西方文学鉴赏论文

2022-05-11

下面是小编精心推荐的《西方文学鉴赏论文(精选3篇)》，希望对大家有所帮助。摘要：随着我国高校教学改革的不断深化，对美术鉴赏课程教学也提出更高的要求。高校美术鉴赏课近年来教学过程中在研究基本美术知识的同时，更侧重于从中外美术作品出发，确保通过文学性鉴赏使学生在审美能力、美术素养以及鉴赏能力等各方面都可得以提升。然而现行高校美术鉴赏课教学活动中，关于文学性赏析仍处于缺失状态，难以达到美术欣赏课教学的真正目标。

第一篇：西方文学鉴赏论文

东西方文化差异下的英美文学鉴赏探讨

摘要：由于民族习俗、生存环境、文化背景的不同，每个国家都有独一无二的文化形式，东西方文化之间因为背景的不同，形成了极大的文化差异。东方文化含蓄，西方文化现实，两种不同风格的文化共同推动着人类文明的发展和演变，在了解东西方国家历史发展的情况下，本文通过研究东西方文化的差异，来欣赏英美文学。

关键词：东西方;文化差异;英美文学;鉴赏审美

东西方文化之间因为特定的历史背景和发展过程的不同，形成了巨大的文化差异，文化之间的差异对研究文学有深远的意义。在东西方文化中，东方文化更倾向于委婉抒情的文化内容，西方文化更倾向于严谨现实的文化内容，那么東西方文化之间的差异是如何演变形成的，英美文学是西方国家在历史的演变发展过程中形成的，是人类文明的具体表现，针对东西方文化的差异来鉴赏英美文学的独特内涵，让我们对英美文学有一个更深刻的了解，从而探索东西方文化差异下英美文学的价值。

一、东西方的文化差异

随着人类社会的不断发展和文化的不断交流与碰撞，东西方文化之间差异成为人们关注的对象。

首先，一般文化之间的内容是大致相同的，但是也会因为客观环境的差异引起的不同的侧重点，这就是文化之间的差异。比较东西方文化之间的差异，主要以中国文化与英美文化之间的不同来对比[1]。在东西方文化之间的差异中，文化差异之一就是不同的文化核心内容，东方文化的核心内容侧重人文，西方文化的核心内容侧重科学，显而易见，东方文化更多的是人文关怀，对人的思考，西方文化更多的是客观理性的思考，不会有太多的主观思想。

其次，在东西方文化之间的差异中，文化差异又体现在语言上，由于语言的差异，导致东西方人类在语言习惯和思维模式上有很大的差异，因为人们的思维指引着语言的表达，思维和语言是密切相关的，思维决定了语言的表达，语言又反映了思维模式，两者之间有着密切的关系。在中国文化中，汉语是最基本的语言，汉字是语言的基本形式，汉语是独特性体现在具体的词语之中;在西方文化中，英美是最基本的语言，英美文化是比较直接的，没有太多含蓄的内容，但是在汉语中，汉语的词汇通过简短的句子可以描绘出有意境的画面，给人一种身临其境的感觉，汉语文化博大精深，不同的断句会表达出不同的意思;但是英语却没有汉语能表达出来的意境，英语是非常严谨科学的，在表达形式上比较直接，所以东西方文化的差异表现在语言特点上[2]。

再次，在东西方文化之间的差异中，其中艺术特色也是不同的。汉语的表达是注重文化艺术内涵的整体效果，汉语的表达是表达出作者的中心思想和主要精神的，可能会是写景抒情，托物言志等等，通过作者的描写来表达内心的情感;而西方文化的艺术特色是重视写实的，用具体的内容表达出自己的内心，表达的是一种真实感受，因为受到思维模式的影响，对客观事物的外在尤为重视，并没有更深层次的内涵。东西方文化的风格不同和表达内涵不同，东方文化主要是抒情为主，表达出作者的内心思想;而西方文化主要是写实为主，通过客观的描述表达真实的情感。所以，东西方文化在艺术特点上有很大的差异。

二、从东西方文化差异的角度来鉴赏英美文学

从东西方文化之间的差异来鉴赏英美文学，从真实的文章事例来具体分析，通过对作品内涵的分析，来深入作者的内心世界，并产生情感的共鸣。下面我们从笛福的《鲁滨逊漂流记》进行分析和鉴赏，感受东西方文化作品的差异。

笛福的代表作是《鲁滨逊漂流记》，这篇小说给我们留下了深刻的印象，作品不仅对主人公进行了个性的描写，表达出坚持不懈的精神，给人深远的影响，在笛福的这篇作品中，会发现是对生命的描写，是精神内涵的体现，人类在挫折面前求生欲望的强烈和战胜困难的决心，西方评论家对笛福的作品更多的重视作品表达的精神境界和不放弃的精神，也就是作品的内容，忽略了作品的艺术特色[3]。中国的评论家在笛福表达的战胜困难和挫折的背后看到了笛福的内心世界和艺术特色表达，笛福表达的内容非常明显，中国评论家重视写作手法和艺术特色的不同。从东西方文化差异的角度来看，西方文化侧重于笛福作品表达的内容，东方文化更侧重笛福作品中内在的表现形式和艺术特色，所以，东西方文化鉴赏文学作品时受逻辑思维的影响很多。

三、东西方文化差异对文学鉴赏的影响

随着时代的发展和文化的交流碰撞，在东西方文化差异下对英美文学鉴赏越来越普遍，西方对文化鉴赏的体系较完整，中国在文化鉴赏方面的文学理论没有形成完整体系，在中国的传统文化中，对文学作品的鉴赏大多是以艺术性和思想内涵为重点内容，不同的作品表达的思想都不大相同，所以难成体系;西方对文学作品的鉴赏根据作品的共同性进行总结形成体系，所以在文学作品的鉴赏中西方更成熟。

英美文学是文学中重要的组成部分，作品中不仅有西方不同时代的文化背景，文化的发展演变过程，社会价值观，同时具有深刻的内涵，是西方国家发展演变的产物，也是人类文明的体现。东西方文化之间的差异是受到特定的时代背景和文化演变发展的影响。在英美文学的鉴赏中，文化差异在各自领域中产生不同的作用。

参考文献：

[1]丁慧.文化差异对英美文学评论的影响[J].湖北函授大学学报，2015，(1)：182-183.

[2]万雪梅.论界面研究视角下的英美文学教学[J].外国语文(四川外语学院学报)，2015，31(3)：149-153.

[3]程晓.从跨文化视角浅谈英美文学作品语言艺术[J].新教育时代电子杂志(教师版)，2016，(10)：280-280.

作者：邓婧

第二篇：高校西方美术教学中的文学性鉴赏

摘要：随着我国高校教学改革的不断深化，对美术鉴赏课程教学也提出更高的要求。高校美术鉴赏课近年来教学过程中在研究基本美术知识的同时，更侧重于从中外美术作品出发，确保通过文学性鉴赏使学生在审美能力、美术素养以及鉴赏能力等各方面都可得以提升。然而现行高校美术鉴赏课教学活动中，关于文学性赏析仍处于缺失状态，难以达到美术欣赏课教学的真正目标。对此，本文将对文学性鉴赏融入西方美术教学中的意义、现行美术教学中关于文学性赏析存在的问题以及文学性鉴赏的相关教学策略进行探析。

关键词：西方美术教学;文学性欣赏;教学策略

前言：作为高校审美教育的基本构成部分，美术欣赏课侧重于对美术史以及美术作品进行研究，使学生在学习过程中艺术鉴赏能力以及综合艺术素养等方面都可得以培养。尽管现行高校美术教学中，要求充分挖掘美术内容中涵盖人文精神内容，但实际教学中仍存在较多弊端，抑制美术欣赏课教学有效性的提高。因此，本文通过对美术欣赏课教学分析，对提升高校美术教学有效性以及学生综合能力具有十分重要的意义。

一、文学性鉴赏融入高校西方美术教学中的意义分析

高校西方美术教育，其本身将较多西方民族文化内容融入其中，为使这些民族文化中包含的审美姿态、文化意识被充分挖掘出来，便要求在美术教育工作中做好文学性鉴赏工作。从美术文学性欣赏的必要性看，主要体现在三方面：第一，美术教育的目标与文学鉴赏目标保持一致。无论美术教育还是文学鉴赏，二者都涵盖一定的审美内容，如文学方面，在审美表达过程中往往需依托于语言媒介完成个人情感以及个人人生观的表达，而美术教育，其主要以笔墨纸张作为媒介，完成个人情感与人生观的传递。所以二者的差别主要体现在媒介差异上，而在目标上却都以情感传达为主[1]。第二，文学作品、美术作品在表现形式上存在较多相似性。如文学作品的表现形式，为使思想情感得以抒发往往将比喻或象征的方式引入其中，而美术作品中为使作品主题得以突显出来，可用的表现方式包括暗示、象征等。所以从二者表现形式上看，相似性较多，将文学性鉴赏融入美术教育中不会出现冲突，反而可对美术教育起到一定的辅助作用。第三，文学性解读是西方美术教学中的重要组成部分。事实上，从西方美术发展史看，大多著名画家往往也兼有文学家的身份，这样在许多作品中本身渗透一定的文学性内容，解读过程中若完全将美术内涵与文学内涵强制割离，很容易造成作品解读中无法了解其精髓的问题，所以在西方美术作品研究中做好文学性鉴赏具有一定的必要性。除此之外，若以学生角度为出发点，可看到在研究西方美术作品过程中，能够渗透文学性赏析内容，有利于学生在整个文学与艺术情景中陶冶情操，潜移默化的理解作品传达的精神与内容，真正做到对美术教学内容中的艺术形象进行思索、想象与体验，通过享受其中的美感，从而提高自身的美术素养[2]。

二、美术教学中关于文学性赏析存在的主要问题

美术欣赏教学侧重于在美术知识讲授的同时将欣赏性内容引入其中，如较多具有典型性与代表性的作品，将其引入教学中可使学生在审美视野上不断拓宽，有利于审美知识结构的构建。但现行美术教学中的文学鉴赏活动，在实际开展中仍存在较多弊端，如错误的文学性鉴赏认识、不合理的教学方法选择等，使文学性鉴赏活动难以取得良好的效果。具体高校西方美术教学中存在的问题主要表现在以下几方面。

(一)对文学性鉴赏的认识误区

美术欣赏教学过程中，其涉及的文学性鉴赏内容多集中在文学作品解读方面，这种作品解读的实质在于使学生通过鉴赏活动形成一定的鉴赏思维以及审美素养。然而现行文学性鉴赏活动中，教师往往错误的认为在美术教育中选取与教学内容相关的几部作品即可，通过作品内涵与美术知识的结合，便能达到美术鉴赏教学的目标。这种方式可成为美术教学中文学性鉴赏的重要手段，但需注意高校西方美术教学中，其本身需考虑到课时限制因素，一旦美术教育知识量较大，作品分析的时间将极为紧张，若教师难以做到美术与文学内容的结合，将表现出“舍本求末”的问题，难以取得良好的教学效果。因此，文学性鉴赏的关键应在于学生是否有基本的审美鉴赏能力，确保课堂学习过程中形成鉴赏思维方式，便能够主动对作品进行反复品鉴，达到陶冶情操、提升审美素养的目标[3]。

(二)美术教学文学性鉴赏教育模式不合理

从现行高校美术欣赏课程开展现状看，通常选用的鉴赏模式主要以“三段式”为主，其强调首先对美术作品的时代背景进行研究，在此基础上明确作品的主旨内容，最后剖析作品涵盖的艺术特色。但实际上，大多教师往往将作品的内容与时代背景作为鉴赏的重点，而在艺术特色方面，通常一带而过，依托于简单的总结形式完成鉴赏过程。这种情况下，文学性鉴赏中视觉艺术审美秩序将完全处于倒置状态，而非由学生主动感悟作品精髓，难以真正促进学生审美素质提升。另外，关于较多文学常识性鉴赏课程，多集中在文学表层分析方面，导致学生在鉴赏活动后，对于课堂中涉及的文学作品仍处于无从下手、无话可说的状态。需注意在艺术作品分析中，通过对作品时代背景与作者经历的解读，是较为直接的鉴賞方式，但有很多西方艺术作品，其在形式感与抽象感上极强，未融入具体的故事情节，会为学生带来玄奥晦涩之感，此时教师若仍将文学作品与抽象的美术知识结合在一起，将使鉴赏无法达到其实质性的目标，形式主义色彩极为明显[4]。

(三)过于简单化的教学内容

美术教学中的文学性鉴赏，在内容上体现出一定的多元化与多层次性特征，如鉴赏内容中涵盖的作品形式美、形象美、内容美以及技法美等。而这些美的获取需从美术作品中进行获取。现行高校西方美术教学中，作品解读中教师往往从强调对艺术家生平、作品内容情节以及作品产生的时代背景进行讲解，作品鉴赏时更侧重于以社会价值、历史角度为出发点，且分析作品的艺术流派等内容。但这些内容多表现在美术史知识方面，艺术观念的鉴赏仍处于缺失状态，如作品中涵盖的文学风格、艺术色彩以及艺术构图等涉及极少。这样作品鉴赏活动完全成为教师吸引学生参与课堂活动的主要手段，文学性鉴赏沦落至故事分享层面。虽然解读过程中较多故事内容如高更在原始小岛的生活、梵高割耳朵可吸引学生注意力，但很难使学生真正理解艺术作品的精髓，容易出现与教学目的脱节的问题[5]。

(四)僵化的教学方法

美术教学中的文学性鉴赏在内容上具有一定的多元化特征，需要在教学过程中选取不同的教学方式，以此使作品内容被充分挖掘。如同豪泽尔关于艺术分析曾提出，美术教学中任何学生都可作为一名艺术家，但若想成为鉴赏家，则需通过合理的教育方法。因此，学生美术鉴赏能力的提升需依托于较为完善的教学方法。但现行文学性鉴赏活动中，教学方法更侧重于以“三段式”为主要模式，造成整个美术鉴赏完全停留在程式化、简单化等方面，难以真正提升文学性鉴赏的有效性[6]。

三、美术教学文学性赏析的相关教学策略研究

对于西方美术作品的欣赏，其能够丰富学生的精神需要。事实上，高校美术教育活动中，学生知识获取的途径很大程度需依托于文学性赏析。从文学性赏析内容看，由于艺术家本身将较多对社会的认知与自身的生活体验融入作品中，需通过不断的挖掘与分析才可使其中的文化内涵纳入学生的知识结构体系中。因此，在实际教学活动中，应注重使学生在掌握基本美术知识的同时，能够从享受作品美感中获取更多的审美体验与审美经验。但由于学生本身在个人文化修养与个性特征存在一定的差异，对于作品的鉴赏往往也带有一定个人观点，教师应避免对这些个人观点进行否定，应保证学生观念正确的前提下做好引导工作[7]。为使文学性鉴赏有效性得以提高，应采取相应的策略，主要包括以下几方面。

(一)从教师角度

文学性鉴赏活动中，教师的作用主要表现在引导与组织方面，是影响作品鉴赏的关键性因素。实际教学过程中，要求教师在教学观念与教学方法上不断更新。对于大多西方美术作品，其囊括的文化内涵对于学生往往很难理解，如较多作品中对美术起源问题的分析，若教师讲解过程中完全提出美术源于“劳动”，其很难使学生真正理解其内涵，此时在鉴赏时便要求教师引入较多学说观念，如“劳动说”、“表现说”等，对这些学说进行对比，便可帮助学生对作品内涵领悟更为深刻。实际上，美术作品中包含极多的概念性内容，都需要教师做好深入剖析与解读，避免完全停留在文学表面内容讲解上，其无法真正帮助学生提升文化素养。同时，对于美术鉴赏课中教育方法缺失问题，为使学生能够吸纳西方文化的精髓，还需在鉴赏中采用相应的对比鉴赏形式，如在分析西方美术作品过程中，可考虑将中国本土美术作品同时引入，其目的在于学生可通过比较鉴赏方式，使作品分析更为深入，能够通过多个角度完成作品解读，如从作品绘画特征看，西方美术作品中渗透的主要以“焦点透视”与“块面”为主，而中国绘画特征倾向于“散点透视”与“线条”。同样，绘画作品中的文化背景、情感表达也都可采取一定的比较借鉴形式，有利于加强学生对作品的理解程度。另外，需注意教师自身在文学素养方面也应不断提高，包括历史、哲学等在内的所有知识内容都与美术保持一定的关联性，这在西方美术作品中表现更为明显。因此，教师在具备基本美术知识的同时，还需在其他文学造诣方面进行提高，这样才可为学生美术学习提供有效指导[8]。

(二)从学生角度

高校西方美术教学中，为保证文学鉴赏活动开展的有效性，学生自身也需正确认识到美术教学中文学鉴赏的重要性，其是提高学生综合素养的关键所在。对此，在实际课堂学习与课外活动中都应注重实时做好课外资料收集与大量阅读等工作，如较为典型的《西方美术简史》，或其他具有时代意义的美术作品等。常见的米开朗基罗作品，其传递的作品特点主要以“雄伟”为主，达芬奇作品中更侧重于对“理智”的描述，而拉斐尔作品中塑造的文学特征更倾向于“优雅”，这些都可作为提升学生文学素养的基本内容。另外，学生也可通过互联网形式，欣赏较多艺术影片，如典型的《梵高传》，其不仅涉及较多美术内容，且将艺术家等人生经历与个人情感融入其中，能够使学生在欣赏中领悟其精髓，对美术教育也将更为青睐[9]。

(三)从高校角度

为提升高校美术教学效果，高校自身也需采取相应的完善策略，如在自身图书馆建设中，注重引入更多典型的西方美术作品。同时，也可适时组织院校学生参加艺术博物馆、展览会等，使学生在具体的艺术环境下提升文学涵养。另外，对于高校中学生组织的美术社团，高校也需给予一定的扶持，并做好引导工作，以此促进学生美术素质的进一步提升[10]。

四、结语

美术鉴赏课的开展是提高学生综合素质的重要途径。实际教学活动中，应正确认识文学性鉴赏在美术教育中的重要性，立足于现行美术鉴赏课中的主要问题，从教师、学生以及高校等角度，使美术鉴赏课得以顺利开展，确保学生在美术知识掌握的同时自身文学素养也可随之提升。

【参考文献】

[1]马预其.论高校西方美术教学中的文学性赏析[J].青年文学家，2009，10：78.

[2]边小强.普通高校西方美术史教学艺术探究[J].文教资料，2011，12：123-124.

[3]程新元.高校民間美术鉴赏教学现状分析与应对策略[J].美术教育研究，2012，09：146-147.

[4]曹梦.浅析“美术鉴赏”课——作为西藏高校美术素质教育的课堂教学构建[J].西藏科技，2012，07：38-39.

[5]孙晓航.浅析高校美术鉴赏教学实践对实施素质教育的意义[J].美术教育研究，2015，21：123.

[6]黄薇.高校美术鉴赏课程教学现状及其对策研究[J].学周刊，2015，22：6-7.

[7]聂世忠.高校《美术鉴赏》教学改革探讨[J].艺术科技，2015，06：40.

[8]庞侃.浅谈美术鉴赏作为高校通识课程的课堂教学构建[J].美与时代(中)，2011，03：62-63.

[9]董正磊.高校美术鉴赏课教学模式与方法改革探索[J].价值工程，2013，12：217-218.

[10]李婳.高校美术鉴赏类课程的重要意义及其教学模式改革[J].开封教育学院学报，2010，04：49-50.

作者：邢澄

第三篇：中西方绘画比较鉴赏研究

摘要：中国国画、欧洲油画分别是中西方绘画艺术的典型代表。为了更好地对中西方绘画进行比较鉴赏研究，要充分考虑到中国国画、欧洲油画在各自发展历程中所受到的宗教、社会等因素的影响，以及在此影响下各自体现出的创作特点。

关键词：中国国画欧洲油画比较鉴赏

绘画作为一个重要的艺术门类，是全人类共通的文化交流载体和精神表达方式。从最初起源到今天，中西方绘画各自保有鲜明的艺术特点和迥异的历史基因，中国国画与欧洲油画最能集中体现中西方绘画的精髓，二者从画面、技法到蕴含的文化特性等均有显著差异。本文将以中国国画和欧洲油画作为范例，从中西方宗教、历史社会以及创作技法等角度对中西方绘画进行比较研究，希望可以为如何鉴赏中西方绘画提供一些参考。

一、宗教对中西方绘画艺术的影响

很早以前，宗教和艺术之间就有了相互的影响。从最初原始人类对大自然的朴素崇拜，到逐渐形成体系化的宗教教义，包括具体的信仰对象、完备的信仰体系、完整的传播内容等在内，几千年来，宗教和艺术相互促进，共同演变和发展。宗教在广泛传播的过程中充分借助了包括绘画在内的多种艺术形式的表现力，目的是促进对广大信众的教化。宗教在借助多种艺术形式的表现力的同时，也为艺术注入了持续的活力和创作灵感。

(一)佛教、道教和中国国画

中国国画在汉末至南北朝时期，开始受到佛教的深刻影响，特别是“禅”的思想。这一思想既在佛教中占据着十分重要的地位，又影响着国画创作者的价值观念。“禅”思想所追求的静、修、思以及在禅定中开悟和实现自我解脱等，历来是我国士人阶层的“精致文化”。在这种文化的熏陶下，中国国画在构思上逐渐融入了“禅”的意境。

比如唐代大家王维，既留有“行到水穷处，坐看云起时”的著名诗句，又是一位佛学造诣颇高的山水画大师。其画作中(虽然世人对其传世作品是否为真迹仍存质疑，但并不妨碍这些作品对王维精神世界的再现)无不表达着作者对于“禅”思想的理解。王维所作《江干雪霁图》中，远处群山连绵，一弯江水由远处徐徐流近，水面逐渐开阔。江上小桥一座连接两岸，岸边不远处有几间屋宇倚着背后险峻的山石，有二人在屋前站立交谈。再向远山望去，天空中似是一排大雁在翩翩翱翔。画面整体布局详略得当，意境深邃，王维仅用水墨加细笔勾勒，便表现出大雪初霁时的宁静和勃勃灵动的生机。画面简单、平和，却又展现出宽广的视野和内心的悠然自得。作者修禅悟道的清净状态，在画作上表现为简朴、隽永的笔墨意象。类似王维的绘画样式和其所表现出的意蕴，深刻影响着后世山水画的创作。

在中国传统国画题材融入佛教思想的同时，也出现了大量佛教题材绘画。六朝和唐代就有许多专门图绘佛教题材的大画家，他们的作品大都留在寺观和洞窟壁画中，也有一部分保留在地下墓葬艺术中。年代距离现在比较近的，如明代画家吴彬所作《涅槃图》《罗汉图》等，生动再现了佛教内容。在具体人物的创作上结合佛教典籍中所述情景，采用诸多形象、表情、肢体变化，让观者可以从画中很快地辨别出每个人物。有很多画家以佛教典故作为创作题材，且各家对于佛教教义的理解也不尽相同，这在客观上丰富了佛教通俗化的表现手法。

再看道教这一产生于中国的本土宗教。道教讲求天人合一、清静无为，体现了中国古人对自然和天性的尊重，受此影响的绘画作品往往浸透着一股飘逸和洒脱。

明末清初的书画宗师八大山人，曾为僧，后入道。作为皇族贵胄，他不幸历经国破家亡，一生经历坎坷，他笔下的画作，不欲人夸，但求自遣，这也是道家思想的一种表现。其作品《烟江钓艇》中，从画面左上至右下，一座山峰由山顶缓缓延伸至山坡，层层叠叠。山上或是一簇簇深墨色的树木挺拔而立、或是一片片留白处的山石;山势平缓处，有一凉亭;山的右侧江水环绕，以留白表现;再往右上处，寥寥数笔画出一叶帆舟;帆舟上方，几座远山静静矗立。全图视野空旷，布局简洁，用笔苍劲，细节上并未做过多修饰，带有明显的写意风格。作者借自然之景色抒一己之胸臆，独立于人间繁华之外，自得于山水性情之中，清静怡然，潇洒快活!画中有山、有水、有人(帆舟)，彼此静而处之，恰是对天人合一、道法自然最直观的表达。八大山人是中国文人画的集中代表，他的绘画作品蕴含着深刻的哲思，也体现着中国笔墨的至高修养。

所谓写意，最重要的是“意”，其中包含着受中国文化熏染的精神境界。对于这样的绘画而言，实用性已经不再是作者追求的目标。绘画作品离开了现实功利的用途，完全内化为作者自身的精神图景。欣赏这样的绘画，观者也需要了解中国思想文化的深邃内涵，以及中国古代士人的精神世界。

(二)基督教和油画

西方油画的成熟历程，则与基督教紧密相关。在文艺复兴以前的漫长岁月，绘画的创作内容经常是宗教人物、宗教故事。宗教主题的绘画布置在宗教场所作为装饰，提供给教徒冥想、忏悔的观照对象。这样发展下来，千百年里诞生了不少佳作。

佛教、道教对中国国画的影响更多作用在对画家内心世界的塑造上。国画画家接受了佛教、道教的信仰，并进行再创造，而非拘泥于宗教的条条框框之中。与此不同的是，基督教在西方社会拥有的政治权力与世俗势力非常之大。很多时候，欧洲油画家的创作过程本身就是对教皇的服从，是在履行为教廷服务的职责。意大利文艺复兴时期三杰之一的米开朗琪罗所作西斯廷教堂天顶画《创世纪》，就是应当时教皇的命令，以《圣经》内容作为主题进行的全景式创作。虽然这幅恢宏巨作成就了米开朗琪罗的历史地位，但其本人也因经年累月的工作损害了身体健康。

另一方面，基督教对欧洲油画的影响还表现在对绘画风格的限定中，比如，我們熟知的达芬奇所作的名画《最后的晚餐》，在这幅作品之前，已经有过许多题材相同、画面结构相似的作品出现过。公元6世纪左右的一副镶嵌画中，耶稣身着深色衣装在画面最左侧且头顶光环，其他十二位门徒身着白装依次向右排列，所有人围着一张桌子，桌子上面只有一个盛着两条鱼的餐盘。画中十三个人的表情非常刻板，没有很明显的人物特征。还有一幅15世纪的木板画，也是同样题材，虽然人物位置、动作已有各自不同的变化，但是表情依旧木然。除叛徒犹大外，耶稣和其余十一个门徒全部头顶光环，众人围桌而坐，以正面、侧面、或背面示人。这两幅画均创作于中世纪——欧洲大陆处在基督教统治的时代。教会在当时具有绝对权力，世俗社会必须服从。在教会的森严氛围下，宗教题材画作中的人物相貌并不追求比例上的和谐，面部表情显得清高且毫无生气。耶稣及其门徒头顶必须配有光环，以突出身份的神圣和至尊地位。

但随着时间和技术的发展，欧洲宗教题材绘画中的人物造型逐渐开始向现实靠近，特别是进入文艺复兴时期后，随着对人性的关注与提倡，人们开始意识到自身的美和伟大。比如，达芬奇所作《最后的晚餐》中，十三个人物应和着自己的身份、心理活动，呈现出不同的动作与表情，非常准确地描绘出了人物特点。人体各部位比例非常协调、立体感突显，画中人物头顶上也不再有体现神圣身份的光环。这幅《最后的晚餐》与之前同题材作品相比，是在以一种生动的方式来表现阴谋即将发生前那种波云诡谲的气氛，而不是单单为了突显耶稣及其门徒地位的高不可攀。又如，文艺复兴时期三杰中的另一位拉斐尔所作多幅《圣母像》，画中的圣母美丽、慈祥，虽然是宗教题材，但画出的却是对人性、母爱的颂扬与赞美。

进入到文艺复兴时代，艺术大师们通过恢弘生动的艺术作品，让宗教题材中的形象回归到人的本性，体现出对挣脱宗教束缚的人本主义的张扬，把古希腊、古罗马对人和人体、人性的尊重和表现重新唤起并赋予新的生命。

二、社会发展对中西方绘画艺术的影响

任何艺术都根植于所在的社会土壤中，不同的社会发展轨迹深刻地影响着中西方绘画。画家所处的政治、经济、文化、风俗等社会环境为创作提供了充沛的灵感来源，相应作品也真实记录下了当时的社会风貌。

(一)中国社会和中国国画

中国社会自古以农桑为本，重视农业发展，相应产生了与之匹配的生活百态以及记录它们的绘画作品。比如，在宋代画家李迪所作《风雨归牧图》中，水岸边几株繁茂柳树上的枝条呈较大幅度的飘摆状，可见当时的风已经很大了。近处一大一小两只水牛正奋蹄向前奔跑，尾巴向后飘着，可见速度之快，已经感觉到大风裹挟着雨点而来，着急向家的方向赶去。在前方的大水牛边跑边回头望着小水牛，内心的焦急和对同伴的关心跃然纸上。大水牛身上骑着一个小牧童，身披蓑衣，左手执一根树条，右手紧紧按着头上的斗笠，身体前倾迎着风雨刮来的方向;小水牛身上同样有一个小牧童身披蓑衣，但却背对牛头趴在牛背上。仔细一看，原来这个牧童的斗笠已被大风刮到了地上，牧童眼瞅着掉落的斗笠有些不知所措。这幅作品描绘的内容在江南水乡经常可见，水牛、垂柳、牧童、风雨，组合在一起，呈现出当地民众日常生产生活的基本要素与情景。且作品的动态感极强，细细品来趣味十足。这是中国山水画表现的一个重要题材。

在中国古代民间有关农业生活的绘画中，以《渔樵耕读》为主题的四联图，也是上至达官显贵、下至寻常百姓家中经常用来陈设装饰的艺术品。渔、樵、耕、读这四个要素最能体现古代农业社会的主流生产生活观念和价值追求，而且这种以农耕文明为传统的社会形态也一直延续下来，对现当代的画家给予了启发。比如，以画马见长的现代绘画大师徐悲鸿，留有如《巴人汲水图》《渔夫图》《九州无事乐耕耘》等作品，都以普通大众从事农业劳动为主题，采用比较明快的色彩，给人以积极向上的精神力量。

除了描绘农耕生活，中国国画中也有如《清明上河图》这般全景展现古代城市社会风貌的传世巨作。在五米多的画卷上，宋代画家张择端描绘了沿汴河两岸的社会生活场景。亭台水榭、船舶码头、桥梁街道、茶楼酒肆、花草树木，一应俱全;官家、店家、船家、僧俗众人，三教九流汇集而齐。所有景物、人物均刻画细致、逼真，再现了当年大宋都城汴京的繁华与社会生活的诸多细节，今人叹为观止，如穿越回千年前，身临其境。

(二)西方社会和油画

在现代工商业发端以前，欧洲同样以农业作为社会发展的基础，社会经济、生活结构上多体现为庄园模式。许多作品中都有反映田间耕作、放牧或是农夫家庭日常生活的内容。19世纪法国以描绘农村生活见长的画家让·米勒，其作品如《拾穗者》《牧羊女》《运柴者》等，都是反映农民田间工作的现实题材作品。这些作品的共同特点是，主人公都位于画面正中间的位置，占据最大篇幅，身后的平原景色非常开阔。画面以暖色调为主，但并不是很明亮，给人感觉比较柔和。观者在欣赏时可以感受出画中主人公在辛苦劳作后的疲惫。以知名度很高的《拾穗者》为例，在近处三位妇人身处一片已收割过的麦田中，已全是麦茬和零星散落、未被收走的麦穗，三位妇人身着粗布衣服、戴着头巾，面色黝黑、皮肤粗糙，单从外表就能判断出她们的身份。妇人们弯腰一手仔细捡拾着，一手攥着已归拢好的麦穗。远处是一堆堆码放好的麦子、三五成群交谈的人、和更远处的几间房舍。这幅画的写实色彩浓重，从场景到人物，均体现了劳动者的辛勤和对生活的艰辛耕耘，是对欧洲农业生产的真实记录。

除了生产场景，欧洲油画中也有描绘农民家庭日常生活的作品。比如，在荷兰著名画家梵高的画作《吃土豆的人》中，五口之家劳作一天后，围坐在桌边用晚餐。食物非常简单，只有一大盘土豆和刚煮好的黑咖啡，餐桌上方是一盏油灯，仅够照亮食物，农民一家衣着简陋，面容憔悴。土豆是欧洲寻常人家的主食，昏暗的环境、粗制的衣着，都显示出画中主人公并不富裕，需要辛劳耕作来维持生计。这幅画是对当时欧洲农民日常生活的经典再现。

与中国农业文明发展轨迹不同的是，欧洲资本主义从文艺复兴时期开始逐渐兴起壮大，成为社会的主流力量。伴随工业文明的到来，欧洲现代城市生活也日趋成型，渐渐成为油画家创作的新题材。如法国印象派画家毕沙罗所作《蒙马特大街》，描绘的就是巴黎19世纪末的城市街景。蒙马特大街位于巴黎北部，街道宽阔整洁，街道旁是笔直但已葉子落尽的树木和浅色墙面、深色屋顶的楼房。大街上人流、马车熙来攘往，但各行其道十分有序。整个画面颜色明亮，景物由近至远不断延伸。这幅画的创作年代恰逢现代工业快速发展阶段，城市生活节奏渐渐加快。现代化的建筑、商业、交通工具和通行秩序、民众着装等，都记录在画面中。又如另一位法国画家修拉所作《大碗岛的星期天》，描绘的是城市居民外出休闲游玩的场景，画中已完全是一派精致的现代生活，难觅工业革命前的丝毫痕迹。

三、中西方绘画的直观区别

在宗教、社会等因素的影响作用下，中国国画和欧洲油画呈现出相同或不同的题材特点，各自记录了所在历史时期的风景、人物、社会等。同时，中西方绘画从作品本身上看，也有着诸多差异，其中最为突出的两点是，国画注重在写意风格上形成作品独特的气韵，而油画注重写实。

(一)写意

“写意”是中国国画最常用到的创作风格。在写意基础上融入画家的个人灵感，对客观景物、事物、人物进行再创造，进而形成一幅作品独特的“气韵”，历来是国画作者追求的至高境界。所以，“气韵”是国画的灵魂。南朝谢赫提出来作画“六法”中，第一个就是“气韵生动”。这是透过画面内容传递出的一种气势、气场、精神、意境，是作者对自身风骨、志向、胸怀、抱负的抒发，是打动、感染、吸引欣赏者的精髓所在。

而想要赋予作品以独特的“气韵”，自然要从写意技法上进行挖掘和革新。以山水画为例，首先，山水画讲究留白，即画面内容不会全部填满纸张，如元代大家黄公望所作《富春山居图》，全画中几有一半是空白未放置景物的，这样的排布既描绘出了山水相间的景致，又让观者在欣赏时能够体会到水天开阔、山水延绵的畅快自得。通过这种空灵的留白，作者的思想和观者的感受融为一体，也给了观者的想象以驰骋的巨大空间。

其次，山水画在景物的层次处理上，远处景物通常在画面较高处、近处景物在较低处，形成高低错落的搭配，而并不像西方油画那样比较严格地遵循透视比例，加之中国独有的对水墨的运用，山水画面显得飘渺虚幻，给人以无限的遐想和品味空间。例如，在宋代名家范宽所作的《溪山行旅图》当中，低处近景是一条山路，山石树木夹道而立，道路中两名旅人赶着一队驮满货物的牲畜在行路。高处远景是耸立的绝壁，仅在山顶生长有树丛，一道瀑布从中飞流而下。高处、低处之间用留白作隔断，体现出远近层次。

在这里需要强调的是，“写意”特别重要的在于“写”，我们看到，很多中国画家在画面题写名字，不是“某某画”，而是“某某写”。为什么是“写”?那还要理解中国书法和绘画的密切关系。中国艺术讲究“书画同源”，这里面包含几层意思，其中一个就是中国绘画的表现，都可以视作书法性的表达。不但物象的轮廓线是书法线条，连泼洒的墨块都是不同形态的书法线条，它们都包含着运笔的轻重缓急、干湿浓淡等节奏变化，这就是中国画特别具备写意精神的一个基础。

最后，除了上述技法，山水画通常会留有题跋。题跋内容或为诗歌、或为典故、或为作画缘由、或为内心咏叹，加之作者以及鉴赏者的精巧图章等，完整的一幅作品便成了。

对写意风格及其技法的熟练掌握，加之作者本身的诗文底蕴和志向追求等元素，从古至今的一幅幅国画作品中，承载和表达了太多的家国情怀、对为人立世价值的探讨以及对精神信仰依托于何处的苦求。而这一切孕育出了每幅作品各自的“气韵”，让作品有了鲜活且长久的生命，并得到世人的推崇。

(二)写实

相比于中国国画，西方油画更加追求“写实”和“再现”。

首先，特别是从文艺复兴时期开始，在宗教改革、资本主义经济萌发以及自然科学发展等多重社会环境的作用下，西方油画从题材选择和创作特点上都更加贴近实际、贴近人，突出对人性、自然的歌颂与崇拜。

其次，西方油画一般都是满铺纸面，不会选择留白或是用大段文字作为点缀，且对颜色的运用更加广泛和大胆。

最后，其创作内容在相互比例、布局上，更加追求要符合科学的透视规律，通过光线、阴影明暗等辅助手法，使得画面层次感丰富，最大程度还原客观事物。比如，自文艺复兴以来，西方出现了很多百科全书式的人物，著名的达芬奇就是其中之一。他对于人体解剖非常有造诣，对于建筑和光影的研究非常深入，所以在绘画上，也表现出他这一方面的成就。再比如俄罗斯19世纪画家希施金的风景画作品中，有许多是以森林为题材的，如《松树林》《橡树林边》等，不仅真实客观记录了所见景色，更是在静态的画面中把树木描绘得栩栩如生，传递出大自然的勃勃生机。与希施金同时代的俄罗斯风景画家列维坦，在忠实描绘自然的同时，还注入了自己的情怀，把朴素无华的景色表现得忧伤凝重，令人悲悯伤怀的情感油然而生。可见，这些大师的作品，都表现出了西洋绘画以自然物象作为观察、研究、表现对象的共同点。

肖像画以及带有人物题材的场景画也是体现西方油画写实特点的作品类型。肖像画总是可以非常细致地捕捉和描绘到人物特有的表情、动作等细节，而且是属于该人物独有的，很难再复制。比如《蒙娜丽莎》中永远神秘的微笑，让人数百年来为解开其中奥秘孜孜以求;《教皇英诺森十世》中对人物阴冷苛刻的再现，连教皇本人看过都不禁感慨道“过分像了”。

在描绘特定事件的场景画中，如荷兰名家伦勃朗所作《夜巡》，其创作初衷原本是应阿姆斯特丹某民团的要求创作一幅集体肖像画，而伦勃朗并未遵循传统肖像画的创作规则，并未像集体合照那般排列人物的位置：夜色笼罩下，一队民兵聚集在建筑物门口，或露出正脸、或露出侧脸，有的手握佩剑、有的手执长矛、有的在擦拭火枪、有的在敲击军鼓;指挥官身着黑色外衣和帽子，身披红色绶带，站在人群最中间，准备带领身后民兵出发巡逻。画中所有人物都处在某种动作状态，给人以出发在即的紧迫感。

伦勃朗在这幅作品中大胆地突破了静态、统一的人物造型设计，将全部民团成员融入到“夜巡”场景中，让所有人“动”了起来，赋予作品鲜活的生命。《夜巡》在后世获得的评价很高，却在当时引起了颇多争议。画中许多人对于自己的位置是否显眼、是否脸部正面完整地被描绘出来等等问题，向作者表达了自己的異议。但毫无疑问，这是欧洲写实主义油画发展的里程碑式作品。

(三)异同点

虽然中国国画和欧洲油画在写意、写实上各有侧重，但并非完全排斥。比如工笔花鸟，同样是中国国画的一个重要门类，如《写生珍禽图》。又如清代以记录皇家活动为题材的宫廷绘画，也是以工笔、写实见长。如清代郎世宁，本来是传教士，后来成为皇宫御用画师，一生创作了大量表现宫廷生活的作品。他的作品非常生动地表现了中西方艺术的最初融合，代表了两种截然不同的绘画传统的嫁接。此外，欧洲油画发展到19世纪出现了以莫奈、塞尚等人为代表的印象画派，不过于追求对真实景物的再现，而是以突破性的色彩运用，以点涂代替线条进行渲染等技法来重构客观景物。印象画派与中国的写意风格颇有相通之处，代表作可见莫奈的《日出·印象》。

最后，再来简单对比一下中西方绘画所用到的工具。中国国画的特有工具包括毛笔、墨、宣纸等，这些要素组合在一起非常适合国画的写意风格。比如，圆锥形的毛笔特别适合表现丰富变化的线条，再配以水墨的偶发效果，这些工具对于抒写性灵的中国画家而言，正是表里如一的绝妙搭配。而西方油画的工具则包括画布、油画刀以及独特的油画颜料等，这些要素在一起更易于对现实的深入刻画，其中的油彩适合对客观事物在画布上的原貌塑造且不太易于挥发，可以带来视觉上的质感、厚重感。一方水土养一方人，要创作出完美的作品，淋漓尽致地体现出画作特点，选对创作材料也是非常重要的。画作工具早已融入到国画、油画的灵魂中，是无法割舍与改变的。

四、结语

综上所述，在鉴赏中西方绘画时，观者不应仅限于从画作本身的题材、技法、寓意等方面来进行区别或寻找共性，而更应该透过作品去挖掘背后的文化、地域、社会以及历史因素。绘画不仅是作者思想的表达，更是一时一地社会风俗的浓缩，如同诗歌、戏剧一樣，绘画是对时代最好的记录方式之一。在理解和鉴赏中西方绘画时，观者需要对包括中西方宗教、社会等各类因素有一定的了解，需要从这些因素的共通之处或差异之处，以及结合中西方绘画本身的特点来体会作品的价值点、闪光点。如此日积月累，处处留心，庶几可以成为我们鉴赏画作的入门之道。

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