超写实素描教案（精选4篇）
篇1：超写实素描教案
【论文关键词】超写实绘画；超写实素描；质地表现
【论文摘要】文章阐述了超写实绘画内涵、主要代表人物、国内外的发展情况，以及超写实素描的概念、价值，训练与创作超写实绘画的意义等。在此基础上，对超写实素描创作的要点、环节的刻画、质感和肌理的表现、容易出现的问题等方面进行了探讨。
超写实绘画源于20世纪60年代“后现代主义”的波普艺术，是该艺术流派中最为极端的一个派别，它的全称为“超级写实主义绘画”。超写实主义又称超级写实主义、新现实主义和照相写实主义，主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”，必须做到纯客观地真实地再现现实。它的最大特点是主张艺术要大众化、通俗化。超写实主义源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。在60年代末至70年代，作为世界现代艺术的中心，美国艺坛出现了莱斯利、克洛斯、安德烈、汉森等人，其绘画或雕塑作品的逼真程度让人如面对照片或真人。日益发达的科技和丰富的材料为这种风格的发展提供了便利的条件。这种风行一时的潮流不可避免地给美国的陶艺界带来了活力，并出现了像莱文、理查·萧、道·杰克、斯坦切克和日本的三岛喜美代这样超写实风格的高手。
莱文与查理·萧都是在70年代中期开始创作这种风格的作品，除了上述的超写实绘画和雕塑对他们的影响之外，波普艺术和安纳森的怪怖艺术作品对他们的创作也产生过影响。莱文一直是以逼真的手法创作了一批“旧皮货”作品。后期作品中甚至采用实物作为“皮货”的配件。理查·萧直接利用物品翻制出软模然后注浆成型，烧造后再采用丝网印刷技术和釉上彩技法复原物品的色泽。他们俩人的共同点都是作品几可乱真，并具有浓郁的怀旧情感。道·杰克和斯坦切克作为后起之秀，在人体雕塑的乱真方面具有令人称道的独特之处，他们并不仅仅以达到乱真的效果本身为目的，而是在作品寓意的深刻方面向前迈出了一大步。
三岛喜美代是日本超写实主义的代表，她娴熟的制陶技术和丝网印刷的能力，使她在处理其作品时显得得心应手。只有当这些作品以一个群体的方式在一个场域里向公众展示时，我们才能发现超写实主义风格所具有的真正魅力……
超写实主义风格在世界其他国家的陶艺界虽有所涉及，但未流行。
许多学者都认为中国的传统艺术是一种“写意”的艺术，因为在中国传统艺术中，大多数的艺术作品显现着“取其‘意’，而忘其‘形’”的艺术特点。然而，在中国的传统雕塑艺术中，并非均因为追求“意”而忽略了“形”的表现。比如在重庆市大足县的石门山石窟中，有一组表现手法与众不同的雕像——“千里眼”、“顺风耳”，其表现内容细致到触及到肌肉、骨头、血管。不仅神形兼备，甚至到了几乎是“超写实”的程度。这使我们真应当重新去体会东方文明，重新关注中华民族五千年的文化与艺术！
上世纪80年代初，由于我国对外开放的政策，超写实艺术得以引进。它一亮相，便轰动全国，如第二届全国青年美术展获一等奖的油画作品《父亲》以及稍后出现的《钢水汗水》等等，罗中立也因作品《父亲》而成名。画中，作者用极为细致的照相式的方式描绘了一位饱经沧桑、艰苦劳作的老农民的形象。诚实、善良、略显木讷的目光，镌刻满面的皱纹，黢黑的老年斑、苦命痣，干裂的嘴唇，老树枝一般的手指，破旧的粗瓷茶碗，……，他的身后是经过劳动换来的一片金色的谷场景象，一切都是那么历历在目，真实可信。这位老农的形象已经远远超过了生活原型，他所代表的是中华民族千千万万的农民。事实上，画家是通过人物形象寄托了自己的思想情感，是对我国千千万万劳动人民的赞美。
从1983年起，原中央工艺美术学院率先在装潢和特艺系开设了超写实绘画课程，并聘请了美籍华裔超写实画家到该校执教，传授技巧。如今超写实绘画已是高等美术教育中的一门必修课。的确，超写实的作品确实会令我们赞叹。因为它将生活描绘得太充分了，对于肖像画，它甚至描绘出一根毛发，一个毛孔，一个虹膜上的斑纹，一丝皱纹上渗出的汗水……即使是照片，也未必能描绘出这样的真实。当同学们惊讶于这些作品的时候，也就是他们对超写实绘画感兴趣的时候了。从接近生活的角度来看，超写实绘画的艺术主张与我们培养学生的主导思想是一脉相承的；超写实绘画要求作者具有冷静的头脑、理智的思绪，耐心细致的性格，有条不紊的工作程序，一丝不苟的态度，学生通过学习超写实绘画，能培养他们良好的工作作风；超写实绘画多数是从局部入手，后到整体，在专业方面，能提高学生的业务能力和认识水平。电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，能让我们轻松地在Painter、Photoshop等高级绘画、绘图软件帮助下，完成一幅幅写实作品。可是，手绘的技能却永远都要坚持和掌握。就像我们虽然有了电脑，但是仍然要学会写字、书法艺术仍然存在一样。脑子里的思想，用手来表现其实是最直接的。那么，要想把这种最直接的方式运用得得心应手，就必须学会画超写实绘画。而且，要从超写实素描开始。
什么是超写实素描？概括地讲，超写实素描指的是对描绘对象的形体、质感、肌理均能极为细腻地表达和刻划的一种把对物体仅一般性描述的素描推向极致的一种素描形式。从画面直观到的感觉是一种非常逼真的视觉效果，没有普通素描中常见的线、线的组合或线的排列，相似于焦距清晰的黑白照片。因此，表现的是实的东西，而不是虚的东西，画面给人以极为干净、整洁、细致入微的强烈的视觉冲击。超写实素描的对象多以静物为主，描绘人物或动物的也有，但较少，主要是因为超写实素描所用的作业时间较一般素描作业的时间要长得多，只有时间长，才便于作者有更充分的空间表现对象的质感和肌理，因为超写实素描的效果就是用质感和肌理来讲话的，质感和肌理表现的越充分，超写实素描的视觉冲击力就越强，否则，就流于一般的长期作业的层面了。
超写实素描的训练是一个高级的技术和技能的训练，因为超写实素描无论是从观察方法还是表现方法与普通素描都有着极大的差别，是一种最能体现技术和技能的一种特别的素描方式。当然，在素描教学中引入超写实素描的训练，其意义并不仅仅是去培养一个杰出的、超乎寻常的素描画家，而是通过超写实素描的训练，能够获得一种细致表现对象的素描绘画的技术和能力。当拿起笔的一霎那，就要明白，从现在画的每一笔开始都会决定最后画面的效果。橡皮是一个没有作用的家伙，它只能把颜色减轻。即使最好的橡皮最用力地擦，错误的一笔也会永远留在这张纸上。画别的素描有一些错误的笔痕没有关系，我们可以把它当作背景，可以把它当作营造空间效果的东西。但是超写实素描不行，因为我们要把事物描绘得惟妙惟肖，因为我们要把事物描绘得淋漓尽致，那些影响画面的因素一定要去掉。所以，起稿的时候要轻，再轻，轻得不能再轻。
超写实素描常见的毛病大致可以分为四种：“脏”、“腻”、“乱”、“花”。脏是最容易出现的问题，超写实素描首先是要保持画面十分的干净，其次物体部分同样要保持干净，只有干净，物体的肌理才能充分的表现出来，而画面弄脏的原因，大部分是与画者执笔绘画时手背接触画面的面积大，且来回磨擦有关系；而腻的原因比较简单，一个是铅笔的重复次数太多，再一个就是用6B以上的软铅笔铺底也容易造成腻的现象；线条的排列组合要规整，不能留有表现肌理质感以外的乱线条，不存在的线条就让它真的不存在，存在的只是各种复杂关系的深入；色调过渡要均匀，就不会出现深一块、浅一块的花斑了。
超写实素描要注意几个环节的刻画。第一个环节是全因素素描里的所有因素，其实超写实绘画就是把全因素素描发挥到了极致。全因素素描中的空间、形体、质感……等等都必须体现出来，没有这些因素别说是超写实素描，就算是全因素素描都不是合格的作品。第二个环节是要特殊注意质感的表现。在全因素素描里，质感的表现实际上是可以点到为止的。例如，我们描绘一个玻璃罐，由于室内灯光非常混乱和多，所以通常大家会采取概括和归纳的方法，只画一两个重要的高光就可以了。但是在超写实素描里，必须要将所有投射到玻璃罐上的高光都画下来，不管有多少个，不管它们都是什么形状，不管它们之间有多少微妙的色差。这些都要表现出来。这就是超写实绘画。其它的要求几乎跟全因素素描一样，唯独质感表现这一条要极其深入。
除了质感上面的光影要真实表现之外，还有就是各种质地的表现。什么东西是坚硬的，什么是柔软的；什么是粗糙的，什么是光滑的；什么是轻的，什么是重的；什么是干的，什么是湿的；……；什么是金属的，什么是尼龙的，什么是棉布的，什么是编织的，什么是塑料的；……质地的原概念是指某种材料的结构性质。引用到视觉艺术中，质地的存在离不开形态，它作为一种要素，在艺术表现上是通过不同质地结构性质的对比来实现的。对于质地上差异基本上有两种把握方式：一种是触觉的，一种是视觉的。触觉的体验是直接的，触摸到羊毛是柔软的，触摸到铁器是坚硬的，品尝柠檬是酸涩的，品尝干枣是甘甜的，这些都是通过触觉来体验。视觉上的关照是从一些表面很平滑，但视觉上则令人感觉到许多独特质地特征，如：电视荧屏出现各异的质地变化，一张纸画出不同的质地效果，照片上成像出各种质感，这些都是透过视觉而唤醒触觉的体验。我们画的超写实素描，就是要达到唤醒触觉体验的这种效果。
当我们的作品深入到自己没有耐性的时候，你就要想一想，你的作品空间表现出来没有，结构表现出来没有，质地表现出来没有？能不能唤醒我们的触觉体验呢？如果这一切都没有疑问的时候，我们的作品就可以结束了。
【参考文献】
[1]封一函。超级写实主义[M]。北京：人民美术出版社，2003。
[2]（英）史密斯。西方当代艺术：从抽象表现主义到超级写实主义[M]。南京：江苏美术出版社，1992。
[3]高懿君。超级写实主义艺术语言探究[J]。甘肃联合大学学报（社会科学版），2006，22（3）。
[4]王风华，贾明。超写实表现素描[M]。北京：中国纺织出版社，2006。
[5]韩敬伟。中国绘画质地表现[M]。沈阳：辽宁美术出版社，2000。
篇2：超写实素描教案
【论文关键词】超写实绘画;超写实素描;质地表现
【论文摘要】文章阐述了超写实绘画内涵、主要代表人物、国内外的发展情况，以及超写实素描的概念、价值，训练与创作超写实绘画的意义等。在此基础上，对超写实素描创作的要点、环节的刻画、质感和肌理的表现、容易出现的问题等方面进行了探讨。
超写实绘画源于20世纪60年代“后现代主义”的波普艺术，是该艺术流派中最为极端的一个派别，它的全称为“超级写实主义绘画”。超写实主义又称超级写实主义、新现实主义和照相写实主义，主张艺术的要素是“逼真”和“酷似”，必须做到纯客观地真实地再现现实。它的最大特点是主张艺术要大众化、通俗化。超写实主义源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。在60年代末至70年代，作为世界现代艺术的中心，美国艺坛出现了莱斯利、克洛斯、安德烈、汉森等人，其绘画或雕塑作品的逼真程度让人如面对照片或真人。日益发达的科技和丰富的材料为这种风格的发展提供了便利的条件。这种风行一时的潮流不可避免地给美国的陶艺界带来了活力，并出现了像莱文、理查·萧、道·杰克、斯坦切克和日本的三岛喜美代这样超写实风格的高手。
莱文与查理·萧都是在70年代中期开始创作这种风格的作品，除了上述的超写实绘画和雕塑对他们的影响之外，波普艺术和安纳森的怪怖艺术作品对他们的创作也产生过影响。莱文一直是以逼真的手法创作了一批“旧皮货”作品。后期作品中甚至采用实物作为“皮货”的配件。理查·萧直接利用物品翻制出软模然后注浆成型，烧造后再采用丝网印刷技术和釉上彩技法复原物品的色泽。他们俩人的共同点都是作品几可乱真，并具有浓郁的怀旧情感。道·杰克和斯坦切克作为后起之秀，在人体雕塑的乱真方面具有令人称道的独特之处，他们并不仅仅以达到乱真的效果本身为目的，而是在作品寓意的深刻方面向前迈出了一大步。
三岛喜美代是日本超写实主义的代表，她娴熟的制陶技术和丝网印刷的能力，使她在处理其作品时显得得心应手。只有当这些作品以一个群体的方式在一个场域里向公众展示时，我们才能发现超写实主义风格所具有的真正魅力……
超写实主义风格在世界其他国家的陶艺界虽有所涉及，但未流行。
许多学者都认为中国的传统艺术是一种“写意”的艺术，因为在中国传统艺术中，大多数的艺术作品显现着“取其‘意’，而忘其‘形’”的艺术特点。然而，在中国的传统雕塑艺术中，并非均因为追求“意”而忽略了“形”的表现。比如在重庆市大足县的石门山石窟中，有一组表现手法与众不同的雕像——“千里眼”、“顺风耳”，其表现内容细致到触及到肌肉、骨头、血管。不仅神形兼备，甚至到了几乎是“超写实”的程度。这使我们真应当重新去体会东方文明，重新关注中华民族五千年的文化与艺术!
上世纪80年代初，由于我国对外开放的政策，超写实艺术得以引进。它一亮相，便轰动全国，如第二届全国青年美术展获一等奖的油画作品《父亲》以及稍后出现的《钢水汗水》等等，罗中立也因作品《父亲》而成名。画中，作者用极为细致的照相式的方式描绘了一位饱经沧桑、艰苦劳作的老农民的形象。诚实、善良、略显木讷的目光，镌刻满面的皱纹，黢黑的老年斑、苦命痣，干裂的嘴唇，老树枝一般的手指，破旧的粗瓷茶碗，……，他的身后是经过劳动换来的一片金色的谷场景象，一切都是那么历历在目，真实可信。这位老农的形象已经远远超过了生活原型，他所代表的是中华民族千千万万的农民。事实上，画家是通过人物形象寄托了自己的思想情感，是对我国千千万万劳动人民的赞美。
从1983年起，原中央工艺美术学院率先在装潢和特艺系开设了超写实绘画课程，并聘请了美籍华裔超写实画家到该校执教，传授技巧。如今超写实绘画已是高等美术教育中的一门必修课。的确，超写实的作品确实会令我们赞叹。因为它将生活描绘得太充分了，对于肖像画，它甚至描绘出一根毛发，一个毛孔，一个虹膜上的斑纹，一丝皱纹上渗出的汗水……即使是照片，也未必能描绘出这样的真实。当同学们惊讶于这些作品的时候，也就是他们对超写实绘画感兴趣的时候了。从接近生活的角度来看，超写实绘画的艺术主张与我们培养学生的主导思想是一脉相承的;超写实绘画要求作者具有冷静的头脑、理智的思绪，耐心细致的性格，有条不紊的工作程序，一丝不苟的态度，学生通过学习超写实绘画，能培养他们良好的工作作风;超写实绘画多数是从局部入手，后到整体，在专业方面，能提高学生的业务能力和认识水平。电脑硬件的普及和各种绘图、绘画软件的应用，能让我们轻松地在Painter、Photoshop等高级绘画、绘图软件帮助下，完成一幅幅写实作品。可是，手绘的技能却永远都要坚持和掌握。就像我们虽然有了电脑，但是仍然要学会写字、书法艺术仍然存在一样。脑子里的思想，用手来表现其实是最直接的。那么，要想把这种最直接的方式运用得得心应手，就必须学会画超写实绘画。而且，要从超写实素描开始。
什么是超写实素描?概括地讲，超写实素描指的是对描绘对象的形体、质感、肌理均能极为细腻地表达和刻划的一种把对物体仅一般性描述的素描推向极致的一种素描形式。从画面直观到的感觉是一种非常逼真的视觉效果，没有普通素描中常见的线、线的组合或线的排列，相似于焦距清晰的黑白照片。因此，表现的是实的东西，而不是虚的东西，画面给人以极为干净、整洁、细致入微的强烈的视觉冲击。超写实素描的对象多以静物为主，描绘人物或动物的也有，但较少，主要是因为超写实素描所用的作业时间较一般素描作业的时间要长得多，只有时间长，才便于作者有更充分的空间表现对象的`质感和肌理，因为超写实素描的效果就是用质感和肌理来讲话的，质感和肌理表现的越充分，超写实素描的视觉冲击力就越强，否则，就流于一般的长期作业的层面了。
超写实素描的训练是一个高级的技术和技能的训练，因为超写实素描无论是从观察方法还是表现方法与普通素描都有着极大的差别，是一种最能体现技术和技能的一种特别的素描方式。当然，在素描教学中引入超写实素描的训练，其意义并不仅仅是去培养一个杰出的、超乎寻常的素描画家，而是通过超写实素描的训练，能够获得一种细致表现对象的素描绘画的技术和能力。 当拿起笔的一霎那，就要明白，从现在画的每一笔开始都会决定最后画面的效果。橡皮是一个没有作用的家伙，它只能把颜色减轻。即使最好的橡皮最用力地擦，错误的一笔也会永远留在这张纸上。画别的素描有一些错误的笔痕没有关系，我们可以把它当作背景，可以把它当作营造空间效果的东西。但是超写实素描不行，因为我们要把事物描绘得惟妙惟肖，因为我们要把事物描绘得淋漓尽致，那些影响画面的因素一定要去掉。所以，起稿的时候要轻，再轻，轻得不能再轻。
超写实素描常见的毛病大致可以分为四种：“脏”、“腻”、“乱”、“花”。脏是最容易出现的问题，超写实素描首先是要保持画面十分的干净，其次物体部分同样要保持干净，只有干净，物体的肌理才能充分的表现出来，而画面弄脏的原因，大部分是与画者执笔绘画时手背接触画面的面积大，且来回磨擦有关系;而腻的原因比较简单，一个是铅笔的重复次数太多，再一个就是用6B以上的软铅笔铺底也容易造成腻的现象;线条的排列组合要规整，不能留有表现肌理质感以外的乱线条，不存在的线条就让它真的不存在，存在的只是各种复杂关系的深入;色调过渡要均匀，就不会出现深一块、浅一块的花斑了。
超写实素描要注意几个环节的刻画。第一个环节是全因素素描里的所有因素，其实超写实绘画就是把全因素素描发挥到了极致。全因素素描中的空间、形体、质感……等等都必须体现出来，没有这些因素别说是超写实素描，就算是全因素素描都不是合格的作品。第二个环节是要特殊注意质感的表现。在全因素素描里，质感的表现实际上是可以点到为止的。例如，我们描绘一个玻璃罐，由于室内灯光非常混乱和多，所以通常大家会采取概括和归纳的方法，只画一两个重要的高光就可以了。但是在超写实素描里，必须要将所有投射到玻璃罐上的高光都画下来，不管有多少个，不管它们都是什么形状，不管它们之间有多少微妙的色差。这些都要表现出来。这就是超写实绘画。其它的要求几乎跟全因素素描一样，唯独质感表现这一条要极其深入。
除了质感上面的光影要真实表现之外，还有就是各种质地的表现。什么东西是坚硬的，什么是柔软的;什么是粗糙的，什么是光滑的;什么是轻的，什么是重的;什么是干的，什么是湿的;……;什么是金属的，什么是尼龙的，什么是棉布的，什么是编织的，什么是塑料的;……质地的原概念是指某种材料的结构性质。引用到视觉艺术中，质地的存在离不开形态，它作为一种要素，在艺术表现上是通过不同质地结构性质的对比来实现的。对于质地上差异基本上有两种把握方式：一种是触觉的，一种是视觉的。触觉的体验是直接的，触摸到羊毛是柔软的，触摸到铁器是坚硬的，品尝柠檬是酸涩的，品尝干枣是甘甜的，这些都是通过触觉来体验。视觉上的关照是从一些表面很平滑，但视觉上则令人感觉到许多独特质地特征，如：电视荧屏出现各异的质地变化，一张纸画出不同的质地效果，照片上成像出各种质感，这些都是透过视觉而唤醒触觉的体验。我们画的超写实素描，就是要达到唤醒触觉体验的这种效果。
当我们的作品深入到自己没有耐性的时候，你就要想一想，你的作品空间表现出来没有，结构表现出来没有，质地表现出来没有?能不能唤醒我们的触觉体验呢?如果这一切都没有疑问的时候，我们的作品就可以结束了。
【参考文献】
[1]封一函。超级写实主义[M]。北京：人民美术出版社，2003。
[2](英)史密斯。西方当代艺术：从抽象表现主义到超级写实主义[M]。南京：江苏美术出版社，1992。
[3]高懿君。超级写实主义艺术语言探究[J]。甘肃联合大学学报(社会科学版)，2006，22(3)。
[4]王风华，贾明。超写实表现素描[M]。北京：中国纺织出版社，2006。
篇3：论素描在写实油画创作中的作用
关键词：素描,写实油画,作用
长期以来, 凡是学习绘画的学者, 其都必须学习素描。素描可以说是一切造型艺术所必需的基本功, 任何一项造型艺术创造都离不开素描的训练。千百年来, 很多绘画大师及绘画爱好者都极力探索并研究素描的更多作用及技巧。
一、素描的基本概念及写实课题
简单来说, 素描就是利用铅笔来将自己所看到的东西和事物用简单的线条、明暗等描绘出来, 从而形成一个大概的物体形象。在进行绘画时, 要特别区分图画的明暗, 但不需要给其添上色彩。素描其实就是一种单纯的绘画形式。然而素描又是一个将自身需要或是想法表达出来的一种形式, 因此也可以说素描其实是人内心世界的体现。
作为造型基础的素描, 在写实课题方面主要是解决以下一些基本问题;一是解决抓形的问题。绘画对象的构图经营 (对象的位置、大小、形状、主次、疏密、黑白等) 、比例与动态的准确把握、形体结构的精深理解, 都要通过一系列的科学的素描训练方法来实现:二是解决空间的问题。写实绘画的根本目的就是要在平面的二维画面空间之上表现具有深度空间的三维画面空间, 而素描的任务则是利用我们的视觉错觉, 通过光影、透视、虚实、强弱等科学手段, 来营造深度空间:三是解决塑造的问题;我们知道, 绘画创作成败的关键在于作品的深入塑造程度, 深入地刻画可以使对象更逼真, 科学的素描训练恰恰是提升画家这种能力的有力手段:四是画面处理的问题;决定画面最终效果的关键是最后的画面处理, 这就要求画家不断地提升自身的艺术素养, 通过大量的素描艺术实践, 开阔眼界, 勤于思考, 提高审美能力。
通过对素描绘画的学习, 我们对于大自然万事万物当中的秩序及魅力有了切身的感受, 从而使我们能更加热爱自然。其次, 通过对素描的学习, 我们会更热爱自己的生活。生活是素描的源泉, 在进行绘画时, 我们会仔细观察所要描绘的物体或是事件, 这就会让我们发现很多平时不会注意的东西。再次, 通过自己的手将物体绘画出来, 让物体富有“生命”这件事情也会让自己体验到很大的成就感和愉悦感, 使自己感觉快乐。所以说, 素描不但会使人们的大脑得到开发, 而且还让人们的手和眼得到锻炼, 同时也让人们发现并感受到了生活当中更多美, 提升人们的内在涵养。
二、写实油画的艺术特色
所谓写实油画就是通过特殊的油画技法材料真实地再现事物的绘画表现形式之一。这种风格的油画总体上以严谨的写实造型为主, 色彩的表现都要服从于形体和造型, 这就要求画家必须具备深厚扎实的素描写实功底。写实油画作品要求对画面形象的整体把握, 既要对作品的主题内容作精心地构思:又要为画面的构图、空间、形体刻画等作精心地处理, 以达到形色的高度统一:同时, 在思想深度与艺术高度上, 更要体现作画者的整体修养, 从这个意义上说, 它完全与素描的基本任务相吻合。
三、素描在写实油画创作中的作用
在进行写实油画创作的过程中, 通常是先利用造型及线条将物体的基本形状勾勒出来, 然后再加以适当的颜色进行调和而最终形成一幅写实油画作品。其中造型及线条则是素描作用在写实油画创作当中的具体体现, 也是写实油画创作的基础。若没有一个很好的素描基底, 那么就算添上丰富多彩的颜色也形成不了一幅优秀的写实油画作品。很多艺术家们对于色彩的第一笔构造都非常重视, 但色彩的构造说白了也是从绘画的基础——素描当中而来的。所以说, 素描及色彩是密不可分的。而素描对于写实油画创作的作用主要体现在以下几个方面:
第一, 素描中造型能力是完成写实油画创作的前提。素描中的线条是写实油画创作的表现形式。所有绘画其基础都是线条, 尤其是针对油画创作, 可通过线条的粗细、虚实等来体现事物的形态或构造。在进行油画创作的过程当中, 素描当中的线条可明可暗, 主要由创作者来决定。另外, 在素描当中对于形体的描绘也在写实油画创作当中发挥着不可替代的作用。形体描绘当中的形是指素描当中对于物体形状及构造的描绘, 而体则是表现物体的立体感。所以说在写实油画创作当中, 形体是相辅相成、密不可分的。
第二, 素描在写实油画创作中画面空间的作用。在写实油画创作当中, 素描对于其所起的画面空间作用主要有明暗关系、透视关系、素描虚实关系、近大远小关系以及前后关系。在现实生活当中, 我们所看到的一切事物都是处在一个三维的立体空间内的, 而写实油画是在一张平面画布上的, 它是一个二维的平面空间。要想在二维空间上体现三维空间的立体感就需要艺术创作者利用一定的绘画技巧将其变得虚幻、立体, 而素描中的线条分割、虚实对比以及明暗的划分则可将其表现出来。近些年来, 很多油画大师就是利用此方法来完善自己的油画作品的。另外通过线条的粗细、长短等还可体现事物的远近关系。比如说达芬奇的《蒙娜丽莎》, 其就是利用素描的线条来体现事物的远近关系, 从而体现人物与欣赏者的距离, 突出人物的立体感。此外其还利用线条的虚实提高了整个画面的立体感, 再加上色彩的添加调和而形成了一幅优秀的油画创作。
第三, 素描草图是写实油画创作的基础。一幅优秀的写实油画创作是不可能一次性完成的, 其首先需要利用素描将创作者所看到的、心中所想的、所要表达的事物一点点收集之后再通过构思及形体的表现而慢慢勾勒出来, 然后进行一点点地修改最终才能完成事物形态的表现。这是一个漫长的过程, 也是一个最为基础的过程。在完成素描之后, 创作者们才开始考虑利用色彩进行填充和调和, 最终完成一幅写实油画创作。没有立体感的描绘就算后期加上再多的色彩其也是一幅失败的作品, 因此素描草图对于写实油画创作来说也是非常重要的。
四、结语
素描是绘画的基础。据调查, 很多世界级的油画大师其素描技巧也是非同一般。油画大师在进行油画作品的创作时首先都是利用素描来体现作品的立体感, 然后再根据需要配上相应的色彩, 加以调合之后才能最终完成一幅优秀的油画作品。因此学习绘画者一定要重视素描对于写实油画创作的作用, 努力提高自身的素描技巧, 这样才能创作出更好、更优秀的油画作品。
参考文献
[1]周慧.素描对写实油画创作的重要性[J].青年作家 (中外文艺版) , 2010 (07) .
[2]齐爱民.论素描在写实油画艺术创作中的作用[D].河北师范大学, 2009.
[3]陈镇钺.素描在油画创作中的作用研究[D].广西师范大学, 2012.
[4]温文榔.素描对于油画创作的影响和作用[J].作家, 2012 (24) .
篇4：素描对写实油画创作的重要性
关键词:素描;色彩;写实油画;油画创作
文艺复兴时期,艺术大师米开朗基罗·博那罗蒂说“素描是一切造型艺术的基础”,由此可见素描的重要地位。素描是所有从事绘画专业的首要必修课。无论你学习的是国画、油画、版画还是雕塑,无论你是学习当代艺术还是古典艺术,首先都要进行系统的素描学习。
那么,究竟什么是素描呢?“广义上的素描,涵指一切单色的绘画,起源于西方造型能力的培养。”[1]就是在平面的纸上或者画布上运用一种颜色表现宇宙万物的形态、结构、色调、明暗、空间、质感等的绘画。“狭义上的素描,专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。”[2]可以说,素描是艺术家认识生活、认识大自然的特殊手段。不仅如此,它还能极富创造性地表现生活、表现大自然,使之升华成为艺术。它有着自身的造型语言、自身的结构规律、自身的力度与内涵。这正是我们学习素描的意义所在。
从我们进行正规的美术教育开始,我们的老师就告诉我们学习素描要记住一条原则:三大面,五大调子。即无论画什么,都要分“亮面、灰面、暗面”以及“高光、过渡、明暗交界线、反光、投影”,而且强调明暗交界线最黑。我们凭借老师给我们总结的公式,轻松地通过了大学的入学考试。运用这个公式,我们确实也能画出一张好的素描。但是进入大学以后,特别是学习了油画以后,很多人所拥有的素描知识却没办法运用到油画创作中。在许多作品中,素描很严谨、很结实,但是油画却很松散,没有立体感。原来笔者一直把素描简单地看作是学习美术的一种工具,把素描和色彩完全隔离,而没有真正体会到素描对于色彩特别是写实油画创作的作用。对于写实油画来说,素描贯穿于整个油画创作的过程中。
素描对油画创作具有十分重要的作用。在笔者的油画创作中,频频出现困难:画到一半没办法深入下去;想的和画的完全是两种感觉,达不到自己想要的效果;颜色容易画粉、画脏,其实这些都是素描中的问题。素描是油画的基础,一张好的油画肯定要有好的素描基础做基石。素描因素包括造型结构、体积、明暗关系等,色彩包括色相、明度、纯度、冷暖等。我们画素描时要追求立体、块面,把物体放入空间中去研究,这就是为了要准确地研究物体的结构、体积,为油画的创作打好基础。因为油画就是要用一块块的颜色来表现物体的结构与体积,同时只有在严格的素描训练的前提下,熟练地掌握了物体的结构,在画油画时才会画出生动的、准确的物体结构、动态。另外很重要的一点,在素描中掌握好色调分布及运用对油画创作也有很大的帮助,也就是素描中的黑白灰关系。在某种意义上讲,素描的黑、白、灰也就是色彩中的明度的层次。正确的色调的把握为油画中各个色块的分布及明暗色块的对比提供了正确参照,不会因为追求颜色的搭配而忽略了物体是处于空间中的,也不会减弱它的光感。而且在画油画时,画面的空间立体感不仅仅只是靠素描关系来呈现,色彩冷暖的变化也可以增强画面的空间感。
写实油画是写实绘画中的一种,也是油画中的一种创作表现形式,源自西方,具有悠久的历史和深厚的传统。随着写实油画发展的要求,使素描更加重视结构的表现,也更加重视光、空间、质感等视觉因素的运用和表现。所以我们的素描训练要求不仅仅只是画一张好素描,而是要懂得艺术。只有在严格的素描训练中掌握好最基本的形体、结构、色调,才能在油画中运用自如,画出好的油画作品。
写实绘画在欧洲文艺复兴时期得以壮大,出现了一批写实油画巨匠:达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗等。他们高超的写实功底征服了每一位欣赏者的心。而他们的素描草稿见证了素描对油画创作以及写实油画创作的重要作用。达·芬奇创作的每一幅作品,都以素描作基础,不论是作品的构图、空间、比例,都在素描稿中就已成型。他的素描的特点是观察入微,线条刚柔相济,尤善于利用疏密程度不同的斜线,表现光影的微妙变化。这些素描和他的正式作品一样达到了极高的水平,被誉为素描艺术的典范。所以这些素描草图对于研究他的油画作品也具有重要的参考价值。
另一位将素描的作用在自己的作品中发挥到极致的是19世纪新古典主义大师安格尔,他对素描也有极高的造诣。他的每一幅作品都追求一种古典美,从素描中得到启示,重视线条造型。因而几乎每一幅画都做到了构图严谨、色彩单纯、形象典雅。他的油画作品《泉》是一幅伟大的作品,清澈的泉水从玲珑的水罐里流出,顺着美丽的少女的指缝间流淌。在青色的岩崖和静穆的黄花映衬下,我们能轻而易举地感受到那种清高绝俗和庄严肃穆的美。
欣赏、膜拜他们的作品,我们都会为他们的写实功底而折服,而我们更能体会到的是素描对于写实油画的重要性。一幅好的油画直接反映了创作者的素描基本功。
今天,我们的美术教育能够普及的话,这将成为一项新兴的教育观念。它能使每一个普通人都开始走进色彩斑斓的艺术世界——认识艺术、感知艺术,更有甚者去创造艺术。当我们拿起画笔就开始追随着素描的足迹,素描让我们开始学会用观察“美”的眼睛认识世界、畅游世界。然而对于每一位开始走上艺术之路的人,都会用各自不同的表现形式去装点我们的生活。在这时,素描对写实油画创作的意义就显而易见了。笔者相信在未来的美术教育发展中,素描在写实油画创作中的作用会越来越完善。
素描犹如黑夜和白天,传承我们的生活。在光的影响下,形成一个具有丰富变化的实体。紧接着,它的魔力又把大自然的颜色统一成一个整体,在艺术家勤劳的双手下编制成一幅幅优美的油画。对于油画创作者来说,素描贯穿整个创作的始终,牵引着我们去思考素描与油画的关系。
注释:
[1][2] 素描,百度百科(http://baike.baidu.com/view/574.htm?fr=ala0_1_1)。