音乐情感分析论文

音乐是一种抒发情感的媒介，无时无刻不体现在生活中，带给人们的是一种思考，一种感动和一种享受。演奏一首钢琴作品，不仅需要演奏者具备扎实的基本功及技巧，而且需要有充足的音乐情感表现力，表达作品的内在情绪，突出作品的层次感，甚至是展现作曲家的内心世界。本文将从影响钢琴演奏的三个因素着手进行深入分析，探讨钢琴演奏过程中对情感的培养与表达。下面是小编整理的《音乐情感分析论文(精选3篇)》，希望对大家有所帮助。

音乐情感分析论文 篇1：

中世纪与古典主义时期音乐情感的比较分析

【摘要】音乐是一门艺术，一门关乎情感的艺术，情感在其中占据着非常重要的作用。中世纪是一个提倡神学的时代，因此，情感在音乐中的表现主要体现在人们对上帝的赞扬。而古典主义时期情感在音乐中的表现则主要体现在人文关怀方面。因此，这两个时期的音乐情感有很大的不同。本文通过比较两个时期的音乐情感在内容、表达方式和审美取向上的区别，希望能够对音乐情感的了解有所裨益。

【关键词】中世纪；古典主义；音乐情感比较

对于音乐这门艺术来说，情感在其中一直占据非常重要的位置。西方的音乐哲学和美学领域都认为，情感是音乐的本质，音乐首先要能够满足人的情感需要，这是第一要务。如果音乐失去了情感，那么再美好的旋律也无法满足人们的需要，它就只是一个音符，不可能在时代的变迁中为人们所接受和喜爱。音乐情感我们一般认为是发源于古希腊的，但是由于古希腊当时崇尚神学，压抑了情感的表现，因此音乐情感并没有在此时期发展开来，更没能主宰整个欧洲的音乐文化。在中世纪，人们崇尚神学，宗教势力几乎笼罩了整个时代，这个时期，音乐的主要对象没有定位为人，不是为满足人的需要，而是更多地服务于上帝，用来表达对上帝的赞美之情。因此，这个时期的音乐没有很好的发展开来，主要运用于表达人类对于上帝的赞美之情。

到了古典主义时期，因为经历了文艺复兴，人们对于古典文化有了更深层次的了解，经历了启蒙运动，人们对于神与宗教的认识更加的客观，了解了更多关于自然和人类的知识，这时期的音乐不同于中世纪主要用于对上帝的赞美，音乐开始更多地关注人的情感需要，音乐的感情色彩较为浓厚。可以这么说，中世纪在一定程度上压抑了人的情感在音乐上的体现，而古典主义时期则开始重视人的情感在音乐上的体现，将满足人的情感需要作为音乐的本质。

一、中世纪音乐情感表达的特点

中世纪是一个特殊的时代，很多人认为中世纪与现代文明相去甚远，现代文明已经无法理解当年那个神学统治的时代。在中世纪，人们的情感被压抑，神学说统治着人民，人们认为，上帝应该是他们唯一服从的神，他们的内心没有自己，上帝的指令才是一切。在这样一个年代，人们很难去关注自身的需求，而且，禁欲说在当时也非常流行，人们的正常欲望无法得到认同甚至接受。这一切，人们的一切欲望被认为是罪恶的，只有上帝才是人们唯一要遵从的。

（一）神学在中世纪音乐中的体现

在中世纪这个特殊的时期，民间音乐的数量其实非常少，教堂音乐占据主体地位。我们都知道，其实民间音乐表达的情感要比教堂音乐来得多。在民间音乐中，人们的生活，大自然的美好，以及在劳动中的情感都能够通过音乐体现出来。但是，在中世纪这个特殊的时期，神学统治者人们的思想，音乐界同样也是如此。

中世纪，只有职业的音乐家才有权利掌管记谱法，而这些音乐家大都只在教堂和修道院中。这些职业音乐家认为民间音乐不足一提，没有记载的价值，因此，在中世纪只有宗教音乐被这些职业音乐家记载了下来，当时的民间音乐由于没有得到记载，没有保存下来。那时的神学家普遍认为，音乐的感情作用应该被抑制，音乐是一种能够超越语言与逻辑的艺术，能够使人们疯狂。音乐的情感宣泄会给神学带来潜在的危险，它会使人陷入忘我的精神状态，不能控制自己，在音乐中宣泄自己的感情。在神学盛行的中世纪，这是不被允许的，神学家认为，这种感情的宣泄会影响到人们的理性思考。人在陷入迷狂的状态时，就不能用一种理性的态度去对待神学，自然也就没有办法真正的信仰上帝。这种迷狂还会激发人们内心的欲望，这种欲望膨胀在神学盛行的中世纪自然也是不被允许的，当时神学家们提倡禁欲主义，认为理性应该制约感情的膨胀，音乐只是一种外部力量，应该用来引导人们而不是顺服人们的欲望。

（二）中世纪的音乐并不为人们所需要

中世纪的音乐具有非常强烈的神学色彩，它并非不包含感情因素，在宗教音乐中也有感情因素的存在，但是这种表现相对比较单一，情感并没有那么炽烈。因此并没有给人们留下深刻地印象，人们在提到音乐的时候很少会想到中世纪的音乐，在音乐领域，中世纪音乐是作为一种历史存在的，它并没有给人们留下深刻的印象。造成这种情况的原因，除了中世纪音乐年代久远，与我们现在的生活与审美习惯相差甚远，且完整保存下来的曲目较少之外，中世纪音乐所包含的情感较少是最重要的原因。

中世纪的音乐情感主要体现在对上帝的赞美，宗教音乐没有过多的去考虑的人的需要，而是把音乐看成一种工具，一种为上帝服务的工具，因此，很难为现在的人们所接受。宗教音乐只是为了唱歌而唱歌，其中除了对上帝的赞美，并没有任何真情实感，而古典主义时期的音乐大多数是人们的真实情感，因此更能够打动人心。

二、古典主义时期音乐的特点

古典主义时期的欧洲，由于经历了文艺复兴和启蒙运动，人们的心灵已经从宗教神学的束缚中解放出来，整个欧洲都发生了剧烈的变化。音乐不再是人们向上帝表达赞美之情的工具，而是开始真正的回归到人们的手中，真实的传达人们内心的喜怒哀乐。人们通常将这个时期奉为古典，这个时期的音乐风格主要表现在艺术上，由于经历了启蒙运动，更加推崇理性。在音乐语言上，这时期的语言更加贴近人们的生活，更加精炼的去表达人们内心的纯朴感情。古典主义时期与中世纪音乐相比，人们的需要得到了重视，音乐开始更多的去考虑人的需要而不是教会神学的需要，通過人们的日常生活来表达人们的真挚情感而不是为了唱歌而唱歌。古典主义时期的音乐取得了巨大的成就，同时也影响了后来欧洲各国音乐的发展。

（一）“以人为本”

欧洲在经历了文艺复兴和启蒙运动之后，宗教神学对人们的束缚大大减弱，人们开始追求个性解放，开始注重人的发展。相应的，音乐家们要注意到了这一变化，与中世纪相比，这个时期的音乐家们不再把音乐作为为上帝服务的工具，而是更多的开始考虑人们的需求。音乐所表现的内容拓宽，人们的生活，人际关系，包括友情，爱情，亲情都成为了音乐家们的表现对象，这时期的音乐更加注重表现人们的真情实感。这个时期，情感在音乐中占据非常重要的位置，卢梭等人认为，音乐能够表达出人们内心的怨怒，痛苦和喜悦，这些情感都通过旋律的方式表现了出来。旋律在模仿着人们的喜怒哀乐，同时也是人们的一个表现工具，这个时期的音乐之所以拥有打动人心的力量，最重要的就是感情的体现。

（二）音乐家们的看法

古典主义时期的音乐不再被宗教神学所束缚，单纯的表达对上帝的赞美，而是开始关心人的感情，它所表达的感情非常细腻，所表达的内容也更加贴近人们的生活。现实生活中的爱情，友情，亲情也更加被音乐家重视，这时候的情感体现相当细腻，因此更加能够打动人心。这个时期出现了三位音乐巨匠，海顿，莫扎特和贝多芬，他们在整个音乐界的成就无人能及，在音乐史上占有非常重要的位置。音乐能够被人们记住，首先要能够为人们所接受，要有能够打动人心的力量，音乐带给人们的这种情感体验越深，也就越能够打动人心。贝多芬在发表对于音乐的看法时曾说，爱，是时间最为宝贵的东西，一个音乐家只有真正懂得这种感情，才能够用旋律去表达恋人之爱，亲人之爱与友人之爱。爱，是一种崇高的感情，作为人类，只有我们真正的懂得了爱，才能够用爱赐予的力量对抗时间一切不公，痛苦与丑恶。所以，在贝多芬的创作中，爱是其最重要的情感元素。贝多芬也是在遵从以情感动人的原则，用音乐来打动人心也是古典主义时期的音乐家们的共同原则，因此，古典主义时期的音乐比起中世纪的音乐来说，更加具有打动人心的力量。对于音乐界来说，古典主义时期的音乐从某种程度上来说也是一个起点，音乐家们开始关注人类自身的需求，情感成为最重要的表达方式。这是一个新的转折点。

三、中世纪与古典主义时期的音乐情感的比较

中世纪与古典主义时期是两个不同的时代，在这两个不同时代中，主导人们的观念不同，中世纪主要是神学观统治着人们的思想，人们的情感很大程度上受到了束缚。因此，这两个时期在音乐情感的表达上存在较大差异。我们以《歌颂圣母玛利亚》和《费加罗的婚礼》这两首曲目为例具体分析一下这两个时期音乐情感的不同。

首先，从情感内容上来看，中世纪的《歌颂圣母玛利亚》是一首教会歌曲，它所要表达的主要是对上帝的赞美与恭敬之情。这首曲目中，音响的效果比较单一，人们的感情也没有得到很好的体现，始终处在一种较为平静的态度之中，主要表达的上帝的旨意，神的意志以及人们的赞美。而在古典主义时期的《费加罗的婚礼》就更加注重了人的情感，甚至还以音乐的变化塑造了人物的性格，因此它所呈现的内容就更加丰富，情感也更具有打动人心的力量。其次，音乐的表达方式存在差异，中世纪的歌曲主要是通过歌词和人们的演唱体现出来，而古典主义时期的曲目除了歌词之外更多的融合了音响，旋律等来表达人们的感情，更具有打动人心的力量，这一点在这两首曲目中有很好的体现。最后，两个时期音乐情感的审美取向不同，在中世纪，音乐情感主要体现在对上帝的赞扬，因此，这个时期评价音乐的好坏标准主要在于是否体现了对于上帝的赞美，《歌颂圣母玛丽亚》就主要是对圣母的歌颂，表现形式也更为平和。但在《费加罗的婚礼》中，人们的审美标注主要体现在对人类需求的满足程度上，这个时候，人们的情感更为重要，表现形式也更为大胆，夸张。

四、结语

音乐情感在中世纪基本上是出于被压抑的地位，主要用来表达对于上帝的赞美，因此音乐并无特别出彩之处，到了古典主義时期，人们开始更多地重视人们的情感在音乐中的体现，因此，取得了较为辉煌的成绩。通过这两个时期的音乐情感的比较分析，我们更能够看出情感在音乐发展中不可替代的位置。

参考文献

[1]罗伯特·希柯克.音乐欣赏[M].北京：人民音乐出版社，1989.

[2]刑维凯.情感艺术美学历程[M].上海：上海音乐出版社，2004.

[3]钱仁康.音乐史与音乐欣赏-欧洲音乐简史[M].北京：高等教育出版社.

作者：蔡兰

音乐情感分析论文 篇2：

钢琴演奏中音乐情感的表达与培养分析

音乐是一种抒发情感的媒介，无时无刻不体现在生活中，带给人们的是一种思考，一种感动和一种享受。演奏一首钢琴作品，不仅需要演奏者具备扎实的基本功及技巧，而且需要有充足的音乐情感表现力，表达作品的内在情绪，突出作品的层次感，甚至是展现作曲家的内心世界。本文将从影响钢琴演奏的三个因素着手进行深入分析，探讨钢琴演奏过程中对情感的培养与表达。

一、对音乐作品的理解

（一）了解分析作曲家的创作背景、时代及音乐风格

在弹奏一首作品前，演奏者需要了解作曲家的创作背景。不同时期的作曲家创作风格皆有所不同，这是由于处在不同时代，受到社会环境、社会思潮和社会风尚的影响不同，而且处在不同的地域或民族中，对音乐的理解也各有不同。

古典主义时期是西方文明史上的启蒙运动和法国大革命时期，在其影响下的音乐讲究清晰和具有逻辑性的语言。如贝多芬，成长于古典主义向浪漫主义过渡的时期，受到法国大革命、英国工业革命的影响，形成了全面的英雄性音樂风格，追求色彩力度的强烈对比。因此，贝多芬的作品富有激情与感染力。浪漫主义时期的音乐风格与古典主义时期相比，更具有个性化、情感化与民族性。浪漫主义作曲家运用丰富的想象力，把个人情感融入音乐作品，使这一时期的作品充满自由和幻想。

每首作品都饱含着作曲家沉淀的情感，是作曲家个人气质与所处时代融合的产物。对创作背景及时代有所了解，确定感情基调并且理解作曲家想表达的思想，这是演奏好作品的前提。

（二）对曲式与和声的掌握

对于一部作品来说，曲式是音乐整体的结构布局，是其框架和基础。演奏者通过曲式的分析可以使思维更清晰，视野更广阔，从而使作品得到更好的诠释。

和声就是一部作品的经脉，演奏者对于和声的掌握，需要了解它的调性色彩、和弦，和声的织体和进行，还有作品中蕴含的个性。例如：浪漫主义时期印象派的作曲家德彪西，他丰富的色彩性和声在其钢琴作品中占有突出地位。在他的作品《月光》中，旋律声部基本由左右手的分解和弦与上行琶音构成，使调性的色彩更加丰富，具有层次感和神秘感。

了解和分析是成功演奏一首作品的前提。理性分析一首作品能把自己带入作曲家创作时的情景，并在此基础上融入自己的理解，这是增强演奏中音乐情感表现力必不可少的一个方面。

二、演奏

许多学生在弹奏一首钢琴作品时，手指技巧性很好，跑动很快，却听上去不生动，缺少表现力。这其实与机械地读谱有很大关系。在练习的过程中，注意力不应只集中在有没有错音，节奏有没有跟上等这些技巧层面上，而是应该更多关注以下几个方面，从而更好地表达作品的情绪。

（一）节奏

节奏训练是练习中的首要任务，它是音乐构成的重要因素之一。学习一部钢琴作品之前，先要看懂谱面中的节奏，遇到较难的地方可以先抽出来研究并稍加练习。在平时的生活中，也可以将这些系统化的训练转化为趣味性的练习。如拍手跺脚手脚配合的形式、自我创造即兴编写节奏的形式，这些不仅能增强学生学习兴趣，还能让学生更好地掌握节奏和熟练运用节奏。

（二）速度和力度

表情记号的运用是读谱的一个重要环节。谱面上的强弱快慢都是带有一定规律的，不能随心所欲地演奏，否则会大大破坏曲子的美感。钢琴作品都是严格中带点自由的，弹奏时注意音乐术语，如最基本的速度标记crese、dim，力度标记p、f、mf，等等。古典主义时期音乐作品中，力度的标记一般从pp到ff。而浪漫主义时期力度的标记更是可以从pppp到ffff，所表现的情感也需要更加细腻。有时力度的标记更是具体到了每个音。因此，要注意谱面力度和速度的标记，明确谱子上的渐快渐慢到哪里截止，并有严格的划分。

（三）触键

指尖是身体中与钢琴最亲密的部位，演奏者通过指尖传达最直接的音乐语言。赵晓生在他的《钢琴演奏之道》一书中指出，决定音色的要素有触键方向、触键高度、触键力量、触键速度、触键深度这五点。

触键需要把所有力量运送到指尖，指尖再以不同的形式将其呈现出来，其表现形式有多种。一是快速触键。指尖下键要快、准并且有颗粒性，音色不能虚掉，小臂不能过于僵硬。这属于钢琴演奏者的一项基本功练习。二是跳音触键。这是一种短促而又集中的触键方式。音色需要轻盈并且有弹性，跳音的运用在各个时期的作品中都得到了广泛体现，常见的有巴赫的复调作品、创意曲集等。三是轻柔触键。这种触键方式是浪漫主义和印象主义时期作曲家爱用的手法之一，常常用来表现一种朦胧、空旷、缥缈的意境。四是打击性触键。在20世纪现代钢琴作品中，常出现这种打击性触键，主要是为了营造一种尖锐刺激的音响效果。这种触键更要求手指的每个关节都不能松懈，要严格控制并有一定的爆发力。

（四）踏板的使用

著名钢琴家鲁宾斯坦曾说过这样一句话：“踏板是钢琴的灵魂。”踏板使用恰当，就像是在画水墨画一般，给原本干涩的音乐增添了一种朦胧的色彩。

在日常的练习中，应尝试用不同的踩法展现不同的色彩。最常见的右踏板踩法，从深浅上分有全踏板、踩二分之一、踩四分之一等，需要非常弱或轻柔时加上左踏板（又叫弱音踏板）之后的音色效果。

若从踩踏板的时间上划分，有以下几种。一是正规踏板。踩踏板时手脚动作一致，松踏板时干净果断，一般用于比较有节奏感的音乐环境中。二是音后踏板。在演奏中，手脚交替配合，随着和声的变换转换踏板，使演奏在连贯的同时保持每个音干净清晰。三是颤音踏板，又称震音踏板。需要踩得相当浅且快速，就像雨点打在地上的感觉。这有时是为了追求一种特殊的音色，大部分情况下可以配合左踏板一齐使用。四是预备踏板。需要演奏者在乐曲还未开始时踩下踏板，以营造出一种朦胧的意境。

另外，在平时的训练中，演奏者应提高手脚的协调度和灵敏度，增强自己的听辨力和判断力，以便在之后的演奏中灵活熟练地加以运用。

三、欣赏能力及培养

培养对音乐的欣赏能力，首先平时应多听不同时期作曲家的音乐作品，思考作曲家表达的思想感情，并将自己带入作品的意境中。

其次，在日常的演奏中可以培养边唱边弹的能力，特别是巴赫的复调作品，可以弹两声部唱一声部，这样不仅能增强对作品的熟识度，还能够培养自己的音乐协调性。

再次，要提高自己的鉴赏能力与音乐素养。这需要演奏者在熟悉钢琴作品的同时，学好中西方音乐史、曲式、和声等专业知识，欣赏并了解其他乐器作品、多听协奏曲、交响曲或音乐会，从而将充分的理性材料与丰富的感性材料相结合。

最后，对音乐作品要有自己的见解。当弹奏达到一定的熟练程度时，一定要把自我的情感融入作品。

四、结语

音乐，是一门善于表现情感的艺术。音乐演奏技术固然重要，但若没有情感只注重技巧，就不能称之为演奏。所谓演奏，就需要带有一定的表演成分，通过技术上与音乐上的多重感受，以及与之相呼应的肢体语言表达出内心真实的音乐情感。理想的钢琴演奏者应该在表达及陶醉于音乐的同时，用理性来控制情感，使它服从于音乐整体的表现，这样的音乐表演才会给观众带来美好的观赏体验。

（陕西国际商贸学院）

作者：王隽筱

音乐情感分析论文 篇3：

基于音乐情感对柳琴演奏的影响分析

【摘要】柳琴是我国传统的民族乐器的一种，有着极强的音乐表现力，演奏者想要将柳琴的演奏效果完美地呈现给观众，需要不断提升其自身对于柳琴演奏技巧的掌握程度，并充分理解柳琴演奏曲目中所蕴含的情感，将所领会到的情感与柳琴演奏技巧充分地融合。只有在柳琴演奏过程中将音乐情感与柳琴演奏技巧合理地融合，才能够提升柳琴演奏的艺术表现力，才能够完美地诠释出柳琴的艺术魅力，为观众带来一场视听盛宴。因此，柳琴演奏者应提升对柳琴演奏过程中音乐情感的重视，在不断训练提升其演奏技巧的同时，恰当地融入音乐情感。

【关键词】音乐情感;柳琴演奏;影响

引言

音乐情感对于柳琴演奏的艺术效果有着重要的影响，在柳琴演奏的过程中，将音乐情感融入到音乐作品演奏的过程中，能够使柳琴演奏具有灵魂，提升柳琴演奏的艺术效果，同时还能够提升音乐演奏的艺术感染力，因此，柳琴演奏者在反复训练演奏技巧之外，应对音乐作品的历史背景、创作背景、作者创作时的心境等进行充分的分析和了解，以深刻地领会作品中所蕴含的情感，并能够恰如其分地将这种情感融入到柳琴演奏当中，从而将音乐作品的真正内涵淋漓尽致地展现出来，引起观众的共鸣。本文阐述了音乐感情对于柳琴演奏的重要性，并分析了柳琴演奏過程中的情感表现方法。

一、音乐情感对柳琴演奏的重要性

实际上，音乐是一种情感艺术，人们常常用语言来表达内心的情感，用音乐的形式来寄托内心的情感，而音乐的演奏则是实现了对人们情感的传达。对于柳琴演奏来说同样如此，娴熟的演奏技巧能够使柳琴演奏变得精妙绝伦，情感的融入则会使柳琴演奏具有生命力，因此，演奏技巧与音乐情感对于柳琴演奏效果来说都是至关重要的，只拥有娴熟的演奏技巧的柳琴演奏者所弹奏出的音乐旋律十分刻板，难以将音乐作品的艺术效果展现出来，并且也不会感染到观众，更无法引起观众的情感共鸣，同时也不能够真正地诠释出音乐作品的内涵。而柳琴演奏在有了音乐情感的知支持后，能够在很大程度上提升柳琴音乐作品的艺术表现力，并能够褪去了柳琴演奏技巧的机械性，使柳琴演奏的艺术效果在技巧与情感的融合中得到升华，同时还能够将音乐作品的真正内涵呈现给观众，使观众能够更好地理解音乐作品，与演奏者之间产生共鸣。由此可见，音乐情感对于柳琴演奏的整体效果有着重大的影响，无论是对于音乐作品的呈现还是对于柳琴演奏者来说都有着巨大的价值。

二、柳琴演奏当中情感表现的方法

（一）扎实演奏技巧

柳琴演奏作为一种音乐的演奏形式，需要演奏者有扎实的演奏技巧，才能完全表达出音乐的内在情感。演奏者需要进行多次反复的练习，提高对乐谱的熟悉程度，深入学习演奏技巧，才能不断提高柳琴演奏的水平。在演奏过程中强调演奏者充分融入于音乐情感氛围当中，才能完全地表达出音乐的内涵。要学会用扎实的演奏技巧来正确表达情感，如果演奏技巧达不到理想效果，就会影响整体作品的音韵和情感，由此可知，扎实的演奏技巧在柳琴演奏过程中是非常重要的，能够带领听众走入音乐氛围并沉浸其中，与演奏者共同领略音乐语言。柳琴演奏在音乐领域有着非常重要的地位，它是我国传统文化的延伸，能够让人们更加了解中国音乐文化的魅力。现代柳琴演奏者更加注重创新与结合，不断丰富柳琴演奏形式，通过演奏技巧来完善音乐作品，让观众更容易接收到所要表达的音乐情感。柳琴的演奏技巧众多，且种类复杂，下面将重点介绍一些演奏技巧：首先，要通过右手的“弹”和“挑”来拨动琴弦，这是柳琴演奏中最基础的演奏技巧，柳琴的正确发音就是通过这两种方法实现的，“弹”和“挑”的技巧影响着柳琴演奏的音质和音色，决定着音乐的表现力，是最能够体现演奏者水平的要素;第二种演奏技巧是扫拂技法。这种方法在柳琴演奏当中的使用次数较多，能够很好地提升演奏表现力，让人们更加融入于柳琴演奏当中，它可以使原本抽象的音乐内容变得立体，让人们更加直观地感受到音乐情感，扫拂技法可以使音乐带有张力，丰富了音乐形象，让柳琴演奏更具情感色彩;最后要介绍的是揉弦技法。揉弦技法的最大作用是用来装饰音乐内容，通过控制频率来把控整体音乐节奏，为了有效提高频率控制水平，还要充分理解音乐内容，更加细腻地了解音乐的情感，让听众更容易产生共鸣感。

（二）提高音乐素养

柳琴演奏者的音乐素养决定着演奏中情感表达的效果，是影响演奏水平的重要因素。因此，柳琴演奏者应该不断提高思想认识，加强基本功的练习，增强专业素养，充分意识到个人音乐素养在柳琴演奏当中的重要性，使自身的表演能够成为不可代替的部分，成为柳琴演奏中不可或缺的人才。为了有效提高演奏者的音乐素养，要不断加强阅读，丰富自己的知识储备量，形成正确的阅读习惯，养成系统的思维模式，从而更好地理解书面知识，提升音乐理解能力，了解与音乐形式有关的艺术理论和音乐作品，再通过深入研究与分析正确解读音乐作品背后的情感表达。通过不断的积累，可以将自己掌握的文化知识运用在柳琴演奏当中，从而提升演奏的情感表达，使音乐变得更加丰富多彩。另外，演奏者要注意柳琴艺术与其他音乐艺术间的联系，积极探索不同音乐领域之间的共同点，通过不同种类风格的碰撞丰富柳琴演奏形式，从有关的艺术形式当中汲取柳琴文化知识，获得更多的情感力量，融入到自身的柳琴演奏当中，演奏者也能从更多角度了解音乐情感的真实内容，有利于在实际演奏中淋漓尽致地展现出作品的情感。

（三）融入表演动作

要想更好地发挥柳琴表演的情感，演奏者应该集中提炼音乐中的情感内容，再利用表演动作和音响的传递营造音乐氛围，使观众的眼睛和耳朵完全集中于舞台之上、观众的情感融入于音乐当中，从而产生情感共鸣。演奏者需要意识到，表演动作是为了更好地表达音乐情感，因此，也要提高动作表演的重视程度。而在实际进行动作表演时，演奏者也要掌握一定的方式方法才能把控舞台效果，同时也要结合作品情感表达的需求，使动作表演与情感表达能够完美融合。例如，在柳琴演奏过程中，上提法和下落法是两种最普遍的动作表演行为，其中上提法适用于慢速演奏或者抒情曲目的演奏，而下落法主要用来强调特殊音调，是慢速弹奏的基础，通过表演动作可以更加丰富音乐作品的情感世界。

三、结束语

据上文所述，柳琴演奏中的音乐情感表现的三要素是演奏技巧、音乐素养及表演动作，对于柳琴演奏中的情感表达有着重要的作用，只有将这几个方面进行有效整合，不断提升各要素的表现力，才能够满足柳琴演奏对于音乐情感表现的要求。为此，柳琴演奏者应充分地认识到情感表达对于柳琴演奏的重要性，深刻分析情感表达对于柳琴演奏的重要影響，才能在此基础之上提升自身的演奏技巧与个人音乐素养。

参考文献

[1]王茵.音乐情感对柳琴演奏的重要性分析[J].黄河之声，2017（22）：139-141.

[2]殷增琴.论音乐情感线对柳琴演奏的重要性[J].戏剧丛刊，2014（5）：67-68.

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[6]宋楠.论柳琴演奏中的情感表现[J].陕西教育（高教），2015（14）：87-89.

[7]伊晓雨.探析柳琴协奏曲《Cat’s无言歌》[J].北方音乐，2018，38（23）：30-31.

作者简介：朝落蒙格日乐（1991—），女，蒙族，内蒙古，本科，乐团演奏员，国家三级演奏员。

作者：朝落蒙格日乐