基础素描教学浅谈

基础素描教学浅谈（精选8篇）

篇1：基础素描教学浅谈

关于中学美术教学中素描基础教学的探讨

甘肃省高台县罗城中学 雷晨春

素描基础训练作为中学阶段美术训练的一个重要组成部分，对于美术初学者艺术水品的提高，具有重要的作用。

“素描”是朴素描写的意思。实际上它是与彩色绘画相对的绘画的总称。随着艺术思维的发展和艺术探索的进步，素描的含义在不断地充实和完善。作为认识和表现形的一门学问，它又是一种指导表现造型艺术的最基本的辩证的思维方式和独立的造型艺术。而且，作为艺术基本规律的造型学习的方法，素描又出现在艺术的源头。因而，人们称他为一切造型艺术的基础，具有很强的表现力。好多学生往往认为素描只是一种训练造型能力的方法，但他们却忽略了素描也是一种艺术形式，一个独立的画种。画者在实践中可以感觉到，任何形式的绘画只要动笔造型，即无时无刻不包含着素描问题，因而在绘画创作中，已形成这样一种认识：除去色彩，画面全部造型因素都属于素描研究的范畴。因此，中学阶段的素描基础训练就尤为至关重要了。

经过一段时间的素描教学，我认为，搞好素描基础教学，必须从以下几个方面进行：

一、要培养学生浓厚的学习兴趣 想与情感。因此我们通常说：“兴趣是最好的老师”。在素描基础训练中由于构图、形体、结构、空间等是这门课的主要训练内容，而这些又需要长期的反复的训练，因此课时较长，易枯燥，很多学生都对他提不起兴趣。

前几年我在新疆支教过程中就感觉到了“兴趣”的重要。那时候我负责基础素描这一块儿。所接触的都是刚刚起步开始学习素描的学生。通过一段时间的观察，我渐渐发现，有些非常喜欢画画的学生，他们在画画的过程中总是充满激情、满怀信心。经过和他们的交流，我还发现，他们竟能够做到用“心”去作画，因为他们在画画的时候用到的不只是手，还有他们的思想。比如让他们画一个花瓶，他们竟很快就联想到了圆柱体、长方体等几何形体。这些对于一个初学素描的人来说是很不易的。有时看到他们非常投入又充满激情地画画时，我竟不忍心去打扰他们。

相比之下，有些孩子并不喜欢画画，无奈在父母、老师的“重压”之下，他们不得不背起画板，走进这本是充满快乐与激情的艺术乐园“饱受煎熬”。他们犹如“行尸走肉”般的去完成一幅幅老师、父母下达的“任务”而没有投入任何思，因此他们的画面是僵硬的，没有一点生气。

有人以为素描本身是美的，殊不知素描之所以美，完全是由于所表达的真实和情感。素描也需要人真情实感的投入，只有真诚的热爱，才能触摸到艺术的灵魂，因此，培养学生浓厚的绘画兴趣就显得尤为至关重要了。那么，如何调动学生对素描的兴趣呢？ 首先，我认为应当让学生尽可能多的了解、认识、欣赏一些优秀的素描作品，特别是西方文艺复兴以来各种优秀素描作品的赏析。我们可以适当的做一些幻灯片，经常播放给同学们。因为，这其中不乏有些超写实的素描作品，也有抽象的、高度概括的等等；不同的素描作品，其表现的风格、内涵也不同，比如，达·芬奇的观察入微，线条刚柔相济，尤善于利用疏密程度不同的斜线，表现光影的微妙变化；梵·高的作品中突出地追求自我精神的表现，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动，等等。还有各种不同的绘画工具画出的不同风格的作品，比如用铅笔、钢笔、毛笔、木炭条、色粉笔等。这样，在学生充分地感受素描强大的表现力的同时也会调动学习兴趣。

在教学过程中，我还发现，应该多让学生们观摩一些老师的现场示范。为此，教师自身不但要有深厚扎实的艺术功底，还要具备对艺术忘我的热情和不断探索的精神。因为教师较好的水平和能力，能在自己的作品中体现出来，这样也会激起学生学习素描的浓厚兴趣。

再者，如果条件允许的话，也可以常带学生观摩一些有关素描艺术作品的展览，这样对提高他们学习素描的兴趣，也是有很大帮助的。

二、要让学生认识素描，了解素描，感悟素描

“要画好素描，首先要对素描的基本概念有确切和准确的认识，素描中诸多问题的出现归根结底在于对基本概念的错误和模糊的理解”。因此，通过一段时间的基础素描教学，我感觉到，要想让学生更好地掌握基础素描，还需要让他们更近一步的了解素描，感悟素描。在《罗丹艺术论》中有这样的一些话：“艺术上的素描，好比文学上文体的风格。装腔作势，故弄炫耀的文体都不是好的。好的应当是：使读者忘记这是风格，而把全部注意力集中在所处理的主题上，所表达的感受上。”是的，真正好的素描，好的文体，就是那些我们想不到去赞美的素描与文体，因为我们完全为它们所表达的内容所吸引。美只有一种，即宣示真实的美。只有反映了真实，才能获得这种优越性。

因此，通过基础素描教学中关于素描的介绍，我们要让孩子们明白：好的素描是美的，是有思想，有灵魂的；对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现；最纯粹的杰作是这样的：不表现什么形式，线条和颜色再也找不到了，一切融化为思想与灵魂。这是他们学习素描的最终目标。

三、培养学生的造型能力和整体观察能力 在基础素描训练中，培养学生的造型能力和整体观察能力是至关重要的，不光只素描其他画种亦是如此。素描是造型的基本功，具体说是培养造型能力的基础。造型，包括造型的观念意识，造型的美学原则，造型的诸种形式要素的运用和众多的表现手法，构成了绘画艺术语言的基础。因此，造型可说是绘画之本，素描乃是研究形体以及积累造型知识的一种手段。艺术的最高的一方面是素描，其余都是添加上去的，是辅助的„„把问题说得更简单、明确一点，建筑、风景画、奖牌艺术、雕刻、版画、油画，所有这些艺术都是要站在总的基础上，那都是要靠对素描严格的研究。“在绘画的所有因素中，初级阶段要求形准是最基本的规律，以后的艺术发展都是建立在这样一个基础之上，因此，在基础的教育阶段，形准应放在首位”。我们要能够做到，不论从哪一个角度描写，都要能运用自如的表现形态。比如，画一个侧面头像，就应当画的使人能感到看不到的那些部分。在素描训练中，应当要求学生不要迁就造型的错误，那种将错就错的态度是不利于学生发展的。如果在素描训练中常犯抓型不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表达物象特征的缺陷，这样对学生是非常不利的。

再者，画形体时，应该从物体的整个形体比例画起，不要注意线，而要看由线构成的形体，看整个动向和各种关系，根据眼睛观察去画，然后再去检查。

素描基础教学中，特别要让学生注意个别部分和细节服从于整个素描整体处理，为此必须让学生掌握这样一个描画原则，就是要由整体到局部，要善于描绘细节而不破坏整体，要正确的保持色调的比例关系。“在画素描的过程中，最危险的一点就是把注意力放在轮廓线上。例如：学生用了很多的时间仔细的描画花瓶的轮廓，起先是从花瓶的一边开始，以后就毫不注意已绘成的一边，而接着画另一边，结果在画完之后就发现两个轮廓，就个别来看都是准确的，但把两者合到一起的时候，那就完全没有把花瓶的原型表现出来。契斯恰柯夫关于这一点写道：无论是谁，如果他看不见形体，那就不会画出正确的线条。即使，线条就其本身来说是正确的，但与其他东西都不符合的话，那也还是错误的”。因此，学习素描一开始，最重要的是尽量要培养学生把所看的一切都看成简单的几何形体的习惯。要经常不断的这样分类，它可以使你整体的去感觉一种形体，不要理会那些容易引起初学者十分偏爱的细节。尤其是它能增强学生从整体出发的思维能力，并应力图使这种能力成为本能的习惯性反应。总之，要让学生明白：在整个作画过程中，要判断“各种形体的来龙去脉”，要常常看对象，在画细部时要看到整体，不要忘记整体感。

总之，通过对素描基础训练的的不断实践，可以让学生在以后的绘画实践中得心应手，因为在基础素描训练过程中，他们学到的不仅仅是单方面的素描技法，还学到了用什么样的观察方式、什么样的绘画形式来表现艺术作品等。因此，我认为，在整个基础素描教学过程中，以上一些方面的问题是至关重要的，也是贯穿于整个素描教学的过程之中的。

篇2：基础素描教学浅谈

[摘要]立足于高校美术教育对当代社会人才的创新思维、创造能力、独立思想、批判精神、合作意识以及在当代文化下的应变、反映能力的多方面培养要求，对高校造型基础课程教学方法进行研究和探索。

[关键词]素描 创意 设计

造型基础课程是高等艺术设计院校开设的一门基础课程，多年形成的传统思维模式，许多高校一直把素描作为造型基础课程的授课内容，在当代开放多元的艺术语境下，艺术教育特别是艺术设计教育面对的是包括传统以及当代艺术在内的整个艺术史及多元化的艺术样式，造型基础课程的教学目标和教学重点将区别于传统素描教学模式。作为现代艺术设计基础教学随着时代的发展，造型基础课程教学，是引发学生的创造力，扩展思维空间的过程，从而实现从基础教学到设计教学的桥梁学科。

一、教学目标的转变——从传统素描到创意素描 高校艺术教学造型基础课程开设的教学目标与传统素描教学目标在教学观念和思维模式上有所区别。传统的素描教学目标使学生能够掌握正确的观察方法，并培养其坚实的写实造型能力，提升其造型艺术的素养。不可否认，这种方式曾为我国培养出大批优秀的艺术创作人才与艺术教育工作者，为艺术文化的繁荣做出过贡献。但随着时代的发展，艺术的面貌、样式在发生着翻天覆地的变化，这样的素描教学、课程设置已不再能满足艺术面貌的多元化的趋势逐渐形成。

创意素描的教学目标是培养学生的设计思维，设计创意；扩展创造力和想象力，丰富设计表现方法、手段和设计语言，创意素描的教学目标一方面延续了包豪斯“感知教育”的教学原则，试图建立一个与现代设计概念和方法相吻合的视知觉基础，同时以视觉思维训练的整体性和生态性为主线，发展了一套集成式的训练方法。

二、把创意素描作为造型基础课程教学重点的优势 1.创意素描是使学生的观察、感受和视觉化的一种特有的表达方式和技巧，它意味着可以使用任何媒介在一个可以绘画的表面上做一些定形的视觉形象来表达内容。

2.从设计的观点出发，将素描训练引入其造型训练之中，结合设计教育的整体特征，利用其中原理部分，如视觉传达的原理与规律，形式法则等。

3.以视觉思维训练为目的，以视觉思维的整体性作为出发点，以现代艺术实践作为教学的源泉，打破了一般训练分门别类，以及先基础后综合，先简单后复杂、先技能后运用的单一教学方法，特别是为现代设计态度和方法相适应的问题提出了一种可能性。

4.强调整体性、科学性、研究性的一面，又注意其表现性、生动性、完整性的一面，是设计创意表达的重要手段之一。

三、造型基础课程创意素描的教学方法

谈到创意思维的开发和培养，很多高校艺术设计教师在激发学生的创造能力的同时，都把灵感最为创意思维开发的教学方法，在实际的教学中我发现把灵感作为创意开发的教学方法有一定的局限性，灵感因人的天赋特性不同而强弱不同，可遇而不可求，无法当做创意素描教学的主要方法。以下两种方法是我在实际的教学工作中摸索出的具体教学方法。

1.等价变换教学方法

设计是一种创造性的劳动。在设计过程中，设计者思绪万千。设计者要善于将自己的构思及时地记录下来，表达自己的思路，把这种记录构思的形式我们通常称之为画小稿，从若干小稿中进行选择、综合反复推敲、定稿、再绘制成效果图。

然而，在教学中，我们常常发现这样的现象：许多学生在画传统素描时画得头头是道，可谓“栩栩如生”，十分到位。而一到上专业设计课就暴露了问题，叫他画草图却动不了手；心里想得出却表达不出来；本来很简单的形体，弄了半天还是不对劲儿，要么比例失调，要么透视不准。究其原因，以前画的素描是“有口无心”依葫芦画瓢式地摹出来的，多归功于时间和橡皮功夫，只注意不厌其烦地刻划细部和“浮光掠影”地涂明暗调子，而不注意去理解、分析、研究对象的形体结构与透视关系；没有在大形的把握上和本质刻划上下功夫。所以，一旦离开了对象便束手无策。这是素描教学的失败。

等价变化法是通过对不同事物的一方或双方经过适当的思考，找出原来五官的两个事物的共同点，把两者的等价关系体系化。该法的创立者市川龟久指出：“创造性开发的生物模式存在于凤蝶的成长过程中。”他认为，在由幼虫变成蛹进而变成漂亮的蝴蝶的变态过程中，存在着创造性开发的最完美的基本模式，并以此作为等价变换理论提出来。即在事物发展过程中，初期的外形被舍弃了，但是内容却进入了高级阶段，走进了新秩序之中，终于选择了新形态。创意、创造过程也完全相同，此时“新阶段的外形”等价变换为“新的形态”。在创意素描教学中等价变换方法的运用是使学生养成先思考、先创意后动手的行之有效的教学方法。

2.为设计而素描的教学方法

我们的素描教学中，以环艺方向的造型基础课教学为例，引导学生“单刀直入”重透视、重理解、重默写、重速写、重创意，以线为主的素描训练方法正是我们艺术设计专业基础训练应采取的方法；那种直接而快速、生动而活泼的素描才是未来设计工作者的“童子功”。因此，在素描课程教学中，在教学中尽量避免长期作业，加强默写、速写的练习。让学生根据推测，想象表现出多种不同。同时，鼓励学生把创意和开发素描表现的无限可能性作为研究目标，充分调动学生的学习主动性，加强学生的理解能力；要求学生不仅要表现出眼前所见的形象，还要能表现出眼前所见不到的形象角度的形体来，以培养学生的想象能力。加强线描训练，培养学生快速表达对象，把握对象本质的能力。这样的训练将大大提高素描教学的效果，真正为专业学习与设计打下良好的基础，为在环境艺术设计工作中构思草图和效果图表达服务，取得了很好的效果。

以创意培养为主线，为设计而素描的教学思路和方法是我在实际的造型基础课教学中的一种体会，同时也是在开放多元语境下探索当代艺术教学的尝试。就像艺术发展具有无限可能性一样，面对当代艺术教育的现状，多元是语境，同时也是一种鞭策和提醒。

参考文献：

篇3：浅谈素描基础教学

缺乏整体感是不少初学者和考生共同的毛病, 由于他们缺乏长期性作业的能力, 在平时练习中不是在整体观念的指导下全面推进, 而是急于让画面出效果, 在缺乏对整体性的把握下一味死抠局部, 因而造成局部和局部之间关系无法很好地衔接。常常是某一部分已经画得非常突出和完整, 而其他部分还是空白的, 其画面效果可想而知。

一张好的素描头像是个整体, 但它又是由五官等局部组成的。没有局部的整体, 是空洞的、不真实的;然而, 没有整体的局部, 再精彩、再深入也是毫无意义的。因为素描的目的不光是练就一手绘画的本领, 更重要的是培养一种对所要表达物体的理解。离开了这一点, 素描练习也就失去了它的意义。有人说:“素描就是比较, 比较, 再比较。”这话虽然有点片面, 但也是有一定道理的。要想把大形画准就必须多比较。既然整体关系到一幅素描作业的成败, 那么, 局部与局部、局部与整体的关系就显得非常重要。如何解决这种关系, 就要靠比较的方法, 比黑白灰的关系, 比形体比例的长短、宽窄、大小, 比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较画出来的物像, 才是客观对象真实存在的一面。

感性的理解对象, 物体的明暗虚实关系, 都是光线作用于物体的内在结构的外部表现。要想深入地刻画对象, 必须要做到“胸有成竹”, 要深层次研究其内在结构关系。有的同学面对模特, 不是积极主动地由表及里地分析研究对象, 而是机械被动地抄袭对象, 哪些地方深点, 哪些地方浅点, 哪些地方是明暗交界线, 他就把这种深浅变化照抄下来, 根本不去想, 不去理解这条明暗交界线为什么这么走, 它的内部结构是什么样子, 至于这深和浅意味着什么, 却知之甚少, 或一无所知。因此, 很难深刻地、真实地表达想要表现的对象。我们应当把素描当作一门有意味的绘画形式语言传达给学生, 让学生领悟到素描可以像文字一样被阅读和理解, 而对于其制造者来说是最质朴、最真诚的情感表达方式。既要让学生明确素描训练的目的就是提高造型能力, 还应该让学生体会到绘画的乐趣和奥妙。造型的目的就是为了传达个人情感, 以及对事物的认知度, 艺术作品不是自然的产品, 而是基于人的活动, 具有主观性。我们必须把画面的每根线条都当作是个人的独特语汇, 让工具、材料自由地工作, 让它们制造自己的语言符号, 对不同的材质所具有的视觉效果和美感给予充分的表达, 特别是新型工具和有色材质的加入, 不仅可以丰富素描语言, 拓展素描表现力, 同时还可以提高学生的兴趣, 进一步加强学生对画面的理解和领悟能力。

有人说世上所有的人, 没有绝对相同的面孔, 就像人的DNA一样, 每一个人都有不同的DNA和相貌特征, 即使是双胞胎也不例外, 他 (她) 们也都有别人不易察觉的差异。捕捉对象的特征和独具个性的差异, 是素描训练的根本任务。但是在素描写生的过程中, 常常看到有的学生不管画谁, 不管对象的长相如何, 气质怎样, 都画得像一个人, 模特儿似乎成了摆设, 他总能很感念地去画同一个人。这种现象有一定的代表性。这里有教师教学上的失误, 还有学生自己认识上的误区。有的学生错误地认为:模特儿像不像没有关系, 只要画面效果好就行, 反正评分的教师也不知模特儿什么样。只要能在最后的考试中得分就行, 像不像确实不是衡量一张素描作品优劣的唯一标准, 但它却能检验一个学生对事物所具备的敏感性和表现能力。如果一个学生长时间去感念画一个东西, 去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练, 那么他就有可能造成感知能力的退化, 失去一个艺术家所应有的敏锐性。具体到素描写生中的表现就是千人一面, 概念化, 脸谱化等等。而这些毛病一旦形成就很难纠正。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。无疑, 这样的画面是无法得到好的成绩的, 画面缺乏把握, 缺乏灵性。素描的画面要有鲜明的个体语言, 能给画面营造出一种真实感和现代感, 既要“假”得真实、可信, 同时要强化一种画面结构的力量和感染力, 使画面具有原创性, 同时又具有可读性和欣赏性。

在最后画面调整时, 最容易出现画面过灰, 对比不强烈, 效果出不来和画面锁碎的毛病。为什么会出现这些毛病呢?这是因为光线照射下的物体都会产生三种基本的色调:黑 (最深的色调) 、白 (最亮的高光部分) 、灰 (色调丰富的中间色过度色) 。有了三种不同的色调, 画面的层次就清晰, 画面的效果就响亮, 至于哪一种成分多点, 哪一种成分少点, 都要视客观给你的感受而定。但不管怎样的比例关系, 三大基本色调都不应缺少其中的一个。

造成画面过灰的原因很多。主要是没有把握好黑白灰三者的一个对比度, 关键就是把握这个度很难。比如, 模特儿的面部大部分都处在亮部里, 于是, 画面上基本都是亮和灰的色调;如果处理不当, 很容易画灰。这时, 应强调深灰的作用, 尽量拉开深灰和浅灰的距离, 使之保持画面的层次感。还有一种情况:模特儿的皮肤比较深, 黑和深灰色调占其面部的大部分面积, 而浅灰和亮面所占的面积很少。处理不好也容易造成画面灰暗、沉闷, 影响作业成绩。对此, 考生应主动减少中间色调的深度, 提高画面 (脸部) 的亮度, 保持画面的层次感。写生的过程当中, 在整体尊重客观对象的前提下, 允许对局部的色调进行调整、或减弱、或加强的艺术处理。

篇4：浅谈基础素描教学

一、结构的认识与表现

如果我们不了解物体的结构，就不可能正确地再现出物体的形体。任何物体都有其独特的构造和内在的规律，结构往往被外在的形体所掩盖，若不能了解物体的内在结构，只是简单地表现外在的轮廓，这样的素描将是空洞、无力的。我们所说的结构不是平面的解剖图，而是支撑形体的内部构造，是立体的。因此，我们要善于观察，以深刻的理解来表现物体的体积和空间，要做到这些，我们就必须了解物体的构成关系及生长规律。在学生的素描作业中，常常因为对对象结构的不了解，而使素描作品空乏无力并且缺乏表现力。如在画头像时，我仃僦要了解人的头骨构造和人的头部、脸部的肌肉构造之间的关系。画人体时，如对人体的基本形体结构不了解，就会造成对人体的表现缺乏力度，使作品显得虚。

二、体积与空间的表达

物体的体积和重量感是物体的基本属性，在平面的二维空间中表现三维空间的物体，是我们素描教学所要解决的问题，也是整个造型艺术的基础。

素描教学中体积与空间的表现是最重要的，也是很难解决的一个教学环节。在实际作画中，要想表现形体并不难，难在对物体结构的把握与表现。轮廓是物体的边界，是体积的一部分，是形体的外在表现。物体的结构是不变的，它是构成物体体积的骨骼，是形体的依附，是形和体积的支撑。所以，结构的认识和表现是画好素描的关键所在。

三、质感的表现

物与物的区别最重要的就是质的不同。事物是千变万化的，不论画什么，质感的表现都是素描成败的重要因素。如：嘴唇的质感软硬不同，所以表现技巧也应该有所区别，分别对待，创作时要力求表达出作者应有的真实感受；头发的质感与脸部皮肤的质感又有所区别。在表达既有相似，又有不同的质感物像时，就应要求创作者在仔细观察的基础上，运用自己独特的感受去创作你心目中所要表达的事物，这样，创作出的作品才真实，才是你想要的。在区别衣服与皮肤的质感时，如果不能很好地认识所要表达事物的内在特征，就很难表达彼此的不同质感，如果单纯地、没有区别地刻画，就会显得乏味，经不起细看，也不会真实、动人。

四、整体与局部的认识与掌握

整体与局部的对立统一，是素描教学中始终强调和注意的问题。即“整体观察逐步深入”的原则。素描的整体感是我们在教学中要着重研究的问题，因为它是造型艺术的根本法则。学生往往只注重局部细节的刻画，而不注重整体效果，忽略了物体之间的相互关联，只见树木，不见森林，这样就造成了画面上物体各自为政，缺乏物体之间呼应的结果，使画面显得支离破碎，缺少统一感。要整体地表现物像，必须学会整体地观察物像，要用发散的眼光，一眼看到物体的全貌，而不是单一地在局部物体上转来转去。这种物体的观察方法，要经过长期的、有意识的训练才能达到，并且学会在纷繁的物像中捕捉那些必要的、基本的东西，摈弃那些多余的、不必要的东西。

然而，一切理论和规律并非一成不变，素描只是人们对世界认识和审美的阶段性思考和整理。随着艺术的发展，人们的审美也会发生变化，素描作为一门艺术学科，作为一切造型艺术的基础和手段，更有待于我们去认识和挖掘更宽广的表达空间和表现手法。学习素描不是我们的终极目标，它是我们提高艺术素养和艺术追求的必修课。

(作者单位：黑龙江省商务学校)

篇5：素描基础教学大纲

授课对象

10-16岁 1.教学目标

让学生掌握素描写生的观察方法、绘画步骤、绘画技巧、构图知识等，使学生理解美术术语的基本含义，提高在绘画过程中的认识和理解能力。为其他绘画专业课程打好造型基础。2.教学重点

教会学生采用正确的观察方法，理解构图知识和美术术语，学会对形体空间状态进行分析，整体把握透视关系和色调。3.教学重点

对形体空间状态的理解，绘画透视原理、色调的整体把握。在实际教学中采用讲授和示例综合运用，代领学生多观察，以此提高学生的感知能力、观察能力，进一步提升对构图知识和美术术语的理解能力。培养学生良好的学习习惯。4.教学用具

石膏几何体、石膏像、挂图、铅笔、橡皮、素描纸、画板、画架。5.教学内容

基本概念（讲授素描基础知识）

绘画方式（教师通过现场示范，让学生掌握正确的握笔手势、绘画坐姿）

素描构成（线和线组的画法）

素描色调（学习色彩学，讲授“三面五调”，锻炼学生的感知能力）

几何透视（学习透视学，教会学生素描透视原理、基本术语，不断深化认识和理解程度，锻炼观察能力）

几何造型（通过描绘石膏几何体，合理安排画面）

组合写生（利用静物组合写生，这是一个比较高的台阶，进一步加深学生从造型到色调的学习和理解）

人物速写（学习人体比例，“立七坐五盘三半”“三庭五眼”“八格”，通过临摹练习，加深对速写的理解和记忆）

风景速写（教会学生把握空间的透视关系、虚实关系和线条的流畅）

室内速写（熟练掌握表现室内空间感，能够熟练灵活运用一点透视、两点透视来表现空间，掌握陈设在空间的表现）

静物组合和色调（掌握不同物体质感的表现方法，明确“明”与“暗”的色阶梯进关系，能够表现物体的透明和半透明效果，准确描绘出物体的重量和体积，刻画物体表面的高光和反光区域，反光区域能够体现出周围的环境）

篇6：基础素描教学计划

目标：建立素描的完整概念，明确素描学习方法。步骤和要求，通过训练基本技法的突降，提高素描造型能力

教学内容：

球 体 明 暗 调 子 素 描

教学目的与要求：学习并掌握球体明暗素描的五大调子变化特点；找准明暗交接线，能较好地表现球体的明暗关系；认识学习球体明暗的重要意义，了解球体饱满、团实、圆滑的审美特点，体会不同明暗调子球体素描的审美感受。

教学重点：球体明暗五大调理解与表现； 教学难点 ：明暗交界线的确定与表现； 教学方法：讲授、观察、写生等；

教学原则：直观性原则、实践性原则、审美性原则等； 教学时间：一教学时

教学准备：

1、写生物（石膏球体、聚光灯）；

2、示范工具材料；

3、明暗素描范画及学生作业 ；

4、电子幻灯课件

前面我们已学习了几何体中方体、柱体、锥体明暗素描。有着“现代艺术之父”之称的著名画家塞尚强调：生活中所有物体，都可以概括为几何形体。指出生活中的物体可看作什么几何体？ 还有许多物品接近球体：

如人头、水果等。[出示球体] 球体给人以饱满、团实、运动、柔和的 美感。这说明画好球体是素描的基础，对 于高考十分重要！

二、球体明暗光影调子分析

[ 出示石膏球体，用聚光灯照并变换光照的角度 ] 引导学生观察并思考：

1、光照后，球体表面象地球一样，出现明、暗半球。思考受光半球与背光半球的基本调子有那些？它与光源、光线有何关系？球体投影有何特点？依次说出球面五大调；

学生填表，教师补充：

球体表面明暗光影调子示意表

球面 与光源、光线的关系 明暗 程度 调子名称

受光

半球 正对光源，受光最多 亮 亮调（含高光）

斜对光源，受光较多 灰 次亮调（灰调）

背

光

半球 与光线相切，受光的盲点 最暗 明暗交界线

斜背对光源，弱受环境光影响 次暗 次暗调

背对光源，受环境光影响大 弱暗 反光

另外，球体的投影在台面上

呈椭圆形状，与光线相对，接

近光源的地方较实些、暗些。

球面五大调按受光顺序依次为：亮调-----次亮调-----明暗交界线-----次暗调-----反光调

（球体与圆柱体明暗调子极为相似，这也是物体明暗调子最基本、最普遍的规律！）注意：这五大调中也还有若干调子细微变化！如亮调中有高光，物体之外有投影。球面暗交界线调子最暗，为明暗的分界处，是画好球体明暗的关键所在。

2、改变光照的角度，学生指出球体的明暗交界线；

思考：A、明暗交界线起点、终点的连线与球心联系，并指出与光线是什么关系？

光源

B、明暗交界线是一条线吗？其调子是否有变化 归纳：球体明暗交界线的变化，犹如月亮的阴晴圆缺变

图4

化。但不管怎么变，受光半球与背光半球部分相等。

显示图5，归纳要点[板书]：球体明暗交界线特点： A、光线与球面相切形成明暗交界线，它的起点、B、终点的连线过球心（即为直径）；

图5

B、起点、终点的连线与光线垂直；

C、为狭长的面，其调子有虚实、明暗变化。

图6

3、学生分组比较图4、5、6、球体素描，体会逆光、侧光、正光调子的审美感受：

逆光调子深沉厚重，富有张力；侧光调子层次分明，体积感强，易于表现；正光调子轻松、明快。

A、整体观察分析图6：

光源方位，理解球体明暗交界线所在的位置，明确受光与背光面、光与影的关系；

B、用直线画出球体的结构轮廓；

（徐悲鸿在素描用线时指出：宁方勿圆。

因为方直线条更有力度。）画出明暗交界线、投影；

C、画出明暗交界线、投影； D、铺出暗面、投影的基调；（用直线排成块面，顺着球的弧面画；投影注意近实远虚。）E、刻画五大调：从明暗交接线入手，先画出背光面基本调子；背光面近暗远灰，但不能比受光面的灰调亮；再从明暗交界线向亮调子由深到浅过度；亮调子用较硬铅笔画； F、适当表现背景、投影，调整虚实关系。其中受光背景偏暗；投影离光源较近则实；

2、，请保留此标记。教师示范讲解，从明暗交界线入手，画出球体明暗主要调子。] 学生跟着教师临摹画出石膏球体明暗素描，教师示范完后巡回指导13＇

四、[投影仪显示学生画球体明暗练习作业 ]学生点评作业，教师补充、完善；5＇ 注意把握以下问题：

A、灰调过少或高光位置不对；B、明暗交界线不准；

C、投影不准；D、排线问题；E、反光太亮;F结构线画得太死。

五、小结并布置课外作业 2 ＇

石膏球体素描写生，巩固理解球体明暗关系。

篇7：怎样做好美术素描基础教学

在现代美术教学中，素描作为造型艺术的基础，越来越受到人们的重视。而在现阶段本校美术特长生的学习过程中，素描更加是基础中的基础。那如何让学生在较短的时间内学好素描，完成本阶段的学习任务，主要可以从两个方面来做，一是教师自身应具备良好的专业技能，二是应有科学的教学方法，是技法和理论有机地融合在一起，以达到效果的最大化。

一、素描教学是基础教学，应以培养学生掌握好基础知识和技能为目的。

不管什么风格的基础素描，基本要求都是一致的，只是对素描造型的要素各有不同的侧重点而已。我认为在基础素描教学中应本着现实主义的原则，要求用写实的手法表现对物象的真实感受。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受，艺术地表现一定环境与光影下的具体物象。学生的主观感受应依据客观物象并受制于客观物象，所谓“艺术地表现”是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。

素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的，即要达到基础训练所具备的各项要求，掌握好基础知识和技能。同时，又应指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。回顾多年来素描基础教学的探索，从以前苏联式的单一的客观写实，到现在的写实与表现并重，具象与抽象共存的相对多元的格局。但是作为高中美术的素描基础教学，我们还是应以写实的手法为主。

我不主张在素描基础练习上，采用变形的手法，在打基础的阶段，“变形”容易养成主观随意的习惯。但是并不因此反对有些素描对物象的结果进行一定程度的强调乃至合理的夸张。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受是来源于客观物象的，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面。

“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，学生的素描也是一样的，每个人的主观感受都有所不同。教师要做到的是授人以渔，而不是授人以鱼。

二、在素描基础教学上应抓住两个主要环节，保证学生不脱离严格训练的轨道。

这两个环节是：轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛病。要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。我认为第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比列准确，要点鲜明，形象明了，就应该是轮廓准确了。素描刚开始的时候，让学生注意大关系、大比例的掌握，做到轮廓准确。在素描训练的过程中，应当要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确，特别是要求学生不要迁就轮廓的错误，那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。在作画过程中，很多同学都不能做到轮廓的一步到位，所以在其中就要不断地调整所作画物象的大的轮廓关系，不能因为懒或者怕麻烦就敷衍了事。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征的缺陷，这一点是致命的。

注意整体是观察物象和处理画面的一种方法，这个方法掌握得是否恰当直接影响到作品的质量。因此，教师在向学生传授技法时，更要重视引导学生学会正确观察物象的方法，它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。

不正确的观察方法，往往是盯住一点而忽略了全局，目的是为了看清楚那个要画的局部，饼不作全面考虑，结果是只见树木不见森林，只看局部的细枝末节而看不到整体的情节气势。作画时对物象的观察分析，不仅是为了认识物象，更重要的是为了表现物象。这就要求学生在开始完成一份素描作业时，要根据对物象的观察和感受，对习作的整体效果有一个设想，就像导演拿到剧本就应该在思想中形成这部戏或这部电影的整体“视像”一样。所以在作画过程中，我对学生的第一个要求就是仔细观察物象，然后确定正确的构图，这个就是培养学生作画从整体出发的习惯。

整体观察是造型艺术的根本法则，它的实质是便于比较。学生能否把所要刻画的物象整个地控制在自己的视域之内，在处理局部时能否考虑到整体，是教师在教学中需要不断提示和强调的重要方面，要让学生养成自觉地进行整体观察的习惯。整体观察也不仅仅是在开始的时候，在过程中，也要不断地观察整体效果，可以将画板放前点人往后站，去观察整体，找出自己的不足。很多同学在拿着画板画画的时候，都感觉很好，刻画的很细致，但是放远了一看就不是那么回事了。就像我们有时候说一个人的五官长的都很好，但是放到一起就看就不是那么协调了。这个和我们画画是一个道理的。

整体——局部——整体，作为习作的整个进程大致是这样的，但在深入描绘各个局部的过程中，又自然地形成了很多小的阶段。应当要求学生在习作的每个阶段都要考虑整体，并为掌握整体而调整整个画面，使每个阶段停下来都是一张形象生动的画，而不是一张未完成作品，这个就是画面的整体性。所以，掌握整体对局部而言，在一定阶段必须把主要精力用于刻画物象的整体性特着，有了具体物象的整体性才有提高的基础。这个是我们基础素描学习中应该学习掌握的一点。

三、本着由浅入深，由表及里，由简到繁，循序渐进的原则进行素描训练。

不仅要有长远的总目标，而且要有分段实现的具体目标和要求。在不断循序渐进和适当重复的过程中，才能牢固掌握造型规律及其有关知识和技能，才能得心应手地表现各种环境下的复杂事物。这就要求教师作为引导者，必须要制定好学生在整个素描学习过程中的计划，明确目标，脚踏实地。

为了打好坚实的基础，习作应以长期作业为主，这样便于领会教师的指导，便于深入理解，反正校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性，对各种不良倾向要及时加以纠正。同时，也要布置一些短期作业作为辅助，使写生与构图相结合，记忆、想象和速写相结合，以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。现在我就要求学生经常多画速写，俗话说“拳不离手，曲不离口”，那我们学习美术也应该“笔不离手”，随时抓住日常生活中的点滴和瞬间，锻炼我们的基本技能。

习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，教师对学生的“画外功夫”要正确引导，鼓励学生多掌握一些课外知识，入：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。在此过程中，要避免学生课外知识“乱”和“杂”的情况发生。在基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，教师要使当地加以引导和纠正。要让学生认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为学生不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。

四、在教学中，教师应要求学生善始善终。

有的学生开始画的时候积极性很高，新鲜感强，观察力也比较敏锐，但经过一段时间后，观察力多少有些迟钝，不能保持一种清醒和整体的感觉来检查画面的表现效果。有些学生则急于求成，时间一长就有画烦了的感觉。这时，驾驶应及时提醒学生，不要轻易地把调整修改这一步看做是作业结束时的修饰，而应认真对待，感到有不妥当的地方，一定要找出原因，下决心把它修改过来。

调整修改应本着整体的原则，反复分析研究，反复比较，理解形与神的关系。要用第一眼看到物象时那种新鲜强烈的感觉来检查画面效果，找出画面与物象之间的差距，检查物象与物象之间的组织结构、形体比例是否准确，质量、空间关系是否恰当，主次虚实是否有序。这些因素的调整，主要是想通过反复的校对和比较，能够更深入地研究对象和表现对象。

五、在素描训练中，要注意培养学生的表现能力。

篇8：浅谈基础教学之素描教学改革

一、素描的概念

素描的定义有很多, 在各类书籍中都有所阐释。

“素描”是与彩色绘画相对应的一种绘画形式, 是一种单色的绘画, 舶来词——drawing意译。最早的意思是指绘画之前的素材或草图。

在《布列塔尼克百科事典》中关于素描是这样定义的:所谓drawing, 主要以线条表现物体, 人物, 风景, 象征符号, 情感, 创意或构思的艺术形式。

而在中国古代称其为“粉本”——“非彩为素, 摹画为描”。

汉语《辞海》:“素描主要以单色线条和块面来塑造物体形象。

它是造型艺术的基本功之一, 以锻炼观察和表达物象的形体, 结构, 形态, 明暗关系为目的。通常以此为习作或创作起稿。素描被誉为是一切造型的基础。

从这些定义我们可以看出, 最初对于素描的界定还是要求必须是单色的绘画。而从其功能上看, 也只是停留在训练人们的造型基础或作为创作其他门类绘画的草稿的阶段。的确这也是素描的基本定义和作用。

二、素描的演变

艺术随着时代的发展不断的演变, 人们的艺术观念和审美也逐步发生了改变。19世纪末20世纪初, 随着时代的发展素描的表现手法发生了挂念行的变化。正如印象派画家德加所概括指出的“所谓素描不是表现形态, 而是表现队形态的看法”。马蒂斯则提出了“准确的描绘不等于真实”的口号, 动摇了几百年来传统素描的样式。打破了解剖, 透视, 明暗等自然法则的制约。画家可以根据自己的意志重新组合视觉因素, 画家可以用不同的艺术挂念探索绘画艺术的多种可能性, 而不必拘泥于对眼睛所见进行写实再现。

从中我们可以看出, 现代绘画意义上的素描的概念更加宽泛了。不再局限于单色, 在表现手法上呈现多样化的特点。而在素描的功能上, 素描不仅是训练造型能力的手段, 也不仅是绘画之前的创作草图。素描作为一种全新的绘画形式呈现在人们的眼前。这种观念性的改变影响着现代艺术的发展, 于是逐渐出现了以创作性为目的创作素描, 素描作为一种独立的绘画形式的展览也逐渐增多起来。许多“文艺复兴”时期大师的创作素描稿在博物馆展出, 开始被人们关注。素描成为了一种单独出现的艺术品逐渐被艺术界和人们所接受。这表示, 人们对素描的看法在发生改变。

三、素描教学中的改革

针对当前素描理念发生的变化, 我认为在素描教学当中也应该相应的做出一些变化, 把最新的艺术理念传递给学生。对于大学生来说, 素描的基本概念比较明确。因为在艺术加试之前, 基本都接受过比较系统的素描训练。而到了大学里, 如果我们只是单纯的延续加强这种训练显然是不能适应当前艺术发展趋势的需要。因此, 我们应该把基础的学院素描和创作素描加以结合, 从而真正培养学生绘画的创作性思维能力, 提高的学生的艺术审美水平, 挖掘学生的艺术潜力。因此, 我们应该采取的教学方法是:

首先, 明确素描的基本概念。以主抓结构﹑体积﹑空间为主。在具体绘画当中, 结构是主要可以理解为物体的框架, 是构成形体的重要因素。在素描中, “形”与“结构”往往是结合得最紧密的两个概念。对于正在进行某一阶段素描基础训练的学生, 造型的准确与结构的严谨是应具备的最基本能力。形的准确性极大地依赖于对结构的理解, 因此对结构进行研究性写生, 在学院的部分基础教学中具有重要的意义。所以必须进行结构素描训练, 这样可以对形体结构的物质特征有更深的认识和了解, 对于初学绘画者, 是比较有效的训练手段。在理解了结构的基础上, 学习黑, 白, 灰的基本表现手段, 通过这些表现手段去体现物体的体积。空间表现是素描的重要组成部分, 因为形体是依赖空间而存在的, 并由此产生美学价值。而在绘画中, 考虑物象的比例﹑平衡﹑形体﹑结构﹑姿态的同时, 空间的概念也随之而形成。结合一点透视和多点透视, 使学生更好的理解空间。一系列的严格的基础训练, 会为学生打下良好的造型基础, 这也是我们过去一直贯彻教学方针和理念。

其次, 在掌握好素描基本的形体﹑结构﹑空间的基础上, 拓展学生的思路, 增加多样性的素描表现手法, 培养新素描理念。这点是我们在过去的教学当中容易忽视的问题。我们过去总是告诫学生要严格的客观的再现形体, 其中不能有个人的主观因素。这在一方面虽然使学生的素描造型严谨, 打下坚实的造型基础;而在另一方面却会扼杀学生的艺术创造力, 使学生的素描习作都像是一个模子塑出来的, 缺乏艺术表现力, 没有个性化特征。其实, 每个人在对事物的观察中总会下意识地进行主观的取舍, 无论是有意还是无意, 艺术创作中必然存在很多的主观因素, 具有一定的个性化色彩。艺术工作者对视觉世界不仅应具有敏锐的感觉, 同时也应具有高度的意识。而这种意识既是主观的, 又是客观的。艺术家表达自己的思想, 进行艺术创作或设计, 很大程度上基于他们对事物的感觉, 以及由此而产生的联想。这是通过直觉, 洞察以及理解来进行的艺术创造, 这一创造过程不仅受客观世界的影响, 也受主观意识的限制。我们作为教师应该充分的调动和发挥其中的积极因素, 培养学生个性化的思维。使素描不再是机械的复制, 而是对现实一种创作性的把握, 从而激发出学生素描的个性化特征。在素描的绘画把握基本形体结构的基础上, 充分发挥学生丰富的想象力和创造力, 把个人情感与表现技巧完美结合, 融入到素描作品当中, 形成具有一定个人风格的素描作品。在素描训练中引导学生探索﹑发现﹑总结艺术创作的规律。在素描工具上, 也不必要有过多的限制, 因为不同的材质能够带给我们不同的视觉效果。因此, 有必要让学生尝试使用铅笔, 橡皮这些基础绘画工具以外的其他工具。通过这些不同材料的综合运用拓展学生的思路, 使学生感受不同工具所制造出来的视觉效果。这样也能引发学生对素描绘画的兴趣, 激发学生的创作灵感, 增强画面的表现力, 形成一定的个人风格, 真正做到“外师造化, 中得心源”。

艺术在不断的发展, 素描从一种基础造型训练的课程, 艺术创作的草图逐步发展成为一种独立存在的艺术形式。这对我们基础教学的老师提出了新的更高的要求, 需要我们在素描教学中不断的改进和完善, 才能跟上时代的形式, 引领学生一同进入到和谐, 自由, 美的境界。

参考文献