演奏状态（精选五篇）
演奏状态 篇1
演奏状态是音乐演奏中获取最佳音乐演奏与发挥的最适宜的状态, 它主要是通过演奏者日常的练习与磨合逐步养成的。铜管在重奏的日常练习与表演中, 气息、音准、音色、配合是演奏状态中的重要因素。
(一) 铜管重奏中的气息
气息影响演奏中的发音、音色、音准、力度与音乐的流动性等多个方面, 在铜管重奏中, 气息统一是十分重要的问题。气息统一, 演奏出来的音色、音准才有可能统一。例如在几个不同体积与形状的瓶中填充不等的水, 吹奏出来的音高、音色也会不同。重奏演奏者无论是在体型、演奏的乐器、演奏习惯上是不同的, 要想演奏出的音色统一, 气息的位置就显得格外重要了。
如谱例1, 乐曲的开头是小号ⅠⅡ、圆号、长号和大号五个声部的和声进行, 这需要五个声部把气息的位置统一, 通过气息与位置的统一, 从而达到演奏旋律的音色、节奏的一致, 使音乐饱满统一的表现出来。
(二) 铜管重奏中的音色与音准
铜管重奏的音乐特点在于它演奏出的音乐是多声部的, 富有层次性, 主要由旋律声部与和声伴奏组成。无论是旋律还是伴奏, 基本的要求都是音色的统一。其中和声伴奏声部的要求更为严格, 音色的统一能影响和声的形成, 音准决定和声的性质, 这显得音色与音准就尤为重要了。
由此我们便引出了一个新的理念:重奏中的“视唱练耳”。所谓重奏中的“视唱练耳”, 其中“视唱”在重奏中的要求是演奏者对自己声部准确的演奏;“练耳”则要求演奏者准确演奏自己声部的同时, 对其他声部的演奏也要十分清楚, 并且要根据其他声部的变化, 对自己的演奏进行调整。相比较而言, 后者对于演奏者的要求较高。
(三) 铜管重奏中的配合
配合在铜管重奏的演奏表演中是一个关键因素, 衡量一个重奏组合的演奏水平, 配合程度是一个关键的衡量标准。铜管重奏中的配合不单单表现在音色、音准的统一方面, 也表现在对演奏乐曲的音乐表现力方面。
铜管重奏的配合首先表现在乐句演奏的开始, 乐句的开头通常是多声部同时开始, 需要呼吸的气口配合一致, 它好比“预备、开始”这样的一个准备口令, 气口的统一也就预示节奏的统一。当然要做好气口与节奏的一致, 交流也是配合中的一个重要因素, 气口与节奏统一前提是演奏者之间的眼神与动作交流, 气口节奏的把握通常是由重奏中的领奏或特定的声部来决定, 他会用眼神扫视重奏中的每个人, 当调整好演奏前的准备状态, 每个人也会通过眼神向领奏“汇报”, 在准备状态的交流配合后, 通过气口的呼吸调整来做到节奏的统一。
其次, 重奏中的配合方面还体现在演奏中各声部旋律的交接。重奏中, 旋律不会固定于一个声部一成不变, 它的特点在于各声部之间的交叉变换, 通过不同的乐器与声部呈现出丰富的旋律线条。旋律的交接需要一气呵成, 自然平稳, 这就需要交与接的完美配合。
在铜管重奏中, 气息与演奏位置的统一、音色与音准的把握以及重奏中配合的形成, 是演奏状态的形成与统一的基本条件。在日常的训练演奏中, 有条理、有步骤的将气息与演奏位置、音色与音准以及配合问题进行训练, 将三者有机的结合起来, 逐渐形成良好统一稳定的演奏状态, 能够更好的促进铜管重奏演奏中的音乐表演与表现。
二、铜管重奏中的表演状态
表演状态, 指表演中的一种自然的, 没有成型的程式与约束, 将情感真实自然的流露与表现的状态。而铜管重奏中的表演状态, 就是通过铜管重奏这种艺术表演形式, 将演奏乐曲的音乐情感真实的表现出来。铜管重奏中的表演状态可以分为:乐曲的音乐表演以及丰富舞台表现力的舞台表演。
(一) 铜管重奏中的音乐表演
音乐表演的艺术本质是在第一度创作的基础上进行二度创作, 通过乐器的演奏这种艺术形式, 将乐曲用具体可感的音响表现出来, 并赋予音乐作品以鲜活的生命力来传达给观众。
1. 对演奏作品的分析 (第一度创作)
通过了解音乐表演的艺术本质, 我们不难发现, 音乐表演与创作的关系十分密切。这要求我们首先要对第一度创作的成果, 即以乐谱为存在形式的音乐作品, 进行认真的研读与准确的分析, 并以此作为表演创造的依据。
当要演奏一部音乐作品时, 首先要对演奏作品的时代、作曲家的风格以及音乐作品中的音乐符号进行分析与解读。了解作品创作的时代, 根据作品创作的时代来分析音乐的整体风格;从作曲家创作的音乐风格, 以及民族音乐的特点来了解音乐作品内容的风格。然后是对乐曲的结构分析, 结构分析可以分成横向的结构形式分析以及纵向分析, 横向的结构分析是对音乐的主题动机、乐句、分段, 一直到乐曲的整体结构进行分析与把握;纵向的分析是对其他声部的乐谱与总谱有所分析。
在铜管重奏的音乐表演中, 只有将乐曲的结构规律与音乐特点的表现有全面的了解, 才能够对演奏作品进行全面理解与整体感受, 才能更好的将音乐作品的内容传达给观众, 这正是铜管重奏表演的基本目的。
2. 对演奏作品的音乐表演 (第二度创作)
音乐表演是赋予音乐作品以鲜活生命力的创造行为。音乐表演作为第二度创作, 不仅仅是忠实地再现原作, 需要表演者通过对乐曲的理解进行创造, 对原作予以补充和丰富, 使音乐作品焕发出新的光彩。
为铜管重奏这种艺术表演形式而写的作品不是很多, 大多数的音乐作品都是改编而来, 通过铜管重奏这种不同的音乐表演形式来赋予作品新的生命力, 这就更能突出音乐表演是第二度创作的特点。铜管重奏中的音乐表演, 通过对音乐作品进行详细全面的分析与丰富的音乐表现力, 用其丰富雄厚的音色以及多声部的完美配合, 从而将生动鲜活、丰富多彩的音乐展现的观众面前。
(二) 铜管重奏中的舞台表演
对于观众来说, 音乐表演不是欣赏、理解音乐内容与形式的唯一手段, 也可以从舞台表演中欣赏、鉴别与认识表演者对乐曲的不同理解与风格, 舞台表演更能丰富音乐的表现力, 促进观众对音乐的理解与欣赏。
而在铜管重奏的表演中, 舞台表演方面往往比较单一, 统一的站立或呈圆弧形的坐姿来演奏, 舞台表演方面的欠缺也影响到了其音乐的表现力以及与观众之间的交流。然而, 在近现代的铜管重奏的演出中, 有的重奏团队开始尝试着突破这个瓶颈, 并且取得了不错的成果。例如1991年于伦敦皇家音乐学院举办地歌剧名曲音乐会中, 哈肯·哈登伯格与克里斯汀·林德伯格用小号与长号的二重奏的形式, 改编演奏了罗西尼的歌剧《塞维利亚理发师》中的《猫的二重唱》, 用生动音乐来描述两只猫的对话, 通过丰富的表情与肢体语言来模仿猫的心理与动作变化, 将音乐中的猫的一举一动鲜活的展现在观众面前, 取得了非常成功的表演效果。可见舞台表演可以更好的丰富音乐的表现力, 促进观众对音乐的理解与欣赏, 增进演奏者与观众之间的交流。
三、演奏状态与表演状态的结合
通过对铜管重奏的演奏状态与表演状态的了解, 我们发现在铜管重奏这一表演形式中, 演奏状态与表演状态是铜管重奏中相辅相成的两个方面。演奏状态是重奏表演中的基础, 它直接影响铜管重奏的音乐表现;表演状态则从乐曲、舞台以及心理方面来丰富重奏的音乐表现。脱离了表演状态, 重奏的音乐表演将显得空洞、乏力, 音乐缺少活力;没有了演奏状态, 音乐表演则显得徒有其表、华而不实, 更谈不上演奏表演了, 所以二者的结合与统一是铜管重奏表演中的重要原则。
四、结语
在铜管重奏的学习、排练以及演奏表演中, 演奏状态与表演状态是影响铜管重奏学习与发展的两个重要因素。根据需要, 我们可以把演奏状态与表演状态分开进行针对性的练习, 巩固气息位置的统一, 针对音色与音准的问题, 进行不同乐器组的组合练习, 进而增加重奏中的配合默契程度, 对于演奏作品的分析、处理以及舞台上的配合表演, 促进观众对音乐作品的理解与欣赏, 增进铜管重奏与观众之间的交流。
参考文献
[1]根·莫·齐平[俄].音乐演奏艺术——理论与实践[M].焦东健, 董茉莉, 译.北京:人民音乐出版社, 2005.
[2]特雷弗·赫伯特/约翰·华莱士[英], 铜管乐器, 任达敏, 译.北京:人民音乐出版社, 2007 (9) .
[3]王朝刚.器乐表演技能教学新论[M].上海:上海音乐出版社2006 (1) .
[4]杨鸿年.乐队训练学[M].北京:高等教育出版社, 2006 (1) .
谈器乐演奏者应该具有的身心状态 篇2
关键词：器乐演奏；身心状态；气息
一、寻找适合演奏的身体状态
在学习器乐演奏过程中，找到适合自己演奏状态的感觉和词汇对学习演奏是非常重要的。“放松”一词可以帮助很多学习者将身体中多余使劲、用力的部位松掉，使很多学习者较陕的进入正确的演奏状态。但如果放松的感觉把握的不准确，那么练琴的状态就会很被动，甚至是松懈，连心态都参与的很消极；我认为，演奏中的“放松”更多的追求—种舒适自如的演奏状态，而不是静止不动、松懈式的放松。演奏时放松的身体状态，更多的是像运动员比赛之前活动时，身体轻盈、灵巧和柔软的状态。演奏的手灵巧自如，手和肌体灵活敏捷。我们在明白这个原理之后，在后来的教学实践中，对于那些对“放松”概念理解的有所偏差的学生，也可以试着用其他的方法来引导他们找到演奏时肌体的正确状态。比如可以用形象的比喻引导他们：想象鱼儿在水中舒适自由游动的感觉；运动员上场前轻松柔软的热身运动；自己在游泳池中漂浮起来的感觉等。
另外，“柔软”对于找到恰当的演奏基础状态是有积极意义的。在演奏的过程中，用力之前，手指是柔软的、有弹性的；发完力之后，手指也能够恢复柔软和弹性。某些学琴者在演奏快速音符时，会被自己持续积聚的力量“憋死”，造成演奏中断。因为他们在演奏时，肢体往往随着大脑给出的一个个高速动作指令而叠加，形成肌体不自觉的紧张僵硬。而“柔软”的概念和感觉可以有效的减轻这种紧张和压力感，保持手指、肢体的稳定灵活，增加身体自如、舒适的感觉。每一个人对于寻找演奏状态的感觉和方法都不一样，因此，我们或许可以尝试不同的方法，去寻找那个最适合自己演奏的肌体状态和感觉。
二、寻找适合演奏的心理状态
道家有云：“天法道，道法自然。”任何事情都讲究自然、随性，真正做到“潇洒自如，轻松随意，却又亲切自然，意境深远，耐人寻味”。演奏的心理状态同样讲究自然亲切，潇洒自如。著名指挥家万蔼端先生和胡琴高手黄自良先生随意合奏的《雨打芭蕉》，为何让当时在场的人员觉得浑然天成，不可思议？因为他们在演奏的过程中享受一种“玩”的状态和感觉，轻松愉悦地玩，玩出风格，玩出韵味，在演奏中达到了忘我的境界，品味到了音乐的真谛，并感动了听众。因此我认为，“玩”的心态可以是一种很好的心理状态，它使我们处于轻松腧悦的环境，不刻意的注重结果，思想就不会被束缚，那么再将自己调整或带入到适当的想象空间或者氛围里去，就变得容易的多了。当然，我们更要在实践中去玩，在玩中学习、慢慢转化，体会、感晤和升华自己内心的东西，也许会收获意想不到的快乐与惊喜。
如果用一句简单的话来概括器乐演奏的基础心理状态，就是想要歌唱、想要舞蹈的、美好舒适的身心感觉。学过声乐的人都知道，声乐课上老师会要求我们，保持打哈欠的感觉，积极一点，像是要把自己“唱哭”一样。因为想要唱好，首先就要把自己调整到最佳状态，用充沛的情感，唱哭自己。演奏器乐和演唱声乐同宗同源，虽然表现形式不同，但本质核心应该是一样的。因此，演奏器乐最基础的不仅仅是肢体和心里上的自然放松，还要有完美充沛的情感，要有“想要歌唱、想要舞蹈的、美好舒适的感觉”，有了这些作为前提基础，我们才有可能将自己的乐器演奏好。如果处于被动、消极的情绪和状态下，我们需要调整状态，调动自己的情感，寻找音乐演奏的心理感觉。听一听自己喜欢的音乐，唱一唱喜欢的歌，或者出去运动放松一下，去发现生活中的美好。将自己的心情转化到一个好的、愉悦的情绪中去，找到它，并记住它，用充满感情的心态，发自美好的表现美妙的音乐。
三、演奏中关于气息的运用与处理
气息的运用是演奏状态中的必不可少的。气息与音乐语言、音乐韵味息息相关，将气息化于音乐之中，才能抓住整场演奏的音乐灵魂，从而达到技、情、心三者合一的演奏状态。因气生韵，有韵才会产生美。气息的通畅使用决定了演奏发音的舒展与松弛，演奏出的音乐也能使人听上去舒展动听；反之，不合理的气息使用也会造成部分肌肉的紧张，影响力量的全身贯通和传导输送。因此我们课下要对演奏的气息下足功夫。首先气息的运用要确保各乐句和音乐片段之间能够顺畅衔接和自然过渡，保证音乐的流畅连贯；第二，课下对于乐曲的乐思、乐曲的结构要做到合理的把握，根据音乐的层次和语气等因素，唱谱，然后进行划分，规划好乐曲的起伏、衔接和高潮。面对不同的情感记号、节奏记号、速度记号等，也需要运用不同的气息方式。如，演奏一些节奏俏皮跳跃、热烈欢陕的舞蹈性的快板时，呼吸自然不能太浅，要找到乐句的气口，快吸陕呼，随着音乐的律动来调整气息；在演奏悲愤交加、感慨万分的慢板时，吸气深，沉住气，慢慢呼，将自己的呼吸融入整个起伏的旋律之中。
气息的调节还能舒缓心理压力。很多人都会因上台演奏而产生心理紧张，心率也会加快。此时，如果吸气过深过猛，可能使人情绪激动、不安，致使演奏用力过猛，速度过陕；呼吸过急，可能导致演奏速度加快，心理紧张加剧。为了避免或者解决这些问题，可以结合上述说过的方法进行训练，调整呼吸与音乐情感、速度、力度、节奏之间的关系，在练习时就确定好哪里是深呼吸，速度慢；哪里是浅呼吸、速度快等。经过这样不断的练习，才能够在演奏中达到比较好的状态，展示给观众完美的音色与情感。一般演奏状态下，呼吸要顺畅平缓，自然轻松舒服即可。做到心境平静、不急不燥、慢慢呼吸，贯通一气，自然而然就能够进入状态，演奏出来的声音才能够徐徐流畅，娓娓动听。
以上是本人对器乐演奏时的基础身心状态做出的一点探究。希望能够对学琴者和演奏者起到抛砖引玉的作用。
钢琴演奏中的心理状态简析 篇3
钢琴演奏是培养学生对钢琴音乐的感性认识到理性认识的艺术过程, 它是手的运动和大脑反应相结合的产物。要弹好钢琴, 除了要有深厚的基本功、一定的技术技巧、领会作品的内涵外, 更要有从感性认识到理性认识的飞跃过程, 在这个过程中, 钢琴演奏的重点就是演奏中的心理状态。心理状态放松包括心理放松和生理放松, 心理放松是前提, 是生理放松的基础。
一、钢琴演奏中易于产生的不良心理状态
在钢琴教学中学生以接受教师的指导为主要方式。在接受指导的过程中, 学生除做好教师所传授的基本技巧、理解作品内涵及创作背景之外, 还应当注重良好心理的培养, 心理状态的好坏直接关系着学习效果的优劣。
在钢琴演奏中, 每位演奏者在舞台上都会产生不同程度的紧张心理, 这是由于演奏者在心理上过于专注作品风格的表现, 以至于心理失衡。紧张可以分为心理紧张和身体紧张, 前者是后者产生的前提。因此, 曲子的技能系数要在演奏者的驾驭能力范围之内, 否则, 就容易造成演奏者的心理紧张。[1]
钢琴演奏是时间的艺术, 和其他表演艺术一样, 必须要求演奏者在演奏的过程中不间断地、完美地表现出所要表达的一切。但现实中却往往不尽人意, 演奏者常会遇到这样的情况:在别人面前演奏时心理紧张, 生理上表现为心率加快、手心出汗、手指产生麻木感、呼吸不畅, 心理上表现为注意力不集中、键盘分辨不清、大脑常出现短暂的空白等现象。[2]即使平时练的很娴熟的曲子, 演奏时也大打折扣, 甚至出现“抛锚”的现象, 即使演奏没有中断, 整个过程也处于“混”的状态, 缺乏感染力, 严重影响演奏效果, 甚至导致整个演奏以失败告终。此外, 演奏者缺乏自信引起心理紧张, 会一直担心自己出差错, 心里充满畏惧, 或者寄希望于超水平发挥的奇迹出现, 这样反而使心理紧张加剧, 致使不该错的地方也会出错。
二、心理因素的影响
心理因素对演奏状态有重要影响。当人们听到激昂的音乐时内心就比较兴奋, 往往引起身心的反应, 钢琴演奏也是如此, 由于内心的自我调节不当, 由于心理紧张而影响弹奏。情感的统一、保持放松状态不是真正的脱离原作, 而是在尊重原作的基础上使演奏者的主体能动性与原作的情感达到完整的统一。每一部作品需要将自己的情感调动起来, 有深刻的思想, 才能真正体会到心理状态的放松。由于作品产生于特定的时代, 演奏者应该对生活和艺术有更深刻的感受与见解, 这样演奏出来的作品才能把现实的、个人的情感升华为大众容易接受的艺术形式。
综上所述, 心理因素起着至关重要的作用。在演奏作品时, 能够准确把握自己的情感理性因素, 对相关的音乐作品进行剖析, 体会出作品的精髓所在, 再加上个人对音乐作品的理解, 运用音乐语言把作品表现得淋漓尽致。
三、性格因素的影响
在钢琴课堂中, 性格对学生的弹奏起着至关重要的作用。因为性格是心理状态的基础, 所以在教学中不同性格的学生会产生不同的教学效果。对钢琴感兴趣的学生就会在钢琴课中表现出强烈的求知欲, 不论弹奏何种曲子, 都不受外界环境的干扰, 在演奏中能以放松的心态来充分表现、发挥自己的演奏水平。有的学生则比较被动, 在练琴上没有很大的表现力, 认为只会弹就可以了, 或认为弹的流畅就心满意足了, 这是初学者容易产生的错误的想法。怎样充分挖掘学生最大的潜能, 怎样充分体现自己在钢琴方面的天赋, 这就需要教师对学生进行全面的教导, 培养他们在音乐方面应具有的性格。
四、情绪因素的影响
在演奏中应具有良好的情绪, 它能带来一系列的演奏效应。唱歌要饱满、深情, 弹琴也是如此。因为只有在钢琴演奏中始终采用这种发自内心的默唱, 才能使演奏者逐渐获得良好的音乐审美观, 使演奏者逐渐具备高超的音色分辨能力, 积累深厚的音乐情感和素养。这样演奏者娴熟的弹奏技巧得以充分发挥, 旋律更具有歌唱性, 最终获得最佳的艺术效果。因为钢琴音乐的表现途径毕竟和唱歌不同, 它是把内心获得的感受通过手指触键发出的乐音来表现的。因此钢琴演奏技巧掌握的如何, 对造就一位钢琴家具有重要意义。准确无误的音高、纹丝不差的时值、清晰平衡的声部、瞬息万变的音色及恰如其分的音量都需要极端灵敏的手指去表现, 乐曲的内涵有明、有暗、有欢、有忧, 弹琴的手指也要带着明、暗、欢、忧的感觉。[3]
五、端正弹奏姿势, 调整心理状态
在练琴中调节不良的心理状态, 把注意力集中在放松的弹奏上, 这有利于演奏者提高演奏能力和兴趣。这需教师提醒学生用自然的演奏姿态。轻松弹奏的姿势包括:端正的坐姿;放松的后背和肩部;灵活的手指;上身及手臂移动自。琴凳高度要适宜, 胳膊平行于键盘。不合理的坐姿会使上身肌肉紧张, 限制移动的灵活性并影响呼吸, 严重的还会引起疲劳和疼痛。
培养学生在别人面前弹奏的习惯, 在课堂上相互学习。鼓励学生多参加上台表演, 逐步适应舞台气氛与环境。注重学生的个性发展, 使他们对钢琴学习保持良好的兴趣和自信心。多鼓励学生听音乐会, 学习并观摩专家们在台上的表演。
另外, 演奏者要勤学多练, 尽最大的努力做到弹奏上精益求精。尽管临场发挥在情绪上能有即兴的表演因素, 为实况演奏增色生辉, 但总体水平近于日常练习水准, 不可存在任何侥幸心理。万一发生意外, 要控制自己的情绪, 妥善地继续下去, 达到行动与思维的统一。
放松的心理是演奏者聚精会神演奏的前提, 不仅在速度、力度上能充分表现作品的风格, 更有利于对作品的风格的把握。这就要求演奏者对演奏中的动作进行严格的组织和协调, 双手放松是要通过不断的训练才能达到的。手指的触键对音色有着十分密切的影响, 训练时可以先做出放松的动作, 再慢慢地达到理想的状态。
钢琴是复杂的乐器, 对它的弹奏是一个技术性较强的过程, 在表演中难免会受到种种障碍, 这就需要演奏者平时要勤于训练, 灵活掌握各种应变能力, 参与各种演出活动, 克服外界环境带来的干扰, 养成良好的演奏心理。在长期的训练中能够逐步形成一个有效的放松状态, 这样就不会专注于把过多的精力放在对作品的表现上, 从而避免了不必要现象的发生。
结语
心理因素是钢琴成功演奏的关键性因素, 不良心理状态产生的原因多种多样, 我们要认识并分析这些紧张生理和心理原因, 寻求克服这些不良现象的有效方法, 经过长期不断的训练和实践逐步调节不良状态, 即保持在自然放松状态下的弹奏方式。只有在钢琴弹奏中进行行之有效的心理调节, 保持良好的心理状态, 才能在钢琴表演的道路上一路前行, 不断取得新的进步与发展。
摘要：本文通过对钢琴演奏中心理状态的分析, 从性格和情绪这两个方面说明了心理因素对演奏中的状态的影响, 揭示了心理状态放松在演奏中的不可忽视的作用。要弹好钢琴, 不仅要有深厚的基本功、一定的技术技巧、领会作品的内涵, 更要有从感性认识到理性认识的飞跃过程, 在这个过程中, 钢琴演奏的重点就是心理状态。
关键词：钢琴演奏,心理状态,性格,情绪
参考文献
[1]樊禾心.钢琴教学论[M].上海:上海音乐出版社, 2008.
[2]夏小燕.钢琴教学艺术[M]上海:上海音乐出版社, 2001.
心理状态对于钢琴练习与演奏的影响 篇4
关键词：练习,心理状态,影响,演奏
随着社会精神文明的日益提高, 艺术的不断革新发展, 学习钢琴也逐渐普及, 对待钢琴的学习除了技术和技巧方面, 音乐修养等方面的综合培养, 我们不能忽视还有一个隐藏的因素在里面, 那就是心理素质的培养与训练。
人的心理是抽象的, 但它却时时刻刻影响着我们的工作、学习和生活。随着人类科学的不断进步, 心理状态的训练、研究和培养越发被人们重视起来, 特别是从事表演艺术活动的人, 更要注意心理状态的水平能直接影响到我们的练习和演奏。
往往有许多人在练琴的时候伴随着不同的思想和情绪。如苦闷、烦躁、激动、欢愉、兴奋等等。这些情绪会影响我们练琴注意力的集中, 会令我们弹奏变得机械化, 严重的甚至会使我们肌肉运动失去平衡变得呆板。因此, 保持练琴中的良好心理状态, 对我们的钢琴学习与进步联同钢琴事业的发展是很重要的, 以下提出的是我个人的几点建议。
1.保持稳定的情绪和认真的态度
在练琴的时候, 最好不要带有无奈和烦躁的心情, 那样不但没有效果, 反倒影响以后练琴的兴趣, 如果那样的话还不如暂放下不练习, 去做些别的事, 当你有兴趣有灵感时再练。如果练习某个曲子觉得已经再熟不过了, 千万不要就此放手, 要不断研究发掘曲子中的各种隐藏的“因素”, 时间长了, 会发现你所找出的每一个细节, 都会像一个闪光点那样令你恍然大悟, 使你兴奋, 增加兴趣。这样不断的研究—成熟—在研究, 保持这种认真的态度, 相信不但可以保留你所弹奏的曲目, 而且还能不断进步提高, 更准确地表现作品, 在现作品。
2.坚持一种耐力训练, 增强意志力
持之以恒做一件事情是使其成功的根本。练琴的时候, 我们往往会发现自己制订下一些很好的计划却很少能真正坚持下来, 这种正常人心理造成的事与愿违是不可避免的。那么, 要根据个人的情况承受能力等不同, 来制定自己的目标, 以致为此努力, 你一旦发现真正用意志力下去, 你就能在过去某些不能掌握的东西已经变成一种持久的愿望, 这样我们在心理上承受耐力的准备做出热心的努力。我相信这样的心理会使我们的弹奏尝到征服困难的乐趣。
3.在练琴的过程中要保持头脑清晰的好习惯
一个人的注意力是有限的, 在练琴的时候恐怕我们很多人都在浪费时间, 因为那些时候我们的大脑不知在想些什么。因此, 我想对那些练琴的人说, 练琴时的每一刻尽量保持头脑清晰。练习而又不集中, 这在心理学上是一种罪过。假如你的目的是严肃认真的, 你将或迟或早的为此付出代价。在学校学习的琴技, 每一寸的进步不是取决于你练习了多少个小时, 而是看你再练琴中用了多少脑筋, 那么我们的弹奏就会节省许多枯燥无味的联系和太多浪费的时间, 而今天也就不用花多少时间就能赶上。
综上所述, 发现练琴时需要仔细和认真, 而如果按上面所提到的三点去做的话, 我相信良好稳定的情绪和认真负责的态度会日益建立起来, 这也就是我们所需要的, 我们在弹奏中应该有的心理状态。
接下来要说的是演奏, 这是每一弹奏钢琴的人都要面对的事。因为弹奏钢琴是一项技能, 会弹钢琴的人弹奏达到一定程度, 总会在人前展示和表演的。那么有一些弹奏钢琴的人在演奏时的心理状态也复杂得很。他可能受时间、地域、现场气氛、演奏者的年龄、心情、以及演奏者所具有的演奏水平等等很多因素的影响。关于演奏方面的心理状态, 我建议可以试试以下几种:
1.排除杂念, 消减紧张心理
设想一下钢琴演奏者, 当音乐厅空着的时候, 你走进去并且从舞台上穿过。你的步伐会和平时没什么不一样, 但是假如台下坐满观众来观看你的表演, 而这时有人通知你还要再加上一些专家和一些要人的话, 无疑地你的情绪要受到影响, 你的步伐很可能要显得反常了。随着社会的进步和人们生活、欣赏水平的不断提高, 众口难调, 如果演奏者考虑太多, 使思想背上一个沉重的包袱, 势必这场演奏会很不轻松, 会非常压抑, 达不到预期效果。这时就需要你有意识的注意力也就是大脑和意志力回到受控制的状态。具相关调查, 著名演奏家进行公开的演奏钢琴, 必须保留某种程度的我们称之为神经质的自我意识。演奏者要坚信在演奏作品的时候, 自己就是钢琴作品与听众之间的媒介。所以要表现作品、要再现作品就必须排除杂念, 消减紧张心理, 要知道心理上的放松, 直接影响到肢体的功能动作。
2.增强自信心
一些琴童在上钢琴课的时候紧张的要命, 家长经常说:“在家练得挺好, 怎么一到检琴就不行了呢?”这里要注意练琴和演奏之间的区别。质与量虽说成正比, 可盲目的注重量的增加却不能从根本上决定质的改变。那么如果在练琴的时候不去运用头脑, 没有目的弹奏, 到检琴时心理上肯定会没有信心, 因为对自己所弹的曲子根本不了解, 心里没有底, 认为所弹奏的音符会是错误的, 这样怎么能检好琴。
还拿琴童学琴检课来说, 在心理学的早期存在着一种伟大的信念, 这个信念不无一定的可贵的真理——任何一个孩子的某一特定过程是去发现他天生的兴趣并对之进行工作。如果一个学习钢琴的孩子却没有弹钢琴的兴趣, 又在家长和老师的双重压迫下非但不会增加其兴致, 反而会产生逆反心理。这样, 孩子就失去弹琴的信心, 所以兴趣是导致信心的关键。
3.要适应各种状况
创造机会, 你可能发现你的日常生活不能为你提供什么使你的演奏自然、轻松的机会。那么, 你要试试某些使你能抓住一个听众的方法, 给别人演奏。
另外不要容许有例外, 一个真正的钢琴演奏者, 要有能力应付各种在演奏过程中的有可能发生的情况。如琴弦突然断了、或者是音乐厅的灯光不亮了等等。这时我们的思想不应该随情况的改变而断掉, 要继续连贯。音乐是大众的, 但音乐的境界却是很高, 难以达到的, 演奏者在演奏时一定要让自己走进音乐中, 不容许自己有例外。
演奏中保持良好的心理状态, 会使演奏达到很高的水平, 上升新的高度, 如果演奏者在演奏过程中能够保持良好的心理状态, 我相信你的演奏不但会使自己满意, 使听众满意, 最主要的是不辜负自己的劳动成果。
谈到这里, 形成了练奏与演奏的关系。首先, 练习是演奏的基础, 没有很好的熟练程度也就不会有成功的演奏, 这里还要重申“业精于勤”是弹奏中有良好的心理状态的重要保证, 在勤奋的练习中体会到熟能生巧, 巧能生精的真谛。带着这种心理去练琴, 坚持不懈, 那么在演奏的时候心里有了底, 就不怕没有信心。练奏时良好正确的心理状态形成习惯是琴技提高的关键。其次, 演奏是检验练习成果的一种方式。良好正确的心理状态贯穿于演奏中, 是你真正水平的发挥, 是给自己和听众最满意的答复。
演奏状态 篇5
一、最佳心理状态在小号演奏中的作用及地位
在小号演奏中,心理状态是决定演奏效果的重要因素,一场成功的小号表演,不仅取决于演奏者的演奏技能技巧,也取决于演奏者的心理状态。有的小号演奏者在表演舞台上不是总能发挥出自己应有的水平,或是出现一些演奏状况,有的小号演奏者在是练习中挥洒自如,一上表演舞台就大失水准。究其原因,固然有演奏技巧技能不扎实、身体健康状况不佳等方面的因素,但主要在于缺乏良好的心理状态。小号演奏时,有的一上台就慌张,精神集中不起来,整个人游离在演奏状态之外;有的无法调节自己紧张的心理状态,因心理障碍而出现异常情况;有的遇到状况后就失去镇静,慌张起来,致使表演失败。这些都是缺乏良好心理状态的表演,对演奏效果的危害是极大。所以说,良好的演奏心理状态是小号演奏成功的基础之一,对小号演奏效果有着积极的影响。而失衡、欠佳的演奏心理状态对小号演奏有着严重的消极影响。为此,最佳演奏心理状态培养是小号演奏者在学习小号中的一门重要课程,要采取可行的培养方法和策略。
二、培养小号最佳演奏心理状态的有效策略
(一)扎实做好演奏前准备工作,强化技能训练
熟练的技能技巧和流畅自如的演奏,是演奏稳定的基本保证。 正所谓“艺高人胆大”,只有扎实的掌握小号演奏技能技巧,演奏者才能做到胸有成竹,游刃有余的演奏出高难度、高水平的小号表演。所以在演奏前,演奏者应做好技术准备工作。
第一,对于即将演奏的乐曲,要花费足够的时间去进行技能训练,夯实演奏基本功。技能训练要遵循浅入深原则,先从运动强度低的练习开始,循序渐进的过渡到运动强度高的练习阶段。演奏者以自身体力、持久力发展规律及演奏能力为依据,编制一套属于自己的技能训练计划,内容应包括长音练习、连音练习、吐音练习(双吐音、三吐音)、音程练习、大小音阶练习、五声音阶习、大小和弦分解练习、琶音练习等,不断的磨练演奏技能技巧。
在训练中,应着重练习把握不准或容易出错的,使演奏技能技巧全面发展。不同的乐曲,演奏难度不同。如果选择了一首高难度的小号乐曲,演奏者要找出乐谱中的重难点,分段、分点的重点练习,一一攻克所有的难点,扎实的掌握乐曲演奏时的每一个音符、 每一个技术动作。例如,进行音程跨度较大的小号连音练习时,就要牢记每个音的位置,高低音色要统一,如不练习,否则难以达到 “一片音”的效果。
第二,演奏者要熟背即将演奏的乐谱,做到心中有数。熟背演奏乐谱,对乐谱中的音调、旋律等了然于心,是表现乐曲的起码要求。若演奏者没有熟记乐谱,演奏中易紧张,出现忘谱、窜谱等问题,而熟记乐谱后,对演奏者心理稳定、增强自信有很大的帮助。 所以,演奏者对乐谱的记忆,必须达到分毫不差的程度。在实际练习中,演奏者可以通过视唱、作品分析等方式进行记忆,便于加深记忆。
(二)增强自信心,克服紧张心理
自信心,是对自我能力的一种认识和肯定,是培养最佳演奏心理状态不可缺少的因素之一。有的小号演奏者在台下紧张,台上慌张,不知道自己能否吹奏好,都是缺乏自信心的表现。在自信心不足的情况下,演奏者进行小号吹奏时,容易出现紧张的心理活动, 头脑发懵、胡思乱想、手脚哆嗦等,严重影响演奏技能技巧的发挥,应有的能力水准无法表现出来。要想培养小号演奏者最佳心理状态,必须采取合适的手段增强他们的自信心。有了自信心,就能激励自己努力拼搏,很好的面对各种挑战;没有自信心,就会失去坚强的意志、进取的态度,直接影响演奏水平。
我们都只知道,自信心来源于实力,应不断加强基本功训练, 增强小号演奏者的技能技巧。除此之外,还应充分教师的引导、 指导作用。在小号乐器学习过程中,教师一直扮演着传授者、指导者、引导者的角色,他们对演奏者最佳心理演奏状态的形成有着至关重要的影响。在日常训练中,教师有意识的培养演奏者的自信心,对演奏者给予准确评价,进行正确的心理指导,多鼓励、少批评,帮助演奏者克服心理障碍,有助于演奏者形成良好的心理状态。同时,应尽可能创造更多的舞台表演机会,丰富小号演奏者的吹奏经验,锻炼吹奏技能技巧,有助于增强演奏者的自信心。
(三)沉着冷静,提高临场表现能力
在临场演奏过程中,演奏者应保持沉着冷静,自如的应对各种情况和突发的问题。为了做到演奏中沉着冷静,应注意以下几点。
第一,树立正确的艺术价值观。作为一门艺术,小号演奏技能技巧和艺术素养的形成是一个不断积累的过程,需要演奏者长期刻苦的坚持,不可急功近利。有的过于急功近利,临场表演中心理负担大,易紧张、胡思乱想,无法全身心投入到演奏中去,对作品的诠释缺乏感染力。为此,应树立正确的艺术价值观,用正确的心态对待小号演奏艺术,才能保持冷静的心态。
第二,高度集中注意力,切勿分神。小号演奏是艺术再创造的过程,即使演奏难度小的曲子,也要表现出作用的内涵和意蕴, 把作品的形象完美的呈现在听众面前。所以,演奏中应高度集中注意力,不要分神,控制好自己的感情和动作,全身心的投入到演奏中,做到心无旁骛,达到忘我与自我和谐统一的境界。一旦演奏者进入了忘我和自我的演奏状态,往往能增强表演的感染力,挥洒自如的吹奏,完美的展现作品形象。
第三,保持头脑冷静,沉着应对各种突发问题。大脑是人类活动的管理中心,保持冷静的头脑,不仅能够帮助演奏者形成正确的演奏观念,更能支配演奏者有效调节心理活动,克服紧张、焦躁等情绪,清醒的控制感情和动作,调整到最佳心理状态。演奏者登台表演前,应尽快适应表演环境,缓解心理压力,做到心平气和,尽快的进入最佳的演奏状态。
在各种因素影响下,演奏中可能出现失误,一旦遇到此类突发情况,需要沉着冷静的应对,若没有良好的心理状态,必然会出现情感上的波动、动作上的慌乱,影响演奏效果。为此,应让演奏者多多积累舞台演奏经验,增强临场反应能力,便于演奏者形成最佳的演奏心理状态。
第四,保证精力充沛,避免过渡劳累,消耗体力。小号吹奏对演奏者体力有着较高的要求,在体力充沛情况下,演奏者才能保持旺盛的精力,尽快的将情绪、心理调整到演奏状态,以防产生心理、生理上的双层负担。
三、结语