浅谈大提琴的有效练习方法

大提琴演奏是一门技术性很强的艺术, 其表演技术的丰富性以及诠释作品的准确性、完整性取决于正确的大提琴有效的练习方法。作曲家将他们的思想感情以各种音乐符号 (即乐谱) 的形式记录下来, 这是他们的创作过程, 也就是大家常说的的一度创作。而大提琴演奏家将乐谱再转变为音响效果则是对原曲作者思想感情的诠释的过程, 也就二度创作。作为一名学习大提琴专业的学生, 如何优秀地完成这个二度创作的过程, 就是大提琴专业学生学习的主要目的。本文是结合本人在大学四年间的教学心得及体验, 仅此作为本人的观点对大提琴实际教学中遇到的问题加以整理解决。

一首乐曲有整体的轮廓, 有细微的局部, 有段落的划分, 有情绪的转换。因此, 我们认识一首新作品是, 听录音无疑是最快最好地帮助我们解决了些问题。

一首好的音乐作品他的精髓当然是表现出了作曲家与他所在的那个时代的共同的精髓。而翻阅文献资料就可以帮助我们更深入地了解音乐作品, 揭开作曲家创作是的心态及其音乐观和世界观。

到了演奏者认真读谱的时候。依然不能着急, 而应该在基于前边所做的前期工作的基础上再次听录音, 仔细对照谱子, 分析扑面结构, 这样做的最大的好处是先在大脑中建立谱面的框架结构, 在第一遍看谱中, 就能在脑中储存很多信息。

由谱表, 调号, 节奏, 节拍、时值、休止符、以及每个音符所处的位置构成一首乐曲。这些看起来似乎是大提琴初学者的第一节课应该学习的简单内容, 却由于以前不良的读谱习惯, 不仔细, 不认真, 而在学生手中也同样犯着不可原谅的错误, 致使练习进度大大加慢, 甚至这种错误还一直带到最后演奏时也没有发现。避免这些问题的发生, 关键在于细心。演奏者要反反复复地对照乐谱, 慢慢地、耐心地检查自己是不是每一处都看准确了。

表情术语是最重要也是最容易忽略同时也是同学最容易犯懒的。由于这些说明大多是俄文或意大利文, 所以很多学生即使知道这些事表情术语, 也懒得搬出字典来一个一个字母的挨着查。这必然会使我们的演奏脱离轨道。所有这一切都是任何演奏家在“读谱”阶段必须注意的, 不可半点疏忽遗漏, 而以上这些看似简单的细节, 却是学生中最往往不受重视, 容易遗漏的部分。

总之, 养成良好的读谱习惯, 可以使学生和演奏家同样的受益匪浅。这些不但要在“动手”练习以前要认真进行, 还要有效地贯穿于联系与演奏的始终。这样坚持“有谱无琴”的练习方式, 也可以是乐谱中的每一个细节深深地刻在你的脑子里。

在做完了如此多看似麻烦确实必要的预备工作之后, 相信你已经对于手头的新曲目有了很大程度的把握性, 接下去的工作就是要反复艰苦不间断的练习。我认为具体在练习中要掌握好以下几个环节。

(1) 指法:正确的指法是通往成功的阶梯。除非是在困难片段无法克服的情况下, 可以试着摸索出适合自己的指法, 使之“由难变易”, 否则千万不要任意更改指法。

(2) 划分分句:音乐也有起承转合, 阴阳顿挫。把句子合理的划分出来, 可以让我们更清楚乐曲的结构。然后再按照划分的句子来练习, 不至于破坏乐曲的整体感。

(3) 难点练习:常常可以看到有的学生在练习时喜欢一遍一遍从头至尾拉奏, 当遇到中途有问题或者不顺畅的时候, 一种情况是停下来后又继续往下拉, 不去寻找原因。另一种情况是从头再来, 如果顺利的话就接着拉下去, 不顺利的话就从头再来, 这实际上时在碰运气。这种练习方法, 由于没有认真分析和找出不能顺利拉奏的原因, 只通过不断的单一的练习来解决问题, 所以时间是花了, 问题却解决不了, 当然也就不可能收到很好的练习效果。可见, 要使练琴能见成效, 对难点部分进行反复的练习时很重要的。

(4) 慢练:慢练犹如放大镜, 可以把乐曲的细节都放大, 是演奏者可以谨慎地注意到音乐的每一个细胞。

(5) 快速练习:随着熟练程度的提高, 我们就可以逐渐加速并增加快速练习的比例, 开始时当然还应采取快慢速度交替的练习方式, 不断检验、修正和弥补练习中的不足。

(6) 听觉训练:前边我们提过, 审视大脑作用效果的最好器官就是耳朵。大提琴的演奏也是通过听觉来检验和调整的。听觉我们可以分为主观听觉和客观听觉两种。演奏者弹奏出来的音乐供听众欣赏时这是客观听觉, 是演奏者已无法改变的客观效果。这是耳朵的直接功能, 也是一种听觉机能的消极作用。而作为一名演奏者, 他更大的任务应该是怎样去积极地完美客观效果。大提琴演奏者对于已奏出的声音是无能为力的, 因为演奏过程中实际发出的音响是瞬间的产品。但如果演奏者总是在内心中提前听到那些将要奏出的音响, 用内心听觉掌握一大片的音响世界 (当然这需要长期的对大量的音响资料的学习) , 以便调整自己的拉奏动作, 最后就能求得自己满意的客观声音效果。让自己的耳朵把客观听觉与主管听觉相协调, 我们就能拉奏出最迷人的音色。

音乐艺术主要是通过表现思想感情并取得听众思想感情共鸣来发挥作用的, 因此除去作曲家对音乐本身的感情、创造与理解之外, 演奏者对音乐的二度创作也是音乐表现中一个不可缺少的重要环节, 这包括演奏者除具有一定的专业演奏技能外, 同时也要具备多发面的知识, 特别是音乐史及音乐基本作曲理论等, 联系具体音乐作品内容, 作品产生的历史时代, 作品体裁、类型、作曲者的风格, 创作方法, 创作特征等。“想象”在音乐表现, 传达及理解过程中具有相当重要的地位, 它可以更有效地帮助我们完成我们的二度创作。

准备阶段、识谱阶段、练习阶段这三个阶段是相互统一, 不可分割的。在完成三个阶段的具体练习之后, 我们就对作品的整体和局部既有宏观的掌握也有微观的分析, 对于乐曲本身既有感性的认识, 又有理性的分析。这样, 练琴才真正达到了练习的目的。用一种严谨的态度, 科学有效的方法来学习, 是我们在各个领域的学习中都必须做到的, 大提琴领域同样不例外。严谨的按照科学的方法练习。必然会有事半功倍的效果。

摘要：大提琴演奏是一门技术性很强的艺术, 其表演技术的丰富性以及诠释作品的准确性、完整性取决于正确的大提琴有效的练习方法。作曲家将他们的思想感情以各种音乐符号 (即乐谱) 的形式记录下来, 这是他们的创作过程, 也就是大家常说的的一度创作。而大提琴演奏家将乐谱再转变为音响效果则是对原曲作者思想感情的诠释的过程, 也就二度创作。作为一名学习大提琴专业的学生, 如何优秀地完成这个二度创作的过程, 就是大提琴专业学生学习的主要目的。

关键词：大提琴,练习方法