写实艺术的写实

写实艺术的写实（精选十篇）

写实艺术的写实 篇1

“写实”作为一种艺术方法, 主要是指真实地描绘与再现事物对象。“艺术是用形象来反映现实, 但是比现实更有典型性的社会意识形态;包括文学, 绘画, 雕塑, 音乐, 戏剧, 建筑等。写实艺术大概经历了这样一个阶段:在文艺复兴时期就拥有了写实艺术。十五世纪, 意大利画家达芬奇的作品《最后的晚餐》以传统的圣经为题材, 画面通过耶稣与犹太人的冲突反映出人类的正义与邪恶之间的冲突;十六世纪, 夏塞里奥的作品《阿波罗与达芙妮》以幻想性的神话为题材, 这幅作品既有诗情又有文学的味道, 也有优美高雅的格调;17、18世纪德拉可洛瓦的作品《自由引导着人民》以革命内容为题材表现在法国战争时期, 人民不畏艰险, 热爱生活, 体现出为自由而奋斗的革命精神;19世纪, 法国画家米勒的作品《拾穗者》以农民生活为题材, 表现农村生活的艰苦, 农民勤劳朴实的形象;库尔贝的《风暴来临的海洋》以风景为题材, 带有浓厚的政治倾向。这些不同时期, 不同题材, 不同画家都是以写实艺术方法来抒发他们内心的情感。

那么情感是指什么呢?所谓情感是指人们受到外界刺激所产生的心理反映。比如:愤怒、悲伤、恐惧、爱慕、厌恶等等。也就是说人的喜怒哀乐等情感。情感一经产生, 便“扩散于整个的有机体, 在心脏、血管及其他重要器官的工作中留下痕迹。内脏器官都自动地参与情绪的兴奋, 不以人的意志为转移。”[1] 情感是不自觉的。情感来自对现实生活的体验并不完全为“主观”所主宰, 单凭生理情感是无法画出深刻的动人心弦的作品, 尽管情感始终是创作的动力;也只有经过理智引导和净化的情感才有画入作品的价值—这种情感为“艺术情感”。艺术情感的核心是评价情感, 是画家对客观事物“体验”即认识程度的最高水平。这样, 从生活情感到艺术情感, 再到评价情感, 便是一个情感不断深入而得到升华的过程。在写实绘画中情感表现在哪些方面呢?比如:米勒是法国19世纪的一个写实主义画家。米勒追求深沉质朴的农村风俗画, 他对农民的生活有着真挚和崇敬的情感。在《拾穗者》中, 农妇弯腰拾穗的劳动场面引起作者的情感冲动。虽然这幅画描绘的是夏天一个及其平凡的劳动场面, 但是作者把美丽富饶的农村自然景色放在后面, 把拾穗粒的三个农妇放在前面。突出了农妇劳动的场面, 同时画中反映出画家对劳动人民的同情之情。农民无法改变命运。虽然辛苦的劳动, 但是生活一样艰苦, 对政治风波无能为力, 只能观望。虽然是普通的劳动场面, 作品因米勒真实的表现而显得伟大, 因为他的情感产生于真实的生活, 不是谎言, 画中蕴藏着米勒深沉的情感, 体现米勒热爱人民, 关心社会底层劳动人民的伟大情感。画家情感的不断深入而使画中的意义得到升华。

写实艺术是需要情感的, 绘画是一种情感的发泄也是画家向人们展示他们的内心世界的表达方式。每个人都有特殊的情感表现, 也是内在的精神表现。其次他们用写实的手段来表现自己对世界的关注, 抒发心中要表现的情感。他们面对现实世界有着强烈的表现欲望以及追求真实和尽善尽美的艺术境界。情感是写实艺术的基础, 写实又是使情感有了艺术的成分, 情感让画面变得更深邃有意境, 写实艺术使情感的意义更升华。画中有情, 情中有画。就像红花离不开绿叶, 绿叶衬托红花, 二者的关系是密不可分的。例如:19世纪, 达维特的《荷拉斯三个兄弟的誓言》, 画家再现的不是战争的场面, 而是三兄弟向他们父亲宣誓要为祖国献身的情节。男主角的斗争与姐妹们的哭泣, 形成刚与柔的对比, 三角构图, 寓动于静的造型增添了画面的紧张感。作品反映出坚韧的美德与崇高的牺牲精神, 受到革命者狂风暴雨般的喝彩。真切浓烈的绘画激情是这幅作品的灵魂与生命, 只有艺术与情感的完美统一, 才能创造出至深至美的艺术境界。他的另一幅作品《马拉之死》真实地再现了雅各宾党派领袖马拉被谋杀的情形。作者用一幅极端冷静的手段传达一种极端的激愤之情。被刺马拉垂死在浴缸中单纯的可怕, 冷静的可怕。作者通过这一幅画唤起对宗教殉难者的联想方式, 强化了一种崇高感。写实艺术情感在作者的体验中孕育, 在绘画中发展, 并通过绘画的语言及全身心在艺术中宣泄, 是艺术与情感的高度融合。作品中的造型, 笔触, 节奏及丰富的色彩无不触动画家的神经、细胞及身心肌肉。作品随着画家的意念在生命中运转, 情感与写实艺术的内在生命融为一体, 随着画面的起伏而起伏, 随着画面的张弛而张弛, 随着画面的延伸而延伸, 随着画面的震荡而震荡, 其迸发的情感具有写实艺术的真切, 色彩流动、节奏韵律及艺术内在生命的一切对比特点。画家有了对艺术的深切体验, 唤起了绘画的激情, 才能很好的表达作品。可见, 情感与写实艺术二者互相影响, 相辅相成。

同时在写实艺术中也是需要情感的。不同国家, 不同性格、风格的艺术家总会有这样或那样的情感融入作品中。例如:米勒是法国19世纪一个农民画家, 深沉性格夹杂着农民质朴气息。在他的作品《晚钟》里, 米勒绘画这样的情景:暮色之中, 一对农民夫妇停下手中的工作, 虔诚祈祷, 辽阔的草原延伸到天际, 袅袅青烟悄然散开, 钟声悠然飘荡, 一切都沉浸在安详中, 时间仿佛停止了流动, 大自然也仿佛正在溶化渐深的夜色中, 米勒用蒙胧的色调使画面充满了宁静肃穆的气氛, 观众能体会到期间蕴藏着画家深沉的感情暖流。米勒描绘的农民是勤劳淳朴的同时也是顺从、忍受和安于天命的, 这和米勒浓厚的宗教思想有关, 同时米勒大胆表达对土地和农民的深情, 给画坛吹进一股清新淳朴的空气, 带给劳动人民形象在艺术上的重要地位, 这便是米勒绘画中别人所不具备的社会价值。另一位现实主义画家怀斯, 他从小随父亲学画, 主要学习水彩, 后来尝试干笔画和蛋胶粉画, 其作品色彩柔和细腻, 刻画深入而洗练, 具有油画的厚重感。在他作品中可以看出怀旧和伤感的情感。《克丽斯蒂娜的世界》画面空寂的气氛, 带有很强的主观因素, 体现出显著的怀旧和伤感的情调。他一生只画故乡的两个村庄, 而且是两个不大的村庄, 画邻居、房子、道路、鸟、树木和草, 仅此而已。他一生着迷的就是这两个世界, 想穷尽它无尽的秘密。他的情感、好奇、热爱、包括憎恶, 也都在这里了, 艺术家把目光仅仅投射到方圆几公里或几十公里的区域, 因为他熟悉这里, 对这里的一切都怀有无比的深情。在他作品中不仅不显得局促和偏激, 反而因此有了深度和强度。他抓住了自己的感受和见解, 也抓住了自己的认识, 更表达了他内心的情感, 这就是他的独到之处。怀斯的艺术得到美国人民心灵的共鸣, 也受到了全世界的关注, 他对生活的体验, 敏锐的感觉以及渗透他所有作品的深刻的哲学思考, 对大自然永恒的讴歌, 都在他的作品中得以呈现。我们可以从以上举例中看出, 他们的作品通过不同的背景, 不同的风格传达着不同的情感。一个是真挚的朴实的情感, 一个是怀旧的感伤的情调。虽然两个人不一样的情感。但都说明了写实艺术需要情感这个问题。然而从古至今写实主义的画家又何止千万呢?

写实的雕塑作品同样也有作者的情感表达方式。例如:罗丹的雕塑。罗丹不是一个充满活力、乐观的雕塑家, 他的意识里充满阴暗迷离带有悲剧性的色彩。他表现人苦恼灰色的精神世界, 表现人心灵痛苦的挣扎和矛盾状态, 给人以震撼的力量。罗丹借助《地狱之门》来表现人类的苦难。门的上端是亚当的象征形象, 罗丹通过把他造型为倾斜和摇摇欲倒的体态, 来揭示人类充满苦恼和矛盾的心理状态。下面的思想者形象, 代表着最不幸的罪人和最不幸的裁判者。《思想者》全身肌肉抽搐, 好像正处在阴郁充满矛盾的苦苦思索之中。在他的姿态和表情中, 那种为难苦恼的心理被刻画得毫发毕露, 这个思想者也反映了罗丹自己的思想感情, 作为一个雕塑艺术家, 一定意义上也是一位思想者。在门的横额下面, 地域的门被分为两边, 一边是依恋拥抱, 接吻的恋人他们想双双投入地狱, 这些接吻者的爱恋和热情是罗丹极力表现的, 被认为反映了作者美好的人类理想, 门的另一边是想吃人肉却被活活饿死的饿鬼, 表明艺术家对邪恶和暴力的无情诅咒和愤怒。罗丹在《地狱之门》里反映了当时法国社会的悲剧。罗丹对雕塑的贡献还在于他以一批无头、少臂、断腿的人体躯干像证实雕塑语言的宽广性, 可以说是对残缺美的一种深入探究的结果。这些肢体残缺的精灵产生于那些优美甜蜜的人体雕像之间, 残缺似乎不妨碍人体的运动。更能显示出生命的活力。残缺也不影响作品的完美, 甚至能增加作品的完美。《运动躯体》, 《飞翔的人体》, 《行走的人》等以前所未有的粗野形态展示着一种奇异的生命力和美感。罗丹的雕塑赋予形象以真实的生命力, 他为艺术贡献一生, 他内心的情感世界是细腻丰富的, 罗丹通过他的雕塑来表现他的情感。至今, 我们触摸他的作品感觉是如此真实, 甚至觉得是温暖的。罗丹说过, “没有生命就没有艺术。雕塑家要表现快乐, 苦痛的某种狂热, 如果不首先使他所表现的人物栩栩如生, 那就不可能感动我们, 因为一个没有生命的物体……一块石头的快乐与悲哀, 对我们是毫不相干的。”可见, 写实雕塑艺术也需要情感。

以上所说的都是西方写实艺术需要情感的问题。现在我要介绍中国的写实艺术, 他们同样需要情感。陈丹青是“十年动乱”之后最早享誉国内美术界的青年画家, 他在“文革”末期创作的表现西藏题材的力作《西藏组画》中, 以一种深沉、浑厚的笔调, 塑造了一个古朴而坚实的藏族人的形象, 每个形象都具有纪念碑般的分量和气势。他表现的是极富民族性和地方性的题材。他凭着自己的感觉, 根据对生活的细心观察画出七幅小画一经展出, 便产生极大的反响并成为中国历史上里程碑式的作品。单从画面上看, 《西藏组画》确实是对现实的直观表现, 但在这现实之中却有震撼人心的力量, 因为他向我们展示了从来不可能在艺术表现上的真实。那些粗犷沉默的康巴汉子取代了豪情满怀的工人和农民, 贫穷而表情木讷的喂奶农妇也不是在很多美术作品中常见的那种翻身农奴的形象, 尤其使人怦然心动的是那个朝圣的场面, 虔诚的人们全身匍匐在地上, 沉浸在宗教的迷恋中……对很多人来说, 陈丹青的这种表现手法是不可思议的, 艺术应该源于生活, 高于生活, 向人们展示生活中美好的一面, 怎么能这样来表现生活的沉重、阴暗与迷信。陈丹青认为他只是画了他所见到的真实。一件作品在特定的历史语言中产生效力, 并不依赖艺术家本人的意志为转移。人们正是从这作品中看到了贫穷与愚昧, 而又有一种坚忍不拔的精神蕴藏在其中。《西藏组画》在题材上有着更多的启发, 他使人们从政治斗争的疲惫中看到了纯粹的人性, 看到了人与自然的融合, 也看到了比政治精神更为强大和更震撼的宗教精神;而这些正是几十年来被政治运动弄得麻木不仁的中国人从来没有意识到的。陈丹青对宗教情绪的关心, 对自己心灵深处的波澜, 通过绘画语言表现在作品中。这些组画完全出自内心的需要, 所表达的情感是深远的。《西藏组画》常带有中国本土的色彩, 从作品中可以感受到历史的气氛, 乡土的环境和画家个人情感的流露。

如果写实艺术没有情感, 会怎么样呢?那就和无本之木一样, 失去了生命的意义。就拿我们身边的事情来讲吧。在美术院校的时候我们所学的都是石膏, 强调的是三大面、五大调训练。长此以来, 我们的绘画激情被这些给淹没了, 甚至对绘画产生厌烦的心理。在学校里, 老师所强调线条的运用对我们学生来说已经达到了形体的准确表现。人物刻画手笔细腻, 在技巧上是达到一个很高的境界。即使我们画的再像, 也只是临摹, 属于习作。因为我们脱离了生活, 得不到创作灵感和源泉, 以至于后来的我们不得不极力追求人物形象的完美而掩饰其创作力的枯竭。没有感情的作品就像一个人失去了灵魂一样, 完全没有喜怒哀乐, 从而失去了人生的乐趣, 变得索然无味了。社会生活就是我们最好的调色板, 我们要深入生活, 体验生活, 既要继承传统文化的优点又要对新鲜的事物敏感, 我们的作品才会有内容有生气, 不会单调枯燥以致于黯然失色。

总之, 一个写实主义艺术家, 情感在他的生活中的分量以及它的决定意义有多大, 观众很容易就弄明白, 画里的节奏、气氛, 一切方面的严肃和夸张, 都必须是内在的, 既有内在的根据, 也有内在的理由。既然有艺术, 就必须有情感, 我们只是强调任何情感都必须建立在强大的社会生活之中。比如说, 你突然心血来潮, 想画一种能表现出庄严肃穆, 惊心动魄的画面;而你自己又没有真正的生活体验, 画出来的作品是虚假的, 没有真正情感流露的作品。毫无疑问, 情感是艺术的根本, 是艺术的真理, 人是有情感的。情感虽然不是艺术, 但艺术必须有情感。无论怎样发展, 艺术总像一面镜子, 能够直接反映出作者的内心世界, 情感是艺术所赖以生存与发展的动力。

写实艺术发源于西方, 在中国也蓬勃发展, 相当多的画家画写实油画是有文化原因的, 自古以来, 中国五千年的文化使人们形成了一种审美的倾向。写实艺术易于被广大观众接受和喜爱, 观众与写实艺术作品之间的交流, 更能产生共鸣, 从而打动人们的心灵。就拿画莲花来说吧, 在我看来, 莲花有什么好看的, 可是很多人都喜欢看, 那是因为在中国, 观音是坐在莲花座的上面, 赋予莲花一定的宗教意义, 文人笔墨让它变得圣洁, 莲花就成了一种文化符号。或者拿竹子来说, 中国有很多人就喜欢它。那是因为文人在诗词里赞颂竹子, 用它比喻人的气节清高。还有很多物体都被人赋予一定意义, 变成一种文化符号。人们接受文化的熏陶, 文化影响着人们的审美观念。从一定意义上说, 也是人们的情感流露。情感是审美的核心, 写实艺术需要情感, 情感又使写实艺术得到升华。中国是一个有五千年文化传统的社会, 按照中国大部分人的审美习惯写实艺术就占有重要的社会地位, 写实艺术中的情感更能满足人们的审美需要。我们不仅要继承中国的传统文化, 同时也要吸收西方的优秀文化, 还要积极参与世界性的艺术文化交流, 写实艺术才会具有更深厚的文化底蕴, 丰富的情感也增加了写实艺术的表现力量。

摘要：写实艺术作品与画家的内心情感关系, 写实的含义, 情感的含义;写实艺术需要情感, 情感深化写实艺术, 深入二者的关系, 画中有情, 情中有画。西方不同时期的作品不同地点的作品说明同一个问题——写实艺术需要情感, 完全出自内心的需要所表达的情感是深远的。反论没有情感写实艺术会如何?总结写实艺术的情感, 发表对写实艺术情感的一些见解。

关键词：写实艺术,情感

参考文献

作文教学的写实与虚构 篇2

应该说，旨在提高学生写作能力的任何尝试，都是有益的，都有助于研究探讨学生作文的一般过程和规律。但也毋需讳言，并不是任何一种做法，都尽善尽美。就不同的观点，展开讨论，进行研究，这对逐步认识学生作文的“必然王国”，有效地提高学生的写作能力，无疑是有意义的。

基于这种认识，本文就学生作文能否虚构，谈几点浅见。

学生作文，一般地说，要把写实作为训练的重点。在写实的训练中，扎扎实实培养学生运用语言的基本能力。而不能如作家一样着力与虚构。

虚构，是文学创作中，为概括地表现生活，塑造形象，突出主题所用的一种艺术手法，即作家用想象和综合的手法，对生活素材进行选择、集中、提炼的艺术加工。作家进行这种创作上的艺术虚构，既要有忠实于生活的深刻认识，又要有高于生活的正确概括，没有敏锐的思想，练达的阅历，广博的知识，熟练驾驭语言的能力，是难以完成这种创造性的劳动的。

学生的思想认识、生活阅历、文化知识、语言技巧都有一定的局限，如果按照作家艺术加工的路数，要求学生进行虚构，显然超越了他们的能力。能力不及，学生不宜强调虚构。而更重要的是，学生作文训练的目的不需要把虚构作为重点。根据当前的教学实际，学生作文应该做到：能够写人、叙事，所见所闻所感，能用准确的语言完整清晰地表达出来，并做到中心明确、层次清楚。这就需要引导学生细致观察生活，按照事物的本来面貌如实反映，切切实实提高学生运用语言的能力。如果不按照学生作文训练的特点确定训练的步骤和方法是难以提高学生的写作能力的。

那么，是否可以把虚构视为学生作文的禁区呢?这种绝对化的认识也是片面的。

启发学生运用想象和联想进行虚构，把文章写得有感情有文采，不仅允许，而且必要。经验证明，在作文教学中，恰当运用想象进行虚构，培养学生的想象力，不仅能够活跃思路，提高学生的写作能力，对于发展学生的智力也有重要意义。想象可以促进形象思维，在想象的过程中，必须细致观察、潜心分析、综合概括、判断推理。这一系列的活动，对逻辑思维能力的发展，也具有不可低估的作用。正如科学家爱因斯坦所说：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步。”

记叙真人真事的作文，也不必要求绝对的“真”，百分之百的“实”。可以允许学生进行适当的提炼和概括。只要是在学生力所能及的范围之内，带有虚构成分的练习可以使作文主题更突出，形象更鲜明。而这对于锻炼学生的思维能力也大有裨益。

既要把写实作为重点，又不排斥虚构想象的练习，那么，将如何处理好二者的关系呢?

在教学过程中，要注意以下几个原则：

1.写实与虚构的练习要有恰当的比例。学生作文要以写实为主。无论大作文，小作文，也无论课内练笔和课外练笔，都要把写实作为重点。在确定以写实训练为主的前提下，也要安排一定比例的虚构想象训练。在教学实践中，要防止两种倾向。一方面，不要无视学生作文教学的目的，不顾学生的实际写作能力，过多的进行想象虚构的训练;另一方面，也不要忽视想象的作用，禁止虚构，而影响学生智力的充分发展。写实和虚构，要按照一个恰当的比例结合起来。

2.虚构和想象的训练，要有一个科学的程序。人的认识，首先是对现实的感知;人的想象，则是在现实事物的作用下，对记忆的表象进行加工改造而形成的新形象。没有现实材料的储备，想象就不能产生;反之，现实材料感知越多，想象才愈加鲜明。这就要求作文训练，先写实，继而虚构，想象。

当然，训练程序的阶段，并不是一道截然分开、不可逾越的沟坎，在实践中，往往根据需要，将写实和虚构交错进行。虚中有实，实中有虚，虚实结合，以收的相得益彰的效果。

写实与虚构，是学生作文训练的两项内容，他们有对立的一面，也有统一的一面。在分清主次的前提下，教师应善于把握写实和虚构的内在联系，把他们统一在作文教学计划之中，使写实和虚构相辅相成，互为促进，提高学生的写作能力。

“写实”是艺术还是照片? 篇3

——刘太乃

今年春拍已经收官，上拍数量和成交额明显缩水，低潮已是不争的事实，偶有出彩的拍品，也难掩整体颓势，人气、媒体报道、评论争议也明显不如往昔，与前两年相比似乎过于冷清了。

不过作为今年各大拍卖行力推的写实油画板块一如既往地稳健，虽然没有令人惊艳的结果，但是成绩单还是不负众望，杨飞云、王沂东、陈逸飞等一批写实派大将都有高价作品成交，相对比较稳定。

尤其是在北京保利春拍上，杨飞云《静物前的姑娘》以3450万成交，王沂东的《盛装的维吾尔族姑娘》以1495万元成交，据传被收入山东藏家杜双华囊中。中国嘉德春拍，王沂东早期作品《回娘家》以782万元成交，陈衍宁《西窗声动》以586.5万元成交，杨飞云《赞美之声》以460万元成交。艺融拍卖中，陈逸飞《聚焦》以690万元成交，徐芒耀《雕塑工作室系列之二——开模》以609.5万元成交，打破了艺术家个人作品拍卖成交纪录，郭润文代表作品《梦归故里》以575万元成交，朝戈巨幅画作《东方》以506万元成交。北京匡时春拍中，陈逸飞《音乐家系列：吹竖笛的女子》成交价为747.5万元。

今年写实油画的稳健与各拍卖行把这个板块作为重点推出脱不了关系，升温、回归、扎实、稳健在拍卖前就成了市场行情预测的关键词，并在结束后得到证实，不出大多数人的预料和期望。除了写实语言本身的亲和力和生命力，画面唯美、欣赏门槛低、伪作少也是众人热衷追捧的重要因素，翰海拍卖油画部的柴宁认为，“一线艺术家的作品产量少，市场流通的数量也少，加之有比较固定的收藏群体，必然导致这一板块的稳定” 。

目前中国本土藏家初步建立起了自己的收藏体系，话语权慢慢回归，写实油画有稳定的收藏群体。然而，新藏家尤其是年轻一代藏家的进入却引起部分人的质疑：这是否引起审美诉求发生变化从而导致收藏方向的颓变？

是艺术还是简单的复制？

中央美术学院教授钟涵提到写实油画创作存在的问题：“以技术精到遮蔽精神性的苍白。以风格上的表面模仿代替个性的创造。一招鲜的老面孔之反复出现透露出安于停滞的态度。用矫揉造作的描写怀恋陈旧的富态闺惰生活。”时至今日，这样的问题依然没有改观，而造成这种局面的原因，钟涵认为是部分画家在商业利益驱动下迎合受众口味，尤其是有购买力而文化贫弱之辈的口味，“油画有作为装饰和身份摆谱的用处，又好像有某种‘高贵’价值，于是庸俗趣味在此滋生。社会上缺乏有效的人文机制的力量予以制约，虽然私下议论痛感其害，却在公开场合心照不宣，难以听到有效的质疑声音”。

随着财富阶层的日渐精英化，买家审美品位的提高定然会从根源上消减庸俗化，但是这需要一个比较长的过程，而人文机制的规约却并不好构建，目前的批评仍然是被利益绑架的，而且中国传统文化中的道德规范和文化品格不利于批评的规范化。投资者在选择投资对象的时候一定要注意自己品位的培养，不盲目跟风，不轻信褒贬。

目前，对于写实油画的创作方法也存在一些争议，画家直接画照片，或者通过扫描设备协助创作，有些人认为这样会削减作品的绘画性和收藏价值，唐炬就是其中之一：“照相、扫描制作出来的所谓作品不会入我眼。”而有些持相反看法，比如台湾收藏家刘太乃认为画照片和扫描只是艺术家创作的一种技法，并不会消减作品的绘画性，关键是看作品的情感部分，能否动之以情。

2009年，燕娅娅因涉嫌抄袭摄影作品被告上法庭；去年曾梵志的《雪豹》被指抄袭摄影作品而惹争议，人们在围观的时候也在思考摄影与绘画的区别、挪用与抄袭的界限问题，然而在艺术史上的挪用使得这一行为变得合理。退一步想，创作的素材和描绘的对象来源于生活和自然，画照片与写生有什么本质区别吗？结果都是经过艺术家再创作的主观产物罢了，是不是优秀的作品还是要看画家创作的激情和作品蕴含的精神性。

选择投资还是投机？

艺术品收藏是种长期的投资，收藏乐趣和投资收益并不矛盾，真正的藏家追求的是艺术品带来的怡情，渔利只是附属，刘太乃一语中的：“这是艺术，谈钱俗了。”

而投资者无非就是渔利先于怡情，但不会完全忽视艺术价值。虽然在艺术市场这口大锅里抢饭吃，投资者带来的资本拉动了市场需求，耳濡目染之下市场也会把投资者培养成收藏家，但无奈其中夹带着不少投机分子，给艺术市场带来不确定因素。在投机者眼里，只考虑升值问题，而不是以自己的喜好作为选择艺术品的标准，大有“这是投资，谈艺术傻了”之态。

市场专家们频频建议投资者在追求投资价值时不要忽略了艺术价值，刘太乃认为：“艺术品是可以隔代继承的，是可以交给下一代的，海外的藏家与中国的藏家最大的不同就在于此。在中国，一个人买一件艺术品花10万，短时间后转手卖30万，这就被认为是成功的案例，但其实这种现象显然是不健康的，频繁地买和卖，投资与投机心理会导致艺术家作品的重复性，从而稀释作品的价值。如果抱着投资的心态购买中国艺术品，在未来的几年可能会比较失望，赔钱的可能会比较大。在中国的投资氛围下，创高价是不奇怪的，买进高，卖出也高。就长期持有藏品的收藏家来说，不会选择太贵的艺术品，因为太贵的作品风险比较高，只有投机型的才会选择高价作品，因为买卖频繁。”

由于学术地位、艺术价值和市场表现被认可，当下的名家力作被有经济实力的投资者热捧，有些投资者认为应该投资那些价位相对较低的成长中的画家的最重要的作品，等其市场成熟起来以后，收益会更加丰厚。但是这就涉及一个问题，选择哪些画家的投资价值比较大、风险比较小呢？毕竟不知道自己选择的艺术家是否具有潜力和生命力，尤其是写实类画家大多数没有画廊代理，作品分散，不好把画廊当做一个风向标和参照物。在这样的情况下，笔者倒认为可以通过学术机构和大型展览寻觅那些有才气、有想法、有志于艺术的潜力股，多圈定几个，进行长期投资，总会有几个艺术家能经得住时间和市场的考验，即使赌输了，由于买进的价格便宜，也不会亏。

写实艺术的写实 篇4

朝鲜美术史可追溯到朝鲜半岛的新石器时代。《中国大百科全书》和《世界美术史》 (东方卷) 中对朝鲜美术的介绍仅限于高句丽时期和新罗时期, 而对战后的朝鲜美术, 不论是文字还是作品介绍得都很少。虽然笔者是学美术的, 对外国各时期的油画作品有一定的了解, 但朝鲜美术作品在我脑海里的印象只有油画《普天堡的火炬》、《早晨的千里马铜像》 (李相文作) 、《金刚山》 (郑永万作) , 对近现代的朝鲜美术, 尤其是油画作品知之甚少。

一日, 我参观了朝鲜题材作家吕明辉先生创办的“阿里郎朝鲜美术品展览馆”, 其中展出的现代朝鲜油画原作彻底颠覆了我以往对朝鲜美术的印象。

2. 贤哲 (一级画家) ，油画，81cm×124cm

“阿里郎朝鲜美术品展览馆”位于吉林省通化市关东文化产品交易市场A区二楼, 在这间200平方米馆内展出的朝鲜油画都是吕明辉先生亲自在朝鲜选购的。做为作家的吕明辉先生从2001年开始涉猎朝鲜题材写作, 15年间先后30余次访问平壤, 写作出版了《金日成与张蔚华》、《朝鲜纪行》、《金正日时代》、《朝鲜支援中国东北解放战争纪实》等多部专著。在平壤采访和考察之余, 吕明辉先生参观了平壤各大美术创作社, 精挑细选了朝鲜美术名家的名品佳作, 原本只是为了欣赏和收藏, 为了让更多中国人了解朝鲜的美术, 退休之后他创办了“阿里郎朝鲜美术品展览馆”。

明辉先生对朝鲜油画有精准的评价——“唯美、写实”。我非常赞同他的评价。这四个字是朝鲜油画的存在价值、欣赏价值、审美价值、时代价值、收藏和保存等若干价值并存的基本理由。

1. 金光成 (一级画家) ，油画，117cm×90cm

“唯美”是指朝鲜油画创作题材的撷取。朝鲜油画的题材绝对没有西方美术那些现代派的变态、抽象和虚无等丑陋画面, 全部都是美好的画面, 给人以“美”的享受和强烈的视觉冲击力。“写实”是指朝鲜油画的创作手法, 如实反映生活中的生活画面, 给人以真实可信的感觉, 仿佛这幅美术作品的画面我们曾经见过。

西方美术界认为, 传统油画这种比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到了自身体系的高度饱和, 因而在哲学观念、美学观念和艺术观念的变革正趋于解体。但从另一个角度看, 朝鲜油画以其自身独特的美学价值、欣赏价值和纯艺术的价值, 仍在保留着传统写实油画的一方净土, 而且是没有受到太多外来因素侵袭的净土, 这是非常难能可贵的。

2. 李善学 (一级画家) ，油画，81cm×160cm

说到朝鲜油画, 不能不提欧洲古典油画和俄罗斯油画。欧洲古典油画受文艺复兴运动影响, 不仅注重作品要描述某一事件或事实, 还要揭示出事件或事实的前因后果, 于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法, 连写实的风景油画也不同程度地受到了这种思想的影响。俄罗斯油画既受欧洲油画的影响, 又带有本民族强烈的油画独特的艺术语言, 其中的“巡回画派”和“十二月党人”的文艺思想对油画的影响非常巨大。欧洲古典油画和俄罗斯油画, 尤其是风景油画, 既体现了扎实的写实功力, 又带有强烈的人文色彩和思想倾向。而朝鲜的油画, 非自然、非风景、非写实的因素很少, 甚至不存在。朝鲜油画很好地继承了欧洲古典油画, 尤其是俄罗斯油画的写实风格。在透视学、画面的明暗分布, 特别是在焦点透视使画面通过构图形成幻觉的深度空间;画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同;在明暗中使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下, 形成由近及远的清晰层次等方面都进行了很好的继承。

1. 金哲 (功勋画家) ，油画，96cm×160cm

朝鲜油画克服了欧洲古典油画浓郁的宫廷风格、俄罗斯油画低沉的调子和画面沉重的某些方面, 进而强化了色彩明亮、风格阳光、构图严谨、造型准确和笔法细腻的特点, 即使是描绘黄昏和夜晚的风景, 画家通过月光和晚霞的巧妙处理也让画面罩上了一层既朦胧又明亮的诗意美感。

朝鲜油画家观察自然风光的敏锐, 表现山川河流、海浪岩石的一丝不苟的严谨艺术态度令我们佩服;他们对细节的把握、刻画和对不同对象使用不同表现手法和不同绘画语言的能力同样令我们佩服。许多风景油画带有俄罗斯画家列维坦的味道, 而表现海浪和礁石的油画则有中国油画大师高泉的感觉, 描绘森林的油画让人感觉被誉为“森林诗人”的俄罗斯油画家希施金再现。

朝鲜油画家的艺术水准和扎实的写实功底, 以及丰富的绘画语言与世界美术发展相距并不是很远, 对油画多项造型因素的运用也十分娴熟。朝鲜的油画, 不同的画家在技法、色彩的使用和构图等纯技法方面可以看出区别, 但在总体内容和风格上区别不大。画家个人的思想、心理以及意识形态的倾向在画面上几乎没有任何的表现, 因此我认为朝鲜油画是纯粹的写实艺术, 纯粹的油画风景。

从画家所处的国度和意识形态以及艺术价值的取向, 从世界范围内油画发展的进程以及各种综合因素来看, 朝鲜油画都是不可复制的。由此, 朝鲜油画就给我们中国人带来两个价值:观赏价值和收藏价值。

2. 金明成 (功勋画家) ，油画，116cm×80cm

1. 李正灿 (功勋画家) ，油画，110cm×160cm

观赏价值——朝鲜画家的生存体制保证了朝鲜油画质量精致。朝鲜画家都享受干部待遇, 由国家负责集中在各级创作社中供养和工作, 不受生活和市场的干扰, 从而在时间、心态和精力上保证了画家创作高水平的美术作品。另外, 朝鲜和中国同属东方文化, 所以朝鲜油画的表现形式和内容符合中国人的审美意识。主题唯美写实, 内容大多是秀美山川、名胜古迹和生活情趣, 非常适合办公室、家居和公众场所装饰, 以其赏心悦目的效果营造一种美好高雅的氛围。

收藏价值——朝鲜画家完成作品创作后上交国家相关部门统一处理, 朝鲜国内目前没有美术作品商业市场, 更没有市场炒作和竞相抬价, 所以朝鲜油画价格始终保持平稳合理, 与中国书画市场相比相当廉价。朝鲜油画目前已经进军国际市场并且看好。中国作为近邻目前已经悄然兴起朝鲜油画收藏热。朝鲜油画也以同样的魅力进军韩国、日本以及东南亚国家市场, 特别是韩国, 青睐朝鲜油画但又无法直接购买, 只能通过中国等第三国实现收藏。另外, 一旦朝鲜全面对外开放, 国内美术市场必然形成, 韩国必然直接进入朝鲜美术市场, 朝鲜画家商品经济意识必然提高, 随之而来的必然是物美价廉的朝鲜油画快速升值。业内人士曾经形象的称“朝鲜油画现在是收藏界的原始股”。朝鲜油画是收藏和馈赠亲友的理想选择。

2. 廉在万 (名画家) ，油画，103cm×168cm

朝鲜庞大的美术创作机构保证了朝鲜油画具有强劲的发展势头。目前朝鲜虽然经济困难, 但非常重视属于上层建筑的美术, 在中央、中央相关省 (部) 和道 (省) 都设有专业美术创作机构, 经过多年培养已经形成实力雄厚的画家队伍, 成为名副其实的亚洲艺术大国。

朝鲜画家由国家相关部门定期对其进行技术职级的评定, 按照艺术成就分为5个等级, 一级为最高艺术职级。根据画家的艺术成就和政治贡献, 部分佼佼者还被国家授予功勋艺术家荣誉称号, 最高荣誉称号是人民艺术家, 极少数画家还能获得“金日成奖”。朝鲜画家艺术职级越高, 获得的荣誉称号越高, 其作品价值越高, 升值空间越大, 因而收藏价值越大。

考察写实 篇5

务的意识不断增强，在同学中起到了先锋模范作用。存在不足：对党的理论知识学习还不系统

2.2

***该同志能够严格要求自己，思想政治觉悟不断提高，入党态度进一步明确，努力学习、积极工作坚持个人利益服从集体利益，顾全大局，并结合自身实际将理论与实际相结合，处处以党员标准严格要求自己，取得了明显进步。存在不足：工作中计划性不强，开展批评不够大胆。

经过这一时期的培养与考察,同志仍能严格按党员标准要求自己，向党组织靠拢，表现了坚定的共产主义信仰，思想日臻成熟，在工作学习中团结同学，责任心强，在生活中乐于助人，起到了模范作用。

4***该同志能从思想和行动上严格要求自己，不断改正自身不足。思想觉悟和理论水平有很大提高，入党动机端正。在同学中能够发挥模范作用，群众基础良好。今后要以党员标准更加严格要求自己，积极向组织靠拢。存在不足：理论联系实际的本领有待提高。5同志能针对自身的不足，不断加强政治学习，特别是经过校党校的学习，思想觉悟和理论水平都有了很大提高，入党态度进一步明确，动机端正。在学习和生活中能够

发挥带头作用，班级工作能安排协调，井井有条，认真细致，不计得失，群众基础良好。

6同志能够以党员标准严格要求自己，从思想上和行动上积极向党组织靠拢，积极参加学校组织的各类活动，坚持个人利益服从集体利益，顾全大局，在日常生活中团结同学，责任心强，并且乐于助人，起到了模范作用。存在不足：工作中有急躁情绪该同志思想认识和政治觉悟提高很快，不断端正自己的入党动机，在学习生活中主动向同学同学宣传党的路线，方针，政策，在同学中的威信进一步增强，能积极主动地改正自身存在的不足，努力学习，踏实工作，取得了明显进步。存在不足：工作虽积极，但创新能力有待提高8 该同志能用党员标准严格要求自己，认真学习了党的基础知识和马列主义、毛泽东思想、邓小平理论、“三个代表”重要思想与科学发展观，思想觉悟有了较大提高，并及

写实艺术的写实 篇6

关键词：超写实油画；抽象油画；审美探析

所有的艺术形式都可以表达人的情感，油画艺术也不例外，写实性的油画主要表现的是现实生活，但是写实中会融入一些抽象的因素。而抽象油画艺术的表现又是在写实油画的基础上，从超写实油画和抽象油画艺术审美的根本上看二者之间的相互影响是不可或缺的。[2]在我国的油画艺术中抽象因素发挥了更加重要的作用。

1 超写实油画和抽象油画的艺术特点

超写实油画和抽象油画侧重的方向不同，超写实油画重视的是油画对现实的真实反映，超写实油画不含主观感情，作品往往和大家用肉眼看到的事物或是用相机拍摄的事物一样，真实、冷漠，保持着自然主义的风格；超写实的油画的绘画通常会放大事物的尺寸，从而产生不同寻常的美学和心理效果。例如，许多超写实油画作家的作品一样有着喜欢以人为作为绘画的題材，有的喜欢对眼中的街景进行描绘，有的对咖啡厅和快餐店投入更多的注意力，有的比较喜欢描绘游戏和玩具。以上根据不容的内容进行真实的绘画的画家，他们的作品 就像极度精确的相机拍摄出来的作品一样，十分的真实。

抽象油画艺术的主要特点是没有具体形象、不遵从理性的思维。抽象油画艺术作品中不会描述真实的世界，不对世界上的客观形象进行展示，更加不反映现实生活。同时抽象油画艺术没有绘画的主体，画家在绘画中往往不顺从正常的逻辑思维，不表达任何的思想也不传递个人的情绪。抽象油画在创作中纯粹性的遵守颜色、点、面等对人的视觉冲击，抽象油画画面中没有形象、没有主题，只是充满了大量的形色。

2 超写实油画的艺术审美

艺术来源于生活，超写实油画艺术就来自对生活的写实，油画作家经过对生活中的感悟进行提炼最终形成了自己的作品。作者将常人在生活中发现不了的美展示在自己的画作中，虽然超写实画家的作品体现的是生活但是它同媒体拍摄的照片之间还存在着一定的区别。首先绘画作品反映的是画家这个群体在当时生活中的观察，其中存在画家对生活的一些感受。例如，画家在对落日进行绘画时，如果作者的感情比较轻快愉悦那么画出的落日颜色给人的感受就比较轻快，如果在绘画中作者的心情比较烦闷那么落日的颜色可能就比较浓重给人的感觉就会比较沉重一些。

超写实油画在绘画中需要对传统绘画方式的技巧进行延续。例如，超写实绘画需要参考黄金比例值，绘画的背景、空间等内容的设计中需要应用相关的数学和几何知识。几何规律可以好很好地满足人们的视觉感受。[3]

3 抽象油画的艺术审美

抽象油画艺术的基本元素是点、面、线以及颜色等符号化的语言。抽象油画中并没有直观的呈现具体的客观形象，也就是说当你面对这一幅抽象油画作品时，你无法看出画中具体的事物是什么。传统的绘画艺术是对真实的事物的描绘和模仿，但是这一标准在抽象油画艺术中被彻底抹掉了。抽象油画艺术的核心就是形式，抽象油画最为关注的就是画的形式，画中的点线等都是在客观事物的基础上抽象出来的精华元素，这些元素可以很好地概括事物的内在和本质属性，因而抽象油画没有必要去苛求事物本身最真实的线条了。在康定斯基的《构图二号》中，人们会被它热烈的线条感动，这些线条同时也反映了真诚的情感，作者为了直接的反映作品中的美而不为作品命名，人们在欣赏时不会感到那种为内容而创作的痕迹。例如，莫奈的《阿山特依的游船》中几乎都是由大大小小的宽窄不一的色块组成，白色的帆船用较大的色块组成，显得十分沉稳洗练，同时和水中的倒影形成鲜明的对比，作者用不多的几笔将万里晴空，碧波荡漾的实景展现在画面上。[4]抽象油画的创作是由外到内的从作品的形式上寻求点线等符号，并由这些符号创造出新的关系和韵律，表达了特定的主观情感和思想观念，抽象油画艺术就是利用这一点将自身的艺术效果同写实油画区别开来，自身就具有了特定的艺术效果。

4 超写实油画和抽象油画艺术审美缺失

油画以其独特的魅力给人的视觉带来了巨大的视觉享受，同时也给了人们丰富地精神感受，人们的思想和艺术审美在油画中得到了巨大的启迪和发展，油画再现了自然美和理想美，其自身的形式美也达到了艺术创作的极高境界。首先，写实油画对于真实事物的反映具有审美的价值，油画利用三维的空间幻觉能力和对绘画对象真实性的展示是其他画种不能比的，超写实画家利用自己高超的绘画技巧来创造自然中的美以及精神上的欣赏之美。其次，油画具有理想的美，艺术虽然来源于生活但是高于生活，油画艺术中的理想美是对现实美的提炼，画家经过对现实中的美进行提炼和规范以后在绘画和表达上迎合了人们的审美需求，在形式上油画艺术在后期的发展中逐渐变得成熟，美的形式更加的精炼和纯熟，由此油画的画法得到了巨大的发展，油画技法在形式上有了多种多样的改革，油画作品的面貌也有了多种多样的呈现。

自18世纪开始，在文化、经济的多种因素的发展和影响下，油画艺术也相应地发生了重大的改变，油画创作中的形体、光感以及对画中色彩等因素的注重有所减少，油画创作者更加重视的是对传统的叛逆以及表达上的与众不同。人们也更加关注油画对于人们宣泄主观情感的重要性，油画艺术在完全成熟后又将面对变形，此时的油画创作从具体走向抽象并最终走向了抽象的极端。

抽象油画创作的出发点是创作者的直觉和想象力，并对具体的形象进行反叛，在绘画手法上更重视油料的色彩堆积以及随意的情绪的发泄，在绘画的结构上重视点线之间的自由勾勒，完全抛弃传统的写实审美观念，抽象油画给人的最大印象就是让人看不懂，抽象油画完全成了创作者自言自语、宣泄情感的艺术表达。油画创作在完全脱离的形象之后十分容易走向内容空洞的区域。

不同于抽象油画艺术的，超写实油画对人物个性的忽略也导致了自然美的缺失，在超写实油画作品中我们可以看到十分真实的人物形象但是感受不到一丝人物的感情，写实油画中的人物往往只是拥有空洞的眼神、呆滞的形态。此外创作者的情感也被压抑了，传统的写实主义可以使人从画面中感受到某个情节，具有一定的叙事性。超写实油画的创作就是对照片的再现，同时又避开了个人的主观情感，对现实生活中的世界进行冷漠的处理。最后创作者过于追求绘画技法忽略的形式美的塑造。

5 小结

油画艺术在不断的发展中经历了写实艺术审美的发展到超写实油画艺术的实现，最后衍生出抽象油画艺术，在油画的发展中无论是更加重视技法还是强调对情感的宣泄，都不要忽视油画创作中对审美的探索和体现。

参考文献：

[1] 王克军.审美的失落——超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征[J].大众文艺，2011（17）：42.

[2] 周伟.超写实油画艺术和抽象油画艺术的审美失落[J].芒种，2015（11）：163-164.

[3] 于仁春.论中国当代油画的意象性[D].广东工业大学，2013：79-80.

徐悲鸿作品中的写实艺术窥探 篇7

绘画的创作手法是丰富多样的, 既有描写和抒情的创作手法, 也有具象和抽象的艺术手法, 还有写实与写意的创作手法。写实艺术只是其中的一种创作手法。真实的描绘事物是写实之字面解释, 但是写实作为一种艺术表现手段和艺术创作手段, 其本身是源于现实又高于现实的, 因此, 写实艺术并不能简单地理解为如实地描绘事物的艺术。如果我们将写实艺术局限于这样的思维框架内, 那么必然无法真正地理解绘画艺术。所谓写实艺术应该理解为艺术家将在长久的生活历练和观察中提炼出的对现实生活的情感和感悟通过绘画作品表现出来, 旨在传递一种精神和意志的艺术手段, 其建立在现实基础上, 最终是为了达到艺术的表现效果。

二、徐悲鸿绘画作品中的写实解读

从最初的模仿探索到最终写实绘画风格的形成, 徐悲鸿的写实绘画艺术之路也经历几个重要阶段, 我们从不同时期徐悲鸿的绘画作品来解读其写实风格的发展和形成。

1. 将西方写实技巧和中国绘画融合的作品。

1991年, 徐悲鸿在北洋政府的资助下前往法国留学, 在留学之初, 徐悲鸿参观了几大著名的博物馆和美术馆, 包括大英博物馆、卢浮宫美术馆和英国的国家画廊等, 在那里徐悲鸿参观了很多优秀作品[1]29。在八年的留学生涯里, 徐悲鸿的写实主义绘画思想也开始逐渐萌生。从这一时期徐悲鸿的绘画作品, 我们可以看出一些端倪。在法国留学期间, 徐悲鸿先后创作了素描作品《法国工人》、《马夫和马》, 也创作了一些油画作品, 如《老妇》和《箫声》。我们以《箫声》和另一中国画作品代表《渔夫》来探讨徐悲鸿这一时期绘画的特点。油画《箫声》中, 一青年女子侧身而坐吹着一支长箫, 吹箫女子周身透露着娴静淡雅的气质。这个吹箫的女子是徐悲鸿的前妻蒋碧微。徐悲鸿通过对吹箫女子神情的描绘, 让观者感受到一种若即若离的哀愁。通过画面, 观者仿佛听到了吹箫女子所吹出的悦耳箫声。这幅作品的构图也有其独特特点, 画面中的女子偏离了画面的中心, 整个画面看似失衡实则是画家刻意而为之。这体现了徐悲鸿对画面人物的切割和截取, 为了充实画面, 徐悲鸿还将一株不完整的树木巧妙地添加到了画面背景中, 让整个画面在整体上更显得和谐统一。通过这种分割和衬托更加凸显了长箫的动感。而《渔夫》不论是在人物造型和线条应用上都有着较多的模仿痕迹, 徐悲鸿在人物造型上模仿了黄慎的风格, 而在线条上则明显模仿了任伯年。同时, 这幅画更突出的一点是徐悲鸿将西方写实技巧融入人物手和腿的肌肉结构创作上[2]47。这样, 就让人物形象更加逼真, 人物画面也更加生动。通过徐悲鸿在这一时期的这两幅代表作品, 我们可以看出, 这一时期徐悲鸿的写实艺术还处于探索阶段, 还尚未形成成熟的艺术风格。

2. 将历史题材与现实社会结合的作品。

在七年的留学生涯结束之后, 徐悲鸿选择回国。回到祖国映入他眼帘的就是遍体鳞伤的景象, 因为这一时期的中国正处于日本帝国主义侵略的特殊时期, 这使得富有较强责任感的徐悲鸿感受到了前所未有的动力。这一时期他致力于将西方的写实技巧引入到中国绘画的创作中, 试图通过西方写实技巧来进一步改良中国绘画。除了在绘画思想上坚持西方写实技巧的渗透之外, 在绘画素材上, 徐悲鸿开始倾向于选取历史题材, 通过现实主义的手法来表达自身对社会主义的强烈呼声。这种将历史使命和绘画结合起来的创作, 对于当时的画坛来说具有承前启后的开创意义。这一时期, 徐悲鸿最著名的代表作就是《田横五百士》。

该油画的构图给人以宏大之感, 画面中徐悲鸿用三分之二的尺幅将五百壮士通过密集阵型排开, 让观者感受到一种庄严的气氛。虽然画面人物较多, 但是构图却很合理。为了凸显画面主旨, 徐悲鸿将拱手诀别的田横置于画面的右侧, 田横的造型则是一身绯红衣袍, 画面还描绘了田横严肃的表情, 将田横昂首挺胸的姿态完全展露给了观者。更为难得的是, 徐悲鸿对人物也进行了细致的写实描写, 他描绘了人物伸展的手臂和踮起的脚尖及前跨的腿, 并在人物身旁配以立着的木棍和锋利得出长剑, 以此营造出了一种较强的节奏感, 让人感受到了一种英雄主义的气概。田横的故事来自于史记, 徐悲鸿显然阅读了史记, 在中国处于内外交困的特殊时期, 徐悲鸿将田横的故事融入绘画作品中有着极为深刻的意义。他希望通过田横的故事来激发中华民族奋起抗争的决心和信心, 希望现实的中国出现更多的勇士来拯救国家于危难之中。

3. 写实风格日趋成熟的绘画作品。

到了20世纪30年代初期, 徐悲鸿已经对中国社会有了更深入的了解, 其对社会形势和国家命运也有了更深刻的体会。这一时期, 其艺术创作风格也更加成熟, 他的中国画作品及创作水平也得到了极大的提高。而这一切都在于徐悲鸿不断地将写实主义思想应用到国画的创作中, 不断地在创作中完善自己的写实主义绘画思想[3]63。这一时期徐悲鸿的作品有《九方皋》、《愚公移山》和《群马》等等。这些中国画作品奠定了徐悲鸿中西合璧的写实主义风格, 也进一步奠定了他的艺术大师地位。在《九方皋》中, 徐悲鸿将借古讽今的手法应用得淋漓尽致, 他将自身对社会的关怀融入作品中, 表现出了一种渴望国家靠人才兴国的情怀。而在《愚公移山》中, 徐悲鸿将愚公移山这样的神话故事真实地呈献给了观者, 让观者感受到了人类征服自然的气概, 表现出了作者本人对美好生活的憧憬、向往和坚定信念。在这幅作品中最能体现徐悲鸿写实思想的在于其画中人物所选取的都是印度人的模特模型, 而且这些人物都是赤身裸体。徐悲鸿对此作了十分具有写实主义色彩的解释, 他认为自己也不知道愚公什么样, 他认为不管其是何方神圣都是老百姓, 所以就刻画出老百姓的形象, 而对“孀妻”则在造型上则配以黑衣。这些作品都传达了徐悲鸿当时的现实主义情怀, 同时通过中西合璧的写实主义创作风格将这种情怀更加直观地展现了出来, 可以说其创作达到了一种较高的境界。这些经典的作品体现了徐悲鸿写实主义思想的成熟, 也让我们感受到了这位艺术大师关注社会和生活的现实立场。

三、徐悲鸿写实艺术之路的渊源

上文从徐悲鸿的代表作分析了其写实风格的形成, 事实上, 每个艺术家都有其独特的创作风格, 这种风格与艺术家所处的生活环境、社会环境和教育背景等都有着密不可分的联系。

1. 独特的生活经历埋下写实因子。

徐悲鸿出生在一个极为普通的家庭, 其父徐达章以卖画和农耕为生, 徐悲鸿的父亲是一位严守宋儒礼教的传统人士, 他为人随和, 淡泊功名, 对田园生活情有独钟。在徐悲鸿的眼里, 父亲是一个善于观察生活、勤恳正直的人, 父亲的正直也在潜移默化中影响着徐悲鸿, 而在父亲的影响下, 徐悲鸿的美术功底也日渐扎实。由于日子过得清苦, 又赶上洪涝灾害, 徐悲鸿从十三岁开始就跟着父亲开始了颠沛流离的生活。更让徐悲鸿痛苦的是在最艰难的时期父亲也不幸染病去世。一夜之间, 徐悲鸿必须要面对和承担其生活的重担。在长期贫困的生活历练中, 徐悲鸿深刻地感受到了现实的冷酷无情, 感受到了最底层生活的悲哀与疾苦, 而这些不但造就了他吃苦耐劳、在逆境中坚持奋进的精神, 更奠定了徐悲鸿写实主义的生活基础。

2. 艰辛的成名之路铺就写实风格。

由于受父亲的影响, 徐悲鸿从9岁起就开始每日临摹吴友如的界画。吴友如是我国美术画报的奠基人, 其作品擅长描绘现实生活, 在画作中追求肖像的形似, 吴友如的这种写实风格让徐悲鸿从孩童时期就受到了潜移默化的影响。父亲去世后, 徐悲鸿来到上海发展, 在上海, 徐悲鸿的日子依然凄苦, 这种现实生活无形中激发徐悲鸿写实主义的创作意识。同时, 在这个时期, 徐悲鸿碰到了他生命中的第一个贵人康有为。康有为对写实主义也情有独钟, 他认为写实主义的绘画手法能够将物象的精华和奥妙展现出来, 同时, 他提出了在绘画创作中传承中国传统精华并汲取西方绘画美学元素的观点, 希望能够开启画家新纪元[4]36。在康有为的“合中西画为画学新纪元”写实思想的影响下, 徐悲鸿的写实主义绘画思想也开始形成, 写实绘画信念也日趋坚定。留学欧洲之后, 徐悲鸿师从达仰和弗拉孟, 这两位都是著名的写实主义大师, 徐悲鸿在他们的影响下接受了写实主义思想的又一次洗涤, 也让他更加坚定写实主义思想。徐悲鸿开始如饥似渴地学习和吸收欧洲国家写实主义画风的精髓, 并开始不断地提高自己的写实能力, 在写实主义的道路上一往无前。

他的作品画技精湛, 而且题材广泛, 尤其是其写实主义的绘画思想, 对于中国画的改良, 对于后世美术事业的发展都有着重大意义。我们必须要认真研究徐悲鸿的绘画作品, 吸取其绘画精髓, 将美术事业发扬光大。

摘要：写实作为一种艺术风格, 是诸多艺术家共同的追求。徐悲鸿作为中国现代画家, 作为金陵三杰的重要一员, 是写实风格中国画的领军人物。徐悲鸿一生都在践行写实主义的绘画思想, 他的这一绘画思想在20世纪影响深远。

关键词：徐悲鸿,作品,写实艺术,形成原因,价值观

参考文献

[1]刘少牛.徐悲鸿写实主义内涵及特征[J].南京工程学院学报, 2009 (4) .

[2]郑工.徐悲鸿的“古典”理想与写实主义[J].艺术百家, 2014 (2) .

写实艺术的写实 篇8

一、超写实油画艺术和抽象油画艺术的特点

1.超写实油画的具象表达形式

超写实油画也称为写实主义油画和具象油画。这种创作方式其实就类似于照片形式和镜子效果, 把真实存在的或者看到的复制表现出来, 同时不随意掺杂个人主观意愿和刻意的改变, 就是所谓的直接传达, 直观表象。超写实油画也是不断发展创新的, 在写实主义出现初期, 超写实主义画家大量涌现, 而他们进行创作时更注重的绘画的手笔和技巧, 舍本逐末的过度追求事物的具体感, 导致绘画作品过于冷漠严峻, 而不含任何事物情感, 导致作品过于僵硬单薄, 绘画作品缺少灵动的生命气息。在当时, 这种创作艺术极受推崇, 大量画家争相模仿, 甚至直接拿来照片作为创作原型进行绘画, 尽管这些绘画作品极致逼真, 甚至真假难辨, 完全真实地还原原物形象, 但与之同时却也丧失了绘画艺术的真谛与支柱——表达情感。过度地写实绘画技巧也在一定程度上丢掉了绘画的艺术本质和目的, 绘画的最终形式就是要通过绘面传达给人们绘画背后的精神艺术与情感交流。

写实手法是超写实绘画艺术借助的一种绘画技巧和风格, 但绝不是其精髓, 只能借以辅助, 给画家以更多的技术表达方式和灵感。而对于绘画创作却是极其讲究以物达意, 形神兼具的。 绘画创作过度偏离到写实主义而丧失了精神层面是超现实油画艺术表达形式的极端创作。正如超写实画作《约翰》一样, 尽管这幅作品写实手法娴熟, 人物刻画地十分逼真, 如同真人一般, 但其给人一种空洞之感, 没有更多的想象空间。与之相反, 罗立中的《父亲》虽然也借助写实手法刻画了一个饱经沧桑, 人老年迈的父亲形象, 甚至其脸部表情和布满褶皱的双手都极其真实, 仿佛真人一般, 但它在写实的基础上人物表现也饱含情感, 画面背景中的许多事物都是传达情感的载体, 如:镰刀, 熟透的麦子等等, 成功的给人呈现出一幅饱满真实的人物创作作品。

2.抽象油画的抽象表达形式

顾名思义, 抽象油画就是绘画作风较抽象, 不以具体的物象进行传达。抽象油画艺术与超写实油画相反, 抽象艺术一定程度上摒弃了对自然食物外观表象的创作, 而是通过一些较怪异, 难以理解的事物和绘画技巧进行创作。抽象绘画就是以画家的主观意识与思想进行绘画, 而不依赖自然事物, 画家可以创作任何想象出来的景象, 事物, 更可以借助几何图形, 杂乱重叠的颜色艺术进行创作。

西方抽象绘画艺术由反对写实绘画基础发展出来, 它不同于传统的写实绘画, 更依赖于个人的主观创新。抽象艺术绘画的发展虽然较短, 但却经历了极其复杂的发展历程, 经过几代人的创新, 批判, 摒弃和发展最终形成了今天的抽象绘画艺术流派。抽象绘画有别于传统的绘画艺术, 它极具风格又特立标新, 在整个绘画艺术创作中它与写实绘画相抗衡同时又相辅助。抽象绘画艺术的出现给世人呈现出了一种别样的美感形式, 更赋予了绘画艺术独特的审美与活力, 为绘画创作注入了新鲜的血液。而我们常常说的“浪漫主义”和“印象派”其实便是抽象绘画艺术的初期。

很多时候当人们最初接触抽象绘画艺术时觉得其毫无美感可言, 甚至毫无逻辑, 绘画表达完全没有主题, 想要表达什么也让人无法理解。但其实抽象绘画更注重表情达意, 类似于诗歌一样, 在画面的处理上抽象绘画更偏向于画面的光影和颜色变化, 它先是以明亮的色彩吸引人心, 逐渐让观者了解画面, 沉浸于画面光学和颜色的变化美中。抽象绘画更多时候并不是非要表达什么明确的主题而是单纯呈现给观者一种审美冲击和视觉享受。

二、超写实油画艺术和抽象油画艺术的审美

1.油画艺术的审美特性

油画艺术通常都不仅仅只是一个单一的绘画作品, 除却绘画具象本身必然夹杂着创作者的情感和思想, 传达了画家对于各种事物和看待事情的心境。同时当观者自己观赏绘画时, 自己本身也会有相应的情感交流, 油画艺术审美也如一面镜子一般, 我们通过画作进入创作者的内心世界也在审视着自己。油画艺术本身就是形象性的, 把表达的事物表达的情感形象化, 让观者产生共鸣。 绘画的观赏者也往往通过绘画作品本身折射出某种社会现象, 通过我们日常的油画审美艺术以形象的方式与生活产生碰撞。

2.超写实和抽象油画艺术的正确审美

油画的发展追求根本是审美, 无论是超写实油画还是抽象油画艺术皆是如此。从绘画技巧和画风流派上, 绘画方式各种各样, 但追其根本, 绘画是对画面的美感追求, 而不是对过度片面化的艺术追求, 否则油画审美终会丧失质感。正如超写实油画艺术一般, 当绘画片面化追求写实技巧而忽略了绘画的精神交流时, 必将走向极端。油画的逐渐成熟, 更加注重美学的提升, 是超写实和抽象绘画艺术的审美走向。通过油画创作展现主观意愿的美感艺术, 通过奇妙的意境刻画出主观事物, 通过极致的色彩渲染和画面布局赋予油画艺术视觉碰撞。优秀的油画创作给人以极致的美感, 更能将画作直击人心, 而不单单流于表面, 真正做到现实世界与情感世界的交融互补。油画艺术的审美是历久弥新的, 油画的审美来源于真实世界和主观意愿的形象化和创造性, 正是这种审美观念不断促进了油画艺术的发展。

三、结语

超写实油画与抽象油画在油画艺术创作上相互制衡, 风格迥异, 但究其审美, 却也是相互媲美的, 相辅相成的。油画的绘画技巧不断创新, 形成各自的风格, 但油画的极端发展终会偏离审美的根本。在加快油画发展的过程中, 无论是超写实油画艺术还是抽象油画艺术都要正视其误区和审美失落, 绝不能只是极端的写实和抽象的空壳, 需以正确的审美观念去丰富油画艺术的精神层面发展, 赋予其更多的生命活力。

参考文献

[1]王克军.审美的失落——超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征[J].大众文艺, 2011-09-15.

写实艺术的写实 篇9

一、写实油画在中国油画中的艺术表现

油画中重要的一部分就是写实油画, 写实油画在欧洲油画发展史上占有主要的地位, 也是欧洲油画中主要的表达形式, 中国现实主义油画起源于欧洲, 当时给中国油画带来巨大冲击和影响的算是俄罗斯现实主义思想潮流, 在中国当时特殊的历史背景里, 现实主义美术受到了很大的重视并得到广泛的发展。时代变迁中国油画在经历了“新具象”, “新写实主义”到如今已形成多元化的形态, 中国人对油画的审美停留在一定的阶段, 在这样的环境下写意油画就不是所以人都能欣赏的, 大部分人对于写实的油画才能接受的, 才能符合大众的审美需求, 可见写实油画有着比较广阔的空间, 也越来越多的受到大众人的喜爱。其中也出现了不少比较优秀的画家, 在9届10届美展中金奖的作品全部都是写实的作品。如冷军的《五角星》忻东旺的《早点》这也说明了写实油画在油画中的地位与价值。写实艺术不只是要再现客观事物, 而是要把现实的批评态度把主管的精神融入其中。

精神品格是写实主义的精髓, 任何艺术都离不开自己民族文化的精神铺垫, 我们在吸纳了外来艺术形式的过程中也出现了本族文明特种的作品, 中国写实注意油画经过一代又一代画家的艰辛探求, 写实油画已经取得了令人瞩目的成就, 发展到现在已经不仅仅是一个流派了, 更是一种艺术主张一种艺术精神。正如艾轩所说:“中国现在最高水平的写实主义绘画绝对走在世界的最前列, 水平也最高, 许多西方人对于中国写实主义油画也都惊讶不已, 写实油画也会作为主流形式继续发展下去

二、写意油画在中国油画中的艺术表现

写意油画是运用笔墨渲染意境, 即用油、油画颜料作为表现工具借景抒情, 在所有的创作作品中既有中国水墨韵味的, 又不是油画色彩厚重的, 又与西方意义的抽象表现绘画不痛的。我们称为“写意油画”。写意油画已经是中国传统文化独特的美学因素, 使客观景物作为主观情思的象征通过特定的笔墨意趣来描绘表现作者要抒发的情操, 写意油画中, 画家在用色单纯简单有着朴素的审美意识, 写意油画和中国传统文人绘画也有许多相似的地方写意油画中也广泛运用空白留白, 形成独特的韵味, 中国写意油画与西方“焦点透视”不同形成一种新的视觉感受。写意油画一般要求艺术家以意率境, 不求细节的实写, 不求形似求神似, 追求以虚写实, 与写实是相对立的。

中国写意油画拓展了西方油画的表现空间, 中国特色的写意油画的出现, 为西方油画拓展了新的表现形式, 虽然对中国传统文化底蕴知少甚少的西方人, 对于写意油画注入了新的内涵的写意油画也会吸引全世界的眼光。当代油画大师吴冠中经过刻苦的艺术时间, 在他的创作中更多的运用了线条, 如:树、房屋, 他喜欢用类似中国画的黑色, 具有中国画神韵, 也引起专业和舆论界的极大的兴趣, 吴先生在中国油画的道路上的积极探索, 为中国油画起到深刻的理论和实践意义。写意油画扩展了中国传统的艺术审美眼光, 尤其对色彩涉及很少, 而写意油画恰恰做到了用西方材料和中国思维相结合, 使我们头脑中不变的水墨图有的补充。

三、写意油画与写实油画在中国油画中的结合与发展

油画作为外来艺术形式, 在中国百余年的历程中, 取得了令人瞩目的成就。中国油画始于写实, 至上世纪五十年代学习苏俄油画, 接受的也是现实主义的写实画风。多年来, 中国由于美术教育格局以及政治因素的影响, 写实具象一直占据着中国美术教育与绘画艺术的主流。作品风格、观念和形式的陈旧与单一令人触目惊心, 误使人们以为油画只是一种表现形式。油画家们只是在特定模式的写实技巧上比试高低, 却没有在风格与个体面貌上进行探索和发挥。随着国家经济的高速发展, 外国各种流派与形式的美术作品不再受到封堵和批判, 中国油画家接触和了解西方艺术的机会越来越多。西方现代绘画成为中国艺术家更新观念、改变艺术风格借鉴的对象。油画作为外来艺术形式, 在中国百余年的历程中, 取得了令人瞩目的成就。中国油画始于写实, 至上世纪五十年代学习苏俄油画, 接受的也是现实主义的写实画风。多年来, 中国由于美术教育格局以及政治因素的影响, 写实具象一直占据着中国美术教育与绘画艺术的主流。作品风格、观念和形式的陈旧与单一令人触目惊心, 误使人们以为油画只是一种表现形式。油画家们只是在特定模式的写实技巧上比试高低, 却没有在风格与个体面貌上进行探索和发挥。

西洋画虽然与中国画有本质的区别, 但因十九世纪末以来受东方艺术的影响也开始将主观抒情写意性的艺术表现形式用之于油画中, 形成了有笔触及书写性油彩的油画作品, 这一现象是西方艺术发展史上一次革命性的飞跃。完成这次飞跃的是后期印象主义代表人物塞尚、梵高、高更。特别是梵高在《向日葵》、《自画象》、《阿文风景》、《咖啡店之夜》等作品, 把发至生命深处的情感、狂热、激动的情绪, 通过笔触、线条、书写性油彩表现了出来。他认为艺术是“传达自己的印象——这仅是艺术家的第一个任务, 第二个, 而且是最主要的任务, 是在作品中注入自己的感情”。梵高的作品以其燃烧的热情给大自然以生命。高更的塔希提岛系列作品, 用笔粗犷, 颜色单纯, 有强烈的东方风味及装饰美, 笔触感及书写味也很足。野兽派代表人物马蒂斯对线及书写性又有了更进一步的认识, 中国理论界有人认为他的作品就其画意来说, 和我国某些文人画有共同之处。立体派的开山大师毕加索的作品也是用强烈的笔触及书写性的线条及色块, 以独特的风格表现他的主观世界。中国油画理论强调主观情思及抒情性情感, 造型上要运用“意象造型”, 用笔用墨要偏重其书写性。艺术家表现不再着眼于客观对象之形神气韵。而专注于艺术家个人内在的精神情思和气韵意兴, 使中国油画写实写意混成天体, 是一种自我的精神、情感的升华, 一种民族精神的延续。

中国油画的改革, 必须根植于中国文化精深广博的沃土上, 汲取丰富的滋养, 使之真正在主流风格与总体倾向上坚持本民族文化根基和内在精神发扬光大并赋予新的精神和新的生命。它将是中国的, 也是世界的。早在1957年, 著名油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》一文中就明确指出:“油画中国风从绘画风格方面讲, 应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平, 在世界艺术舞台上发出光辉, 决不是仅仅把我们油画画得跟西洋的油画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平, 我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的艺术优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质, 自己对生活的想法、看法和表现法”。由此可见, 老一辈油画家也早已意识到“油画中国风”的必要性与重要性。可喜的是, 经过一段迷茫与困惑之后, 中国油画已发生了巨大的变化, 可谓风格各异、百花齐放。其中, 最能体现“油画中国风”实质内涵的“意象油画”, 经过油画家们多年努力的探索与尝试, 已经展现了可喜的成果, 而且正处于新的发展势头。意象写意油画的出现, 在艺术语言、表达样式逐渐模糊的今天, 是必然的发展趋势。

摘要：写意与写实的探求成了中国人艺术审美和艺术鉴赏的显著特征。中国传统绘画造型上要运用“意象造型”。在中国油画创作中也产生很多写意和写实的表现手法。本文通过对写实油画和写意油画的介绍, 浅析的它们在中国油画中的结合与发展。

关键词：写意油画,写实油画抄,艺术表现

参考文献

[1]《美术之友》2009.6刘昊博

[2]《艺海》2008.2秦安建

[3]《大庆高等专科学校学报》2004年24卷3期张立翔

[4]中国文化精华全集, 艺术卷, 中国国际广播出版社出版1992年5月第一版

[5]中国文化精华全集, 艺术卷, 中国国际广播出版社出版1992年5月第一版

[6]潘天涛, 《中国绘画史略》

[7]李正天《艺术心理学论纲》

[8]西方美术史纲, 辽宁美术出版社出版, 1980李浴著

写实艺术的写实 篇10

关键词：王肇民,水彩,审美,表现

中国水彩画是中西方绘画艺术不断融合的产物,既具有西方绘画艺术用色彩、明暗、块面造型的特点,又融合了中国画气韵、传神、寓意境于创造的传统中国绘画的精髓。在中西绘画不断交融的过程中,许多中国艺术家试图将东西方两个绘画体系予以统一,创造出极具民族特色的水彩艺术作品,王肇民是其中极具代表性的一位水彩艺术家,在百年中国水彩画史中的地位可谓举足轻重。

“法国美术评论家米歇尔·罗克认为,他是在传统与现实之间,起到承前启后作用的一位中国画家。”1他的水彩画作品“表现出大将风度,创造恢弘博大的风格,能感觉到强劲的视觉冲击力和心理震撼。”他作品用色浓厚,用笔洒脱,个人艺术特色鲜明,充分表现出物体的质感和量感。法国艺术史家丹纳曾经说过:“形成艺术风格的要素之一就是环境——自然环境与精神环境。客观环境经过画家的体验观察、发现、吸收之后,就成为自己的主观精神财富,成为自己创作的态度情感和意向。”2王肇民的作品朴实无华,不加雕饰,他主张“以形为实质,以神为反映”“形决定神,形备神全”。通过对其水彩静物题材艺术作品的临摹与分析,可以发现他的作品感悟来自生活,画面极具装饰性和视觉冲击力,作品艺术创作语言鲜明独具个人特色。

一、艺术作品审美分析

(一)绘画技法独特,作品语言鲜明

王肇民在水彩画中创造性使用水粉中的白粉做底。观看王肇民水彩画的原作,会看到极大多数的作品纸面有反光,这即是白粉中含有的胶质干后特有的反光。王肇民通过多年的探索研究,创造了一套自有的水彩画技法,也就是白底法。他的白底法又不完全等同于西方水彩画的白底法,西方水彩画的白底法是在纸上用中国白混合胶及些许蜂蜜,在纸上厚涂一层,等到干硬后,施以透明水彩;而王肇民先生则是在纸上先打一层底,然后再厚涂一层,这样不仅可以防止纸发黄变硬,还可以在着色后获得更为亮丽的色彩效果,作画过程中干湿结合,表现的物体色泽温润自然。这一技法在水彩画史中可谓极大创新,有效的解决了水彩画纸易于变色的痼疾。

王肇民先生的绘画,善于将国画的点、染、皴、擦等笔法运用于着色过程中,画面时常反复皴擦、渲染,肌理融汇于作品笔触,用笔极具力量感,从而使造型更加保有力度。比如其代表作品《大叶紫薇》(1977年)、《老农》《荷花玉兰》《紫苹果》(1979年)等等。王肇民精于用水之道,充分发挥和利用水性材料灵活多变的长处,畅情绘出对客观世界的感受和体味。

(二)绘画色彩单纯,绘画主体鲜明

王肇民水彩画用色浓厚,画面色彩极富视觉冲击力。白底法使画面色彩更加凝重而饱满,这种独创的技法确保颜色的稳定性,加强色彩的鲜明度。在水彩的着色技巧上,改变传统水彩技法中从浅到深,层层叠加的着色步骤,而是遵循并发展了中国画“随类敷彩”的着色理论,创造性的在水彩画上采用了先以深色取形,再予画面以“罩色”的着色技巧,从而避免了水彩画因追求厚重反复叠加次数过多而易导致画面色彩晦暗,造型软弱的缺陷,使其水彩画呈现坚实感、厚重感,颜色交融渗化后使物体更为厚重,这一技法被当代许多水彩画家沿用。

另外,王肇民先生还善于将透明流动的色彩与坚实厚重的色彩结合在一起,形成画面的强烈对比。中国画中有“计白当黑”,无画处皆成妙境。观其《紫苹果》《荔枝》《荔枝一束》以及人物肖像等作品,用色单纯明快,主题突出主体鲜明,画面中有大面积的黑色块,亦有白色色块,黑色凝重白色轻盈,二者对比强烈。其严谨的绘画语言充分体现了他的情感意识和学贯东西的艺术修养,彰显其深厚艺术内涵和民族思想情感。

(三)构图平面化处理,主体物立体造型

王肇民在他的美术理论著作《画语拾零》里强调“形是一切”,坚持“真实则美,有力则美”的艺术观点,崇尚美的自然创造。中国水彩画是在吸收西方水彩画基础上发展起来的,强调色彩要依附形体存在,强调物体内在本质的骨骼结构和外在的形体的关系。王肇民水彩作品构图独具匠心,画面结构严谨,创造性提出“形是一切”。他作品中的形主要指,物体的外形,光影的形,边线虚实之形,图案之形。如果把王肇民的水彩画用几何形和直线概括,我们会发现画家的构图有明显的线面构图分布特点,画面被其用分割、交错与并置等手法组合,边缘线以直线居多,画面采用简化手法,物体多被概括成方形、多边形。画面形体塑造结实有力,分量感强,具有极强视觉冲击力。

王肇民先生的水彩画中主体物体积感强、造型坚实,背景采用平面化处理手法,既有西画的明暗写实与光影,又有中国画的写意意境,颇有中国画勾线填色的味道。立体性有美,平面性有韵,王肇民的水彩画将二者完美的结合在一起。

王肇民的作品色调和表现形式高度统一,将不同物体的写实状态呈现在观者面前。画面色彩浓烈装饰性强,以色块构成铺陈画面,不强调轮廓线,使色彩本身更富有表达力,不同题材的水彩画作品各有特色。

二、水彩画代表创作表现分析

康定斯基在其理论著作《论艺术的精神》一书中阐述“一个艺术家采用的是写实的还是抽象的形式,其意义是无关紧要的。”3因为两种方式的本质是相同的,艺术家只有深刻了适合自己的艺术形式,才能将自己的艺术内容极其明确的表现出来。王肇民的水彩画崇尚自然美的创造,在不断的创作探索中,形成个人独特艺术风格。

(一)静物题材作品单纯明确

综观王肇民先生静物作品,取材多为放置于桌上一角的水果或瓶中花卉,偶有果蔬相杂置于器物旁,作品既不失浓郁的生活气息,亦具闲情雅致。代表作品《扶桑》为一束红色扶桑花,置于造型为圆形的黑色花瓶中,被处理成几何形状的红色花朵、点缀绿色叶子与黑色花瓶形成对比,花瓶的凝重,花朵鲜艳通透采用平面化的处理手法,画面前后关系鲜明,背景与绿色的花叶浑然一体。作品《大叶紫薇》将几枝采摘的大叶紫薇放置黑色花瓶中置于窗前,逆光中画面的几块颜色形状完整,黑白对比强烈,花枝恰到好处的打破画面色块形成复杂的构图,画面虽为逆光,却不强调逆光效果,只注重色块对比强度和色块面积大小。《荔枝一束》也是黑色红色、蓝绿色以及白色几大块颜色的对比,荔枝果造型处理方中有圆,与画面中的花瓶、桌面既有对比又有呼应。这几幅静物题材代表作品中的器与物造型均为主观处理,画面色块对比强烈,色彩凝重而饱满,主观平面化处理手法使作品更具装饰味。

(二)风景题材作品形式明晰

著名哲学家、美学家纳尔逊·古德曼(Nelson Goodman,1906-1998)认为“所有的艺术品都是一种符号,艺术作品的符号化依赖于描述、再现、表现、例解这四种方式中的一种或这四种方式中的某几种的联结”4。王肇民风景题材作品数量不多,相较与静物人物题材作品,大多数风景作品用笔阔大,明朗流畅,侵染国画用笔意味,画面中有大面积留白,色彩运用不多,粗中见细,大多强调空灵意境,多采用表现性的符号语言。《金鸡岭》和《黄山天都峰》两幅表现山的风景画强调了山峰的走势与凝重,笔法与其静物作品一致。王肇民先生于1955年创作的《武汉钢铁厂》是其一幅力作,画面景致具象精致,建筑结实完整塑造。另一幅作品《从化流溪河》对多变天空云彩的描绘表达了时代,表达了他个人的境遇,云的翻滚多变与地面静静的溪流树丛形成了自然对比。观其风景作品,大多数风景作品更为写意似为,颇有逸笔草草的味道,从他的风景画作品中可以觉察,其作品既富有西方的视觉和想象力,又深受中国文化思想和文化的熏陶。

(三)人物题材作品特征鲜明

“形式往往受到它所处时代的制约,是相对而言的。因为它只不过是今天的艺术的必要手段而已,艺术通过它揭示新的价值并产生着影响。形式是内容的外部表现。”5王肇民人物作品力求表达人物特殊性格,笔下的人物都有鲜明的个性,复杂的人物形象用平面的形式处理,手法简化分拆,感觉细腻入微,人物肖像精彩的地方用笔明确、造型果断完整。边线处理强调外形,外形多采用直线处理。色彩浓艳富有张力。每个画面都强调不同的格调和情趣,对人物进行了简化处理,然而人物形象又有极大的不同。如其作品《老农》(1982)、《演员》(1982)、《默想》(1984)三幅作品,人物形象,神情并茂,笔墨不多,却笔笔皆见功力,没有一丝冗杂感,人物动作眼神都极尽表现职能,令人慨叹。人物题材的作品中几乎每幅都有一块黑色块,画面中黑色沉稳,能够探查底层和表层的透叠感,由于底层白粉做底,上层颜色厚重实在,色彩极具突浮张力。他笔下的少数民族少女、青年服饰醒目,色块整齐简洁,人物形象特征明确。

三、结语

布朗肖在其著作《文学空间》中阐述“真正的画家,他的整个一生,在寻找着绘画。”6王肇民进行大量创作实践,形成艺术家独特的观看方式与表现方法,个人绘画语言鲜明,技法纯熟,各种题材作品中,静物作品最具特色,能够彰显先生最大艺术成就。作品结合国画作品的意境和笔法,立足中国民族传统风格且较同时代作品更具现代感。其思想和艺术作品并行,感染大众审美。“艺术中的一个标准是个性和优美,准确和纯一,抽象和本质。对于美的艺术来说,它是非呼吸的,非生命的,非内容,非空间,非时间。这就是艺术的归宿。”7王肇民先生水彩艺术作品的绘制方式与艺术作品连带伴生的意识基础、思想创造方法、情感特征浑然一体,艺术创造的个体差异以及实践性表征,促其对文化对社会对外在世界传达出自己的呈现,其作品拥有的独特审美,纯粹的绘画本质内涵,艺术家不断的深化研究意义不言而喻。

注释

11.《王肇民水彩画作品集》.岭南美术出版社,1985.

22.(法)丹纳.《丹纳艺术哲学》.安徽文艺出版社,1991.

33.瓦·康定斯基著《论艺术的精神》中国社会科学出版社,1987.

44.朱狄著.《当代西方艺术哲学》.人民出版社,1994:95

55.翟墨,王端廷主编,裔萼编著《康定斯基论艺》人民美术出版社,2002:65.

66.莫里斯布朗肖著.《文学空间》.商务印书馆,2003:74