提高演奏水平（精选十篇）
提高演奏水平 篇1
一、钢琴伴奏
钢琴伴奏是一门独特的音乐表现形式, 是一门独特的学科, 为声乐、舞蹈、器乐等多种艺术形式所服务, 形象的来说就是协作, 作为一种辅助形式存在于音乐表演中。虽然是协作, 但是它不单单只是为服务的背景, 而是整个音乐表现形式中不可分割的部分, 对于作品的艺术结构、情感表达都起到不可替代的作用, 钢琴伴奏与其他表演者共同作用才能完美的诠释作品。
钢琴伴奏在音乐作品占据不可替代的作用, 钢琴伴奏分为钢琴正谱伴奏和钢琴即兴伴奏两种形式, 其具有不同特点, 在这里分开来谈。钢琴正谱伴奏是指编配者综合考虑过音乐的风格、旋律等, 为音乐谱写的伴奏旋律, 伴奏者只需要照谱面演奏即可。钢琴即兴伴奏是对伴奏者的综合能力最好的考验, 伴奏者没有固定的乐谱, 需要自身根据演奏的风格、形式进行创作来配合演奏主体。总的来说, 钢琴伴奏最重要的一点就是在演奏过程中与表演主体的配合。
二、钢琴伴奏的功能
钢琴伴奏在表演中具有独特的协调合作和衬托的功能, 在表演中有着不可或缺的作用, 因此才需要不断的提高钢琴演奏的伴奏水平。
(一) 钢琴伴奏的协调合作功能。在器乐表演中人们可能常常只会注意到主体乐器;在舞蹈表演中人们只会注意到舞者的动作;在声乐表演中人们可能只会注意到表演者的歌曲, 这些表演都需要钢琴伴奏的协调合作, 才能提高作品的表现力, 却常常遭到忽视。钢琴伴奏具有协调合作的功能, 只有配合好主题表演, 才能让演奏充满魅力和感染力。
(二) 钢琴伴奏的烘托作用。一个完整的表演, 需要主体的表演也少不了烘托, 钢琴伴奏就是用“跟”与“托”来展现它的艺术魅力。在演奏中需要感情表演着跟着乐曲来填补乐曲中的空缺, 托起乐器的情感力量, 让整个艺术的表达更加的完满。钢琴伴奏可以补充和丰富歌曲的旋律, 渲染歌曲氛围, 将演奏者与欣赏者带到音乐世界中去, 启发他们的情感, 让他们领悟到作品的内涵, 才能完成钢琴伴奏的衬托功能。
三、提高钢琴伴奏的水平
(一) 提高伴奏者的扎实的技术基础。在伴奏过程中, 伴奏者要根据演奏主体的音色变化来不断改变自身的触键方法, 在器乐伴奏中要了解不同的器乐的音色、在声乐伴奏中要了解演唱者的音域、在舞蹈伴奏中要了解舞蹈要传达的含义, 要根据这些不同来运用不同的演奏技巧来配合舞台主体, 来烘托出整个舞台的艺术魅力。因此钢琴伴奏对于演奏者的音色、触键、音量、速度各个方面都有一定的要求, 要求弹奏者在钢琴演奏上要有较高的水平。纯熟的演奏技巧、扎实的基础、以及一定的弹奏水平是钢琴伴奏者必要的条件。这就要求伴奏者首先要提高识谱能力, 识谱能力高的弹奏者能立刻弹出谱上要求的曲子, 还能抓住拍子的强弱。其次伴奏者还要学会抓住音乐感觉, 随时感觉到主体演奏的变化, 对作品的表现风格、传达内容能够及时的正确的把握。
(二) 伴奏者要有配合的精神。伴奏就是要放下自我来配合主体演奏来展现艺术魅力的一种形式, 钢琴伴奏就是一种要求演奏者能够做到配合音乐的主体来协调一致的进行音乐的表演形式, 这就要求演奏者要有配合的能力与其他演奏一起进入艺术角色中去。钢琴伴奏者要放下自我的审美见地, 要与主体的表演者不断的沟通, 要有配合的精神, 才能做到与主题步调一致。伴奏者往往与主题表演在表现形式、表现风格、表演技巧方面都存在着差异, 这就要求伴奏者要在熟悉作品的基础上与主体表演者进行沟通, 分析作品的表现手法, 加深对所要表演的旋律的认识, 达到深入理解, 只有这样, 才能与主体表演者默契配合。
(三) 要提升即兴伴奏能力。即兴伴奏是钢琴伴奏中重要的一种形式, 即兴伴奏在表演中扮演着不可或缺的作用。即兴伴奏首先要求伴奏者要有瞬间演奏为乐曲伴奏的能力, 在只有乐曲旋律没有伴奏的情况下, 伴奏者要能瞬间的综合自己的乐理知识, 在把握整个表演的基础上, 根据自身的演奏水平来演奏出适合的伴奏的能力。这是一项很综合的能力, 扎实的乐理水平、对整体表演的熟悉与把握、演奏水平缺一不可。即兴演奏可以说是集技术与理论与一体的表演, 要结合好系统乐理知识, 才能将乐理理论运用到创新伴奏的实践当中。
四、结语
总的来说, 钢琴伴奏作为钢琴演奏的一种, 具有其独特的价值和艺术魅力, 是其他表现形式所不能替代的, 因此演奏者不断的提高钢琴伴奏的演奏水平是必要的。演奏者要不断提高自己的弹奏技术、培养自身的配合精神、提升自身的即兴伴奏能力, 就能不断提高钢琴伴奏的演奏水平。
参考文献
[1]于宁.钢琴伴奏与表演之间的关系探究[J].音乐时空, 2015, 24.
谈提高钢琴演奏水平的几点建议论文 篇2
一、正确的试奏方法
所谓“试奏”，即对音乐作品不经预习就能视谱即奏的技能，它是钢琴学习过程中的一项重要环节。掌握正确的试奏方法，不仅能提高钢琴学习的效率，还能提高习琴者的钢琴演奏水平，培养其良好的音乐素养。
(一)认真读谱，内心唱谱。阅读是学习的最基本能力，乐谱作为传递音乐信息的载体，是钢琴演奏者最直接的认识对象。面对一首新作品，我们首先要弄清乐曲名称，熟悉作曲家的创作风格;其次，在弹奏前要看清谱号、调号、拍号、速度及表情术语。许多初学者在弹奏新作品前，缺少认真读谱这一关键步骤，往往上来就弹，一弹就错，导致各种问题接踵而至，如：高音谱号看成低音谱号、D 大调看成C 大调、该断奏的弹成连奏、乱用指法使乐句无法连在一起等。这些问题的产生，都源于缺乏对读谱能力的训练。由于缺少这种训练，造成对调性的感知力不够敏感，即使弹错了自己都无法意识到。再就是不认真计算时间，导致节奏上的混乱。面对这些问题，只要我们在弹奏前认真读谱，大多数错误都是可以规避、减少的`。视奏之前，我们需要做的第二个准备工作就是内心唱谱，通过唱谱可以了解音乐的大体风格，了解音乐的走向，了解乐句的划分，同时，还可以在头脑中对乐句指法的设计有一个基本的构思，在接下来的试奏过程中才能将注意力稍放些在音色、力度、速度、音乐表现上。做好认真读谱、内心唱谱，试奏将会在准确性上更上一个台阶。
(二)熟悉键盘，提前看谱。提高试奏能力的另一个重要因素是熟悉钢琴键盘，即手指对键盘空间距离感的把控。这种把控并非三两天就能掌握的，而是一个长期练习积累的过程，需要依靠常年弹奏钢琴所建立的视觉、听觉及运动反应。当然，极其精确的时间配合也是必不可少的。视奏的过程中，眼睛要走在手指的前面，提前看下一小节，留有提前量，才能使视奏时的音乐作品更为连贯。
二、有效的练习方式
(一)采用正确的练琴方法。练习方法的正确与否将直接影响到钢琴学习效率的高低。在练习过程中首先要明确学习目标，找出重难点来单独练习。除此之外，在练琴时可以根据不同种类的技能和难度采用双手合练、单手练习、分段练习、改变速度和节奏等不同的练习方法。
(二)合理分配练习时间。钢琴学习水平的提高需要足够的练琴时间和练琴次数作保证，但并不是说练琴时间和次数越多就越好。只有练琴时间和次数分配得当，才能收到良好的练习效果。对于儿童，每次练习时间不宜过长，但次数可以稍多一些，这样既符合儿童注意力集中时间较短的特性，也能够提高儿童的练琴质量。而成年人则相反，每次练习的时间可长一些，次数则少一些。
三、听觉能力的培养
听觉是与生俱来的，但对于音乐中的听觉(如：听节奏、听音高、听音乐风格等)却不是每个人天生就有的，这是一种需要长期训练才具备的听觉能力。对于习琴者而言，训练自身高度鉴别力和欣赏力的听觉能力是至关重要的。但许多学生在钢琴练习中却忽略了听觉的存在，把练习与听觉割裂开来。作为教师，不仅要培养学生的外部听觉能力，还要培养学生丰富的音乐想象力，帮助其建立良好的内心听觉能力。
(一)对外部听觉能力的培养。“音乐外部听觉，也叫普通听觉或实音听觉，是外部音响对人的听觉器官刺激而引起的生理反应。”如视唱练耳、聆听音响资料及现场演奏等。提高自身的外部听觉能力，要在聆听音响资料、现场演奏时，分析比较不同演奏家的演奏风格，体味美的声音，并把美的声音牢记于心。在倾听自己的演奏时，要时刻用耳朵鉴别声音的质量，及时调整弹奏的方法。这种对外部听觉能力有意识、有目的的训练能够为之后内心听觉能力的培养打下良好的基础，因为内心听觉的形成正是建立在外部听觉感知基础之上的。
(二)对内心听觉能力的培养。“内心听觉是一种内心表象，是一种不依赖音响，仅凭记忆表象和思维而准确地构成内心音乐意象的能力。”内心听觉能力是习乐者通过长期学习积累的听觉经验，培养内心听觉能力的方法有两种：慢速演奏乐曲和“点线”法演奏音乐作品。日常学习过程中，我们可以运用这些方法有意识地培养自身的内心听觉能力，也可以在弹奏乐曲之前，对乐曲所发出的音响效果有所预知、有所想象，因为通过精心审视弹奏出来的音色，更为完美，更具有感染力。
四、总结
通过对以上三点问题的分析，笔者用几个词概括提高钢琴演奏水平的方法：认真、用心、勤思考。认真即读谱认真;用心是要用心聆听感受音乐;勤思考则是要善于总结，对自己的钢琴学习有所规划。习琴者如能深入思考理解这些问题，笔者相信其钢琴演奏水平的提高将会有质的飞跃。
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心理学对提高长笛演奏水平的作用 篇3
关键词：心理；提高；演奏
从心理学来看长笛演奏，它是一门研究长笛教师、学生及一切演奏者的心理现象与教学实践的一门新学科。它帮助我们深刻认识演奏的内在规律，从而提高长笛教师的演奏水平，增强学生的学习能力。
感觉、知觉、思维、想象都是我们认知长笛演奏过程中的心理现象，也称为认识过程。感觉是对直接作用于感觉器官（听觉、视觉、嗅觉、味觉、触觉等等）的呼吸、气息控制、声音共鸣、手指灵巧、情绪与情感等属性的不同反映。演奏是由许多属性按照一定内在关系综合起来，构成一个整体的活动。知觉是对直接作用于感觉器官的演奏整体的反映。我们不仅直接感知当前直接作用于感官的声音（耳）或表情（眼）等，还能把声音（大小、音色、技巧）或表情等刻印在头脑中。当声音或表情再度出现时，就能（听、看、触等）出它，在声音或表情没有出现时，可以回想起来，这就是记忆。在演奏活动中，为了达到一定的目的，需要解决许多问题，动脑筋，想办法，进行思考活动，这就是思维。思维是对演奏概括的见解反映。演奏者还能在感知、记忆、思维的基础上，在头脑中创造出优美旋律的形象，这就是想象。想象是在现实刺激的影响下在头脑里对旧形象加以改造，形成新形象过程。无论是感知当前的表演，还是回忆以往的演奏，或者思考和想象情感表现，都是必须集中精神于当前对象或者回忆和思考的问题上，这样才能听清和看清对象。记起往事，相处解决问题的办法来，这就是注意。注意是感知、知觉、记忆、思维和想象过程共有特性，是认知演奏的先决条件和必要基础。
长笛演奏从心理学上除了研究上述心理特征以外，还研究对长笛演奏的情绪和情感表现，以及演奏的能力、气质、性格等个性心理特征。个性心理特征，具有一定的倾向性，如需要、动机、信念和世界观等。演奏个性的倾向性制约着演奏者的全部心理活动的方向和行为。演奏的心理过程和演奏个性心理特征，作为演奏者的心理活动的两个方面，是统一而具体的，同时又是紧密联系和不可分割的。一方面，个性心理特征是特殊心理过程形成发展起来的。另一方面，已经形成的个性心理特征调节着心理过程的进行，并在心理过程中得以表现。
演奏心理学的基本任务是揭示长笛演奏的教与学的心理现象的本质和发展的科学规律。具体的研究长笛演奏的心理活动过程的规律和产生的生理机制，研究演奏的个性心理特征形成过程的规律和条件，以及长笛演奏的心理活动过程和演奏个性的关系，其目的是为了从理论上弄清演奏者的心理本质和在演奏实践与教学实践中，充分发挥心理因素的调控作用，从而提高长笛学生的学习效率，更好地达到学习目的。
1 长笛演奏的心理反映
长笛演奏的心理方面，主要从心理反映、注意、意志、想象、情绪、与情感、能力及思维原理等诸多方面，揭示了演奏的内在规律，从而将会产生一些科学的长笛演奏教授法及学习方法。
演奏含有反射行为、本能反应、后天反映、所谓反射行为是因生理事实而引起的心理反映。演奏活动的各个环节、各种技能与技巧都是大脑通过神经系统对各个器官下达指令，相互协调地进行动作。因此，声音的产生是由于动作的结果。所谓本能反映，就是先天具有的反应，正如婴儿吃奶、疼痛、舒适、哭叫、呼吸都是本能反应。演奏的呼吸器官就是人的一种本能反应。所谓后天反应，就是人的心理意识和感觉。人的意识具有极大的自觉性和能动性，它不仅能够反应客观现实，而且还能通过人的实践活动来改造客观事实。一个正确的意识和坚定的意志是能够正确反映演奏的发展变化规律，能够指导和帮助演奏者达到预定目的。演奏的意识是按照自己的需要，不断改变现状，不断趋于科学性，不断地满足客观的需要。演奏者意识对于提高自己的演奏水平起着巨大的作用。一切演奏技能与技巧都是靠自己的意识来控制器官，按照意识预定要求进行动作的结果。
后天反应另一个心理特征就是感觉。从心理学角度讲，客观事物直接作用于人的感觉器官时，人脑就产生了对这些事物的个别属性及特征的反应，这种反应叫感觉。感觉是人类最初级、最直接的理解和认识事物的方法，它不仅是长笛教师教授演奏的最佳手段，而且也是学生学习长笛演奏的最好方法。在一些只能意会，难于言传的情况下，单凭感觉就会有一个基本理解或是准确的判断。例如声音位置的感觉、声音共鸣的感觉、声音运动的感觉、声音色彩的感觉、声音距离的感觉、声音明亮的感觉等等，这些生理动作的最佳程度与大小分寸，教师是很难说明的，学生就更难于理解和控制。如果教师利用种种感觉去启发学生，学生从意识和意志上去入手定向、定距、定量、定形、着色，就会很简单地、很容易地是复杂的肌肉运动过程自动化实现。演奏的每个环节、每个技术、特别是对于抽象的技能，都必须从奇妙的感觉中去领会、去认识、去掌握、去控制。
2 长笛演奏的意志控制
演奏意志是一种有意识、有目的的演奏心理过程。演奏是肌肉与意志、生理与心理的协调运动，人的意志正是使口、唇、舌、齿、咽和肺这些器官协调活动而产生声音。如果说，感觉和思维是外部刺激向内部意识事实的转化，那么意志就是内部意识事实向外部动作的转化。意志，是演奏者的心理动力，即意识的能动性、积极性的集中体现。意志行动具有四个特征：（1）意志具有自觉性和目的性；（2）意志具有调节和支配作用；（3）意志与认识和情感紧密相联；（4）意志是演奏技能技巧与熟练行为实现的保证。意志行动还具有四个优秀品质，即意志的自觉性、果断性、坚韧性、自我控制力。演奏意志行动，并不是经过一次发动和制止就可以轻而易举地完成，而是需要经过多次发动和制止，才能克服内部或外部的困难干扰，演奏行动才能完成。
3 演奏音乐的能力与技能
演奏音乐能力与技能是有显著的心理个性特征的，它是影响演奏活动效果的基本因素。演奏需要复杂和多方面的良好的心理素质基础，它要求多种能力的结合。除了音乐能力以外，还需要观察力、理解力、鉴赏力、视觉想象力、表现力、抽象概括能力等多方面知识能力的综合。音乐能力是掌握演奏技能的前提。没有起码的音乐感受力（音高、音强、音响、音色、音量、速度、节奏等）、记忆力、抽象概括能力，不仅难以获得演奏的感性认识，也难以掌握理性认识。优秀的长笛教师的使命，就是发展和培养学生形象观察力、乐曲分析能力、声音描述能力、演奏技巧能力、音乐形象记忆能力、动作表演能力、乐曲情景想象能力、情感表达能力，以及对演奏的肩上和评定等能力，从心理学角度讲，称为艺术能力。艺术才能支演奏能力、评定能力和自我评定能力。演奏评定能力和自我评定能力可以鉴别自己或他人的演奏技能技巧的优劣，并在比较中正确判断自己或他人的演奏水平，对发展与提高自己演奏能力是具有极大帮助的。
演奏者的演奏评定能力和演奏能力之间是成相互反馈作用的。评定能力的反馈信息可促使演奏能力有改变，即提高演奏能力，并且能扬长避短，发挥某些演奏能力的优势。这样，演奏者的演奏水平在评定能力与演奏能力相互反馈、相互作用、相互影响下，将会不断改进、不断提高。在音乐能力和技能的教学环节中，教师要帮助学生如何学习，激发学生求知欲，发展学生的观察力和逻辑推理的能力，提高学生学习的自觉性和独立性，减少对教师的依赖性。
4 演奏的情绪与情感
从心理学角度说，演奏是情绪和情感的艺术。换言之，演奏是演奏者内心情绪和情感的表现形式。演奏之内在的情绪和情感具有强大说服力和感染力。成功的演奏者总是把情绪和情感的表现，当成伟大的艺术法则与艺术灵魂。如果一个演奏者即使想向观众表现乐曲的感情，但无法向观众表现出自己深受感动的话，也无济于事的，因为感情主要是通过感受来表达的，这种感受就是情绪的情感的内部心理状态。如果演奏支局限于技术而没有情绪和情感表现的话，无论技术多么高超，也是冷漠苍白，没有灵魂，甚至连技术的完美也是不可能的。演奏情绪与情感是深入理解乐曲思想内容时产生的。在演奏中，情绪和情感是声音的依据，声音是内心情绪和情感的表现。一般来说，欢乐与激动的情感产生响亮而有力的声音，忧郁与悲伤的情感产生黯淡的声音，亲切温柔与爱抚的情感产生纤细而委婉的声音等等。可见，演奏是以声音来表现情感的。演奏既能表达情绪的感情的具体内容，又能表达情绪和情感的强度。情绪和情感绝不是抽象的概念，而是具体可感可知的心灵实质。
5 总结
心理学在演奏员的演奏生涯中是一个重要的科目，希望本文的阐释能起到抛砖引玉的作用，从而有更多的专家来参与，使演奏员们能在演奏和心理上更好的结合。
参考文献：
[1]劉沛.美国音乐概况[M].上海：上海教育出版社，1998.
[2] 郭亨杰.心理学——学习与应用[M].上海：上海教育出版社，2001.
关于提高钢琴演奏水平的几点建议 篇4
所谓“试奏”,即对音乐作品不经预习就能视谱即奏的技能,它是钢琴学习过程中的一项重要环节。掌握正确的试奏方法,不仅能提高钢琴学习的效率,还能提高习琴者的钢琴演奏水平,培养其良好的音乐素养。
(一)认真读谱,内心唱谱。阅读是学习的最基本能力, 乐谱作为传递音乐信息的载体,是钢琴演奏者最直接的认识对象。面对一首新作品,我们首先要弄清乐曲名称,熟悉作曲家的创作风格;其次,在弹奏前要看清谱号、调号、拍号、 速度及表情术语。许多初学者在弹奏新作品前,缺少认真读谱这一关键步骤,往往上来就弹,一弹就错,导致各种问题接踵而至,如:高音谱号看成低音谱号、D大调看成C大调、 该断奏的弹成连奏、乱用指法使乐句无法连在一起等。这些问题的产生,都源于缺乏对读谱能力的训练。由于缺少这种训练,造成对调性的感知力不够敏感,即使弹错了自己都无法意识到。再就是不认真计算时间,导致节奏上的混乱。面对这些问题,只要我们在弹奏前认真读谱,大多数错误都是可以规避、减少的。视奏之前,我们需要做的第二个准备工作就是内心唱谱,通过唱谱可以了解音乐的大体风格,了解音乐的走向,了解乐句的划分,同时,还可以在头脑中对乐句指法的设计有一个基本的构思,在接下来的试奏过程中才能将注意力稍放些在音色、力度、速度、音乐表现上。做好认真读谱、内心唱谱,试奏将会在准确性上更上一个台阶。
(二)熟悉键盘,提前看谱。提高试奏能力的另一个重要因素是熟悉钢琴键盘,即手指对键盘空间距离感的把控。 这种把控并非三两天就能掌握的,而是一个长期练习积累的过程,需要依靠常年弹奏钢琴所建立的视觉、听觉及运动反应。当然,极其精确的时间配合也是必不可少的。视奏的过程中,眼睛要走在手指的前面,提前看下一小节,留有提前量,才能使视奏时的音乐作品更为连贯。
二、有效的练习方式
(一)采用正确的练琴方法。练习方法的正确与否将直接影响到钢琴学习效率的高低。在练习过程中首先要明确学习目标,找出重难点来单独练习。除此之外,在练琴时可以根据不同种类的技能和难度采用双手合练、单手练习、分段练习、改变速度和节奏等不同的练习方法。
(二)合理分配练习时间。钢琴学习水平的提高需要足够的练琴时间和练琴次数作保证,但并不是说练琴时间和次数越多就越好。只有练琴时间和次数分配得当,才能收到良好的练习效果。对于儿童,每次练习时间不宜过长,但次数可以稍多一些,这样既符合儿童注意力集中时间较短的特性,也能够提高儿童的练琴质量。而成年人则相反,每次练习的时间可长一些,次数则少一些。
三、听觉能力的培养
听觉是与生俱来的,但对于音乐中的听觉(如:听节奏、听音高、听音乐风格等)却不是每个人天生就有的,这是一种需要长期训练才具备的听觉能力。对于习琴者而言, 训练自身高度鉴别力和欣赏力的听觉能力是至关重要的。但许多学生在钢琴练习中却忽略了听觉的存在,把练习与听觉割裂开来。作为教师,不仅要培养学生的外部听觉能力,还要培养学生丰富的音乐想象力,帮助其建立良好的内心听觉能力。
(一)对外部听觉能力的培养。“音乐外部听觉,也叫普通听觉或实音听觉,是外部音响对人的听觉器官刺激而引起的生理反应。”如视唱练耳、聆听音响资料及现场演奏等。 提高自身的外部听觉能力,要在聆听音响资料、现场演奏时, 分析比较不同演奏家的演奏风格,体味美的声音,并把美的声音牢记于心。在倾听自己的演奏时,要时刻用耳朵鉴别声音的质量,及时调整弹奏的方法。这种对外部听觉能力有意识、有目的的训练能够为之后内心听觉能力的培养打下良好的基础,因为内心听觉的形成正是建立在外部听觉感知基础之上的。
(二)对内心听觉能力的培养。“内心听觉是一种内心表象,是一种不依赖音响,仅凭记忆表象和思维而准确地构成内心音乐意象的能力。”内心听觉能力是习乐者通过长期学习积累的听觉经验,培养内心听觉能力的方法有两种:慢速演奏乐曲和“点线”法演奏音乐作品。日常学习过程中, 我们可以运用这些方法有意识地培养自身的内心听觉能力, 也可以在弹奏乐曲之前,对乐曲所发出的音响效果有所预知、有所想象,因为通过精心审视弹奏出来的音色,更为完美,更具有感染力。
四、总结
通过对以上三点问题的分析,笔者用几个词概括提高钢琴演奏水平的方法:认真、用心、勤思考。认真即读谱认真;用心是要用心聆听感受音乐;勤思考则是要善于总结, 对自己的钢琴学习有所规划。习琴者如能深入思考理解这些问题,笔者相信其钢琴演奏水平的提高将会有质的飞跃。
摘要：掌握正确的试奏方法、制定合理的练琴计划、加强听觉能力的培养是提高钢琴演奏水平的关键。本文将从以上三个方面进行详细阐述,以提高习琴者的钢琴演奏水平及学习能力。
关键词：正确试奏,合理练习,听觉能力的培养
参考文献
[1]樊禾心.钢琴教学论[M].上海:上海音乐出版社,2008.
提高演奏水平 篇5
新的音乐课程标准中指出：器乐演奏对于激发学生学习音乐的兴趣，提高对音乐的理解、表达和创造能力有着十分重要的作用。音乐是一门极富创造性的艺术，尤其是器乐的演奏。器乐的演奏对于学生学习音乐的兴趣、表达和创造能力及可持续发展的情感生活中有着十分重要的作用。器乐教学扩大了音乐的表现力，改变了音乐教学的面貌。器乐教学与创造教学相结合，满足了部分孩子因天生声带狭小难以演唱，却能在器乐中发挥特长的欲望，因材施教因人而异发展孩子热爱音乐创造音乐的潜能。
在欣赏《渔舟唱晚》时，我从家里带了古筝，我学过古筝，在课堂上亲自演奏了此曲，学生兴致很高，我借此也介绍了古筝这一乐器，并让有兴趣的同学上台来进行试奏;在介绍电声乐队时，我把学校仅有的电声乐器——电子琴给学生做了介绍，并让学生来听辩电子琴上的各种有代表的音色，效果相当不错;都说《非洲的灵感》比较难上，但是学生却对这个单元记忆悠新。我从网上找了5种典型的非洲乐器，准备由非洲乐器来导入这个课程，让每位同学通过网络能更清楚地了解非洲的乐器，使学生有感受和了解非洲音乐的欲望;再比如把铃鼓和碰铃用于《青春舞曲》的学习;从介绍并展示学校的铜管乐器来让学生了解铜管乐队，从而更好地学习进行曲……
试论提高钢琴演奏表现力的策略 篇6
[关键词]钢琴教育；表现力；策略
对于弹钢琴的人来说，弹奏一首曲子时，指尖摸到的不是冰冷的琴键，而是生命的起源，流露出的是人的情感的喜怒哀乐。但对于有些人而言，明明想要弹奏出自己的丰富情意，可听到的却只是毫无感情的冷冰冰的音符。因此，演奏一首曲子，如何将感情表现的淋漓尽致，有内容有意境，让人们和弹琴的人一起产生共鸣，就需要有一定的演奏技巧了。所以提高钢琴演奏的表现力是钢琴教学的重要目标之一，在钢琴演奏过程中最重要的是发散我们的思维，对作品的时代及其背景环境有所了解，最后达到对音乐的表达更生动、形象。在钢琴调律的过程中想要更好的以别致的音色表达曲子的内涵、提高它的表现力，我从以下几个方面谈谈自己的观点。
一、基于读谱基础下的表现力概述
在钢琴学习的过程中，识谱对每一个学习音乐的人来说都是至关重要的。乐谱是作曲家通过自己对某一时期、某一阶段的情感的触动，通过一种乐谱记录的方式来体现，留给后人以供人们留念、学习。在演奏期间，演奏者通常都会拿到一份自己从未见过或演奏过的钢琴作晶，在这种情况下，很好的读谱就会达到演奏者所要的效果。
我们都知道，在钢琴演奏中，演奏者对识谱能力的快慢，能影响到整个钢琴作品的演奏效果。通常人们理解读谱，就是把谱子里面的内容给看准确以及演奏出来。如果只这样简单的认为，读谱就只是音符、节奏演奏等内容，那则是不全面的，所以我们要更全面的去认识和了解谱子。并通过了解和认识谱子来对钢琴作品进行形象的、鲜明的、生动的讲解，这样就加深了演奏者对识谱和钢琴内容的提高，具有良好的读谱能力，将会使后期的钢琴练习变得有效和轻松，才能更好的去表现作品，表达感情。“读谱”对每一位学习者来说是最根本、最基础的一个步骤。
同时也要理清各种力度标记。力度记号有很多，大致分强（f）和弱（p）这两种，不过这中间又有很多的关于渐强或渐弱的符号标记，就一点点的区别，它的意义就会天壤之别。然而不同的力度记号就可以弹奏出很多个意思，使人们对音乐产生如痴入迷的感觉。如：在古典音乐中，从我们现在接触的音乐作品来看，一般都是从弱到强这几个力度变化中徘徊，没有太大的出入，而在浪漫时期和后期的作品中，它展现在人们眼前则是宽广的，给人以很富有大的空间。因此，看着一些貌似很简单、不太起眼的一些符号、记号，我们更应该好好的研究，来准确的表达乐曲的情绪和风格。
速度显号也有很多，不同的速度变化，我们应该注意它的特点，把握其要点，所以，我们应该把不一样的速度演奏出来，才能真正的表达出作品的只是情感。总之，全面读谱在学习音乐中的地位是首要的，对于钢琴学习者来说，只有对曲子及其曲子内的表情符号、术语记号、力度速度记号好好的理解，会对我们在演奏曲子时更好的表现曲子，努力的表达出作者想要表达的思想和情感有很大的帮助。加强读谱的能力，不仅能提高自己的音乐理解能力，更能提高读谱的深度，使他的演奏更规范，更具有学术水准，更具有他所特有的表现力。
二、音乐风格与表现力的互动关系
往往各种各样的音乐都来自于人们的日常生活中，发展在各个时代，伴随人们的成长，所以造就了不同的音乐，当然不同的时代人们对音乐各方面的要求也各不相同。不同时期、不同的人们也就创作出不一样的音乐风格特点，我们会对不同的作品给予不同的见解并用不一样的情感来表达作品。钢琴学习者为了使自己的曲子能感染听众，就必须了解多个时期的音乐。
对于钢琴的学习者来说，准确地把握、理解、体现各个时代的风格特征非常重要，也对正确演奏作品的风格特点起着很大的作用。按当前人们对西方音乐史的理解，人们都这样划分，而钢琴演奏作为音乐中不可缺少的一部分，它同样也经历了：巴洛克时期、维也纳吉典时期、浪漫主义时期、印象主义和近现代音乐风格时期这四个主要风格特征时期。各个时期的作曲家对美的理解和认识、写作手法、弹奏手法以及和声运用都有差别。所以，要对这几个时期有一些了解：
在西方音乐史上，从巴洛克音乐这段时间期间，音乐被人们广泛运用，巴洛克时期的音乐旋律动听、节奏欢快，有时也会用一些修饰音进行修饰，比如颤音或装饰音等修饰技巧，巴洛克音乐是后期发展的基础。演奏者可以自由的添加一些装饰音，但必须把巴赫的原作进行了解透彻，如在它的作品中要注重装饰的类型、运动方向等装饰技术，并掌把握其装饰技巧以后，再认真地决定装饰的类型、次数等技术，在结构上，这个时期的音乐大多是采用复调音乐，旋律方面则采用多旋律。
在古典音乐，出现了一种新的音乐风格。这一时期音乐形式多是从劳动人民最底层的小资产阶级中发展而来，类型主要是世俗化、专业化、定向化，在音乐风格上表现为严谨、优雅、准确、庄严、简朴这一时期的音乐会很大程度上让人们自己尽情的发挥，带有很浓厚的情感色彩，使人们感觉到人人平等，不分阶级。这个时期的音乐已深深的扎入劳动人们的心中，同时由于这个时期的音乐很有特色，这时期的音乐从教堂走向宫廷、并走向社会、民众，多采用主调音乐形式，加强了旋律与和声的对应，受到当时多数人民的喜爱。这一时期的音乐，以一种更为准确精妙的手法来使音乐产生变化，产生共鸣，达到那种身临其境的感觉。
浪漫时期说的是从19世纪至20世纪初这一阶段。从19世纪之前的这一段时间的音乐艺术上来看，这个时期到处都充满了民主和个人主义精神音乐在这个年代得到了很好的发展，这一时期的兴起，丰富了高雅音乐的内涵，也支配着我们对严肃音乐的观念。这是一个充满梦想和情感主义的时代，这是一个自然地、自由的时代。这个时期的音乐有着它独有的特点，这个时期赋予了它理想化、个性化、感情重于理性的、富于诗意的特点，浪漫时期的音乐较浪漫时期和古典时期的音乐抒情部分多一点，很有罗曼克的风格特色，更博的人们的喜欢，所以，在演奏的时候，一我们就要一切发自于心灵，又回归于心灵自由在形式上和布局上也相对自由；经常使用一种节奏性强的、重复的的在音乐中，现在公众心目中的旋律大多都是浪漫时期的旋律，它那极为强烈的表现，让人久久难以忘怀。它多变的情感，使得它的容极其军营，如激烈的，如歌的、炙热的。在音乐的内容情感上，浪漫主义作曲家喜欢给人以惊喜，使我们天天生活的有滋有味的，对生活充满向往。
近现代的音乐是丰富多彩的、富有变化性的，主要表现在节奏上，旋律上等各方面，與以往各个时期都有所改变，很具有这一时期的特色，在当时还有一种音乐已慢慢的发出了萌芽，即纯音乐，这一音乐在近现代中，节奏得到了更大的发挥，与浪漫时期的音乐更具有活泼性、多变性以及更具有复杂的感觉。“多节奏”这一形式被多数作曲家所承认并得到一部分人们的沿用。即使在现代21世纪中，人们也多是沿袭了这样的音乐特点。在近现代音乐中，它们内部的一些组织也发生了变化，有以前旋律占重要，现在慢慢的将音色、节奏等织体在首要位置。
三、钢琴演奏表现力的影响
音乐特性指的是历表达主要音乐内容的总体形象和特征，它会区分音乐美与美的划分，指音乐的内心所体现的东西，直接影响音乐表现得地位。音乐特性会直接影响着我们用一种什么样的方式来体现音乐的本质属性。总的来说，我们想完美的表达出音乐情感，需要在更大程度把音乐的内容放在第一位。钢琴的演奏既要注意它的弹奏技巧性的训练又要注意它的艺术表现力。对于学习者而言要具备快而准确的读谱能力还要提高他们对曲子的理解和欣赏的能力，对不同时期的音乐我们要把握那一时期独特的音乐风格。
参考文献：
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作者简介：韩飞（1988-6-），男，汉族，河南省周口市人，本科，助教，周口师范学院音乐舞蹈学院，研究方向：钢琴调律、舞台灯光与音响。
提高演奏水平 篇7
从教数年来, 我在音乐课堂实践中努力地培养学生对音乐学科的兴趣, 把乐器教学作为一项重要的训练内容, 注重学生乐器操作技能的提高, 进而让学生在练习乐器的过程中, 提高了自身对音乐的审美与鉴赏能力。
在乐器教学过程中, 我根据学生年级段的特点, 进行合理分析, 遵循“由易到难, 由表入里, 先普及再提高”的方针。下面就为各位同仁介绍一下我的一些肤浅的认识。
一、在低年级教学中进行音乐游戏活动, 让学生对乐器有初步的兴趣与了解
由于低学段学生年龄较小, 以及受乐理知识的储备及接受能力等诸多因素的限制, 我们在低年级音乐课中, 努力设计趣味性的音乐游戏活动, 让学生在音乐游戏活动中了解、记忆各种常见乐器的音质, 接触初浅的乐理常识, 激发学生初步学习乐器的兴趣。
在低年级学生音乐课堂中, 我们准备了这样一些常规的游戏活动。比如:欣赏简单的乐器音乐数遍, 然后用打拍子的方法去回忆节奏和旋律, 小组间比赛, 看哪个小组记得准确。又如:让学生欣赏音乐, 辨别是何种乐器演奏的;或者通过一些谜语, 将简单的乐理知识寓教于活动中。
总之, 经过一二年级两年的游戏情境的熏陶, 让学生在接触音乐之初, 通过对各种乐器音乐的欣赏, 切身聆听各种乐器的音质, 从而对乐器产生浓厚的兴趣, 并且储备了一定的基础知识, 为后面的普及乐器打下良好的知识基础。事实证明, 通过数年潜移默化的引导, 学生对乐器的演奏都跃跃欲试, 为将来的学习乐器埋下了兴趣的种子。
二、精心合理地选择乐器和乐曲, 激发学生学习演奏的兴趣
乐器学习之初枯燥无味, 我们教师应该注意呵护他们学习乐器的兴趣, 利用学生一开始的好奇心, 诱导学生学习演奏的积极性。因此, 我们一定要精挑细选, 选择适合学生演奏的乐器, 而且是班级可以集体学习的乐器。由于小学音乐课具有综合性, 受小学生的年龄特点和乐理知识储备等条件限制, 而且是集中授课形式, 因此我们应该为学生选择一些简易型的乐器。即使是简单的乐器, 也要确保乐器的制作上不能粗制滥造, 相反应该工艺精细, 至少要让学生视觉上感受到美。另外, 教师应该校对每个学生的乐器的音准, 确保学生在学习过程中, 音质、音色给学生美的享受, 否则乐器所发出来的声音将会成为垃圾声音, 极大地打击学生学习乐器的积极性。
根据《音乐课程标准》的新规定, 各种打击乐器、口琴、电子琴、竖笛都是可以纳入课堂的可行教学乐器。在教学中, 根据学校的实际情况以及学生家庭的实际情况, 起步阶段可选择学生易学、教师易教的口琴和竖笛, 让学生能够快速学会一种简单的乐曲。在曲目的选择上, 除了练习基本功的一些简单练习曲外, 一般回避那种枯燥无味的练习曲, 取而代之教授学生们熟悉的歌曲, 让学生在初始阶段能够因为会演奏别人都熟知的乐曲而树立信心, 激发学生进一步学习的兴趣。
三、注重乐器教学指导方法, 让器乐教学课堂具有实效
学生学习器乐的过程是枯燥乏味的, 因此我们在指导方法上要避免那种枯燥的纯粹的指导方法, 应该将器乐演奏指导方法融入到美妙的音乐作品欣赏之中去, 让学生在鉴赏过程产生学习演奏的内驱力, 用乐器和乐曲所蕴涵的美感来激发学生学习的兴趣和信心。在实际教学中, 我常用的教学方法如下:
1.教师边演奏边讲解
在课堂中, 教师结合所要教授的乐曲, 向学生讲解乐器的特点以及演奏注意点, 教师亲自为学生示范演奏, 在演奏的过程中, 为学生讲解姿势、指法以及呼吸等细节的方法, 让学生通过亲身体验教师的演奏, 直观学习到演奏要领, 然后学生练习, 教师巡视, 再进行一对一的指点, 及时发现学生的错误并纠正。这种教学模式, 是现在一线教师常用的指导方法, 是一种实用性很强、成效很快的教学方法。在实践教学中, 我注意到了, 在巡视指导时, 要给学生以信心, 而且为了激发学生的兴趣, 教师可以选择姿势正确、音准把握得好的同学为大家作示范。
2.融合各类乐器, 进行合奏训练
在日常器乐的教学过程中, 进行阶段性的各种器乐的合奏, 能够提高学生的合奏能力, 培养学生与他人之间的默契能力, 提高学生练习的积极性。在各种乐器的融合过程中, 学生会格外注重节奏及音质间的配合, 这样的集中合奏时间短, 效果好, 有力地促进了学生乐器综合水平的提高。
3.引入游戏练习法, 消除学生的练习疲劳感
从心理学的层面解释, 游戏教学方法在小学课堂中的各门学科都是颇有效验。在乐器教学过程中, 教师应该有意识地引进趣味性的游戏方法, 融合知识性、趣味性, 寓教于乐。比如:用乐器模仿自然界动物声音的模仿游戏、猜音游戏、伴奏原唱等, 让学生在吹拉玩唱中获得意外的收获, 丰富学生学习乐器的经历。
浅谈如何提高钢琴演奏教学效果 篇8
而我们教师在音乐教学中不难发现, 很多学生在学习钢琴演奏的过程中, 总是达不到理想的水平。为此学生和教师都很困惑:究竟如何才能提高演奏水平, 表现出赋有灵魂的钢琴弹奏?我认真总结了多年的教学经验, 得出以下结论:
一、掌握好钢琴基本技术是钢琴演奏的基础
钢琴是一种技艺性很强的乐器。正确良好的弹奏方法, 富于层次感的触键方式, 较好的音阶、琶音、和弦、八度技术, 以及钢琴踏板的合理使用等等, 这些都是弹好歌曲的基础。钢琴的演奏技巧十分丰富, 要求演奏者可以自如地弹奏各种音阶、半音阶, 各种音程的跳动, 各种双音、和弦以及各种复杂的乐曲。从全方位认识钢琴键盘及五线谱开始, 通过键盘的综合移调练习, 对调式、调性全面认识, 尽可能在较短时间内提高学生演奏技巧及熟练运用键盘的能力。这是钢琴学习中最基础的部分, 不能熟练掌握这些技巧, 便无从谈起钢琴演奏。但部分钢琴学习者学一段时间便感到枯燥乏味、厌倦日复一日的练习, 会出现半途而废的情况, 至此, 钢琴学习无法正常的发展下去。所以必须培养学生正确的学习观念, 努力练好基本功, 打好基础, 才能一步一步踏实地迈进钢琴演奏的音乐殿堂的大门。
首先, 教师要指导学生掌握正确的练习方法。从弹奏技巧来说, 在初学时要以慢练为主。不论哪种技巧, 在最初的学习阶段都要用很慢的速度去练习, 循序渐进, 不能急于求成。只有用很慢的速度, 才能把每一个动作的细节准确的弹出, 并且要重视指法等问题, 使动作简练、下键力度集中, 并体会到触键的细微指感。在掌握正确触键的基础上, 能够把每一个音弹得均匀、清晰、集中之后, 利用节拍器结合变速练习, 快慢循环结合, 把各种技巧弹得飞快而保持每个音的精准。
其次还要特别加强视奏训练。要让学生在多加训练之后达到对键盘有很高的熟悉度, 仿佛演奏者眼前就有一个键盘。在看乐谱上的音符时, 眼睛的视线要朝向前方。手指在弹奏第一小节时眼睛已经看到后面的第二、三小节, 同时心里还要一直默默数着节拍以保持节拍的稳定和节奏的准确。这其中最重要的一点就是视谱的正确性。看谱弹奏时必须仔细看清谱号、调号、音符位置、节奏以及变音记号、力度记号等等, 尽快养成良好、正确的读谱习惯。
最后, 训练要牢记“三心”:细心、耐心、恒心。学习是一个任重道远的过程。没有台下的辛苦训练, 就没有台上的优秀表演, 更无从谈起鲜花和掌声。教师要帮助学生培养坚持不懈的毅力、对音乐事业保持极大的热情, 乐于发现问题、解决问题, 最终达到自主学习的目的。只要教师和学生齐心协力, 对钢琴演奏倾注自己的心血, 加之日积月累的不懈努力, 一定能达到教学目标。
二、掌握音乐作品的旋律是钢琴演奏的关键
音乐作品的主要内容就是其旋律, 一切演奏表演都是建立在准确掌握音乐作品的旋律之上的。我们在教学过程中, 会发现经常有同学还没有熟悉乐谱就认为自己算是会演奏这部作品了, 然后便疏于联系了。这就是钢琴学习中轻浮的表现。在接触一部新的音乐作品之前, 必须让心灵沉静下来, 心怀美好, 对冗长的乐曲有足够的耐性, 并乐于发现其中的乐趣, 享受音乐带给自己丰富的精神世界。只有这样, 学生演奏的音乐才会更自然、更流畅, 才能掌握音乐作品的旋律。
在此环节中, 教师要指导学生认识到反复练习的必要性。在钢琴学习中, 乐谱和钢琴技巧是两大重要组成部分, 在掌握了钢琴技巧的基础上, 必须能记住乐谱, 才能精准地弹奏出一部音乐作品。正所谓“熟能生巧”, 只有把作品的旋律熟记于心, 才能做到收放自如、游刃有余地驾驭一部音乐作品。
三、赋予音乐作品充分的情感是钢琴演奏的灵魂
目前的钢琴演奏教材基本涵盖各个时期各个国家的经典曲目。不同风格的曲目要求表现出其相对应的情感, 学生必须做好充分的课前准备, 在预习过程中可以加入自己的理解、想象。将音乐演奏与演奏者的心灵相融合, 这是钢琴演奏的精髓。
演奏者在表现一部音乐作品之前必须了解这部作品的内涵以及意义。只有爱上了一部作品, 才能完美的演绎此作品。钢琴声如心声, 它诠释着弹奏者内心的波澜起伏和心路历程;钢琴声如泉水, 行云流水般从指间倾泻而下, 配合着心的律动, 静默地溶入血液。在懂得之后, 每一个音符下, 都埋藏一颗平静而柔韧的心灵。
例如在表现《卡农》这首经典曲目的时候, 演奏者会不由自主的随着优美而浪漫的旋律想到一些美好的画面:纯净的天空、潺潺的流水、娇艳的花朵、可爱的朋友。相信每个人都会沉浸在这些纯洁的意境之中, 心烦的时候听到这首百听不厌的钢琴曲, 就可以慢慢的沉静下来。
《魂牵巴塞罗那》是我比较喜欢的一首钢琴曲。是电影《love story》的插曲。凄美的剧情配上这样的音乐, 让人忍不住将自己幻化成片中的男女主角, 体会他们的喜怒哀乐。影片初始, 钢琴淡淡地将人们带入那唯美的爱的意境。随着剧情发展, 钢琴曲时而缓缓倾诉, 时而激动高亢, 对渲染氛围起到了举足轻重的作用, 使人同情主人公的不幸命运、崇尚他们的真挚爱情。钢琴曲没有电影的优势, 它没有丰富的画面、对白, 却同样向我们展示出了一个感人至深的经典爱情故事。我会在教授这首钢琴曲之前让学生先欣赏影片, 然后在学习的过程中, 他们就不由自主的倾注进了自己的感情, 达到演奏与灵魂的统一。
优雅的钢琴演奏, 能唤回你的美好回忆, 能激发你的美好憧憬。在音乐教学过程中, 要对学生的学习抱以欣赏的态度, 指导学生用心演奏, 谱出心灵的乐章。
摘要：钢琴是乐器之王, 如何有效并逐步提升钢琴演奏的教学效果值得学者们研究。本文从掌握钢琴的基本技术、掌握音乐作品的旋律、赋予作品充分的情感几个方面着手, 简要地分析怎样才能有效地提高钢琴演奏效果。
关键词：钢琴,演奏,技术
参考文献
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提高演奏水平 篇9
一、要重视学生的听觉训练
听唱是非常考究一个学生对声乐的把握程度的。如果连最基本的听唱都无法把握好,那在钢琴的弹奏上很难保证不会出现失误。因为钢琴中有中高低音之分,部分学生拿捏不准便会出现混淆的情况。后期的听觉训练有助于学生们掌握钢琴音乐的弹奏要求,因为我们必须透过听觉去判断我们所弹奏的曲调是否符合我们所要求的效果。音乐非常讲究曲调的变化,比如节奏是否足够强有力、旋律是否足够流畅、弹奏者所表达的个人情绪是否足够清晰。这些要素其实都能透过听觉由演奏者传达到听众的耳朵里去。 所以说作为一名优秀的钢琴弹奏者,具备敏锐的听觉能力这是非常重要的,因为听觉是关系到你对音乐的鉴别与操控。如果一个弹奏者他不具备敏锐的音乐听觉,他演奏出来的曲子一定是呆板而无感情可言的,除此以外它还可能会出现絮乱的现象。钢琴弹奏非常强调乐感的分布,时而的高低起伏是一首曲子它所要表达的情绪。所以作为一名钢琴演奏者,具备良好的音乐听觉这是必须的, 同时这个也是经过后天的努力可以弥补的。
二、引导学生精心研读乐谱
乐谱是是反映乐曲的节奏,音调高低的标准,很多学生他们往往只关心音符而忽视了乐谱,其实这是一个非常不好的习惯。 一个优秀的钢琴导师她在教导学生如何学习钢琴的同时也会细心的引导学生如何去研读乐谱,因为她知道乐谱是钢琴演奏的灵魂。 乐谱是最直接反应乐曲灵魂的介质,很多优秀的钢琴演奏家他们有个习惯就是喜欢背乐谱。如果你希望能完美出色的演奏一首乐曲,那你就要足够的把握乐谱。一些钢琴弹奏非常出色的演奏家他们对乐谱的熟知程度达到看到乐谱就能联想到曲子,非常娴熟的把曲子演奏出来之余还能富有感情的弹奏。 对乐谱非常熟悉的人他们总能全神贯注的专注于演奏,就连脸上的表情也随着他弹奏的曲子有所变化。因为他们能很好的驾驭钢琴,把自己的所有的感情都倾注于其中。钢琴并不是只一味的追求不断重复的演练直至能很好的驾驭整首曲子与熟悉所有的琴键这就完了,如此弹奏出来的曲子没有任何情感而言非常的空洞。因为声由心生,你是带着自己对乐谱的理解透过钢琴的演奏去把内心世界的想法和情感向外界传达出去的。所以作为一名钢琴教师,关于如何引导学生去精读乐谱熟记乐谱是一个非常关键的课程。
三、启发学生用内心的歌唱带动旋律的弹奏,并让学生掌握良好的触键方法
如今很多钢琴教学中推崇要适当的去启发学生学会用内心的歌唱去带动旋律进而加强对钢琴弹奏的练习。最大程度的去引导学生善用自己内心的声音去演唱其实是激励孩子们学会用自己的情感透过音乐去表达出来。孩子们只有懂得如何把自己内心世界的感情表露出来,他所歌唱的或所演奏的才是最能让人产生共鸣的。老师鼓励孩子们抛开书本学会正式自己的内心世界,善用自己的情感去表达音乐其实也能促进学生们更好的掌握触键方法,而非死记硬背或者只求一味的透过机械性的练习去熟悉这些琴键的运用。利用内心歌唱带动旋律弹奏的这个方法还有另一个好处是这样能激发孩子们的灵感让她们深层的去挖掘自己的感情融入到曲子里去毫无保留的抒发出自己的情感。熟练的运用琴键是优秀的钢琴弹奏者所具备的第一点,再而就是弹奏者能抛开书本学会运用自己的感情来全程的投入到演奏中去,无疑, 这是最成功的演奏。因为他已能心领神会音乐带给他的灵感并能很好的驾驭钢琴演奏, 懂得如何融会贯通。
四、结语
提高演奏水平 篇10
目前学前教育专业招收的学生学制不一:有高中起点的四年制本科生、有高中起点的三年制专科生、有初中起点的五年制专科生……入校时年龄不一,初中起点的十五六岁, 高中起点的十八九岁,大的有二十一二岁。这些学生骨骼发育已基本定型,手指活动缺乏良好的柔软性和灵活性,同时, 大部分学生来自乡镇、农村,从小就没有受到良好的系统音乐教育,对钢琴的接触和学习更是一张白纸。所以,学生的现状增加了幼师钢琴教学的难度,也对其提出了新的要求。从钢琴教学在学前教育专业中的特殊性来看,学前教育专业培养的是幼儿园里的幼教教师,教她们学习钢琴,应该把满足幼儿园的课堂教学应用为出发点,作为钢琴教学的主要目的,不是让她们将来从事钢琴演奏或钢琴教师的工作。然而目前学前教育专业的钢琴教学却存在一定的误区,首先是重视“技能化”培养和要求,忽视“幼儿教学”的基础培养; 二是重视教学的“专业化”,轻视“实用教学”的培养。
二、学前教育专业钢琴教学的有效性和实用性
学前教育专业主要培养幼儿园教师,开设钢琴课,让学生学到运用钢琴知识和技能来满足幼儿教学活动。因此,检验学前教育专业钢琴教学的有效性,应从两方面考察。一是学生能否掌握钢琴基本的弹奏方法,通过钢琴弹奏作为辅助教学的手段,为幼儿提供更丰富的课堂教学内容。二是学生能否具有歌舞伴奏和自弹自唱的钢琴弹奏应用能力,为将来胜任幼儿园的教学、游戏和律动等活动奠定基础。另外,考察学前教育专业钢琴教学实用效果还应该从学生主动学习能力和对音乐理解与表现能力的掌握程度入手。钢琴教学应把发掘和展示教材中音乐蕴含的内涵和情感作为重点,并且给学生留有充足主动学习的时间和空间,激发学生积极参与的兴趣和学习的积极性,发现学习的重点和难点,也就掌握了理解与表现音乐的金钥匙。
三、提高学前教育专业学生钢琴演奏能力的途径
(一)狠抓基础教学,注重能力培养
鉴于目前学前教育专业学生招生情况较差,绝大多数学生来自农村,从小就没有进行过系统的音乐教学的学习,在音乐素质为“零”的情况下,钢琴教学不能单打独斗,应该联合其它学科,制定合理有效的教学内容,强化学生音乐基础知识,比如视唱曲谱不再是视唱课的教学内容,而是在钢琴教学中也应将其纳入到教学内容中,而且要求学生像唱视唱那样一边打拍子一边唱曲谱。声乐课也应该强化学生的读谱能力和数拍子的能力,尤其是碰到3/4拍的时候,学生会将拍子数得一塌糊涂,找不到3/4拍强弱弱的感觉,因此更应该借此视唱课、钢琴课、声乐课,多方面强化学生的拍感和读谱能力,通过狠抓基础教学,可以有效地提高学生的能力和音乐综合素质,为以后的音乐课学习打下坚实的基础。
(二)明确学生定位,突出实用教学
学前教育专业钢琴教学的内容要与其专业特点相统一, 要更多地考虑到钢琴教学在幼儿园教育中的实用性上来,而不应把教学的重点仅仅停留在练习曲能弹到车尔尼的849、299还是740,乐曲能弹到八级、九级还是十级等高难度的技巧练习上。如果还是只注重技巧训练,忽视实用教学,经常出现的情况就是学生能弹级别较高的练习曲、乐曲,当给他一首儿歌,让其配伴奏时,并自弹自唱时,学生的表现就是要么不会配伴奏、要么唱不好……这种模式下培养的学生,显然不能适应日后的幼儿音乐教学工作。所以,学前教育专业钢琴教学应明确学生定位,突出实用教学。让学生不但掌握钢琴弹奏的技能技巧,还要具有分析作品、为儿歌配伴奏的能力和边弹边唱的能力,使学生能学以致用。
(三)及时给予肯定,让学生感受钢琴学习的快乐