名画向日葵

名画向日葵（精选12篇）

篇1：名画向日葵

名画赏析梵高的《向日葵》

一、作品分析及欣赏定位

梵高曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他认为黄色代表太阳的颜色，而向日葵金黄色的花瓣，给人一种温暖的感觉，使人内心充满激情，画面以黄色和橙色为主调，绿色与蓝色的细腻笔触，勾勒出花瓣和花茎，籽粒的浓重色点，具有醒目的效果。那大胆恣肆，坚实有力的笔触，以不同的走势，在明亮灿烂的底色上找寻不同的结构与色调，把朵朵向日葵表现的光彩夺目，动人心弦。作品以饱满而纯净的黄色调，展示了画家内心中，似乎永远沸腾着的热情与活力，那一团团如火焰般的向日葵，不仅散发着秋天的成熟，而且更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，那一块块炽热的黄色，不仅融集着自然的光彩，而且宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。由此，我们把这次欣赏活动定位在对色彩的欣赏上。

二、活动目标

1、感受黄色调的热烈与对比调和，欣赏生活中的色彩美。

2、引导幼儿根据自己的理解重新组织色彩进行创作。

三、活动准备

1、本作品及梵高其他的向日葵作品

2、绘画纸、暖色彩纸、彩色水笔、油画棒、水粉颜料。

四、活动重点、难点

重点：观察黄颜色的对比与调和，了解色彩搭配的规律，体会色彩浓浓的美。、难点：引导幼儿按照色彩规律进行创作，表达自己的情感。

五、活动过程

（一）欣赏过程

1、引导幼儿欣赏画面内容，引导重点：观察画面，感知画面的主要内容。

（1）师：这副画中你看到了些什么？（幼：有大小不同的花、一个花瓶、桌子）

（2）师：这副画中的向日葵面貌一样吗？哪里不一样？（幼：向日葵开的有大有小、开放的方向不一样、花瓣的大小不一样、中间的花头大小也不一样、有的向日葵成熟了有的没有成熟。）

（3）师：向日葵的花瓣和葵叶像什么？（幼：像随风飘动的头发、像火苗）

（4）师：画家这样画这幅作品中的向日葵给你什么感觉？（幼：像生活中的花一样，感觉能动起来）

2、感受画面中的颜色，体验色彩美。引导重点：观察颜色的对比与调和，体会色彩的美。

（1）师：画面主要运用了什么颜色？是同一种黄色吗？（幼：有柠檬黄、大地黄、橘黄、有深点的黄颜色、有浅点的黄颜色）（2）师：这些不同的黄颜色给你什么感觉？（幼：暖洋洋的有种晒太阳的感觉，黄颜色有春天的感觉，有幸福的感觉）

（3）师：画面中还有什么颜色？（幼：黑色、葵叶的绿色深浅不一样、一朵向日葵的花头是蓝色的）（4）师：说一说这样的颜色的颜色搭配在一起带给你什么感觉？（幼：黄颜色和绿颜色在一起很漂亮、有深颜色的地方看黄色的花会更好看）

3、对比不同色调的向日葵作品，引导幼儿感受色调的变化带给人的情感差异。

（1）师：这幅黑白色的向日葵给你什么感觉？（幼：心情特别的不好感觉花都要谢了）

（2）师：这幅蓝色的向日葵给你什么感觉？（感觉特别冷、深蓝色像黑夜里的海水、冷冷的）

（3）师：深红色的这幅向日葵给你什么感觉？（幼：感觉像夏天的太阳热热的）

（二）创作过程

1.创作引导，鼓励幼儿根据自己贵作品色岛的理解进行个性化的创作。（1）师：现在我们也学着画家的样子用一种色调话一副向日葵。（2）师：说说你们都想画什么样的向日葵。

询问个别孩子，帮助其建立自己的想法，鼓励幼儿按照自己的想法画出不同的内容。

2、幼儿创作，教师个别指导

师：你可以试着用画中的这些颜色画一副太阳般的向日葵，或者你也可以视作将这些花朵变变颜色，画出不一样感觉的向日葵。创作过程中，教师要注意提醒幼儿用适当的色调表达自己的兴趣。欣赏原作品之后，幼儿再色彩搭配上收到了启发，创作室能利用深浅不同的颜色来表现绘画作品，并以相反的色调来点缀，表达自己的心情与想法。

（三）评价过程

绘画结束后和孩子们一起进行讨论。

（1）哪幅作品选择的色彩最具有个性。最大胆。能打动你？说说你的理由？

（2）那些作品的色彩搭配特别美？为什么？（3）让我们请选出的小画家介绍一下自己的作品吧。

篇2：名画向日葵

冷风飕飕吹来，轻而易举攻下我的防御系统，眼前这幕景，使我的心房情不自禁的将锁一个个解开，待“它”探索我内心最深处的心迹。

我走进了这空洞虚无的`时空，一抬头，“哇！”蓊郁高大的树林，隐蔽了我的视线，但却给人一种气派俨然的威严感，每棵树都犹如用无情冷酷的眼神看着我，盯着我向前进，像是在指引些什么……，“砰！”心中捶下重重一击，多哀愁的夜啊！像是神秘的夜女士，时而湛蓝，时而黑，弥漫着忧郁的气氛，但是月先生，却温柔的散发光晕，静静陪着夜女士，并召集星星孩子们为夜女士散发耀眼光芒，加油打气……。

我回到现实，看着身旁这位憔悴而苍白，硬撑着身子到外头透透气的病人，我轻抚她日渐灰白的秀发，为她静静盖上被子。再次凝望着这片星空，我多想像月一样，能守护着我最挚爱的亲人，使她像夜一样永久陪伴着我，而不是像树林里的枯叶，随时准备掉落，凋零在这个时空，而随风消逝、远走……，触到伤心处，内心如海水般波涛汹涌，悲伤与无能为力的痛，随着一条条涓涓细流，滑落脸庞，一颗颗珍珠滴上草地，彷彿使这片草原也跟着怏怏不乐，啜泣了起来。

我爬起身，像是领悟些什么似的，了解到只要默默的支持着她，用爱的光晕包围着她，也会有那么一天，夜能喜悦起来，健康的朝我挥挥手，看！现在的夜，不就转为漂亮的宝蓝色，甜甜的对着我笑吗？

篇3：名画鉴赏

此画风格主要是从明代“浙派”的画风受到启发, 采用了边角的构图形式。画家以快速的笔触勾勒山石的轮廓, 又以“斧劈皴”的技法表现岩块粗砺的质理;远山则敷染了浓淡有致的水墨笔调, 营造出开阔的空间。画中描绘山谷溪流旁及高耸松树下, 一位童子正拉着驴子, 准备要渡过木桥, 不过因为驴子极力地抗拒, 两者因此僵持不下的情景。人与动物之间栩栩如生的互动, 让观者体会到世俗生活中幽默趣味的一幕。

《葛稚川移居图》描绘的是晋代著名道士葛洪携家移居罗浮山烁丹修道的故事。此图以山水为主体, 山中茅舍与行进的人物构成一幅深秀的山水人物画;此幅是王蒙的变体画代表作, 对全面研究其绘画风格极具价值。

篇4：名画家说名画

齐白石，湖南湘潭人。原名纯芝，字渭清，后改名璜，字濒生，号白石，别号借山吟馆主者、白石山人、寄萍老人、白石翁、老萍、借山翁、杏子坞老民、齐大、木居士、木人、三百石印富翁、星塘老屋后人等。幼喜丹青，12岁学木匠，15岁学雕花手工，业余练习绘画。27岁始正式拜师学习绘画，先学肖像，再学山水、花鸟、人物，同时兼习诗文画论，开始写诗、刻图章，并兼作画工。在1902年之前（是年38岁），齐白石一直生活在湘潭农村，株守家园，以自己的手艺（木匠雕刻，大约三十岁卖画以足养家）平安度日是基本理想。自1902年至1909年七年远游，开阔了齐白石的视野和胸怀，之后乡村幽居十年。40岁后，曾先后五次游历各地，寻访名迹，并将画稿汇集为《借山图卷》。1917年因战乱避难，离开自己熟悉和充满温馨亲情的故土只身进京，以篆刻、卖画为生。57岁时（1921年），曾任北京艺术专科学校教授。时因画风追摹八大之冷逸，又太似太拘谨，而不受欢迎，在陈师曾劝告下，齐白石准备“衰年变法”，从此以极大的决心闭门谢客，潜心研究，变通画法。从1919年至1929年，进行了十年的探索，自创红花墨叶一派。老人85岁时（1949年）有诗注道：“予五十岁后之画，冷逸如雪个，避乡乱，窜于京师，识者寡。友人师曾劝其改造，信之，即一弃。”（《齐白石一生》，人民美术出版社，1990年版，第129页）其后，画名逐渐远播。1955年，获得国际和平奖金．1962年被选为世界十大文化名人之一。历任中央美术学院教授、北京中国书画院名誉院长、中国美术家协会主席。继承传统绘画的表现方法，吸收民间绘画艺术之营养，通过对生活现象的深入观察，加以融会提炼，作品以写意为主，题材从人物、山水到花鸟、鱼虫、走兽几乎无所不画。笔墨奔放奇纵，雄健浑厚，挥写自如，善于把阔笔写意花卉与工笔细密的写生草虫巧妙结合，造型简练质朴，富有变化，色彩鲜明强烈，画面生机蓬勃，雅俗共赏，独标一格。精篆刻，工书法，善诗文，提出“作画在似与不似之间为妙，太似为媚俗，不似为欺世”的主张，实践上“不薄今人爱古人”。治印讲究篆法，多取秦汉籀篆、诏版文字，将圆体篆字变为方体，采用单刀侧锋冲刻，果断爽快，自然奔放，气势盈满，看似不加修饰，实则浑然天成，人称“齐派”。

先是用赭墨画鹰，其中用墨相对多一点，这样颜色就稍微有点区别，然后嘴上再加一点花青，有冷暖对比。与吴昌硕不同的地方，就是对比更加分明，一是颜色与墨色的对比，一是粗线条跟细线条的对比，松柏上的苔点也不同。此画既保留了吴昌硕的苍劲，但又变得更加严谨，更加精微，因为齐白石学的东西很多，有金冬心的，也有李复堂的。树的穿插都是从李复堂来的，鹰又是从八大那里学来的，八大学过林良，齐白石就是学八大、林良。林良的鹰更写实一些，没有这个写意。鹰给人的感觉好像小了一点，脖子也高、粗了一点。画的顺序是，先画鹰，再画浓墨的穿插枝干，然后再画主干，小干从主干这里穿插过来。最后感觉不够丰富，就加了一个淡墨渴笔的小干，自上而下向右靠过来，这样整个画面就完整了。这是七十多岁画的，从题字就能看出来。除了保留了吴昌硕的苍劲，也吸收了很多民间艺术因素，把民间质朴的、纯真的东西吸收到中国文人画里面。齐白石的画一笔一笔都交代得特别清楚，无论是画大干还是画小干、画松针。画的时候一定要见笔，要笔笔能拆开。

吴昌硕的画有时有一股习气，但齐白石没有。吴昌硕大块面的规律比较好掌握，齐白石变化更多，规律不好掌握。

《蘑菇竹笋》纸本水墨

设色 167.7x42.7cm

这张画非常精到，主要表现在富有节奏感，冬笋的节奏还有蘑菇的节奏，大大、小小，侧面、正面，点点、面面，看上去拿掉一个都不行，增加一个也不行。拍卖会上竞拍的人看不到这一点，认为这类画不好，什么有牡丹、有鸟的才好，实际上这种画最见艺术功底。这几个竹笋画得非常妙。先是画大结构，再一个一个加进去，由大到小，非常有变化，这几个又故意虚掉不画根，特别有节奏感。画画一定要注意节奏感，一个画家的才能很重要的一点是体现在画面节奏上，看能不能把硕大的物象组织在有节奏的画面里。再看小香菇，故意不把根堵死，都留着点空白，只用淡墨点一点，否则就死板了。下面的蘑菇是一大组，右上面的是一小组，左边再画上几个把它们拉开，这样有聚有散，如果把它拿掉就显得太对称、太平了。画得很巧妙，很讲究！再看最上面那两个蘑菇，一个稍正面、一个侧面，形成对比关系。中间再加两个淡墨的蘑菇，之后看竹笋与蘑菇中间缺点东西，就再加上两个小的蘑菇，而且加得非常妙！这幅画非常好，但没看到出版，不过类似的，蘑菇画了很多。

齐白石的用笔比吴昌硕慢，从这些线条就能看出来，勾得很慢。李可染先生说过，他跟齐白石学画十年就学会了一个“慢”。

这个图章盖的位置非常好，如果太靠近画字款盖整个结在一起就太紧了，这样拉开，在这里与最下面的两个大笋形成一条线，看上去有变化，又整体，布局也平稳了，气就透了。

笋的颜色很好，有的偏墨色一点，有的偏赭石色一点，把笋的各种形态都表现了出来。

《竹篓螃蟹》纸本水墨

168x42.9cm 1941年

在变化和节奏感处理上，齐白石是高手，在这一点上要高于吴昌硕。这幅画螃蟹的干、湿、浓、淡，正面、侧面的关系，一直到篓子、篓子盖，包括题款一直贯到底，都非常讲究，斜腿是用羊毫自身的变化一笔画的，都是在中间墨色变化，羊毫蘸上墨之后，笔一转墨色就变化了，浓的锋在当中，淡的在周围，都是中锋用笔。

题款：“余久不画蟹，偶尔画之，竟能成趣，乃心手相应也。辛巳二月”。另外，这个图章盖在这里位置也很好，与下面的螃蟹在一条横线上，形成一个三角。画面上三角很重要，这样能把画面兜住，显得稳定。

《鲇鱼》纸本水墨

132.5x32.4cm

鲇鱼头画得扁扁的，鳍看上去黏黏糊糊的，画得都很到位，但上面的鳍是干笔，这样有变化。鱼肚子画得也很好，光溜溜、黏糊糊的，画得很随意，不做作。齐白石路子比吴昌硕宽，他是从生活中来的，又是平民出身，所见所闻所想都体现在画面上。

题跋也很好，“作画欲求工细生动故难，不谓聊聊（寥寥）几笔神形毕见亦不易也。余日来画此鱼数纸，仅能删除做作，大写之难可见矣”，就是说画画要随意，不要做作。

《荔枝》纸本水墨设色 137.7x33.4cm 1929年

齐白石的画构图变化很巧，没有吴昌硕的习气。这是一篮子杨梅，上面又挂上一枝，这样就把势拉上去。原来右面没有这行题字，后来加了一行上款，构图就平稳了。不在南方生活可能不知道，齐白石画的果子一种是杨梅，一种是广东荔枝。杨梅没有这个长柄，荔枝有长柄，画的荔枝看上去有点像浙江产的杨梅。另外，齐白石画叶子总是从里往外画。

《栗树》纸本水墨设色 176.8x47cm

画的顺序是先用赭墨画主干，稍微加了点石青、花青。整个画面以墨色为主，再稍微有一点颜色，就感到很丰富。我们能把他画的过程看出来，当中画了主干以后，画赭墨的小枝子，再画向下的赭墨小枝子，然后再点叶、点果。果子是先用干笔画刺，画完之后再上颜色，是用破墨，这里破得比较多一些，又露出小飞白，感觉就蓬松一些，这样有变化。

他把板栗夸张得很大，板栗实际没这么大，他夸张了好多倍。他画板栗的叶子与枇杷感觉一样，都是带刺的。

最后加上的浓墨小斜枝很重要，这样就把主枝干和直向的一组赭墨的小枝干给破了，否则二者太平行。

那里还有点赭墨。题跋：“丁巳前，过南邻子小园，南邻女子能上梯折栗子赠余，栗剌伤指，见血痕，犹无怨态，此好梦不觉忽忽九年矣。白石记。”齐白石很风趣。这条款很好，把左边空白自上而下堵满，把人的视线拉到右边的枝果，而且加强形式感。

篇5：中国名画欣赏

02、《长沙马王堆一号汉墓帛画》/西汉帛画

03、《女史箴图》·局部/顾恺之

04、《洛神赋图》·局部/顾恺之

05、《职贡图》·局部/萧绎

06、《竹林七贤与荣启期砖画》/画像砖

07、《鹿王本生图》/莫高窟壁画

08、《西方净土变》/莫高窟壁画

09、《维摩诘经变》/莫高窟壁画

10、《张议潮统军出行图》/莫高窟壁画

11、《游春图》/展子虔

12、《历代帝王图》·局部/阎立本

13、《步辇图》/阎立本

14、《虢国夫人游春图》/张萱

15、《捣练图》/张萱

16、《簪花仕女图》/周昉

17、《高逸图》/孙位

18、《江帆楼阁图》/李思训

19、《明皇幸蜀图》/李昭道

篇6：梵高传世名画教案

【教学目标 】：使学生对19世纪欧洲后印象主义绘画的主要画家凡高及作品有所了解和认识。开阔眼界、提高认识、增进知识，培养健康的的审美情趣和感受、体验、鉴赏艺术美的能力。

【教学重点】：凡高艺术人生和作品欣赏以及后印象主义的主要特点。【教学难点 】：学生对凡高艺术人生和作品的理解。【教学准备】：凡高作品图片 【教学内容】：

［导入 ］：古今中外许多画家都有自己的代表作品，在我国说起虾，会想到齐白石（学生回答）提到马会想到徐悲鸿（学生回答），同样在西方国家说起《蒙娜丽莎》会想到达芬奇（学生回答）那么请同学看下这幅画《向日葵》，有哪位同学知道这是谁的代表作？学生回答：梵高，那么，你们了解梵高么？（学生回答）

1、让学生对凡高这位画家的知名度和地位有一定的了解。

文森特•凡•高(Vincent van Gogh, 1853.3.30-1890.7.29)出生在荷兰一个乡村牧师家庭。他是后期印象派的三大巨匠之一。回答问题：你是怎样理解印象派的？（学生自己回答）总结：不依据可靠的知识，以瞬间的印象作画，凡•高年轻时在画店里当店员, 这算是他最早接受的“艺术教育”。后来到巴黎, 和印象派画家相交, 在色彩方面受到启发和熏陶。以此, 人们称他为“后期印象派”。但比印象派画家更彻底地学习了东方艺术中线条的表现力, 他很欣赏日本葛饰北斋的“浮世绘”。而在西方画家中, 从精神上给他更大的影响的则是米勒。

欣赏对比米勒和梵高临摹米勒的画。同学们说出画中的相同和不同之处。（学生回答）

欣赏《吃土豆的人》

梵高生性善良, 同情穷人, 早年为了“抚慰世上一切不幸的人”, 他曾自费到一个矿区里去当过教士, 跟矿工一样吃最差的伙食, 一起睡在地板上。矿坑爆炸时, 他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安, 终于把他撤了职。这样, 他才又回到绘画事业上来, 受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导, 并与巴黎新起的画家(包括印象派画家)建立了友谊。名称：吃土豆的人 画种：油画尺寸：82 X 114cm完成时间：1885年5月

简介：《吃土豆的人》[荷兰] 梵高 1885 油画 82×114 阿姆斯特丹梵高美术馆 梵高在谈到这件作品所表达的艺术思想时说：“我试图强调，那些在灯火下吃土豆的人们就是用他们那伸向盘子的手去挖掘土地的，因而它是表现体力劳动的，是表现他们怎样老老实实地挣得他们的食物的。”“我认为，一个穿着满是灰尘的、有补丁的蓝裙子和背心的农家姑娘要比一个贵妇人美。她的衣服由于风吹日晒而色彩微妙、柔和。但是，如果穿上意见贵妇人的服装，她就失去她特有的可爱之处。”“我曾根据我对那幅画（指《吃土豆的人》）的记忆，默画了另一幅油画。我在这幅画中，让我自己的头脑，在思想上或者想象上有自由活动的余地。在写生习作的情况下，是不容许有创造的作用的；但是人们在习作中，给他基于现实的想象找到营养，为的是画画得正确。”梵高在色彩上为了突出其内容，特意采用了夸张的形式。他在这个时期的色彩处于阴暗色调之中，画上的惨白色灯光与与微绿的昏暗色调的对比，造成一种幽暗低沉的气氛，使人物形象显示出强烈的光点，盛土豆的盘子里散发出缕缕的蒸气，这一切都活画出了贫苦农民家庭生活的真实情景。

凡•高全部杰出的、富有独创性的作品, 都是在他生命最后的一六年中完成的。他最初的作品, 情调常是低沉的, 可是后来, 他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗, 好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难, 以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西, 这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩, 而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身, 并且多次描绘向日葵。

欣赏《向日葵》系列作品，（学生介绍）

教师总结：在梵高画完前四幅《向日葵》作品的时候，曾经开过个人的展览，但是他的画不被当时的人所接受只有高更接受这些向日葵作品，梵高觉得自己找到了知己，他邀请高更来他的阿尔画室一起作画，并在等待高更到来的那些日子中，又开始大量的创作他的《向日葵》，就在这时高更来了，他把他的作品拿给高更看，高更更是给予了更高的评价，但是好景不长，两个人由于绘画存在分歧，而开始吵架，有时候甚至更是大打出手，在最后一次争吵当中，疯狂的梵高割下了自己的耳朵，而高更更是忍受不了和这样一个疯狂的人在一起，便悄然离开了，精神支柱走了，日子又过的穷困潦倒，梵高便把精神完全寄托在绘画当中，他说

人们如果确能真诚相爱, 生命则将是永存的。这就是凡•高的愿望和信念。可是冷酷和污浊的现实终于使这个敏感而热情的艺术家患了间歇性精神错乱, 病发之时陷于狂乱, 病过之后则更加痛苦。他不愿增加别人(尤其是弟弟提奥)的负担, 于1890年7月23日自杀, 几天后身亡。享年只有37岁。

你认为凡高割下自己耳朵的原因有哪些？（学生讨论）梵高是疯子么？（学生讨论）

梵高语录：我的人生的目的在于尽可能的多画一点画。我希望自己走到 人生的终点时，以最深的爱和静静的留恋，回味自己的人生，我还想画那样的画！欣赏梵高最后一幅画《麦田群鸦》讨论梵高为什么要自杀？

记住梵高：“The sadness will last forever.”

篇7：中国古代名画欣赏

中国文化博大精深，中国古代名画更是美轮美奂，让人如痴如醉，古语有云：“诗中有画，画中有诗。”那种意境真叫人身在其中流连忘返。

本人在看到画卷展开效果时，突生灵感，根据自己所学的技术做了四个不同画卷展开效果的flash，其中用了四幅中国古代山水名画以供大家欣赏，并配以一曲高山流水来体现各种意境，增添了中古文化的氛围。

篇8：中国十大传世名画赏析

一、中国十大传世名画之《清明上河图》

中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。属一级国宝。

这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。通过这幅画，我们了解了北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。总之，《清明上河图》具有极高的史料价值。

二、中国十大传世名画之《五牛图》

五牛图

中国十大传世名画之一。北京故宫博物院馆藏珍品。麻纸本，纵28.8厘米，横139.8厘米，无款印。作者是唐代著名的宰相韩滉。这幅《五牛图》，其用笔之细，描写之传神，牛态之可掬，几可呼之欲出。它的珍贵还在于，中国古代留存今世的多为花鸟人物，以牛入画，且如此生动者，《五牛图》堪称孤品。

三、中国十大传世名画之《汉宫春晓图》

《汉宫春晓图》鉴赏

《汉宫春晓图》堪称仇英的代表作，与沈周、文徵明、唐寅为画史合称“明四家”。

《汉宫春晓图》原件为绢本，纵30.6厘米，横574.1厘米，现藏中国台北故宫博物院。

仇英在此长卷中用精细的工笔画，描绘出春季宫闱中妃子、宫娥的 日常琐事，一百余人，百人百态。人物中有梳妆、吹奏、弹唱、斗草、观书、赏画、图像、戏婴。其中还有引人注目的围棋活动。棋枰上布子寥寥，纵横棋 道清晰可辨，弈棋、观弈诸人包括旁侧执扇侍从都专注棋局，眉目传神。

四、中国十大传世名画之《千里江山图》

《千里江山图》为中国北宋青绿山水画作品。中国十大传世名画之一。作者王希孟，王希孟18岁为北宋画院学生，後召入禁中文书库，曾得到宋徽宗赵佶的亲自传授，半年後即创作了《千里江山图》。惜年寿不永，20馀岁即去世，是一位天才而又不幸早亡的优秀青年画家。

《千里江山图》绢本，设色，纵51.5厘米，横1191.5厘米，现藏故宫博物院。

五、中国十大传世名画之《韩熙载夜宴图》

韩熙载夜宴图 年代: 五代(原迹已佚失,今版本为宋人临摹本)作者: 顾闳中 顾闳中的原迹早已佚失，现藏北京故宫博物院传为顾闳中的《韩熙载夜宴图》被认为是存世最古的一件摹本，一说是北宋摹本，一说是南宋摹本。此图绢本设色，纵28.7厘米，横335.5厘米，无款。

六、中国十大传世名画之《唐宫仕女图》

张萱的《虢国夫人游春图》

《唐宫仕女图》，中国十大传世名画之一。唐.张萱、周昉作。唐代作为封建社会最为辉煌的时代，也是仕女画的繁荣兴盛阶段。中国古代仕女众生像，“倾国倾城貌，多愁多病身”，唐代仕女画以其端庄华丽，雍容典雅著称，《唐宫仕女图》展示着“回眸一笑百媚生”的唐代美女众生像。其中最杰出的代表莫过于张萱的《虢国夫人游春图》、《捣练图》和周昉的《簪花仕女图》、《挥扇仕女图》以及晚唐的《宫乐图》。它们所表现的贵族妇女生活情调，成为唐代仕女画的主要艺术特征。张萱、周昉是唐代最具盛名的仕女画大家，驰誉丹青。张萱在盛唐时画贵族人物最负时誉，不仅能够表现上层社会妇女的姿容情态，而且善于巧妙地刻画出“金井梧桐叶落黄”这种宫女被冷落的凄凉情调。周昉出身显贵，多画宫廷妇女，其风格为优游闲逸，容貌丰肥，衣榴劲简，色彩柔丽，独树一帜。

七、中国十大传世名画之《步辇图》

唐贞观十五年（公元641年）吐蕃赞普松赞干布派遣使臣禄东赞来长安拜见唐太宗李世民。迎接文成公主与松赞干布成婚。（文成公主原系外戚，本是琅邪长公主外孙女段氏，为下嫁松赞干布被唐太宗册封为文成公主）当时的阎立本是这一历史事件的见证人，他把这一历史事实定格成《步辇图》，这幅画纵38.5厘米,横129.6厘米,类同于现在的新闻照片，属于纪实性历史画，史称“历史纪实画”。

八、中国十大传世名画之《富春山居图》

【《富春山居图》】 中国十大传世名画之一。纸本，水墨。始画于至正七年(1347)，于至正十年完成。该画于清代顺治年间曾遭火焚，断为两段，前半卷被另行装裱，重新定名为《剩山图》，纵31.8厘米，横51.4厘米。现藏浙江省博物馆。被誉为浙江博物馆“镇馆之宝”。后半卷《富春山居图》无用师卷，纵33厘米，横636.9厘米。现藏于台北故宫博物院。

九、中国十大传世名画之《洛神赋图》

《

洛神赋图》中国十大传世名画之一。东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹)，绢本，设色，纵27.1cm，横572.8cm。这幅画根据曹植著名的《洛神赋》而作，为顾恺之传世精品。全画用笔细劲古朴，恰如“春蚕吐丝”。山川树石画法幼稚古朴，所谓“人大于山，水不容泛”，体现了早期山水画的特点。此图卷无论从内容、艺术结构、人物造形、环境描绘和笔墨表现的形式来看，都不愧为中国古典绘画中的瑰宝之一。

十、中国十大传世名画之《百骏图》

郎世宁（Giuseppe Castiglione?,1688—1766）是意大利人，原名朱塞佩·伽斯底里奥内,生于米兰，清康熙帝五十四年（1715）作为天主教耶稣会的修道士来中国传教，随即入宫进入如意馆，成为宫廷画家.他的代表作品有《聚瑞图》、《嵩献英芝图》、《百骏图》（见插图）、《弘历及后妃像》、《平定西域战图》等。

篇9：初中名画的世界作文

偶尔闲暇翻过画册的话，都会知道上面这幅画是安德鲁?怀斯，美国当代最杰出的写实主义画家的代表作---克里斯蒂娜的世界。此画几乎入选过每一本画册。不少人对它做过解读，从画中悟出各自的所感所想。

怀斯在我国美术界几乎人人知晓，曾一度影响过我国油画的发展。他的画表面看是具象艺术，身边的草木花草，邻居朋友，土坯旧巷等等都是他画中素材，但实际上他的每幅作品都呈现出沉郁怜悯带给人以思考和探索的内涵丰富的抽象主义风格。正所谓“客观现实和主观感受融合，孤寂苍凉是极富冲击力的”。

一年多前偶见此画，颇受触动，早想为之码几个字，然，每次开了头，那沉重的苍凉之感压得我举笔又止。或许是我的弱项吧，对一些深刻的东西至今总爱绕行。只是，有些际遇你是绕不过去的。最近，我这件生命的袍子意外而又无奈地再平添一两处挫伤，遂想起这幅画，那么，趁着低落情绪还萦绕着徘徊不肯散去，重新细读克里斯蒂娜的世界，也算是给自己的世界找寻点力量来安放横七竖八乱糟糟的烦闷与苦恼吧。

画面内容简单具体：日落西山，苍茫空旷的野草地，蔓延开来。远上方天地一线处，零散的坐落几处房屋。带着病体的羸弱女子从下坡正向上爬行，她昂首向前方房屋的视线及耳边两侧零乱的头发的背影，似乎让人感受到她爬行的苦累和执着不屈的信念。

整个画面于孤寂感里，又渗透着一股挣脱向上的活力。女子在想什么呢，是在想此刻的艰辛还是在展望未来那房屋里的暖意?每当我眼光停留在画面上，都会想起贝多芬的命运交响曲。贝多芬用音乐阐释表现生命的`张力，而怀斯则用绘画展现了这个主题。

画中女子克里斯蒂娜有原型。怀斯的邻居。自幼得小儿麻痹症。可想而知，她的生存状况。而她和她弟弟两人相伴过着隐匿但仍然良好的保持了尊严的生活。当年，怀斯也因为车祸饱受失去父亲和儿子的创痛。面对突如其来的不测，沉沦还是奋起?在对生活生命的思索中，怀斯以克里斯蒂娜为版本创作了这幅极富盛名的作品。

这幅画并非油画，属于蛋彩画，上色技法过于繁琐且很多不足之处，已近乎被淘汰，而怀斯运用得恰到好处。画面笔触纤细，清晰逼仄。除大面积枯凉空寂之外，从蓝天，草地上车轮的痕迹处，似乎流淌出生生不息的泉水。人类的绝望和希望，苦难和幸福和谐的统一于一体----这就是克里斯蒂娜的世界。

生命不易。我们每个人在一生中犹如一艘在海中航行的船。命运之船在汪洋之中驶向何方?时而风平浪静，时而浪涛咆哮，这是命运给我们的历练和考验。而我们要么胜之，到达彼岸;要么被无情吞噬，化作泡沫，无声无息的消失。天地之广，何处藏我身?在莽莽宇宙之下，人类是那样的渺小无助。拥有的没有的，都已成定局，而我们只能在现有的条件和基础上，凭借毅力和信念，付出最大的努力同命运抗争。

“看佛经，苦苦苦，众生皆苦;看圣经，罪罪罪，你我都有罪。”都说人生来就是受苦受难的。除了身体病痛，还有精神上的磨难。是在无法排遣的困苦煎熬中没落，还是如凤凰在烈火中涅槃，这就要看个人对生命体验后选取的态度了。完美的救赎是必不可缺的。

讲一个鹰的故事吧。

听说鹰的寿命长达七十年。但是在他四十岁左右，必须来次重生，才能享有后三十年的生命。重生的过程相当残忍。他首先要在岩石上把旧的牙齿用力磕掉，等长出新的牙齿，再把自己的脚趾啄掉，把身上的羽毛一根根拔出，完成这些准备工作后，等上半年，这所有的部件全部翻新完毕，才开启新的一轮生命。

篇10：名画鉴赏之《蒙拉丽莎》

《蒙娜丽莎》 最让世人所陶醉的地方就是她的微笑，她的这种笑的特殊之处在于笑得很含蓄，笑得非常神秘，也模糊不定。究竟怎么个模糊不定法呢，如果你近看的时候感觉她是在冲着你微笑，但是如果你站远一点就会发现又没有在笑。更有时候你心情好的时候发现她在笑，心情不好的时候又没有笑，就是这种飘忽不定的感觉，所以给人以非常神秘的感觉。总之，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。而这心理活动又是达芬奇用他的神来之笔和自己独特智的慧赋予的。

很多人对画上表露出来的微笑都进行各种猜测，有人认为蒙娜丽莎怀孕了，更有甚者说蒙娜丽莎根本就没有笑，她只是想掩饰自己没长门牙。而科学家对此进行了科学研究，他们认为蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。但是不管怎么样，我不得不为达芬奇高超的绘画技巧所折服。几百年来，许多人想自己模仿达芬奇的画法去重现蒙娜丽莎的那种微笑，但最终都是以失败而告终。所以当时达芬奇究竟是在什么样的条件下用什么样的方式和技巧画出的这样一种神秘的效果，一直是一个未能解开的迷。我曾看到一本科技杂志上对蒙娜丽莎的微笑进行了科学论证与分析，分析的具体过程怎么样我不太记得了，分析后的结果就是，如果我们用眼睛看着画来画这幅画的话，是永远都画不出这种效果的，所以蒙娜丽莎这幅画，必须是在不用眼睛看着的情况下画出来的。也就是说达芬奇，当时画的时候并没有看，而是蒙着眼睛凭感觉画出来的。如果真是这样的话，那简直是太不可思议了！试想一下，如果不用眼睛看就能画出这么一个惟妙惟肖的人来，那得有多么高超的技巧，要达到多么高的一个境界啊！不过我确实能够想到达芬奇能够做到。因为据记载，达芬奇本来就有许多奇怪的行为，比如喜欢反着写字，他写的文字必须要用镜子看才能看懂。还有就是他喜欢把自己打扮成奇形怪状，都让人看不太懂。达芬奇还对解剖学感兴趣，他亲自解剖的尸体不下于30个。由这些怪异的行为推测出他那样画画也就不足为奇了。

《蒙娜丽莎》另外一个引人注目的地方就是她的眉毛和睫毛。大家肯定都注意到了，她根本就没有眉毛和睫毛！所以这个地方又引起许多人的猜疑，蒙娜丽莎为什么会没有眉毛和睫毛呢？达芬达为什么不给她画上眉毛呢？这又是一个迷，或许正是因为这些未能解释的反常的地方才让这幅画具有如此大的魅力。对她着迷的人一直没有放弃对她的研究，一直想找到这些问题的答案，其中帕斯卡尔•科特就是其中一个。帕斯卡尔•科特是一个法国工程师，他利用自己设计的高清晰数码相机为《蒙娜丽莎》拍照进而进行研究。研究后科特惊喜地发现，在蒙娜丽莎消失的左眉位置上有一根眉毛的油墨迹，所以据此推测达芬奇在最初是给蒙娜丽莎画上了眉毛的。但是如果蒙娜丽莎最初有睫毛和眉毛，那么为什么人们今天所看到的画上，它们却不见了呢？对此人们普遍的猜测是由于创作的年头久远，颜料褪色或有人在清洁画作表面时不小心将蒙娜丽莎的眉毛和睫毛擦掉。不过我实在无法想象如果蒙娜丽莎加上的眉毛后会是什么样子，那时的她还会有如此大的魅力吗？我想不会。也许达芬奇他本人当初也并没有想到自己的作品几百年后会变成现在这个样子。

蒙娜丽莎胳膊的姿势同样也让人着迷。她胳膊姿势非常好地协调了她整个人的姿态，使整个画面显得非常均称。但是为什么蒙娜会摆出那样一种胳膊的姿势呢，这令很多人都感到不解。在达芬奇之后，数以千计的画家都临摹过蒙娜丽莎的姿势，但却没人知道为什么她做出这种姿势。同样有许多人对此做出大胆的猜测，科特就认为她的手腕之所以那样是为了用毯子遮住她的肚子，就这么简单。而我认为这种姿势是一种处于自我保护意识下的下意识动作，或许正是犹如很多人猜测的那样，蒙娜丽莎正是为了用手遮住自己的肚子，为什么呢，因为她怀孕了！也或许这种姿势在当时比较流行，每个人站立的时候都比较喜欢用这种姿势，没有什么原因，只是因为大家都喜欢这么摆放自己的胳膊。还有可能就是达芬奇故意使之，故意把她的胳膊那样放置，只是为了保持画面的整体感与神秘感。

篇11：名画家记叙文

画家出了名，便成了名画家。

名画家只要在一张宣纸上涂涂抹抹，盖上印章，一幅画就能卖上几千甚至上万元。

向名画家求画的人不少，但个个都是空手而归。

人们背地里骂名画家“小气”。而名画家听见了，也不会说什么，只是长空一叹。

原来，再之前，名画家上过一次“当”。名画家的朋友甚多，有一位老外，不远从美国赶来，向他讨画，说是收藏。名画家很是感动，当场作了一幅画赠送给老外。可谁知，这老外竟然把名画家的画以高价拍卖了。至此，名画家便很少赠画于人。

名画家的画也很少出卖，尤其是一些局长，科长，任凭他们出多少价钱。他说，这些人会玷污他的画，会玷污艺术。

无巧不成书。名画家有一孙子，孙子的女朋友不是别人，正是某局的一科长之女。

这科长得知自己女儿的男朋友，是市里著名画家的孙子，他特别高兴。能从名画家那儿讨几幅画来，自己的前途……

于是有一天，科长对名画家的孙子说，只要你送上几幅画，我就把女儿嫁给你。

这……恐怕不行吧。名画家的孙子为难了。

有什么不行，就当你下的聘礼吧。科长说。

那，好吧!名画家的`孙子想了想，说。

从科长家回去后，名画家的孙子支支吾吾地向名画家要画。名画家一口就拒绝了。

名画家的孙子知道爷爷的脾气，就不再敢向名画家要画了。

翌日，名画家的孙子趁爷爷不在家时，偷偷的溜进名画家的书房。他翻遍了所有的柜子，竟然没有发现一幅画。他不由着急了。忽然，孙子灵机一动，铺上宣纸，自己画起来了。幸好孙子从小受到名画家的熏陶，因此画得也不是特别的差。画毕，孙子盖上了名画家的印章，高兴得走了。

后来，名画家在一个拍卖会上发现了一幅画，此画上盖着自己的印章。他大吃一惊，此画糟糕透了，并非出自自己之手。但是，此画的价钱远远超过自己任何一幅画!

篇12：世界名画欣赏教学材料

绪论部分：文艺复兴之前的绘画

一、引言

“西方”广义上是指以欧洲为中心及被欧洲文明覆盖的整个西方世界，我们这里则主要是指欧洲。欧洲最早的绘画，发现于西班牙和法国交界的山区岩洞中。这些岩壁绘画基本上是用矿物颜料表现的各种动物。它们手法朴拙，具有令后人惊叹的写实表现力。但人们通常认为，这些原始绘画与后来的西方绘画没有直接联系。西方绘画的最初源头，是古希腊和古罗马艺术。

古希腊最杰出的绘画作品只在历史文献中有所记载，留传下来的原作极少，我们只能从现存较多的希腊瓶画中窥见其中斑。古罗马绘画存留下来的，主要是被埋在火山灰下的壁画。古希腊、古罗马绘画十分注重人体比例关系的正确把握和空间透视的变化。

随着罗马帝国的解体，西方世界进入了基督教神权占据绝对统治地位的中世纪。这时期，东方艺术和蛮族艺术的渗入使西方绘画一改写实、模拟、再现的发展方向，开始注重平面性、叙述性和表现性，成为形象解说宗教教义的工具。

在经过近千年的中世纪之后，14世纪开始萌芽的意大利文艺复兴产生了一大批杰出的艺术家。他们力图恢复古希腊罗马的艺术传统，并为此进行了长期的艰苦探索。其中包括对在平面空间中表现三维空间的一系列技术问题的系统而科学的研究，它们将模拟、再现自然的写实绘画推进到了一个更高的水平。16世纪意大利文艺复兴盛期出现了许多杰出的绘画艺术大师，他们以自己的作品创立了西方绘画的经典风范。与此同时，在北方的尼德兰，凡·爱克兄弟发明了油画技法，并很快传遍欧洲各地。油画覆盖力强、多项式以彩变化丰富、干燥速度慢，它使西方画家有了更充分的余地来追求准确的造型的丰富美妙的色彩，以表达他们对自然的感受和无边的想象力。

在接下来的17、18和19世纪中，以油画和壁画为主的西方绘画艺术在全欧洲都获得了蓬勃的发展，并涌现出大量名垂史册的艺术大师。他们以个性化的艺术语言，记录下历史和人类对自然与人生的深刻感受，将绘画艺术推向一个又一个高峰。

当历史的脚步走到19世纪末时，西方传统的油画艺术在进入顶峰之后走向了解体。此时，以法国印象派为开端的画家们，不再将准确地模拟自然作为创作手段，不再注重素描造型的精确，而是力图通过变化多样的色彩、笔触、构图来传达他们内在的精神感觉，致使画面的主观表现性日益加强。到了20世纪，西方画坛更是涌现出大批新的流派。这些“现代派”画家将绘画从对自然的模仿中彻底解放出来，使之成为抽象形式元素的表演舞台，西方绘画因此而呈现出更加多姿多彩的风貌。

我们对西方绘画的“神游”是短暂而粗略的，此行中，我们有意识地增加了图片的数量，以使大家能够在短短的行程中接触到更多的作用，能够对整个西方绘画史有一个概括的感性认识。

博大精深的艺术世界是人类精神历史的重要组成部分，本次授课只是粗涉其中。尽管如此，我们的旅行仍然精彩纷呈。

二、欧洲原始绘画： 欧洲的原始绘画，产生于人类史前时期的旧石器时代晚期到新石器时代。这些人类童年时期的美术创作，是考古工作者在欧洲中部和西南部的洞穴中与岩壁上发现的，其中最早的作品距今已有3万年的历史了。

旧石器时代欧洲原始绘画的主要表现形式是洞窟壁画——它们大都绘制于洞穴的四壁或顶部。由于原始社会的人类每天都在与野兽追逐搏斗，各种动物的形象在壁画大都以野兽为表现内容，如受伤的野牛、飞奔的鹿群、健壮的猛犸多项式明、机灵的山羊等等，其形象轮廓准确，造型生动、神情逼真、充满了生命感。这些作品分布的范围极广，法国的拉斯科岩洞壁画和西班牙的阿尔塔米拉山洞壁画代表了它们的最高成就。就技法而言。较早的洞窟壁画多用寥寥几笔准确勾出物象的轮廓，笔法洗练；后期作品则通常先用雕刻器刻出轮廓线，然后再用动物脂肪调和木炭与矿物制成的颜料给出其着色。

新石器时代欧洲原始绘画的主要表现形式是岩画（又叫崖壁画）——它们大都八进制在浅洞和洞外的崖壁上。欧洲的许多地区都发现了这类作品，其内容除了野牛、大象、马、鹿等动物形象之外，还出现了不少带有人物形象的狩猎、舞蹈等场面。后来，随着时间的推移，这一暑期的欧洲岩画逐渐程式化、简单化起来，出现了许多符号化的抽象图形，它们标志着人类思维能力的提高。

三、古希腊、古罗马会画：

古希腊是欧洲文明的源头。公元前8世纪前后，以希腊半岛为中心，几个被统称为“希腊人”的民族共同建立起了一批奉行民主政治的奴隶制城邦国家。这些城邦国家经济繁荣，倡导思想自由，要求公民具有健壮的体格和完美的心灵，从而为文化艺术的发展创造了有利条件。由于地理位置的便利和贸易、航海事业的发展，希腊人适时的接触到了古代两河流域和古埃及的文化艺术，这也促进了古希腊艺术的形成。于是在公元前5至前4世纪的200年间，古希腊出现了一段令人惊叹的文学艺术辉煌期，形成了欧洲文明史上的第一座高峰。

在建筑、雕塑和绘画上，古希腊艺术都取得了辉煌成就，它所创造的艺术风格与样式被尊崇为世界造型艺术的典范，对后来欧洲艺术的发展产生了深远的影响。

古希腊艺术的一个最大特点，是她深受希腊神话中“神人同形同性”观念的影响，不论绘画还是雕塑，艺术家们都敢于按照现实生活中“人”的形象来塑造诸神。这就使希腊美术众多“神”的形象特别具有光彩，成为人们理想的“人”。

古罗马发祥于意大利的亚平宁半岛。在公元前509年，共和制的城邦国家罗马建立后，其统治地域不断扩张，逐步将整个希腊纳入其版图，并发展成为地跨欧、亚、非三洲的大帝国。

包括绘画在内的罗马艺术，上承希腊艺术成就，又发扬了意大利土著艺术——埃特鲁斯坎艺术的传统，并融汇欧洲、北美、西亚美术的地方因素，创造出了具有罗马民族特点的艺术风格，它发展了注重写实表现的欧洲古典艺术传统，同标准大气压民为后世欧洲艺术追摹的典范。

四、欧洲中世纪绘画

在历史学上，“中世纪”通常指的是封建社会，而且主要用于欧洲。其时限一般从公元476年西罗马帝国灭亡开始到1640年英国资产阶级革命止。在这近1200年的时间里，欧洲的封建社会经历了形成、繁荣和解体三个不同的阶段。在艺术史上，“中世纪艺术”的概念在时间上则只包括欧洲封建社会的前两个阶段，即从公元5世纪末蛮族人入侵罗马帝国起，到16世纪意大利文艺复兴在欧洲广为传播为止。

从5世纪至15世纪的大约1000多年中，基督教神学文化取代了古希腊罗马文化，在整个精神文化领域占有至高无上的地坐立不安经导致大批古代雕刻、绘画和庙宇被视为异端邪物，遭到无情焚毁。包括绘画在内的中世纪“美术”，实际上成了基督教美术，其成就突出地反映在建筑艺术，特别是宗教建筑艺术上，绘画与雕刻仅仅是教学建筑的附属装饰品。

中世纪的绘画艺术按时间先后被划为五个部分，即初期基督教会画、拜占庭绘画、蛮族绘画、罗马式绘画和哥特式绘画。其风格样式，则融合了东方艺术、古希腊罗马艺术和欧洲土著艺术的多种特点。为了对基督教思想进行最强烈、取纯粹的表现，中世纪会画改变了重视写实的古希腊罗马艺术的传统，采用夸张、变形、改变真实空间序列等多种手法来表现形而上的、充满神秘色彩的精神理念，并在发展中逐步形成了自己独特的形式和内容体系。

五、文艺复兴时期的欧洲绘画

文艺复兴时期的意大利绘画：

文艺复兴绘画滥觞于意大利。13世纪后期，契马布埃首先摆脱拜占庭的影响，重新发现了古典艺术的庄严。14世纪初，意大利绘画正式进入文艺复兴时期。以后，它经历了三个发展阶段。

14世纪为初始期。在此期间，佛罗伦萨画派成为意大利新美术最主要的流派。其主要代表乔托，力图用明暗造型在平面上表现出三度空间。其绘画虽然多是圣经题材，艺术表现上却具有鲜明的人文主义倾向。

15世纪为意大利文艺复兴的早期，新的绘画艺术进入蓬勃发展阶段。其间，马萨乔第一次用科学工作者手法构图着色，人物形象坚实雄伟，富于人文主义精神。在他前后，佛罗伦萨画派人才辈出，将现实主义绘画发展到一个新的阶段。这一画派的杰出代表是波提切利，他的画作充满诗意，尽情表达了画家对美好事物的爱恋，洋溢着人文主义的乐观精神。

16世纪是意大利文艺复兴鼎盛时期。美术巨匠达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗先后登上历史舞台，《最后的晚餐》、《蒙娜·丽莎》、《创世纪》《最后的审判》、《雅典学院》、《西斯廷圣母》„„创造出一个又一个艺术奇迹。与这“三杰”同样引人注目的，是威尼斯画派的兴盛。它的代表人物是贝利尼、乔尔乔内、委罗内塞和西托列拖，提香更是其首屈一指的大师。威尼斯画派注重以色彩统一画面，其独具特色的创作为意大利伟大的文艺复兴演奏了一首华丽的终曲。

尼德兰文艺复兴时期：

文艺复兴时期的欧洲，除了意大利在艺术诸方面成为先导之外，并欧诸国也逐渐出现了新文化艺术蓬勃发展的气象，尤其是经济较为发达的尼德兰，在德、法、英诸国之前是，率先开始了文艺复兴运动鞋。尼德兰文艺复兴暑期的美术成就集中反映在绘画艺术上，由于受歌特艺术的束缚，加之又没有意大利好种浓厚的哲学与科学思想基础，尼德兰绘画长期难以厘清宗教神学观念对它的影响。但在多重规则的制约下，尼德兰画坛却发展出了一种精细严谨的画风，它成为早期西方油画的典范。尼德兰的画家画了大量的祭坛画和独幅木板画。尽管这些作品无庸置疑地表现了传统的宗教题材，但是在创作中，画家对描写世俗生活和周围环境的兴趣大大增长，作品中不时体现出现实主义的倾向，即对现实生活的关注和对“人”的精神状态的反映。

14世纪，尼德兰出现了凡·爱克兄弟。他们不仅是这一地区文艺复兴时期最重要的画家之一，而且是尼德兰画派的奠基人。同时，凡·爱克兄弟还是油画材料的革新者。通过他们的艺术实践，油画的写实能力被显著提高了。此外，这一时期的重要画家还有康宾、维登、博斯、马苏斯和尼德兰绘画的杰出代表勃鲁盖尔。

德国文艺复兴时期的绘画：

在文艺复兴时期，德国皇帝仍然是意大利名义上的君主，意德两国在经济文化上的联系较为紧密，许多德国艺术家都曾游学意大利。16世纪德国宗教改革运动高涨，并爆发了农民战争。在强有力的社会风暴冲击下，德国的文艺复兴绘画蓬勃发展，出现了一批具有现实主义精神的艺术家。这些画家关心人的生活环境和生活现象，热心于描绘自然环境，人物造型强调真实感，鲜明地表现出了人文主义者肯定现世生活、肯定人生、歌颂大自然的倾向。

德国绘画虽受到意大利的影响，但仍具有明显的民族特色：严肃、坚实、精确、缜密。德国文艺复兴一般被分为两个时期：14至15世纪是德国文艺复兴艺术的酝酿期；15世纪至16世纪间，尤其是16世纪是德国文艺复兴艺术的盛期。在这一暑期出现了绘画大师画家丢勒，以及阿尔特多弗、格吕内瓦尔德、克拉纳赫、荷尔拜因等重要艺术家。他们以人文主义为旗帜，以现实生活形象取代宗教形象，表现出对时代，对人生的认真思考。在艺术形式上，则以坚实的造型和鲜明的色彩展示事物的质量感和力度，使德国绘画摆脱了中世纪艺术令人压抑的沉闷感。

在欧洲，德国的印刷业始终居于中心地位。于是，很多艺术家将主要精力投入了版画的创作。丢勒和荷尔拜因都是欧洲版画史上最负盛名的大师。他们的版画善于运用线条，非常精确细致。反过来，这种特点也影响到德国的其他画种。

法国文艺复兴时期的绘画：法国的文艺复兴开始较晚。英法百年战争以法国的胜利而告终，使法国在经济、政治和艺术上都获得了有利的发展条件。1494年法王带军入侵意大利，接触到意大利文艺复兴的文化艺术。随后大批意大利画家相继来法。16世纪，法国绘画艺术在意大利和尼德兰的影响下开始发展起来。在绘画史上，法国文艺复兴一般被分为15、16世纪两个阶段。15世纪是法国文艺复兴绘画的初始期。在这一阶段，法国画坛受尼德兰意绘画风格的影响，出现了一批富于人文主义和写实精神的画家，其著名代表是活跃在1444至1466年间的夏隆东。15世纪下半期，法国文艺复兴早期最重要的画家富盖出现了。他是个极有才能的艺术家，其作品代表了法国早期文艺复兴绘画艺术的最高成就，故被称为法国的“文艺复兴之父”。

16世纪的上半叶，在法国宫廷形成了“枫丹白露画派”。16世纪中期法国的肖像画有了新发展，它代表了当时法国绘画的艺术成就，让·克鲁埃和弗朗索瓦·克鲁埃是其杰出的代表。16世纪末，因30年的宗教战争，法国的绘画艺术的发展受到了阻碍。

从某种角度来看讲，法国的文艺复兴绘画是天折的，并没有最后完成它的使命，也没有出现伟大的绘画艺术和具有全警戒注意义的画家。多项式灰而法国文艺复兴时期形成的绘画传统，却对后世产生了巨大的影响。

西班牙文艺复兴时期的绘画：西班牙文艺复兴正式发端于15世纪的加泰罗尼亚和巴伦比亚。自16世纪始，西班牙的文艺复兴绘画有了一定发展。其题材主要有两方面，一是歌颂国王贵族和帝国历史，一是描绘宗教故事。16世纪下半期，伴随着著名画家格列柯的出现，西班牙绘画进入了黄金时期，并从此在欧洲画坛占有重要地位。

17世纪欧洲绘画：

如果说15、16世纪文艺复兴的大师们把艺术从宗教拉回了人间，那么包括结合起来因内的17世纪欧洲美术，则是这现世人间艺术的进一步发展。只不过伴随着资本主义的迅速成长，人文主义的深入传播和宗教势力的顽强抵御，这种发展既曲折又富有多样性。

首先，文艺复兴暑期的绘画在表达人文主义思想时还离不开宗教题材，17世纪的欧洲欧洲大步走出了宗教领地，世俗性的人物画、肖像画、风景画、静物画乃至裸体人像画普遍繁荣起来，它们在很大的程度上表现了上流社会世俗生活的安定、富足和享乐。

其次，文艺复兴时期的绘画崇尚和谐、宁静、理想的美，17世纪的欧洲绘画则强调打破和谐，主张真实自然的美。它直接导致了对描绘对象的进一步研究，丰富了绘画艺术的表现手段。在这样的背景下，意大利、荷兰和西班牙均出现了现实主义画派。一些艺术家深入下层社会，其作品带有明显的社会批判色彩。

17世纪的欧洲素有“巴洛克时代”之称，“巴洛克是一种包括绘画在内的美术样式，由于它符合当时天主都会利用艺术来争取群众的需求并适应各国宫廷贵族的爱好，巴洛克美术终于成为服务于宗教和封建贵族的“正统艺术”，于17世纪风靡全欧。

与文艺复兴时期一样，17世纪欧洲的文化中心依然在意大利。无论“巴洛克”还是现实主义画派，或是在这一时期亦广为传播的学院派绘画，它们最早都滥觞于块自古罗马时期就光彩四溢的土地，然后才将其影响辐射到佛兰德斯、荷兰、西班牙和法国

18世纪欧洲绘画

18世纪的欧洲，封建制度日益动摇、衰落。继荷兰、英国发生资产阶级革命之后，伟大的启蒙运动又导致了法国1789年资产阶级大革命的爆发，它为资本主义在欧洲的全面发展和彻底消灭封建制度开辟了更为广阔的道路。然而，尽管王公贵族们在政治上日趋腐朽，在生活上日益堕落，其审美趣味却依然具有顽强而鲜明的表现。这也就是说在18世纪的文化艺术中，封建统治阶级的艺术理念始终都在与新兴资产阶级的审美理想对峙着。于是，这100年间的欧洲绘画便存在着两种不同的艺术潮流——罗可可艺术和市民美术。罗可可艺术是完全属于上流社会的装饰品与享乐物。它更加追求艺术效果的装饰性和豪华感将巴各克艺术中的宫廷因素推向了极端。但罗可可却不像巴洛克在17世纪那样盛行，它仅流行于王宫和贵族人府邸，其影响也只以法国为主，余波仅及德、奥、意、英、西、俄等国。市民美术是在启蒙主义思想影响下，于18世纪中叶形成的。它反映了新兴资产阶级的美学理想和广大人民群众的生活愿望，是一种与罗可可完全对立的艺术。

由于启蒙运动产生了巨大影响，欧洲的18世纪被人们称作“启蒙时代”或“理性时代”。在这100年间，欧洲的意识形态逐渐发生了巨变，其文化艺术中心也完成了自意大利向法国的转移。不过，就包括绘画在内的整个18世纪的欧洲美术而言，它尚处于文艺复兴与19世纪这两个艺术繁荣高峰之间的“发展期”。此时，除了西班牙的戈雅之外，人们还没有听到“巨

人”的脚步声

19世纪的欧洲绘画

18世纪末，欧洲资产阶级革命风起云涌，西方世界从社会制度到思想领域都经历了破坏与重建的过程。19世纪初，所有的现代制度都已出现，资本主义在欧洲迅速发展。与此同时，整个西方世界的美术领域也发生了巨大变革。

一方面，社会结构的变化使艺术赞助者由宫廷贵族转变为资产阶级。另一方面，突飞猛进的现代科学技术促进了工业革命的发生。这场革命所引发的不断的产业进步，不仅为艺术的发展开辟了新的途径，还为它准备了新的材料。除此以外更突出的是，新的思想观念导致了新的艺术观念。首先，艺术家对于风格的觉醒促使其创立了自由的、个人化的观察世界的方式。其次，赞助者和观众审美趣味的变化促使艺术家尽力去追求不同的创作技巧和风格，这必然会导致绘画创作不同风格流派的频繁更替。再次，题材向艺术家敞开了一个自由的世界，任何一个能激发想像和引起兴趣的东西都可以成为绘画描写的主题。

19世纪的法国，牢牢占据着西方文化艺术中心的位置，欧洲近代绘画中的各个重要流派如新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义等，莫不源于这个国度。在法国艺术潮流的影响下，西方其他各国的绘画纷纷出现了自己的发展高潮——在英国，风景画取得了伟大的成果；在德国，现实主义绘画成绩斐然；在俄国，巡回展览画派的辉煌艺术成就令全世界都为之瞩目。

继古希腊罗马时代和文艺复兴之后，19世纪的西方绘画又出现了一个新的艺术高峰！

20世纪西方现代派绘画

20世纪西方的绘画艺术，出现了大河改道式的根本性变化，产生了“现代派”绘画。所谓现代派绘画，是指从20世纪初发展起来的、具有前卫和先锋特色的各种绘画艺术思潮和流派。宣告与欧洲古典传统艺术的表现形式分道扬镳，追求纯形式的美，认为艺术形式可以不依赖内容而具有独立价值，是它们的共同特征。现代派绘画的产生并不是一个简单的文艺现象，它有一定的社会背景、思想根源和哲学基础。首先，19世纪末、20世纪初，欧洲资本主义社会的各种矜持日益尖锐，不秒艺术家因此而对现实产生了不满。其次，欧洲古典艺术的表现形式流传日久，艺术家们不得不力图创新，以摆脱写实主义传统手法的束缚，再次，德国哲学家尼采的唯意志论、奥地利心理学家弗罗德的精神分析理论、法国非理性主义的代表柏格森的直觉理论、萨特的存在主义哲学等哲学和社会思潮，都对现代派艺术发挥了影响。另外，东方艺术的广泛流行和人们对史前艺术的再认识，亦促进了现代派艺术的产生。

现代派绘画反对传统艺术的趋势是从19世纪下半叶的印象主义绘画开始的。可以说，是印象主义绘画开启表现派、未来派、抽象派、超现实主义等现代艺术流派的相继出现，显示了西方现代艺术的繁荣和兴盛。20世纪上半叶现代派艺术的中心基本上是在法国巴黎，第二次世界大战后它则转到美国纽约。在那里出现的抽象表现主义，集表现主义、抽象主义、超现实主义之大战，将现代派艺术的发展推向了顶峰。

第一部分

文艺复兴的萌芽走出“黑暗时代”

代表人物

1．契马布埃——中世纪向文艺复兴转化的开路先锋 2．杜乔——中世纪美术最后的辉煌 3．乔托——西方绘画之父 4.康平——佛兰德斯大师 5．凡·爱克兄弟——尼德兰美术的杰出代表 6．韦登——表现人类情感的大师 7．博斯——独特的现实主义大师

8．格吕内瓦尔德——祭坛画家 第二部分

意大利文艺复兴时期 欧洲绘画的极大发展

马萨乔——现实主义的拓荒者 曼特尼亚——凝重超凡的画家

贝利尼——威尼斯画派的奠墓人

韦罗基奥——达芬奇的老师

波提切利——秀逸唯美

吉兰达约——崇尚写真

佩鲁吉诺——拉斐尔的老师

达·芬奇——文艺复兴盛期的巨人

米开朗琪罗——意大利文艺复兴巨匠

乔尔乔涅——擅长诗意表现的画家

拉斐尔——描绘女性美的大师

提香——西方现代油画之父

柯雷乔——色彩与光影大师

丁托列托——文艺复兴晚期最富激情的大师

委罗内塞——威尼斯画派的最后一位大师

格列柯——幻想的风格主义大师

北方文艺复兴 从现实主义到风格主义丢勒——北方文艺复兴的杰出代表 克拉纳赫——德国文艺复兴绘画大师 荷尔拜因——肖像画大师 勃鲁盖尔——农民画家 克鲁埃父子——法兰西的光荣

第四部分

巴洛克与洛可可绘画 17、18世纪的主流

罗可可艺术

卡拉奇三兄弟——学院派创使人 卡拉瓦乔——现实主义的开创者 鲁本斯——画家之王

哈尔斯——荷兰现实主义肖像画大师 勒南三兄弟——描绘农民的兄弟艺术家 拉图尔——“夜间画”的创造者 普桑——法国古典主义绘画的奠基人 凡·代克——贵族肖像画大师

委拉斯开兹——西班牙宫廷里的平民画家 克洛德·洛兰——法国古典主义风景画的奠基人 伦勃朗——现实主义巨匠 穆里略—— 十八世纪古典绘画的先驱者 维米尔——荷兰风俗画大师 瓦托——洛可可绘画的第一个代表 卡纳莱托——意大利景观画的代表 荷加斯——英国传统绘画的奠基人 夏尔丹——坚实与严谨

布歇——洛可可绘画的典型代。第五部分

新古典主义与浪漫主义时期 追求理性规则的典范雷诺兹---英国十八世纪著名的学院派肖像画家 庚斯博罗---创新英国风景画的肖像画家

戈雅---“画家中的莎士比亚”大卫---法国“新古典主义先锋”普吕东---浪漫主义色彩的古典画家 格罗---法国浪漫主义历史画家 透纳---海景画家

康斯泰布尔---师法自然的英国风景画家 安格尔---西古典主义的捍卫者 籍里柯---浪漫主义的先驱 德拉克洛瓦---浪漫主义的雄狮

印象主义时期 用新的眼光观察世界柯罗---19世纪法国风景画大师

杜米埃---法国讽刺艺术大师 米勒------伟大的农民现实主义画家 库尔贝---创作生活的真实寓言 罗塞蒂---为爱情而生存 毕沙罗---印象主义的元老 马奈---印象派之父 德加---捕捉美的瞬间

惠斯勒---徘徊于印象主义边缘 西斯莱---始终如一的印象派画家 莫奈---印象主义绘画的精神领袖

萨金特---上流社会的画家雷诺阿---让欢乐充满人间

第七部分千万主义 打开艺术大门

1.莫罗---象征主义大师 2.塞尚---西方现代艺术之父 3.亨利.卢梭---原始派艺术的开山祖 4.高更---主观化的客观世界 5.凡.高---超越凡俗的心灵 6.修拉---绘画艺术中的科学法则 7.克里姆特---探索神秘人生 8.蒙克---生命、爱情和死亡的哀歌 9.劳特累克---纸醉金迷的世界

10.博纳尔---追求颤动的光色世界第八部分 20世纪的绘画 抽象艺术与现代艺术的不断追求

康定斯基----非具象艺术的始作者 马蒂斯---野兽派的领袖

蒙德里安---追求“纯粹造型”克利---诗情与创造力的统一 毕加索---创造艺术的斗士 莱热---机械时代的和谐

莫迪利亚尼---别具一格的艺术家 科柯施卡---表现主义的鬼才 夏加尔---心灵之梦 杜桑---否定传统

米罗---在纯净的梦幻中生活 马格里特---真实的幻想象 达利---超现实主义的怪才

波洛克---打破坚冰的“行动画派”创始人 沃霍尔---波普艺术家