服装造型设计中环境设计论文

摘要：对“基于服装风格表达的服装表演舞台环境设计”问题进行讨论，重点论述了舞台视觉环境构建，从表演场地的选择、舞台气候的模拟、舞台情景的模拟、舞台背景的设计、道具的设计等方面探讨了舞台环境设计与服装风格表现的关系，提出了舞台环境设计的原则和方法：舞台环境设计不应停留在对服装风格的表象化表达上，而应遵循服装品牌内在的、深层的文化风格。下面是小编为大家整理的《服装造型设计中环境设计论文(精选3篇)》，仅供参考，希望能够帮助到大家。

服装造型设计中环境设计论文 篇1：

土家织锦纹样在现代家居设计中的应用

摘 要：湘西土家织锦是一种传统民族工艺品，它记录了土家族从古至今的历史，通过简单的抽象图形显示了土家族的生活，是土家族人民智慧的结晶。土家族人民将对生活的各种渴望通过不同的锦缎纹样表现出来，土家织锦色彩艳丽，经久耐用，图案排列整齐、简洁明了。文章对土家织锦纹样在现代家居设计中的应用展开研究，为土家织锦和现代设计文化元素的结合提供新的设计思路。

关键词：土家织锦纹样;家居设计;民族工艺品

土家织锦纹样丰富多彩，其视觉符号呈现得比较内敛，但是线条却比较神秘，代表着土家人对于美好生活的执着追求，代表着民族历史与民族特定气质的融合。土家织锦图案也包含了现代设计的许多元素，其表现形式具有时尚性，为当代偏好民族文化特色的现代设计，提供了一定的借鉴。土家织锦的手工绘画更加注重图案的形状，这种源于自然的提炼，展现了人类早期的想象力和创造力，超越了现实与自然之间的边界，并创造了生动逼真的艺术形式。因此，本文对土家织锦纹样在现代家居设计中的应用展开研究，从视觉角度出发，研究其现代设计中的应用，寻找土家织锦的发展轨迹，促进织锦作坊的发展，宣传民族文化，使其在现代生活中大放异彩。

一、土家织锦概述

（一）深厚的历史文化

土家织锦是在湘西土家族苗族自治州生产的，土家织锦历史悠远，其编织工艺已经具有几千年的历史了，是属于土家人独特的视觉符号，具有深厚的历史文化底蕴和民族特色。土家织锦具有十分丰富的含义，深受大众的喜爱。对于土家族人民来说，锦缎是土家族人民最常使用的生活用品，代表着他们对于幸福的向往以及吉祥的愿望，土家织锦图案就源于土家人日常的生活。土家族人将大量的心血倾注在图案的编织与设计上，它包含各种民族文化的信息，包括图腾文化、民俗生活、历史记录等，展现了土家人祈求平安祥和的心愿。

土家织锦分为“西兰卡普”和“土家族花带”。“西兰”在土家语中意为床单，在汉语中意为羽绒被，“卡普”在土家语中意为花，“西兰卡普”在土家语中意为“花床单”。“西兰卡普”的主题大部分是从土家族人民的日常习惯中衍生出来的，这些习惯具有浓郁的土家族民族色彩織造和造型特征。土家织锦经过斜织机“经转纬”的织造，具有十分高的欣赏价值，它显示出土家族人民独特的民族和审美意识。“Elakapu”在土家语中意为“土家族花带”。“土家族花带”在生产工艺和花样组织方面，与“西兰卡普”相似，但编织方法是“横经断纬”中的“立花”。这种编织方法，不受时间和工具的限制，并且通常在编织者的两个膝盖之间进行。这是一款实用性强，便于学习且易于学习的小型工艺，非常出色且独特。它的主要用途是供土家族人民用来制作腰带、裤子袋、儿童环、围裙腰带等。

（二）独特的审美情趣与民族风情

色彩是生活中重要的组成部分。在观察纹样时，我们先觉察到色彩，再发现纹路，色彩通常能反映出设计者的内心情感。设计土家族传统织锦时，土家族人虽未学习过色彩构成，但他们在长期的生产实践中，掌握了朴素的色彩规律，制作出具有土家族特色的民族纹样。土家织锦图案丰富多彩，大多数颜色都与独立的装饰效果相协调，大多数的搭配都是运用冷暖色，配置与之相协调的其他颜色进行设计。土家织锦纹样底色多用红色或黑色，再用紫色、黄色、蓝色进行点缀。底色为黑色时，通常搭配正红、钴蓝，给人以端庄、敦厚之感;底色为红色时，则搭配以黄色、白色，给人生机勃勃之感。值得注意的是，在土家织锦纹样中我们还可以看到对比色的运用，这些纹样通常以正红为底，用草绿染纹样。土家织锦纹样色彩的特殊之处在于它最主要的染色料为植物、矿物等天然染料，如竹叶菜或蓝靛染蓝，马桑树的叶子被染成黑色，木皮被染成红色、铁红色，朗姆酒被染成红色，黑芽被染成紫色……配色效果自然且丰富，运用天然染料染色，其颜色深沉而稳重，锦面会将浑厚、朴实的民族风味展现出来。对于土家织锦上的图案造型来说，最突出的特点就是具有概括性、简约性与抽象性。土家织锦在构图上十分清新，具有浓厚的装饰意味和象征意义，另外也蕴含着土家族人民对于传统习俗文化的热爱以及对其寄予的希望。

传统的土家族锦缎基本上由不同的几何图案组成，这种结构主要由各种复合线性骨架和抽象图案组成，在细节处填空以凸显花朵。土家织锦的设计者在织布的过程中，使用的工具主要为古式织机、挑花刀，其中挑花刀主要是用牛骨与竹制成的，交织锦缎是通过手工抓取和交织制成的，方法是抓取并打破经纱。其主要特点是经纱精细，起绒粗糙，轮廓通常不显示底部，两侧的花样和颜色相同，但方向相反。根据花样的轮廓和颜色，将纬线编织成块、节和区。土家族挂毯是一种直经纱，断纬编织法在花样的边缘和基础花样之间留有锯齿状的缝隙，看起来像是雕刻的三维效果。

二、土家织锦纹样在现代家居设计中的运用

现代家居设计风格多样，传统民族工艺形式以其独特的形状和丰富的色彩变化与现代设计理念相结合，构成了室内各种产品设计的传统文化内涵，为现代设计提供了多维的创意源泉，能够满足人们的各种居住需求。土家织锦纹样作为传统民族文化的瑰宝，在现代家居设计中可以得到充分运用，设计者提炼其典型符号和纹样形式，将湘西土家织锦图案和文化内涵，与现代人的审美情趣相结合，用于现代家居设计中，营造特定的艺术氛围，可以满足消费者特定的文化背景需求。

（一）在家纺织物中的应用

湘西土家织锦具有优良的设计和深远的意义，许多图案可以直接用于家居产品设计中，无论是用作装饰，还是用作日常使用的物品，湘西土家织锦都有其独特的价值。例如土家织锦图案在家纺织物中的运用，设计者可以直接或间接地提取图案和形式，将其整体或局部图形进行提取、变形、夸张，印制在织物、窗帘、床单、沙发套、墙纸、抱枕上。随着时代的变迁，设计者还可以将图案编织成各种图案的墙纸、纤维制品、地毯以及各种手工艺品等，用于室内装饰中。但是由于其自身的技术特性，土家族的锦缎通常很难清洗，因此仅适用于小面积的纺织品，如桌布、枕头、挂毯等，土家织锦纹样本身具有美好的文化寓意和民族韵味，土家织锦纹样的运用能够使空间显得富丽堂皇，古色古香。

湘西土家织锦图案还可以用于家纺装饰，尤其适用于具有民族特色的家居设计中。为了避免土家织锦过于厚重的特点，还可以把土家织锦和现代布艺相结合，使工艺品既轻便又易于保养，追求质感上的丰富性。“四十八勾”是典型的湘西土家织锦纹样。从艺术语言的角度看，“四十八勾”由阴阳十六勾与阴阳三十二勾套连而成;从结构的角度看，“四十八勾”呈放射状，一层层向外展开，富有节奏。将湘西土家织锦经典的图案“四十八勾”运用在抱枕上，作为装饰运用在现代白色棉麻布料上，使整个抱枕不管在色彩上还是质感上，都显示出新的面貌，简单大方，符合现代人的审美需求，也寄托了人们美好的期望。

万字花“卐”图案在各种手工艺品装饰图案中的运用非常普遍，万字花“卐”的最初是一种象征，其精神常与太阳崇拜联系在一起，象征着光明、吉祥和无尽的生命。“卐”形图案及它的变化较为普遍，可直接在土家织锦中大量使用，成为湘西土家织锦的重要装饰元素之一，可以单独模制并用作主要图案，也可以分解模制并大量填充，使产品富有民族风味。

（二）土家织锦纹样在家具设计中的运用

湘西土家织锦在室内家具领域的应用也很广泛，利用湘西土家织锦，能够设计出具有少数民族风情的家具风格。“扎土盖”是湘西土家织锦中最常见的模式之一，土家族人民把它音译过来，转化为汉语就是“万字花”，即“卐”。它以“十”字为基础图形进行演变，将其四个端点顺时针旋转，并使其呈直角形态。“卐”形有哲学思辨的含义，代表着智慧和永恒，同时也象征着生生不息，是“瑞相”的代表，能涌出宝光，人们认为“其光晃昱，有千百色”。在土家族的婚嫁、驱邪、丧葬风俗中，都有“十”字文化的影子。以“十”字为中心的“万字花”“卐”既可单独成型，作为主要图案，也可以幻化成不同的图案形式，成为土家织锦的重要装饰元素之一。钩形图案也是一种传统的装饰图案，最常见于湘西土家织锦。这些图案可以应用于家具挡板、装饰木雕、桌脚、窗棂、地砖等设计中，使用方法包括雕刻、压花、镂空等。例如天花板凹凸纹样、背景墙装饰和茶台设计，能够和家纺设计相得益彰，共同营造古朴典雅的家居环境。

将湘西土家织锦图案应用于家具设计中，应基于图案的整体风格，包括图形、结构、形式等，结合现代设计审美需求和家居整体氛围的营造，不拘一格地采用新技术、新工艺和新的表现形式，使居室呈现出民族艺术的氛围。

（三）土家织锦图案在室内灯具上的运用

现代家居设计对各种照明需求呈现多样化，人们不再局限于单纯照明、亮化环境的传统理念，更注重灯具外观造型的装饰性美学效果，现代灯具、灯饰对照明环境的表现力与美化手段均有极大提升。现代灯具以其时尚、简洁的气质博得了现代人的喜爱，在追求个性和艺术的社会背景下，被越来越多的消费者追捧，这也使现代家居的设计更具民族文化意义。

在现代家庭装饰中，灯的装饰通过形式、比例、材料、颜色和其他元素来体现。将湘西土家织锦的图案进行有效提取并用于灯具设计，可以为灯具增添民族色彩。随着现代照明技术的不断进步，新材料、新工艺、新科技广泛运用，使用创意图案进行模具设计时，可以从灯具整体结构上进行设计，模拟织锦图案，进行批量生产。还可利用现代雕刻技术，进行结构上的局部雕刻，亦可手工刻制，根据用户的需求使图案更具个性化，例如使用木质框架或丙烯酸板，根据照明需求进行装饰，以湘西土家织锦“小白梅”为原型，设计者可以将其雕刻设计成壁灯，整体设计简洁、色彩斑斓、温馨典雅，将古典造型与时代感相结合，充满时尚和高雅的气质，为卧室设计增添了现代感。需要注意的是，在运用织锦纹样进行灯光布局和灯具图案设计的过程中，既要强调个性和艺术性，又要强调与背景环境的协调，不能只注重灯光设计而忽略室内整体的氛围。

（四）土家织锦图案在室内隔断上的运用

作为室内非承重墙体的室内隔断（墙），在现代家居设计中扮演着越来越重要的角色。室内隔断既能有效分隔空间，根据功能需求着意划分视域区间，遮挡视野，又能适当地隔音、隔热和防盗，但无法实现完全隔音。室内隔断是限制空间的一种手段，能够增加隐私性和空间的利用效率，提高空间的灵活性并承担一定的引导功能。同时，隔断也是一种装饰行为，一些隔板允许视线通过，例如玻璃隔板和空心隔板。隔板根据形式可以分为固定隔板和活动隔板。固定隔断根据材料可分为木制隔断、玻璃砖（墙）隔断、木制博古框隔断、铝合金隔断等，活动隔断包括家具隔断和办公室开放式隔断等。

土家织锦图案可以应用于家居隔断中的屏风隔断、珠帘隔断、柜隔断等等，从整体形制到细节图案，都可以将织锦图案以连续纹样的方式或者单独图案的形式运用到其中。例如，可以将博古架隔断的整体形态设计成二十四勾或四十八勾的镂空样式，摆上各式古色古香的装饰物，庄重典雅，意趣盎然。木制屏风隔断更易操作，将织锦图案刻制或印制于其上，甚至可以配以现代几何装饰图形，营造一种传统与现代交相辉映的家居风格，更能够满足现代人的审美需求。由于玻璃隔断具有部分采光的功能，可以将织锦图形加以弱化，减少色调的对比度，图案会显得不那么突兀和强烈，简洁而美观，呈现出渐变或梦幻的效果。

三、结语

本文研究了湘西土家织锦的民族文化和室内装饰设计的各种风格特征，深入探索湘西土家织锦文化与现代家具设计之间的联系。不追求一点一式的相似，从大处着眼，进行创意设计，将湘西土家织锦图案精制、重组，应用于一种新的中式房间设计，为湘西土家织锦图案的应用探索了新的表现空间。将具有湘西土家族文化内涵的内部空间展示出来，丰富其表现形式，让其在现代家具设计中焕发新的艺术魅力，彰显土家织锦的原始味道和民族特色，形成一种新形态和新面貌，丰富现代设计的内涵与多样性，拓展当代家居设计的文化内涵。

参考文献：

[1]苏晓.湘西土家织锦图案在室内装饰设计中的运用研究[D].长沙：中南林业科技大学，2014.

[2]向彩霞.土家织锦图案的现代化应用设计研究[D].重庆：重庆大学，2013.

[3]温鑫淼.土家织锦图案在室内装饰设计中的运用研究[J].居业，2020（10）：46-47.

[4]罗甘.湘西土家织锦中民俗题材类纹样研究[J].西部皮革，2020（4）：25，27.

[5]何璐.土家织锦元素在现代服装时尚中的融合与创新[J].普洱学院学报，2019（3）：84-86.

[6]王玮，郭湘晴，黄琳皓.传统土家织锦“西兰卡普”在现代设计中的应用[J].染整技术，2018（11）：56-59.

作者简介：

肖发展，西北师范大学美术学院副教授，研究方向为艺术设计理论与实践研究。

张冰洁，西北师范大学美术学院在读本科生，研究方向为环境设计理论与實践研究。

作者：肖发展 张冰洁

服装造型设计中环境设计论文 篇2：

基于服装风格表达的服装表演舞台环境探讨

摘 要：对“基于服装风格表达的服装表演舞台环境设计”问题进行讨论，重点论述了舞台视觉环境构建，从表演场地的选择、舞台气候的模拟、舞台情景的模拟、舞台背景的设计、道具的设计等方面探讨了舞台环境设计与服装风格表现的关系，提出了舞台环境设计的原则和方法：舞台环境设计不应停留在对服装风格的表象化表达上，而应遵循服装品牌内在的、深层的文化风格。

关键词：服装表演；服装风格；舞台环境设计

服装表演中，舞台表演环境是表演空间内各要素的总和，是舞台环境研究的核心内容，舞台表演环境研究分为服装表演舞台视觉环境设计和听觉环境设计，前者是本文探讨的重点，包括舞台造型设计、舞台背景设计、舞台道具设计与品牌服装风格的关系。其设计的各个环节都应该共同遵循一个主旨，即依据服装风格的定位。这样的舞台表演环境才会产生整一感，并留给观众高度一致的印象，加深观众对服装风格的理解，更好地实现演出的目的。

国内服装表演始于1979年，那一年皮尔·卡丹受到官方邀请来到中国，在北京民族文化宫举行了中国第一场服装表演。在一个临时搭起的T型台上，8位法国模特和4位日本模特，身着耸肩衣裙、神态放松，与台下穿着蓝灰制服、屏住呼吸的中国观众形成了强烈对比。随着中国改革开放的深入，经济水平的不断提升，服装产业得到了快速的发展，与之对应的服装表演产业也迅速成长起来，北京、上海、广州、宁波、大连、青岛等城市也相继拥有了自己的国际时装节，每年都有部分国内外品牌参与并通过服装表演发布新品。为了在市场竞争中立足，也为了满足不断提高的观众审美需求，服装表演舞台环境的设计和构建日益被重视，日益走向专业化。

1 国内服装表演舞台环境设计存在的问题

目前国内服装表演虽然经过了长足发展，但和国外主流的服装发布会相比，整体上还是有一定的差距。从舞台环境构建上看，差距主要表现在以下几个方面。

忽略舞台设计。舞台搭建只满足基本行走展示功能，忽略舞台设计环节，是国内很多服装发布会的共性缺点。在演出空间内的服装展示缺少了环境依靠，将大大降低品牌说服力，出现服装风格传达的缺失。

舞台设计表象化。舞台设计较少地和服装的内在精神气质相联系，较少地呼应服装设计的灵感或理念，和服装的对应关系流于表面。巨大的logo背景，单调甚至简陋的舞台布置：配合运动就拿网球拍，配合旗袍就拿扇子，一提环保就蓝天白云，一秀青春就校园小路……这样的舞台设计虽也传达信息，但都过于直接，易于识破，封闭了联想和挖掘的空间。

服装表演活动应该重视舞台环境的构建，要对舞台环境构建原则和方法进行研究，这样才能逐步促进国内服装表演水平的提升。

2 舞台环境与服装风格的关系

在今天，传统舞台环境构建方式仍在继续使用，也有许多新的舞台环境构建方式在尝试。但不论如何继承和创新，宗旨是不会改变的，那就是：更好地传递服装品牌信息，丰富观众对服装表演的观感。不同的服装风格和品牌定位应当设计与之相呼应的舞台环境，让观众能够身临其境地感受服装品牌的文化内涵和服装风格，由视觉震撼唤起服饰品味、生活方式上的情感认同，刺激观众的购买欲望。

2.1 表演场地的选择

好的服装表演需要配以合适的场地，就像大部分奢侈品店铺都聚集在城中最珍贵的地段一样，表演场地会很大程度上影响服装风格的表达。奢华风格的服装应当选择富丽堂皇的秀场，而清新自然风格的服装可以选择天然的自然场景作为表演的场地。晚装发布场地选择宫廷或城堡，运动装发布场地选择竞技场，休闲装发布场地选择农场或海滨……这些场地融入了服装活动环境的因素，但这是功能性的融入，并非理念的融入。

因场地选取独特而大获成功的例子比比皆是，从老式别墅到新派美术馆，从大学礼堂到湖畔幽径，从世博场馆到古典庙宇。表演场地应当在精神气质上映衬、呼应服装风格。好的表演场地应当让观众对服装风格产生文化上的联觉，使人们在内在的精神世界中将场地的气质与服装的灵魂悄然联系起来，实现服装风格的完美表达。因此场地判断的最基本准则是符合将要展示的服装精神而非功能。举例来说，2009年底的CHANEL黄浦江畔秀，以巨型邮轮做台，以江景、华灯做背景，尽显现代都市的繁华魅力，配合CHANEL都市丽人的气质可谓相得益彰。这是服装品质与场地结合的经典案例。

2.2 舞台气候的模拟

传统的服装表演舞台仅仅通过走秀来展示服装的设计或细节，对于大多数服装来说，舞台并没有呈现出真实的着装环境，例如微风、细雨等等，那么服装在不同气候条件下的状态就只能靠观众去自己想象了。根据需要设置气候模拟系统，这对于那些功能性服装而言显得尤为重要，而且不能停留在表层上，还要从深层次上体现服装风格和精神，唤醒观众的潜在意识。Antonio Marras 在2011米兰春夏时装周秀场上，为了在舞台上表现清纯浪漫唯美的服装风格，模拟了从天而降的雪花，舞台顿时笼罩在一片浪漫纯情氛围中。由此看来，舞台气候的模拟不仅仅只是展示服装功能，还能起到很好的情绪唤起的作用，使服装风格与气候场景融为一体，诠释服装的设计精髓，对于完美地表达服装气质功不可没。

2.3 舞台情景的模拟

部分服装有固定的穿着场景或功能，模拟情境可以更直观的展示服装的功能，这是舞台情景模拟的初级层次，也是常见的表演方式。更进一步来说，在舞台情景模拟设计中，服装设计灵感可与舞台情境有机结合。如2010Y-3发布会将足球场景搬上其秀场的舞台，并不是为了展示其运动功能，而是因为这一季设计师对服装的设计灵感来自于足球入网那一刹那的畅快激情。

另外，为了给观众留下服装风格的某种特定印象，寻找一种与服装气质有共通点的事物或场景，在舞台上通过模拟表现出来，也会使观众产生联觉，加深对服装风格的认知。如爱马仕为了讲述品牌历史，表达其服装优雅、正统、高贵的形象，将马术盛装舞步展示在舞台上。这正是利用了两件事物的共通联觉。服装本身并非骑手服，但骑术带给人们的是贵族化感受，优雅、绅士、敏捷、善于掌控、富于勇气的气质，崇尚人与自然的和谐交流和爱马仕的品牌传承与定位一一呼应，这样的表演在极大程度上刺激了观众的体验，在新奇的愉悦体验中对服装及品牌留下极深的印象，欣然接受了服装的高端形象而向往之。

舞台背景也可理解为整场服装表演演出时的背景，它是模特表演时的视觉“底”环境，也是整个舞台视觉环境的基调。

舞台背景设计的取舍，或繁或简，或明亮或灰暗，或现代或古典，都要紧密地贴合服装风格类型，作为“底”环境更好地衬托服装风格主体，使主体与背景成为一个融合的整体，加深观众对服装风格的体验。如以狂野风格出名的Roberto Cavalli 2011春夏女装秀场，镂空、柔和的灰色服装，淡紫色和动物纹印花，亮片和水晶的点缀，充分体现野性、充满欲望的女性气质。为了体现服装狂野的风格，舞台上制作了巨型植物装饰背景，营造出原始丛林的场景，配合服装野性诱惑风格，舞台上打造了一片欲望丛林。

随着电脑技术的广泛应用，当今舞台背景的设计越来越多地使用了数码投影式技术或LED点阵式显示屏作为舞台背景。它们有着传统背景无法比拟的优势，蕴含了无限的扩展可能性，这些优势都使服装风格的表达和观众的体验效果进入一个新的领域。尽管技术在进步，画面在丰富，但背景与服装风格的融合这一原则始终不会改变。虚拟化的背景可以精确地表达每一套服装的设计诉求，配合细微的风格变化，可以让设计师在任何虚拟场景中展示服装。但它也有明显缺点，由于形式开放，常常会出现背景过于绚烂的情况，以致于分散观众本应集中在服装上的注意力。所以，高新技术只是辅助手段，不能也不应成为表演的核心内容。

2.5 舞台道具的设计

舞台道具设计通常是和舞台背景放在一起通盘考虑的。好的道具设计可以帮助模特投入情境，使表演更加真实；同时也可以让观众身临其境，忘我地观看演出。背景道具设计并不是随心所欲的，即使再天马行空的畅想也都有一个重要的依据，那就是基于服装的风格。而服装的风格来源于服装设计的理念，因此，源于统一设计理念下的服装和道具背景才能在舞台上交相辉映，相互依存。

在2011年、2012年两年的米兰时装周中，Versus使用了两种截然不同的背景道具，设计的差异就是完全来自于服装理念的差异。2011年Versus米兰春夏时装周的T台上模拟校园操场摆放运动器材，秋千和滑梯安置在真正的草坪上，雏菊在上面抽出嫩嫩的枝桠。与道具布置相对应的服装风格也塑造了耳目一新的Versus品牌形象，红、蓝、黄和黑格纹碎花的开襟纽扣衬衣或裙装，尖头鞋和双肩学生包，塑造出宛若诗画般引人遐想的艺术气息。校园环境完美印衬了Versus服装年轻、热情的气质，运动器材更充分传递一份青春健美的活力。而在2012年Versus米兰春夏时装周的T台上则设置了一个篮球场的道具背景，因为这一季的服装设计灵感来源于篮球啦啦队，Versus的设计师选用这样的主题，将球场边线设计成缤纷的冰激凌色彩（淡紫、粉红、薄荷绿、淡黄），与衣服上的颜色遥相呼应，将篮球运动衫改成带黑色镶边的无袖休闲套装，模特穿着一双系带漆皮高跟鞋阔步走过T台时，淡色调的裙子随之摇摆——啦啦队长主题呼之欲出。

从上述对比中可以看到，同一品牌在品牌定位与理念不变的情况下，打造差异化的舞台道具背景，就是源于不同的服装设计理念，让舞台道具讲述服装的故事，这是舞台道具设计的灵魂。

综上所述，基于服装风格构建服装表演的舞台环境是普遍的认知，舞台环境设计不应停留在服装风格的表象化和外在的、形式的、易察觉的、表层的、直白的、近关系的风格述说上，而应追求内化的、非表象的、精神气质的、深层的、隐晦的、伏笔的、遮蔽的、与服装风格保持一定距离的联系。这将会提升国内服装品牌发布的层次与质量，使观众与服装品牌在精神世界中达成联想的共鸣，产生对服装及品牌的价值认同和向往。

参考文献

[1]朱迪思.C.埃弗雷特，克瑞斯特.K.斯旺森.服装表演导航[M].董清松，张玲，译.北京：中国纺织出版社，2003.

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[4]皇甫菊含.时装表演教程[M].南京：江苏美术出版社，1999.

作者：张丽丽

服装造型设计中环境设计论文 篇3：

中国画教学在艺术设计课程中的现实意义

【摘要】 当今艺术类院校在艺术设计专业中普遍开设了中国画课程，这对学生艺术修养及审美能力的提高都具有十分重要的意义。中国画艺术亲善远恶，能于不觉中“成教化助人伦”，潜移默化地达成社会作用。中国画对线条和其他绘画元素的独特方式，对于艺术设计教学也具有实际意义。

【关键词】 中国画；艺术设计；艺术修养

当今，全国各大艺术院校在艺术设计类专业中都普遍开设了中国画课程。中国画课程的设置对提高学生的基本绘画技能当然具有较大作用。但不仅限于此，由于中国画还承载着丰厚的中国传统文化和艺术精神，通过其课程的学习不仅能提高学生的绘画能力，对加强他们的艺术修养，提高他们的审美能力，无疑也具有重大的现实意义。关于中国画教学对于艺术设计课程设置中的实际意义，本文拟从以下几个方面进行论述。

首先，中国画蕴涵着丰富的中国传统文化艺术思想，其课程的设置对提高艺术设计类学生的综合素质具有重要现实意义。

作为中国绘画艺术中的重要类别，中国画以其特有的单纯性、象征性以及崇尚自然性等绘画特点建构起中国特有的一个画种。它之所以能在中国乃至世界获得广泛的接受和认可，源于其“至善至美”的审美情怀和人文底蕴。从古至今，中国书画都是文人雅客修身养性的重要方式。中国画旨在以画喻理，以理传道。如，中国古代文人画家常以梅、兰、竹、菊“四君子”作为绘画题材借以抒发胸中的意趣，表现自己淡泊明志。道家思想的代表人物老子说：“致虚极，守静笃。万物并作，吾以观复。”又说：“躁胜寒，静胜热，清静为天下正。”对此，清代学者徐大椿在其《老子经注》中作了如下阐释：“凡事相反则能制。如人躁甚则虽寒亦不觉，而足以胜寒；心静则虽热亦不觉，而足以胜热。由此推之，则天下纷纷纭纭， 若我用智术以相逐， 则愈乱而不可理矣。惟以清静处之，则无为而自化，亦如静之胜热矣。”[1]46正如老子所指出的“静胜热”，中国画就是一种可以使绘画者或观赏者静下心来欣赏的艺术。中国画在数千年的发展过程中受到儒道释各家思想的影响，其中，道家提倡的朴素自然的观念对其影响最为深刻。中国画的审美是以“天人合一”和“物我合一”为主征的。以老庄思想为核心的道家基本的哲学态度就是以朴素为本。其中，庄子的“见素抱朴，少私寡欲”、“朴素而天下莫能与之争美”，这些不仅是道家的抱负，也是中国艺术的整体精神向往。

中国画所特有的水色颜料，以及用水用墨的作画工具和习惯都存在一定的清静元素。所谓水，其本身便具有静若盘山、动如脱兔、寒能成冰、热能化气、无坚不摧而又柔情万种的特质，它既可平衡万物，又能包容众生，为一切众生所用。

中国画不同于其他画种的一个重要内容，就是它对研习的画家有较高的人文要求，要求他们内外兼修。它启示画家必须追求心灵的淡泊清静，且注重修身养性。作画观画之人，要亲善远恶，于不觉中“成教化助人伦”，在潜移默化中达成自己的社会作用。明代画家文征明说：“人品不高，落墨无法。”清代沈宗骞在《从艺原则》中言：“夫求格之高，其道有四：一曰清心地以消俗虑；二曰善读书以明理境；三曰却早誉以几远道；四曰亲风雅以正体裁。”他们都指出了中国画画家在进行艺术活动的同时，要将人品视为比技艺更为重要的生命中的必修课程。

当今中国，随着经济的发展和人们生活水平的提高，相应涌现出了很多社会问题。对物质生活的过分注重和盲目追求、对精神生活的忽略甚至放弃，使一些人越来越缺乏必要的精神追求和信仰。互联网技术的发展也使在高楼林立中生活的人们越来越与自然相隔离。这种病态的现代都市生活方式，让年轻一代如浮萍一般随波逐流，他们没有较高的精神向往，没有必要的责任担当，甚至于丧失灵魂，浑浑噩噩。一个社会健康与否，主要看这个社会年轻一辈的思想健康程度，年轻人决定着国家与民族的前途和命运。任何教育都不能忽视对学生的思想素质教育。中国画蕴涵着丰富的道家崇尚自然、返璞归真的思想，如人类的生存必须与自然相沟通，要节制自身欲望，保护自身生存环境，远离物欲，以平常心看待功名利禄，尊重生命、尊重自然、尊重他人和自己，行事要顺其自然，等等。因此，对于艺术设计类学生来说，中国画课程的设置，可以提高他们的思想素质和艺术修养，引领他们的学习和生活回归到健康有序的状态。

其次，中国画对线条、色块等绘画元素的独特提炼方式，对于艺术设计教学也具有重要现实意义。

中国画对线条的使用具有独特的技巧，其线条也蕴涵着独有的审美情怀。它是中国画在千百年的发展中经过艺术提炼而形成的一种意象指征，是中国画的基本语言和特有的表达方式。如同文学作品无法脱离文字这一载体一样，在艺术界，无论古今中外，也无论是绘画艺术还是设计艺术，都难以脱离使用线条这一艺术语言形式来表情达意。线条不仅是造型艺术的基本要素之一，同时也是设计师表达自己设计理念的基本语言。但线条要能随心所欲而又准确生动地传达细腻的情感，必须经过画家长期的日积月累的训练和体会。

以动漫设计为例，动漫设计是以线条为最基本造型手段的。我国传统的动漫设计十分注重对民族艺术手法的运用，尤其是水墨动画，将中国画对线条和色块的处理技法应用于角色造型和场景设计，不仅使角色造型生动，也使整个画面充满独特的韵味和深远的意境。因而，中国水墨动画在世界上赢得了广泛的赞誉。

除了动漫设计，其他具有中国风格的艺术设计作品在世界上也是独具一格的。以服装艺术设计为例，设计师将中国画中的民族艺术元素借鉴和应用到服装设计中，把传统的和流行的、民族的与世界的巧妙地结合起来，同时又立足于民族特有的艺术元素，从而成为国际时装设计界中具有个性的并获得国外设计家认可的最佳表现方式。“只有民族的，才是世界的”，服装设计的民族化问题一直是国内服装界探讨的热点问题。而中国服装样式中的汉唐服饰、明清服饰，如今仍然是我国在国际时装界的特殊标志符号，这也充分说明了设计艺术民族性的重要性。在这里，中国画的一些艺术处理技巧无疑也有发挥的空间。

中国画中“计白当黑”、“虚实相生”等关于构图和水墨处理的手法，在平面设计中也有运用。著名设计师靳埭强就一直在自己的设计理念中探索中国画水墨语言与设计语言的融会贯通、兼收并蓄。平面设计要以民族的审美心理为支点，在纯艺术与应用设计的交汇点上将绘画与设计完美融合。兼具传统性与时代性的设计作品才是最具有价值的。

如今在西方设计界，流传着“没有中国元素，就没有贵气！”这样的说法。国内外众多的城市公共环境设计、家居设计、服装设计、包装设计、招贴广告设计，甚至书籍装帧设计等中也不乏中国元素包括中国画元素的运用。可见，无论是在国内还是在国外艺术设计领域，中国元素的运用都是占有一席之地的。

中国画是中国传统文化艺术的重要组成部分，其在艺术设计作品中的运用，不仅能丰富作品的内涵、加强作品面貌的节奏感和韵律感，还能增强它们所要表现的主题情感和意境。中国艺术几千年来所汇聚的精髓之中，可学习和借鉴的内容足以让每一个设计者终生研究和学习不尽。作为中国人，我们要自觉重视起来，利用好我国具有厚重历史积淀的传统艺术。

在实际的中国画课程中，艺术设计类学生通过对中国画独有的线条、其他绘画元素以及美学思想的学习，所受益的不仅仅是手头功夫的提高，重点还在于对中国传统艺术的进一步认识以及其基本艺术素养的提升。艺术设计类学生在学习中国画的过程中，通过手眼结合能力的训练，通过对线条的提炼以及对线条走势的体会与把握，在今后的设计速写练习中也用处良多。在艺术设计教学中，笔者将常用的硫酸纸（拷贝纸）应用到中国画的白描教学中，以方便学生直观地学习和体会白描优秀范画作品中的各类线条。实践证明，这一教学方法是非常有效的。

再次，中国画作为一种纯艺术的教学内容，运用在艺术设计专业学生的课程中，可以加强他们的民族意识和提升他们的鉴赏能力。

艺术设计类学生学习中国画课程，对拓展学生的设计思维的宽广度可以起到较为明显的作用。我国设计专业学生普遍存在盲目追求国际化、抄袭国际化样式的问题，缺乏对本国优秀传统艺术和文化的重视。任何一件有价值的艺术作品都需要有文化根基，只有立足与传统的和民族的艺术作品，才会具有真正的生命力。我们设计理念的创新只有立足于体现中国传统文化内涵的基础上才有意义。中国画的形式、风格、造型、构图甚至色彩等元素都可以应用到设计理念中去。绘画艺术与设计艺术是息息相通的，绝不是两个完全分离、互不相干的艺术领域。作为一个艺术设计工作者，吸收传统文化艺术中的丰富营养，感悟中国绘画的审美理念和民族意识，扬其长避其短，宣扬中国传统艺术精神，是其不可推卸的责任。

中国画教学还可以培养学生的审美能力和鉴赏能力。无论是哪一类型的艺术设计学生，如果缺乏必要的鉴别和欣赏美丑的能力，都是不行的。只有具备鉴赏能力才能创造美，才可能为审美主题增添生活情趣和活力。同时，我们要知道的是，审美教育的开展虽然是急需的，但其作用又是潜移默化的。这需要每一位教师在教学过程中逐渐传达给学生，并允许学生逐渐领悟和逐步的过程。

苏霍姆林斯基说：“美是一种心灵的体操。”如果我们的中国画教学能让每一位学生在这种美的“体操”的感召之下超越自我的狭隘，升华为高尚的社会审美情感，那么，我们这门课程教学的目的也就达到了。

参考文献：

[1]徐大椿.老子经注[M]//高明.帛书老子校注.中华书局，1996.

作者：李为民