力。广义的素描概念列举了素描的所指范围，而狭义的素描则描述了所指的形成过程，即把素描看作一种技术过程或手段。

但是，对素描的理解停留于此，我们还不能明白素描中有关造型的本质是什么，以及素描传达了怎样的艺术思维。素描应该是作画者认识事物的方式，或者说它应该是透过现象发掘“本质”的最直接表达方式，是对物象“关系”的揭示和作画者艺术思维的表达，而不是单纯的、孤立的，再现客观表象的造型手段与方法。

我们应该从客观和主观两个方面去理解素描的本质。客观上，素描应更接近其所反映对象的存在本质，而这种存在本质具体体现为单个物象本身或不同物象之间的造型要素上的关系。或者说，我们要关注的重点应该是物象的“关系”，而不是其他；主观上，素描应直接体现作画者艺术思维的整个过程，也就是说，素描不是对物象简单、被动地描摹，而应是主动的，调动个人情感体验的艺术表达。

所以，任何造型艺术，不管是平面的，还是三维甚至四维的（如影视），作为其创作者都应该具备这种基本功，能够整体观察、整体构思，运用恰当的造型语言创造视觉形象，表达创意。从这一点上，素描和一切造型艺术的目标是一致的，也正因为如此，素描才能成为我们学习各种造型艺术门类（包括绘画、雕塑、设计、影像等）的基础。

二、从艺术创造的角度定位素描课程目标

艺术创造是个人独特的原发性创意过程以及创意思维的物化过程，它是一个从无到有，或从有到变，再到新的过程。一件艺术作品的成败标准就是看在多大程度上对客观物象做了符合审美目的的改变。设计领域的核心就是创意，设计的意图就是把美和实用完美结合。而在美术学领域尤其是对初学者来说则会存在一些困扰，因为他们往往受自然物像牵制太多；因此我们的素描课程目标，从一开始就要重视对学生内心意识的发掘，从艺术创造的角度，在知识性艺术规律的教授过程中不断强化和鼓励创意性思考，也只有这样，艺术的规律性知识和技巧才能真正转化为创造力。

具体到课程中，教师需要强化对素描诸元素的精神感受分析，在素描教学中有意识地强化情感注入，用综合的精神感受指导学生对素描的学习。艺术创造是建立在素描课程内容的典型性和开放性基础之上的，从一开始就要让学生明白素描和艺术创造的关系，从艺术创造的角度来对待每一天的素描基础学习。

素描课程目标是衡量教学效果、评判学习成绩的重要标准，具有统领教学各阶段的导向作用。从艺术创造的角度定位课程目标，实质上就是要求从素描基础教学阶段必须保持艺术思维的鲜活状态，从素描中自然生发出艺术创造的倾向。素描基础是要打下有生命的“活”基础，而并非僵化呆板的“死”基础。当然，艺术创造也并非强调完全脱离客观、纯粹乱编的自由；恰恰相反，它是建立在深入观察客观对象，充分把握客观的基础上，对主观能动性的最大调动。

三、课程内容应具备的特征

素描要想达到理想的作用，除了要重点研究“怎么画”的问题外，对“画什么”问题的推敲也极为必要，它会直接影响素描训练的深度和广度。在课程内容的设置上应体现单纯与典型的统一、灵活与开放的结合。

（一）单纯与典型的统一

课程所涉及的内容应该是最朴素、最单纯的元素，同时也应最典型，通过该物象能够窥见其他物象应有的造型规律。它针对的不是对客观对象孤立表面形态的描摹，而是把对象联系为一个整体，还原为最简单的元素。要充分考虑到学生的接受情况，要既简洁，而且鲜明。如几何形体训练中的方体、球体和椎体等，重点是让学生理解这些经典形体和自然界的物体之间的联系，让其明白物体是如何由基本形变化而来的。

对于几何形体的训练，课程内容对象并非越复杂越好，而应选择具有典型性的最基本的形体来加以深入研究。只有那些最具代表性、能充分体现基本形体特征，又相对概括单纯，且与训练课题相符合的物象和经典摹本才更适合教学。因此面对素描研究对象，我们必须根据教学要求有针对性地加以筛选。

（二）灵活与开放的结合

多元的造型观念和审美理想必然要求素描课程内容要始终与造型艺术创造有机地统一在一起，基础训练的评价指标要指向艺术创造思维拓展，用更开放的眼光去强化基础，更加注重发散思维的训练和直觉能力的培养。所以，素描基础课程内容应该是具有包容性和发散性的，它应该涵盖形体结构的认知、空间构成的思考和创意表现的内容。在训练过程中，在获得基本的、必要的造型技能后，留出让学生发散思维的训练环节。在教学命题、材料运用、造型语言、造型思维上，尽可能地拓宽艺术创造的空间。

如针对几何形体的素描训练中，拓展训练就是该课程的重要内容。几何体练习不是完成从几何体到几何体绘画的过程，仅仅练习如何表现其形状、体面、空间透视、明暗等因素，而是要把它理解为一切物体的基本形，其中包含着塑造一切物体造型的基本规律，也同时包含着艺术创造的多种可能。

我们可以通过对立方体的切挖，得到椅子、楼梯等新事物的造型，也可以通过对“椅子”等新形体的重组，构建新的空间；可以在表现材料手段上打破常规，水墨、拓印、撕纸拼贴等均可补充进来；形式要素上，明暗、质感、线条、结构、虚实等均可做出大胆尝试，可以以一种元素为主，也可以多种元素并存的方式进行探索。

通过对最简单元素的研究，发现其内在规律，进而找到最本质、最直接和最有效的表现方法。其目的是通过对基本形体的表现、重组和解析来获得扎实的造型能力，并学会举一反三，灵活运用。

这样的课程内容才能真正地为所有造型艺术门类提供基础能力保证，由此才能演发出独具创造性、丰富性和个性化的造型艺术创造，而不是从描绘物象到物象描绘，仅仅练了手头上低层次的熟练。

四、在单门素描课程中确定阶段性研究课题

我们的日常素描课程本身就是按阶段进行的一系列课题训练的组合，这里主要讨论的是：在单门素描课程中如何确定阶段性研究课题，如何用阶段性研究课题组织教学。

在实际授课中，教师教学往往站在自己创作观念或审美认知经验上安排教学，个性化因素多，授课形式灵活，但同时教学效果的不稳定性也很明显，学生学习上往往会因为基础知识储备不足而不能很好地与教师产生互动，或因对学习任务认识上的不明确而表现为训练中的盲目性。

诚然，美术学科自身特点决定了课堂上对感性思维的训练和需要教师一定程度上的个性特色，但这并不意味着课堂教学应该处于无序自发状态。阶段性课题要求同授一门课的教师课前充分研讨，确定并把握好该门课内部的若干教学单元内容，明确阶段性单元的教学目标，及其在整个素描课程体系中的地位和作用。教师需把握好该门课内的所有知识要点，并做以归纳和梳理，根据大纲要求，修订相应的单元模块，建立明确的单元阶段性研究课题，让学生清楚每个单元课题的学习任务和目标，并围绕课题展开实践和研讨，能主动检查自己在学习训练情况及与课题目标的符合度问题。

如在素描静物中，静物是课堂教学训练的载体，要通过静物课程训练学生用几何形体归纳的方法概括物象形体，强化对空间结构的分析能力，对质感、节奏、黑白等与情感相联系的综合造型语言表达能力；因此就可以按形体训练（形、体、结构）课题、画面构成（点、线、面、质感、黑白、节奏）课题及综合实验（材料、技法、想象）课题展开。单门素描课程中阶段性研究课题是对课堂教学效果的有力保证，我们需要以研究课题为主线，用课题规定授课内容，明确教学目标，以围绕课题设计的训练为手段，通过对学生学习效果的评价考核这一杠杆，最终达到有的放矢、事半功倍的效果。

五、以目标式问题贯穿课堂教学各环节

单门素描课程的成功与否，要看阶段性课题的设计；一节课的成功与否，则要看目标式问题的设定。阶段性课题规定了单元课的教学内容与目标，但这只是个计划，每节课的具体落实就要靠教师对单元课题目标的深入领会和研究后，分解、设计为一个个具体的目标性问题。提出问题，就是要找到教学的重点、难点，让较抽象的目标变成可操作性强的实施方案，由教师对问题进行一定的分析，启发学生在问题情境中进行探究，帮助学生抓住问题的核心，找到最佳训练手段并加以解决，最终完成课堂教学的目标任务。

还以训练形体的课题为例，关于形体准确的内容，教师可以进行问题设定：如何做到形体准确？或者换句话说，什么原因导致了形不准？师生讨论，并由教师归纳结论：其一，先整体后局部，变繁为简，用长线把复杂形概括成简单形，突出大的特征，再分解为更具体的局部形；其二，充分理解所表现对象的内在结构，由内而外地深入理解对象，把握内在结构与外在形体的联系；其三，注重比较观察法的运用，通过相互对比确定位置、比例等。

通过训练发现误差依然太大，于是教师提出第二个问题：误差产生的关键因素是什么？经过讨论分析，我们找到了问题的关键：长度和角度。任何形满足了这两个因素的准确，就能够达到形的准确。长度意味着比例关系的到位，角度则意味着线条方向上的准确。任何形状都是由几根长短不同的线段按一定角度关系连接而成的。

那么，针对长度、角度要素的简单形的训练，就可以达到形准的目标，从而把解决形不准的问题变得极为直观和精确了。

所以，看似注重感性的素描教学，实则存在很多的理性规律可循，通过切中要害的问题逼迫学生思考，并围绕问题展开积极的实践，目标式问题的准确提出是实现教学目标的有利抓手和最佳途径。

六、结语

我们的素描课程设置和教学必须建立在对素描本质认识的基础之上，必须清醒地看到：素描的学习是一个反复的感性→理性→感性的过程。我们需要在自由与控制之间找到最佳平衡点。没有感性的触发，画面再科学准确都只能是停滞在技术上的反复劳作，无论是教师教，还是学生学，都难免产生懈怠；但离开必要的理性控制，任何强烈的感觉也都得不到很好地表达。

以上几点是关乎素描课程设置与教学训练成效的有机统一体，我们要摒除“素描的目的就是再现客观真实”“素描的意义就是取得一个好的、细腻的画面效果”等这些狭隘的认识，把素描学习的重点放到对“内在关系”和“艺术思维”的研究、把握中来。

参考文献：

[1]尹德辉，张玉磊.素描概论[M].济南：山东人民出版社，2013.

[2][美]布朗·科赞尼克.艺术创造与美术教育[M].马壮寰译.成都：四川人民出版社，2000.

篇5：高阶素描教学

素描教师既要有观点，有理论，又要有严格的循序渐进和由浅入深的方法。【关键词】 教学·心得·交流

素描教师，最好既有个人的经验，又能把别人的经验加以综合，研究，经过千锤百炼而上升为教学体系，达到有观点，有理论，有严格的循序渐进和由浅入深的方法。

我将平时教学笔记，心得体会，加以整理，拿出来请同行赐教，目的无非是为了交流与求教。个人知之有限，但对怎样才能画准对象，却也有一些体会，觉得有些方法是比较容易见效的。又觉得目前教学中对画得准的“准”字，众说纷纭，致使教学莫衷一是。有的说“准”就是象照片，“准”就会僵，似与不似之间才是艺术，所以素描要教这个“之间”。我却以为“准”是造型训练的基础的基础，离开这个“准”就谈不到严格，就会远离对象，课堂教学将形同虚设，更摸不着概括、提炼、取舍从何着手，这里首先从素描教学的目的任务谈起。

一、习作

素描是造型艺术的基础。素描教学也应运用现实主义的原则，要求用写实的手法表现对模特儿的真实感受，作品应以客观对象为依据，有客观标准，并经得起按对象进行检验。表现对象的真实并不意味着照抄，做自然的奴隶，而是在教师的指导下，学生根据对对象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光线下的具体物象。学生的主观感受是既应依据客观对象并受制于客观对象的。所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强减弱等艺术处理。

素描教学训练要能培养学生对物象的认识能力、观察能力，表现能力和审美能力，从而获得严格的造型基础知识和技能。在训练的全过程中，既要达到基础训练所必须具备的各项要求，全面掌握造型手段，也要注意发挥学生的个性特点和萌芽状态的个人风格。高低年级的素描课应各有侧重而又有内在的联系。

素描可以是一种艺术形式，但课堂习作主要是为油画和创作的形象塑造打下坚实的基础。高中美术新课程教学改革的明确了培养目标及及其相应措施，专业课中设立创作课就是其中之一。创作是检验学生学习总成绩的重要标志。因此素描教学与创作必须具有内在联系。这种联系包括用什么思想、观点、立场和方法去观察生活。这种联系应该是辩证地而不是机械地把素描教学列入到从属的地位，以致左右素描教学的相对独立性。以往那种以“创作带基础”，把“模特儿化装成典型形象”的教训，应当吸取。

习作的进程必须按“由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进”的原则进行。不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现一步一个脚印的具体目标和要求。这是造人才的必由之路。在不断地循序渐进和适当重复的学习过程中，才能牢固地掌握造型规律及其有关知识和技能，才能熟练地，得心应手表现各种环境下的复杂物象。在作业的安排和模特儿的选择上，要使一组或同一要求的几个作业，做到既符合教学要求和同学的水平又能激发同学的学习积极性和表现欲望。模特儿的形象、服饰和道具有具有造型特征和吸引力，这是保证教学顺利进行的必要条件。

为了打好扎实的基础，习作以长期作业为主较好，便于领会教师的指导，便于深入理解、反复校正和进行探索，出校门以后就极难具备这样的条件了。教学上的严格要求主要是体现在长期作业中。因此长期作业的要求，学生必须遵循：在基础未打好时，那种专门追求风格流派的做法有害无益。长期作业要防止磨洋工和修饰表面的倾向。要事先说明长期作业的任务，在作业进行过程中对各种不良倾向要及时加以纠正。短期作业可弥补长期作业之不足，两者相辅相成，可在教师指导下或作某些局部研究和探索。

直观教学是教学中非常有效的环节，恰当的示范和合适的示范作品，有启示的作用。但应该欣赏的作品与示范的作品按教学要求需要分别介绍。

习作的优劣决定于观察事物的深度和知识面的是否宽广，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此教师对学生的“画外功夫”要正确引导。要使他们了解不同素描流派的发生、发展、主张和特点。

有人认为美术教学主要是教观点，教规律，过多地教方法实际上是限止了方法，影响学生的灵活运用和发展。这种看法不无商量的余地。我认为对低年级来说，不仅要教方法，而且要讲得具体明白。只要这方法是好的，教是对头，能使同学领会方法的实质，是不会带来其它影响的。对学习方法可以先吃透一家。中国画论中谈学习有这样的论述：“始入手须崇一家，得之心而应之手，然后旁通曲引以资其变，须滥诸家以资我用，实须心手相忘，不知是我还是古人。”这是学到家而变的说法，古今名家的成长过程也大致如此。“为法所拘”与“先入为主”的所以产生，其罪责不能归结为某一体系，必须具体分析。过去单一化造成的原因，除人为的因素外，一贯地学习面狭窄和画外功夫不多，或则是思想方法不当，以致裹足难前者也是极大的原因。

二、整体观察

在绘画上“整体感”三字的含义，应该不同于一般所说的仅与局部相对而言的整体，它包含的意思应该更多。我认为它与徐悲鸿先生所说的“求大和”的含义差不多，应该是指作品的“和谐一体”，它包含了经作者艺术处理后的艺术美和完整性。整体的观察方法，也应该从这个角度出去观察和研究对象，而后才能渐渐进入画面的整体感。

素描学习中，观察方法的正确与否，直接决定着作画的成败。作画过程中出现的一些错误，除技法造成的败笔外，更多是来自眼睛观察判断上的失误。观察方法也是画者的思维方法，只有思维方法对头了，才能进一步地把握素描关系。学习的过程可以说是树立整体的观察方法和改变习惯的观察方法的过程，由此可见其重要性。

习惯的错误观察方法，往往盯住一点，或者是略顾全局立即转入局部，其目的是为了看清楚所画的那个局部，并不作过多的考虑，即所谓“竹筒子式的观察法”。而作画时观察对象，不仅是为了认识，更重要的是为了表现。写生过程中，因为要画准对象就必然要解决客观物象的整体与局部，局部与局部之间的相互关系与比例问题，这个要求与只顾一点不及其余的观察法十分矛盾，在素描习作中经常会出现：花、灰、平、脏，强调了高光、反射光，把边缘线构得一清二楚等等弊病，究其原因，除知识不足与技术性原因外，无不与观察方法有关。这种不良习惯，不仅危及初学者，甚至是具有相当经验的画家有时也常常难于完全摆脱。特别表现在素描作业的深入阶段，经常出现反工，擦来改去，甚至弄得不可收拾，所有这些都是由于没有掌握好整体观察方法的缘故。

正确的观察方法应该是整体观察和反复比较。整体观察，应包括对象的全部形象，即整个画面。运用整体观察方法，对象的各种细小部分就会相对地减弱和消褪下去，而它的空间、形体大小，边缘的虚实、强弱等关系及其比例却能历历在目，这就便于抓住彼此的相互关系而进行比较。习作进行中一般常提醒学生“退远看”，“迷起眼睛来看”，“上下左右大距离地比较”，契斯恰柯夫的“看这边画那边”等等，无非都是提醒大家摆脱习惯的观察而运用整体的观察。

整体观察的实质是便于比较，便于从相关性中去进行比较，比较是写生观察的重要手段之一。严格的讲，调子变化是相比较而言的，不比较就难以准确地鉴别明暗的微妙变化。物体调子的比较主要是在黑、白、灰中加以区别：有亮与亮的对比，亮与灰的对比、亮与暗的对比、灰与灰的对比、灰与暗的对比、暗与暗的对比，通过调子各自之间的反复对比，才能区别出黑、白、灰三大关系，以及三大关系中各自内部微妙的色区变化。如：黑色区变化、灰色区变化、白色区变化等细节关系，通过这些比较可以使色调得以丰富细致的体现。

因此整体观察，它不仅仅是素描而且是造型艺术制作过程中必须掌握的规律与方法。

三、结构

结构这个术语借助于建筑学，一般指构成建筑物的各种材料与各构成部分的相互组合与连接。运用于素描上就是形体各部分的组合和衔接，也就是形体的组合。结构素描的训练方法是从对象的形体结构出发，大多数情况下把明暗看做一个从属因数。以结构形体研究为中心，以线为主要造型手段，依靠透视的基本原理进行造型。

习作从结构着眼是准确把所握形体、发展理解能力和形象记忆能力的重要一环。它对造型的结实和专业创作的关系极大。结构不受外界的光照而变化，人体无论在强光和弱光下，基于解剖的形体结构总是较为明显的。例如以人体中线为分界的成对的对称关系，头颅、胸腔、骨盘及四肢的骨突部分。尽管模特儿姿态不同，某些部位不是比较清楚，但抓住这些就便于起稿和弄清人体的透视变形。深入理解结构，也是准确画出体积感的依据，只要抓住它的来胧去脉，就便于研究形体的细微变化，即使只用线画，交代好形体的穿插，用虚实强弱等表现也可以准确地表达对象，许多名家的速写大都如此。线条在结构素描中是最重的表现手段。它既要界定形体边缘，又要用来表示形体的转折及衔接，分析对象的内部结构，而且线本身也具有很强的表现力和形式感。当然，明暗在结构素描中仍是一个极其重要的造型因素。必要和适当明暗调子的加入，可以使形体显得更充实更生动。结构素描也有其缺点，在表现物体深入、质感等方面，显得薄弱。长期作业中，先画结构而带出明暗，然后以结构为依据调整明暗，可更了解体积的形成，有效地表现三度空间。

但从结构着眼并不意味着去画那种象剥皮老鼠那样的解剖图式，也不是去追求那种以表现结构为目的画面。它仍然只是画准形象的一种手段。

四、立体感及其表现方法

绘画在平面上塑造立体，必须具有形状，一定结构，占有高、宽、深三度空间，其中以表现深度最难。在西洋找到这种深度的表现方法，也是经过漫长的岁月，到文艺复兴时期才奠定了透视画法和明暗画法的基本理论。这些是科学的总结，绘画利用了这些科学性来达到准确地表现形体。但要树立立体观念并熟练地掌握其表现方法，也必须经过顽强的努力。要画出这种能身历其境的深度，必须具备两方面的知识：（1）空间透视，即焦点透视学上的一些知识，（2）色彩透视；因大气微粒的作用使光照产生吸收和反射造成不同距离的相同色彩产生色相、色度、色性上的差异。这些在素描上都用线条、明暗来表现。由于物体本身具有一定的结构和体积，而体积又是由各种不同的面组成，所以在一定光线的照射下，各个面形所承受的光量是并不相同的。如有的正面受光，有的侧面受光等等，使人们感到形成许多明暗不同的透视面；有的十分明确为立方体，角锤体；有的如球体却找不出面形的界线。对这些难于找出界线的物体，为了便于表现，可依据结构用削面来理解和表现它。如画一圆形，先画正方形，然后去其四角，再依次去其他角，就可以画得滚圆。同样，苹果一刀一刀去其皮，刀痕所形成的面形犹在而远看却不失其圆。以此来理解复杂的形体的基本结构，从远观而达到整体效果，进行削面描绘，则可以达到强烈的立体感，并且可以为油画用笔塑造形体打下基础。

在单一光源照射下的物体，因本身结构而形成的各种透视面形成承受光量的差异，可得出明暗的基本规律是三大面五调子。以圆球体为例，一、受光部分，二、辉点（由光源的直接反射形成的，也叫高光），三、中间调子（包括许多不同层次的灰色调子，直到明暗交接线部分），四、背光的暗部，五、明暗交接线（受光部和背光部交接的地方最暗，形成一条显明的界限），六、反光（环境反射光），七、投影（物体被光遮断而形成的影子）。明暗交接线，随形体结构的不同而产生不同的明暗变化。因此处理得恰当与否对立体造型关系很大，在速写中扼要地运用明暗交界线是相当重要的。

与物体上的五个调子相比，投影总比暗部更暗。光源的亮度越强，物体的明暗对比也越强，反之则弱。凡物体离光源最近又与画者距离最近部分最亮。反光通常情况下比中间色暗。形体表面平滑者，高光与反光强，毛糙者弱，甚至不能见到，所有这些都属于应该遵守的规律。

如何识别复杂形体透视面形的转折，首先必须树立强烈的体面观，大凡有体必有面，有起伏必有面，凡是明暗有变化，必须是透视面形在起变化。线形转折变化处就是透视面形变化的结果。凡明暗调子变化微弱比较接近的地方可以用切圆的办法果断地加以解决。

在表现明暗调子时要防止追求“绝对强度”的想法。例如为了表现辉点的强度而特地把辉点周围的调子加深，或为了加强明部与暗部的对比度而使明暗关系处理得非常生硬，凡此种种都必然导致破坏整体的协和一致。产生这种原因有观察方法上的问题，也有思想认识上的问题。在思想上主要是不懂得表现工具的局限性，以有限的工具去表现无限的自然，只能做到相对地表现出彼此的关系。试想太阳也可以画，但最亮的颜色较之太阳，其光差何至千万亿倍！

有人反对“三大面五调子”，认为它害人不浅，苦了一辈子。又有的说分面、分面，分面无限，这是集繁琐哲学之大成，诚然绘画并不以立体感的强弱来评论优劣，但它也是一种有效的造型手段，不可不认真研究。只有在对客观对象深入理解、分析、研究的基础上才能进入概括、提炼、取舍以至夸张。中国画对概括常借用二句咏梅诗：“极目横斜千万朵，赏心只有两三枝。”据我推想，作者一定对千万朵梅花是下了一番观察和比较功夫的，是经过比较以后才剪裁出这么两三枝，要不然“糊糊涂涂一大片，何处去觅两三枝？”

五、切削与比较

在构轮廓和画结构带明暗阶段，用切削法比较容易画得准，而且既能减少反复的更改，节省时间，也有利于理解和帮助记忆。

国画中对画线主张“方看圆画，圆里带方”，或则是“圆从方看，曲从直画”，这是为什么？我以为包括两个意思：一是这样画柔里带刚不会变成柔若败絮，线条有变化合乎美的法则。二是指画准线条的一种方法。把这样的观点移用到素描前阶段来很有好处，许多人也都早已这样做了，我叫它为切削法，即依据形体结构，抓住对象突出的各点，用较长的直线概略地切出最基本的形体，再用较短的直线来充实形体大的透视变化面形，做到基本形体（几何形体）与对象相似。

如外部轮廓较圆一时难以捉摸到突出的点，可利用假定的垂直水平关系作切线，用几何学上“直线与圆周相交之点谓之切点”的办法找出切点，例如头颅部分的最高点由于透视关系一时弄不清从何入手，可先用假设的水平线画在顶部使与头颅相切，则此点即可作为定点，然后向二侧依据倾斜度用直线与其他突出的最高点连接起来，余可类推。内部形体依结构关系进行切削联接。如此转折明确，一目了然，便于识别谬误。作画最忌似是而非，似是而非的画是无从改起的。

大体画成以后立即要进入全面检查，用基本形（或几何形体）检查已画成的部分，使各画成部分与对象各部分基本形相似并彼此合乎比例。当然比较要始终贯穿在习作的全过程，要随时进行，不断进步，有比较才能有鉴别。有人主张要进二步退一步地进行比较，即三分之一时间用于比较。即使这样，上述的阶段性的全面检验仍不可少，这对低年级来说，这样强调一下有好处。

作画时看形不看线（即着眼点不是跟随线去转而是注意形体），画了以后用形来检查一切，这些都是在素描前阶段把握形体的较好办法。

篇6：素描教学反思

吴世前

素描是绘画入门的基础，它能帮助我们提高对客观世界的再认识，准确而客观地表现对象的能力，是促进初学者眼、脑、手高度协调一致而行之有效的方法。从而养成一种个人性的认识和思考方式，这是非常重要的，也是这门学科其存在的价值和意义之所在，因此各专业院校及系科都将其列为造型基础课，也是初学者迈入艺术殿堂的必考项目。学习素描的方法与步骤由以下几个部分组成：观察、构图、塑造大关系、深入刻划、整理完成。

一、观察

对于初学者，由于他们缺乏长期性作业的训练和对事物深刻的观察认识，在考试中不是在整体观念的指导下全面推进，而是急于求成，急着出效果，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，因而造成局部相互之间关系无法很好地衔接。常常是某一部分已经画得非常突出和完整，而其他部分还是空白的，其画面效果可想而知。真正地学会观察实物，这几乎是极其必要的和相当困难的一点。而许多初学画的同学们往往忽略了这一点，还没坐稳就急着开始动笔画起来，像这样认为画的成败主要靠手头表现功夫，或者依靠数量积累的认识与方法是十分有害的，逐渐养成一种难以纠正的习惯性毛病，而一旦个人的观察方法形成，再改变它是十分困难的，因为个人本身已经形成了一种先入为主的思维观念形式，要改变这种固有的观念和习惯是很困难的，教师也在教学当中也要十分注意这一点，以达到艺术教育的初始目的——再认知世界。

1.将眼光视野放开，一眼看到整个被面对的对象，而不是将视点焦聚对准整个对象的某一部分，就好像是在看着整个对象想心事发呆一样，而对各个局部的细节视而不见。由于不能将视点焦聚对准整个对象的某一局部，所以迫使我们的视觉只能得到一个似乎清楚又模糊的整体印象，这种印象也恰好正是我们所要求的整体感觉。而在这种整体感觉中，我们可以比较容易地全面感受到对象大的基本形特征、动态与神态气势、比例、结构及大的体面明暗深浅对比和虚实关系。当把眼光张大到整体，一切多余的东西都消失了，只剩下必要的、基本的东西。

2.比较的方法。如果说前一种方法取得的是的整体印象，那么这种方法将是前者具体的补充。它可以通过对整个对象各个部分相互之间的比较来得出它们各自与整体的确切关系和联系。在观察比较的时候，头脑中有一幅印象中的完成素描作业。也就是古人所说的“意在笔先”。如果初学画的同学们能注意到并认真地做到这一点，那么就会有明确的学习方法和清晰的目标，从而避免走弯路，收到事半功倍“灵魂开窍”之目的。改变初学者常有的那种将视点孤立地集中在对象某一细节上看一点儿画一点儿，画到哪儿算哪儿。或在各个部位转过来滑过去没有相互联系比较的局部观察习惯方法，对训练培养具备良好的艺术感受和绘画才能是非常重要的。

二、构图

当我们把观察对象时得到的意象感受传换为可感触的具象画面时，就需要通过构图在素描纸上将它们按照作者的意图迸行恰当的布局安排组合。构图在视觉上能否给人以合适舒服的感觉，与对象的摆设安排及个人选择角度的感受不同有密切的关系。确定出最佳的构图方案并开始动笔起稿定位的时候，一定要看出并找到所要表现对象的上下左右形体最突出部位点，然后根据你所感受观察到的对象基本大形特征的这四个部位点在画面的上下左有用笔轻轻地确定下来。并且以画面上的这四个点为界限，考论下一步打轮廓时如阿调整形体比例关系。

由于形体自身体面起伏而不同，它们各自转折的边缘线也就会随之产生不同的清晰虚实转折线，比如我们对简单的几何形体中的圆球和正方体的轮廓线进行观察就会发现这种不同的变化，既然简单的形体都是这样，那么更何况形体变化复杂的结构呢?在它既具体有说服表现力的同时又充满节奏变化的韵律感，打轮廓的时候，我们应按照从整体到局部的方法，根据整体观察时得到的具体感受，在画纸上多采用比较长的低括直线来轻轻地画出对象大的基本形特征，为了能更好地捕捉到正确的大形，有时可以借助类似几何形的概括方法去认识对象，使你能单纯的看到并画出对象整个形体的最基本特征，例如确定出对象的基本形是由呈什么形状的、是圆的、方三角规则还是不规则的等等什么形构成的，它的大动态又是如何的等等，在确定出对象大的基本外形的同时也应注意确定出内部主要基本形位置．比例与特征，如眉弓、鼻子、硕骨等等，在这里要特别注意由鼻子引出的中线与眼睛交又形成的十字线。它的高低与倾斜程度将决定出头部的基本动态比例和五官的位置。另外，在打轮廓时有一些技术手法问题也应值得注意．比如使用的铅笔宜选用B至4B稍软些的，笔尖可以削的长一些，手在持笔时尽量离铅笔尖部远一些。这样铅笔画出来的线条是轻轻浮在素描纸上的，如有错误需要修改肘，只需用一块软布或手帕将铅粉拍掉即可重新画，而无需过早大量的使用橡皮涂改擦坏纸张表面肌理导致影响将来深人刻划和完成的效果。总而言之，打轮廓这一步在整个素描习作过程中是很关键的一步，所以请同学们在这个阶段一定要认真严格地按要求去做，只有这样才能确保下一步工作程序进展顺利。

三、塑造大关系

在基本大的形、比例、动态关系确定出来以后，一定要将画面放置到远处进行检查。因为在画面跟前我们很难检查出大的基本形、比例、动态是否正确。而当把画面推远，一切细节局部就变得不那么清晰了．这样才使我们能比较容易地一眼看到整个画面的形体比例动态关系，而不是其中的某一部分，检查的时候可以采用以下两种方法：

1.将画最好能放置在被画对象的旁边，不要先着急看自己的画面。而是要用在进行素描习作时的第一步观察时的方法去整体地感觉一下所画的对象，然后迅速的将视线转移到自己的画面上，但一定要记住是看到画面的整体，而不是画面中对象的某一细节，这时，如果你画中基本大形关系捕捉得正确，那在你视觉印象中对象的感觉残像就会与画面中对象的形发生吻合，假若基本大形关系捕捉的不对时，马上进行修改。用辅助垂直线与水平线的检查方法校正形，在我们采用第一种方法确定出对象大的基本形后，为了进一步检查校正形的准确性，特别是对一些形的具体位置点能有一种可靠的依据来加以确认，在打轮廓中可以借助用垂直或水平辅助线来进行检查。身体要尽可能坐直，并最好能正视对象，用眼晴假设画出一条垂直或水平的线，以它来在对象与画面中形体比例、动态方面去进行测量校正，例如用垂直线从对象上部的某一点开始直至下瑞时，我们便可以确定出哪些形的位置点在这根垂直线上，哪些是在它的左边或是右边，离这根垂直线距离是多少等等;如若用水平线，我们可以从对象左边的某一点开始平行延伸至对象右部，可以确定出哪些形的位置点是与它平行，哪些是高于或者低于它等等。

2.对初学画的同学们在打轮廓时虽然应该主要依靠感觉来进行观察比较，着重加强对眼力的训练，使它能比尺子或两脚规更准确地判定距离。但我们有时也需要借助手中的铅笔来进行形的确定和校正检查工作。它除了可用于垂直或水平检查方法外，还可以运用在确定出对象各部位的形体比例、长短距离等关系。使用时手臂要尽可能伸直，以笔顶端为上点、用大拇指尖在铅笔杆上所测定出的位置为下点来检查校正形。如我们要测量确定出一个有身子带座的石膏像时，先用这种方法测出由头顶部到下巴为止的长短，然后再将铅笔杆向下顺沿测出下巴至底座的长短．这样就可以确定出头部究竟占了整个石膏像长短的几分之几。同时我们也可以用这种方法测定出眼晴、鼻子、嘴等形究竟是应该处在整个头部上下几分之几的位置上。只是我们要随时提醒自己记住：绘画是一种视觉艺术，主要是依赖于感觉而不是理性，因此可以说它所要求的所谓准确是相对于视觉意义上的，而不是数学意义上的绝对，如果我过分地依赖于借用铅笔或其他工具来进行左量右测就好象不是在作画，倒象是在制作测绘图了。

四、结语

素描训练的每一环节力求进步都是相当艰难的，甚至常常会感到乏味和单调。它是锻炼学生的毅力和恒心的苦练阶段，不少学生望而生畏，教师应该首先对他们充满关怀和耐心，来引导他们突破各个难关，因为对于中国美术高考教育来说，这们课程本身就是起到一个让学生从另一个视角来观察和认知这个世界，一种对自我的潜意识的挖掘和体现，从而迈入所谓的艺术殿堂。对于基础较差的学生应善于发现他们的闪光点和可喜之处，并及时给予鼓励和表扬，用赏识的目光看待他们，从心理上多予以关怀、沟通，多次帮助其修改画面，讲清修改原因和意见，做到让学生明白其中的道理，力求更大的进步。