舞台美术毕业论文

舞台美术毕业论文（精选8篇）

篇1：舞台美术毕业论文

美术教育美术批评作用-美术教育论文-教育论文 ——文章均为 WORD 文档，下载后可直接编辑使用亦可打印——

美术批评是现阶段对美术作品或者美术现象进行判断或者评析的一种方法，即在感受美术作品思想和理念的基础上，对美术作品中反映出的各种现象以及作品本身的意义和价值进行评判。美术批评在教学过程中强 学过程中开放性，要求教师在教学过程中充分发挥自身的主导作用，逐步引导学生表达自己对相关艺术品的真实感受，并且利用自己所学知识完成对艺术作品的自由评价，评价过程中要充分发挥学生的想象力，充分挖掘其创造潜能，并且培养学生的创新意识。通常情况下，美术批评需要依靠评判人员的美术专业技能以及经验，从而实现对作品本身真伪和质量的判断。美术批评是美术教育的高级阶段，需要学生具有一定的美术基础，通过探寻美术批评教育教学的方式，能够有效拓展和解决现阶段美术教学中的实际问题，促进美术教学更快更好的发展。美术批评在美术教育中的地位

美术批评是美术教育的重要组成部分，它在美术教育中的开展始于20 世纪 90 年代。通常情况下的美术教育包括了美术理论、美术史以

及美术批评三个部分，其中美术批评是整个美术教学的侧翼，是对美术史教学的重要补充。美术批评教学的主要目的是教会学生采用正确的方法和眼光对美术发展过程中作品的内容以及形式等进行评判，因此美术史和美术批评是相辅相成的关系。经过美术学长期的发展，人们已经形成了非常牢固的美术史以及美术理论基础，并且取得了一定的成效，但是对于美术批评的研究还相对较差，没有跟上美术史和美术理论的发展步伐。美术批评在使用过程中需要采用一定的方法，对美术作品中的所有内容进行分析，深刻挖掘美术作品中的价值以及美丑，批评过程中需要学生不同优化自己的语言结构，并且付诸实践。因此，加强美术批评在美术学科中的建设，让美术批评成为美术教育的重要内容成为当前美术教育发展的重要内容。美术批评教学的质量和意义评价

（1）美术批评能够培养学生的批判性思维。美术批评作为一门 的美术教育学科，能够为学生提供非常完善的美术理解和欣赏的方法。在教学过程中，学生在老师的带领下，能够充分发挥自身的优势对美术作品进行审视和评论，展现自己对美术作品的真实情感，并且实现对学生 自主意识的培养。所以通过研究美术批评能够在一定程度上提升相关美术作品的价值，同时还能够培养学生对美术作品的感受能力，所以说美术批评课程是现阶段美术教学中常用的一种培养方式，对教学质量的提高具有重要的作用。所以开展美术批评教育是现阶段学生

美术能力教育的重要组成，在教学过程中，教师要充分认识到该课程的作用和地位，逐步培养学生对批评独特的认识。

（2）美术批评能够培养学生的创造性。美术批评能够在美术作品评判的同时，实现对作品内容的评判，同时为美术作品赋予新的艺术形式和内涵，实现美术所创造和实现的各种繁荣。现阶段美术包含的内涵非常丰富，其涉及的问题也是方方面面，所以在教学过程中，教师必须要求学生增加对社会的了解程度，以及对生活的理解能力，通过对当今社会中各种现象和心理的分析，找到影响其美术作品的因素。美术批评还能够实现对艺术的创新，为人们的艺术作品进行公平公正的评价。在评论过程中，评价人员要充分考虑美术作品和美术实践两个要素，只有这样人们才能够真正理解美术作品中的内涵内容，才能够形成对其正确的评价。美术批评教学模式的探索

素质教育的实施，对美术批评教育提出了更高的要求，为了能够提高美术批评教学的教学质量，广大专家和学者不断探索新的教学模式，下面我们就常见的几种教学模式进行探索。

（1）课堂对话式教学模式。对话式教学模式在教学过程中教师和学生通过一问一答来完成课堂内容的教学，在对话过程中教师不会讲授

任何跟美术相关的内容，只是起到了一个引导作用。进行对话的目的是充分挖掘学生对美术作品的想法，当然有理性的也有显性的，此时的对话过程中，学生的思路是非常混乱的，说出来的内容比较杂乱，一般是想到什么就说什么。但是这并不影响课堂的教学，正是在这个对话进行的过程中，学生充分表达了自己对作品最真实的感受。然后教师再引导学生将这些感性认识上升到理性认识，引导学生对专业的词语对作品进行描述和评判。美术教师在教学过程中要适当采用引导性语言，帮助学生建立感性认识和理性认识之间的桥梁，使其能够相互支持和融化。这也就是说在教学过程中，教师要引导学生在批评过程中尽量采用自发的意识，然后在自己对艺术作品中所表达内容理解的基础上，公平公正的对作品进行评价。

（2）小组合作教学模式。这种教学方式在教学过程中要求教师将班级内的学生划分成若干个小组，将小组合作讨论代替原来的全班性讨论。小组合作教学模式的应用能够充分调动班级内的每个学生，增进班内同学之间的交流和合作，同时培养学生 思考和表达的能力。但在这里我们需要将小组讨论的形式和结果进行说明，这种讨论可以在小组内，也可以是小组之间，但是讨论的过程是学生之间思想和观念进行交流和补充的过程，并不是学生寻求生理和进行辩驳的过程。如果课堂变成一个纯粹的辩论场，那么就没有批评思考可言。因此各小组同学既要善于表达自己的思想，同时还要学会接受别人不同的意见和建议。

（3）探究式教学模式。探究式美术批评教学，就是在教学过程中让学生站在一个研究者的角度，根据教师所提出的各种问题，发表自己的看法，然后通过对相关文献资料的查询获得最终的答案。整个问题答案寻找过程中，学生都必须占据主体地位，每个环节需要学生自己质疑，回答和归纳。该教学方式能够帮助学生建立比较清晰的逻辑思维，提高学生对美术批评中各种知识和技能的理解和记忆能力。但是该教学方式在教学过程中可能出现的问题是老师事先无法预料的，所以对教师专业能力水平的要求较高。结论

美术史、美术理论和美术批评是美术教育的重要组成部分，其中美术批评属于美术教育中高层次的教学内容，对学生的美术基础要求较高。当今社会美术作品的种类和数量非常多，为了帮助人们形成正确的审美观，因此必须较强对美术批评的教育，通过教学不断提高人们对美术作品的评判能力。本文主要论述了美术批评和美术教育的关系，开展美术批评教育的意义，并且就目前美术教育中常用的几种教学模式进行了探讨，希望能够为美术批评的教学提供可以参考的意见和建议。

篇2：舞台美术毕业论文

美术教育专业毕业论文（设计）要求

1.绘画、设计作品要求是创作。（不能临摹）

2.题目自拟，内容、表现形式不限。（国画、油画、设计均可）

3.尺寸大小：

国画四尺对开

油画半开

设计八开素描纸

4.作品上有落款、名章及作画时间。（近期作品）

5.作品背面左上角标明学习中心名称,学生学号及姓名。

关于美术专业毕业创作作品

邮寄的通知

由于美术专业毕业论文需要提交创作作品，因此美术专业学生只在论文系统内完成选题即可，不再作其他操作。并请在2013年4月10日前提交2011级春美术专业毕业生作品到学习中心，由学习中心统一邮寄至西南大学网络教育学院，截止时间4月20日（以邮戳为准）。

邮寄地址: 重庆市北碚区天生路2号西南大学网络与继续教育学院教务办朱玉霜(收)

邮编:400715

备注:请学生及学习中心检查学生是否在作品背面左上角标明

学习中心名称,学号及姓名；若没有标注学号及姓名当作未提交处理

西南大学网络与继续教育学院

美术教育专业毕业论文（设计）要求

1.绘画、设计作品要求是创作。（不能临摹）

2.题目自拟，内容、表现形式不限。（国画、油画、设计均可）

3.尺寸大小：

国画四尺对开

油画半开

设计八开素描纸

4.作品上有落款、名章及作画时间。（近期作品）

5.作品背面左上角标明学习中心名称,学生学号及姓名。

关于美术专业毕业创作作品

邮寄的通知

由于美术专业毕业论文需要提交创作作品，因此美术专业学生只在论文系统内完成选题即可，不再作其他操作。并请在2013年4月10日前提交2011级春美术专业毕业生作品到学习中心，由学习中心统一邮寄至西南大学网络教育学院，截止时间4月20日（以邮戳为准）。

邮寄地址: 重庆市北碚区天生路2号西南大学网络与继续教育学院教务办朱玉霜(收)

邮编:400715

备注:请学生及学习中心检查学生是否在作品背面左上角标明

篇3：舞台美术毕业论文

一、美术学本科毕业论文常见问题

(一)毕业论文选题范围不当。大部分学生的论文题目过大、过深,不适合本科生完成,如《浅析油画前景》、《试论中国传统工笔画与现代工笔画的区别与联系》、《浅析现当代中国风景油画》,这些选题范围学生很难驾驭,此类选题写成一本专著也不为过,本科生当然难以就此写出高质量的毕业论文来。如果论文题目过小,论文得不到展开,则内容空泛乏味,缺少研究的目的性。也有些毕业论文内容过于陈旧,只是对以往的论文观点进行简单的重复。所以论文选题要大小适中,难易得当,这是写出高质量论文的前提条件。

(二)不能结合专业特点。对于美术学学生来说,理论研究没有相应的基础,实际工作经验不丰富,写作基础较差,如果不结合自身专业实际选题,势必只有到处拼凑,达不到能力培养和素质训练的教学目标。美术学毕业论文考察学生通过四年本科教育所取得的理论知识、美学素养、文化修养等各方面的能力,论文就是一个与自己所学专业相关的课题,要提出问题、分析问题、解决问题,探讨创作实践者的理论水平。研究的内容要从自身的创作出发,阐明自己的观点,表现出自己的知识和专业水平。

(三)毕业论文格式不规范。对于本科毕业论文的格式,学院或所在系部都会有明确具体的要求,但是很多学生往往忽略格式要求,随意设置标题和文章的字体、字号,尤其是引用部分的问题最为常见。有的学生引用的文章内容并没有标明出处,没有注明期刊或书籍的出版社、页码,乱用标点,错别字出现频繁。主要原因是美术学专业的学生把大部分精力用到了毕业创作中,对毕业论文写作的重视程度不高。

(四)缺乏自主学习和创新能力。没有充分的自主学习,创新能力就无从谈起,毕业论文有创新性才有灵魂和价值。有些学生的毕业论文直接重复论述其他人现有的观点与结论,抄袭他人的研究成果。有些学生对毕业论文的写作不够重视,认为美术学专业的学生应当以毕业创作为主,毕业论文只是应付了事,所以态度不端正,东拼西凑,这样很难写出具有创新性的、有价值的毕业论文。不论是结合自己的创作实践还是对某一专业领域进行研究,都应当是本人经过独立思考的成果,绝对不能直接剽窃他人的研究成果。

二、美术学本科毕业论文改进措施

(一)加强学生对选题的认识。要获得一个好的选题,需要作者在对文章的整体脉络和框架有大致的估量后,通过大量查阅资料,分析提出的问题,确定自己研究的主要方向,然后才可能找到自己满意的选题。这是一个思维不断运动的过程,需要主观的思想与所要选择的事物发生共鸣,这种灵感是非常重要的。确定好选题的范围,再根据自己的能力进一步展开查阅,扬长避短地做更深一步的研究。因此,论文要以所学专业为主,按照选题的任务、计划和完成期限有目的、有方法地充实专业技能及理论知识,培养科学研究和写作能力,同时为专业的继续深造和从事工作奠定理论基础。

(二)结合专业特长兼顾兴趣开展选题。不同专业的学生,在知识结构上各有所长,要选择有利于自身特长的选题来展开论文写作,能更深入地研究主攻的专业,扬长避短,易于开展。如果对某一领域有着浓厚的兴趣,研究起来会产生强烈的探索精神。比如自己对中外美术史的山水画和风景画比较感兴趣,就可以以中西山水和风景作为主要的研究领域。如果对国画中的仕女人物感兴趣,就可以以研究中国唐代的人物绘画作为选题。

(三)建立有效的毕业论文质量保障机制。加强毕业论文格式要求,通过讲座与授课的方式,通过案例分析研究,解决学生出现的格式问题,解决学生对前言、研究方法、结论及参考文献等不了解的现象。本系要求学生提交毕业论文纸质版,教研室、美术系统一安排论文格式审查,打印完整的纸质论文,进行格式初审,公布结果,格式不合格者进行格式二审,格式二审不合格者本学期不得进入答辩环节。并且开展毕业论文指导讲座,对学生出现的问题及时解决,实行统一检测,对检测不合格学生加大处罚力度。

(四)培养学生的创新意识和创新精神。美术学毕业论文的创新性原则首先要符合美术学人才培养的目标,体现教学计划对学生知识、能力和素质的要求,发挥出专业优势和特长,要求学生在此基础上提出有一定新意、有科学研究和实际应用价值的观点,加强对学生创新精神的培养。论文选题要在前人研究的基础上,提出自己的独到的见解,或者对前人研究的成果作进一步的研究也未尝不可。鼓励学生把毕业设计和论文相结合,只有把论文撰写看作是对自己专业潜力的提升,论文的水平才能有让人耳目一新的感觉。

摘要：毕业论文是全面评估学生专业水平的重要指标。本文从论文选题、专业特点、格式规范、创新能力四个方面论述了美术学毕业论文写作当中存在的问题,并提出了相应的改进措施。

篇4：小学美术论文

美术课程是一个以培养学生感受、表现、鉴赏、创造美的能力，从而促使学生追求人生的情趣与理想境界等为目标的教育。很多老师都说美术课轻松，要学生照着书上的示范作品画就行了，如果这样上或者这样认为的老师，他对美术课以及对学生还没有一个比较深入的了解。美术学科能帮助学生树立正确的审美观，培养欣赏和创造美的能力，它也是为其他教育学科功能发挥提供前提条件作用。蔡元培说过：“美育者，与智育相辅而行，以图德育之完成者也。”我们不能忽视美术学科对学生的影响，不能让他们一味的临摹美术书上的示范作品，更不能让美术课成为自习课的代言词。什么样的美术课才称得上好？怎样才能上好一堂美术课？我在得出一些启示。

一、在课堂教学中的具体操作

（一）师生一起来制定个性化教学的目标

根据大纲要求和教材的特点，我具体从课堂教学中入手，和学生一起制定了教学弹性目标，具体分为三层：

普通性目标、提高性目标、发展性目标。

普通性目标：增加对周围环境的审美认识；在纸、卡纸上，用几种方法，如铅笔、水彩笔、粉笔进行绘画练习；利用绘画、拼贴、组合进行艺术实践。

提高性目标：欣赏美术作品，能对自己喜爱的作品进行简单的评价，学生能进一步体验周围生活和大自然的美感。

发展性目标：学生能初步了解中外优秀美术作品的文化价值，能进一步提高绘画表现能力和设计制作能力。这三个目标适合全体学生，哪一个目标则由学生自主选择，但基础目标必须全体完成。

（二）确定了个性化教学的内容

坚持学生自主选择与教师引领相结合的原则。我在实践的课堂教学中概括出了个性化教学的思路：营造一种积极的，崇尚不同的心理态势（作业赏析，优秀或失败作品评价）——激发学生对学生内容的审美关注，并展开和挖掘自己的个人感受（各种感受想法的交流、启发、强化）——选择自己喜爱的形式加以表现（有个人意味和痕迹形式的表现）——个性倾向明显的课堂作业。

（三）运用了个性化的教学方法

在美术课堂教学中，教师的指导方法和学生的自主探究互相结合。在美术课堂教学中，教师根据学习内容的不同，提供了不同的指导，一方面创造一定的学习条件，运用了个性化的教学方法，另一方面允许学生在课堂上选择适合自我学习习惯的学习方法，如蜡笔画和手工制作的学习方法就不同，教师进行了不同的指导，而学生也有自我的选择，可以自我探索学习、同学相互讨论学习、请教老师讲解后学习和请教同学示范后学习等等方式。

（四）开展了对美术作业的个性化评价

个性化教学的评价，从本质上说应有利于促进学生个性的发展，因此，我着力做了以下两方面的工作：

（1）评价标准的制定。

以尊重学生自己的学习个性和可持续发展为出发点，不同的学生作品有不同的标准，不强求统一。但考虑到国家课程标准的严肃性和学生发展过程中的人格平等性，我在广泛征求专家、教师、家长、学生意见的基础上，分三个维度（国家规定的知识技能、学习过程的方法与策略、个体获得的情感与价值观），两个层面（参与程度、努力程度）制定了基础性标准与发展性标准，强调以学生自我为评价主体，同伴、家长、教师的评价为学生的自我评价服务。

（2）评价方式的展开。

1采用“自我参照”标准，引导学生进行“自我差异评价”。我从学生作品（常规与创新）方面对学生作品过程性自我差异评价，让学生能善于发现自己进步。

2采用“他人参照”标准，引导学生正确评价他人作品。在自我评价的基础上，我还十分注重他人评价的运用，以便增强评价的合理性和科学性。

二、探索后取得的课堂教学成效

在课堂教学中，在有关专家的关心指导下，经过我和学生的共同努力，课堂教学取得了良好的效果，主要表现在：

1.美术课堂中小学生可持续发展能力增强。为了了解学生在美术课堂中个性化教学的发展状况，从学习需求、自主设计、自主评价三个方面对、学生进行自然状态下的调查，结果如下：学生在学习需求、自主设计、自主评价三个方面呈现出良好的发展态势。

2、对学生健康个性养成具有良性的影响。我深刻感受到：课堂的美术个性化教学是对学生进行美术教育、思想教育和情感教育的一个有益的切入口。它帮助了学生认识自身的个性、认识自己的美术学习的特点，有利于学生认识自我；培养了学生的创新精神和创新意识；学生的人文素质也得到了不同程度地提升。

3、营造了民主和谐的师生关系、生生关系。在课堂中把“主人”的地位归还给学生，让学生成为课堂的主体，学生在学习中学会了自主，也唤醒了学生的自主意识，培养了学生的自主能力。

4、创设了个性化的学习场所。根据教学内容的需要我给学生提供了不同的学习场所，让学生通过不同的学习环境激发了学生的创作激情。

兴趣是最好的老师。一节枯燥无味而且单调的美术课，学生也就没有了学习的动力，没有了兴趣，他们只会被动的接受老师传授的知识，还不如激起他们的兴趣让他们主动的探究观察动手，得到的知识远远要牢固、深刻得多。所以说：兴趣是最大的动力，也是成功的一半！只有让学生对美术产生了兴趣，才能让他们主动去吸收美术知识和技能，积极的去完成老师布置下来的教学任务。

篇5：美术毕业论文

创作设计说明书

村居—得意忘形

学

院：

美术学院 专

业：

美术学

学生姓名：

曾琪

学

号：

1111211040

指导教师：

曾琪

2015年6月

消失的光年

摘 要

山水画在中国存在了一千多年，而且钟爱之人甚多，这么长时间的存在，肯定有其存在的道理。书本上对此的解释是因为我们受儒释道哲学的影响和出于对自然的喜爱。如果仅仅是因为对自然的热爱和受儒释道的影响，山水画被所有王朝时代杰出的人物热衷了一千多年，这是不可能的。“热爱自然可以理解，但如此的痴迷且一成不变的画了一千多年,这就让人不好理解啦”修禅的人告诉我们，古人通过体验对内在世界的认知，达到超越自我、超越客观世界和超越神。他们在追求一种不同的全新的精神世界。绘画的最终目的不是绘画，而是要我们的精神世界不再依赖与神，不在依附于思想和理论，更不要依赖情感，绘画最终的目的是使我们回归到自然。

关键词： 临摹，写生，创作，精神，山水画

一、山水画需要“外师造化，中得心源”

中国山水画的学习需要进行不断的临摹、写生和创作。山水画的学习过程则是需要一步一步往上慢慢学习。学习山水画的同时我们需要了解道家、儒家和佛教对中国传统山水画的影响。对中国传统的临摹和学习是一个艺术家必须学习的过程，我们需要从古人的画面中去学习他们的构图、用笔和气韵精神。当一个画家的理论知识和技法到达一定高度的时候，我们需要走进自然，去感受自然界中的山山水水，对景写生，用我们自己面对自然的感受去寻找一种不同于他人的语言，这也是我们将来毕业创作的素材积累。创作的动力来源于我们平时对自然的积累，所以说，当你积累了大量素材之后，对创作是有很大的帮助的。

很显然，山水画的创作是建立在不断临摹和写生的基础上。对山水画的临摹是学习山水画必经的过程和途径，也是山水画学习中最为重要的内容，古人在对山水画的学习过程总结中这样说道：“首先我们要以古人为老师，再以造物为老师，最后我们以自己的内心为老师。”简单的讲，就是说学习山水画首先的学习借鉴前人的传统和方法，掌握绘画的形式或者构图。然后再走进大自然，最后把两方面都 2 结合在一起表达自我的。这就是我们需要向前人去学习的一些经验总结。在山水画上学有所成的画家都会告诉你：“初学山水画之人要想明白笔墨，就必须先临摹古人传统。”从中国绘画的发展史上看，我们可以看到历代的大师没有一个不是从临摹入手的。就算当代一些已经在社会上成名的先生，他们也不断的再临摹，这一点，我们需要向张大千、黄宾虹先生学习。张大千对于临摹有自己独特的感受：“他认为学习古人的作品不要怕反复练习，要临摹到能够默写出，能够背熟，达到以假乱真的境界，让别人拿着你的作品和真迹分辨不出真伪，只有这样学习才可能知笔墨，学到古人的精神”。张大千靠临摹石涛，达到以假乱真，学石涛又超越石涛，以至于他名声大振，三十岁他就已经有了南张北溥和石涛第二的美誉。在声名大振的情况下，张大千依旧还在选择临摹，一九四一年，他步入敦煌，本来只是打算去考察学习两三个月的张大千，来到敦煌之后看到满洞的壁画后被深深吸引和震撼，一停就是近三年的时间，三年里，敦煌壁画的临摹影响了张大千的线条、色彩、及构图，这位张大千万年画风奠定了很大的基础。从张大千先生我们就可以看到临摹得作用有多大。所以，我也是一直以临摹为主，从芥子园、龚贤课徒稿入手，然后画王原祁上追至文征明、王蒙。为我创作打下了坚实的基础。

“外师造化，中得心源”。“造化”，即大自然，“心源”即作者内心的感悟。艺术来源于生活，生活即自然，所以我们需要走进自然，那么绘画创作永远离不开对自然的写生，山水画更是。山水画写生与创作之间密切联系，山水写生在传统山水画中被称之为“师造化”，所有的山水大师都无不努力实践着，历史上有成就的中国画家都非常的重视“师造化”，凡是师法自然的，在艺术道路上都会有所成就。深入生活是中国传统绘画的重要研究方式。作为山水画家，要想贴近生活，就必须走进大自然，在自然中，事物变化万千，自然中的山石、树木流泉等客观物象的形象和生存状态等待我们去发掘和了解，而我们要做的就是深入自然去写生，因为只有通过写生的手段才能从自然中获得自然事物的形象和意象。而且写生还能够帮助画家更进一步的了解自然和掌握自然规律，从自然中学习构造和绘画技法。艺术来源于生活，当一个失去创作灵感的时候，他就需要走进自然万物之中，与自然对话，融入自然，就会有不断的新发现，新的体验和创造，就会有机会悟道自然在变化中的规律，就会积累丰富的情感体验，体悟人生的境界，从而完善完善山水画的创作。写生的源泉来源于自然生活，打个比喻说，写生的过程就像蜜蜂采蜜，它需要从自然界的花朵中采集花粉酿蜜，它必须的经历这个过程。绘画也是一样，艺 术家需要从自然生活中采集，然后用自己的语言加以升华，将自然界的事物客观物象转为主观来表达自己的情感修养。

任何一种艺术形式都不是一成不变的，都是在不断发展着，想要发展就需要不断创新，不然就会停滞，面临消亡。有创新才能发展，创新为艺术输送了新鲜活力。山水画的基础是写生，而写生在山水画中被称之为“师造化”，“师法自然”才能在艺术之路取其成就。1950年，李可染先生曾经在《人民美术》的创刊号上发表文章《谈中国画的改造》上说过，“要想改造中国画，我们首先需要做的就是必须挖掘已经堵塞了六七百年的源泉”，这句话就很明确的说出了中国画的心声。

中国山水画的发展自明清以来，大部分画家只是一味的临摹古人闭门造车，脱离了与现实的交流，放弃了大自然，所以他们所画的山水画毫无艺术感觉，只是在画画，而不是艺术。要想重新把艺术的源泉挖掘出来就必须抛弃闭门造车的观念，重新走进大自然。黄宾虹老先生在谈到山水画创作时也说道，山水画必须要走的四个过程有 ：”登山临水、坐忘苦不足、山水为我所有和三思而后行。” 所以在我的山水画创作中，我也遵循黄宾虹先生的箴言，于是我踏上旅程，游历山水间，走进大自然是很迷茫的，面对如此大的场景，我都无从下手去描绘。在自然中找法，需要用心去体验和感悟。万物静观皆自得，于是我静下心，根据自己的心性去从大自然搜集自己需要的东西。我向往一种乡间男耕女织的生活，以至于找到自我需要表达的心境，于是我的取材大部分就从乡间的田野、小路和人们的生活中来，描写乡下生活的安静，一种慢节奏的生活。当你走在乡间小道，感受整个人与自然的接触，那算是一种极度的精神享受，把我心中所需要表达的情感记录在我的画笔之中，有山川、小溪、稻田、树林等。把生活中的美都用艺术形式表现在我的画面中为我所有，最后回来整理素材，把自己心中所需要表达的心境全部用画笔表达出来，我需要做到的就是得意忘形，忘掉那些所谓物体的形体，需要做的而是通过画面气与势的营造，笔与墨的经营，实与虚的置换，做到心与自然的融合，得到中国画的意境。1954年，李可染先生携张仃、罗铭两位先生南下三个多月的写生行，他们通过写生，打破传统，用自己的行动拯救中国山水画，可见写生在山水画当中的重要地位。学习中国山水画的方式还有很多，比如：多翻阅古人和现代大师的书籍、多参加画展观看大师作品等，这些方式也有利于不断提高我们的绘画水平和眼力，正所谓：“书读百遍，其意自见”。欣赏绘画作品和它也是一个道理，看得东西多了，自然而然也就会有稍许收获，当然，不是 一开始你就能全部读懂，可能刚开始你会看不懂，你不知道他的画面中表达的是什么，它好，好在哪个地方； 不好，又是哪个地方不好。只有当你越看越多，你的眼力打开以后，也就会品出其中的滋味，要达到读懂一张画面，是需要时间的积淀。前期，你可能发现这么一个问题，找出作品的优点比缺点更容易，随着时间的不断推移，你会发现两者都差不多一样。而我们需要知道的是：不是去寻找一张作品中的好坏，挑一幅作品的毛病去批判这张作品。我们最终要达到的目的是为了从这张绘画中寻找自己需要学习的东西。从这点也可以看出一个画家的品格修养。山水的写生要向石涛学习，学习他的那种“搜尽奇峰打草稿”的精神，这样在山水画的后期创作中必将游刃有余。我们现在自己面临的状况就是这样，对山水的写生陌生至极，见过的山水少之又少，临摹的作品也是很少。所以到了正式创作时，头脑掏空也没能有好的东西表达，所以在创作前期我就四处奔走，为的是体验山水，亲近自然，让自己走进自然去感受这个美好的世界。生活是创作的源泉，而创作并不是拿着画笔对某一处景色的照搬照抄，拼凑垒砌，它是画家在长期的生活观摩中所积累的精神世界的集中体现，画家思想品德的高低，决定着作品格调的高低，最终体现的是画家身心素养，因此，要求画家具备一定的修养情怀。

二、山水画最终需要表达作者内心追求的东西--精神

我们借老庄哲学来反射到绘画上，拿山水画来说，崇尚于无心处写山，与山之外求美而臻妙，又如，中国艺术重内美、静美，贵明不贵光，即贵在内中通明、透彻，不贵表面光华耀眼，贵在自然纯真，从不勉强做作，实在是与老子的“为无为，事无事，味无味”的哲学精神息息相关，即不妄为，不妄事，不妄求味，甚至能从极淡泊中品出味来，是去除妄念而返归真璞的境界。

很多人认为，画山水画不过是在画面上经营山林丘壑并根据自己的性情来用笔用墨，我认为问题不在于画家是否能“率性”地描绘出丘壑，而是要看他对自己所要表达的景物是否真的有个人的理解。那便是说，一个画家到底说的是“真话”还是“假话”，有些人，走出去写生，只是一味的追求数量，不考虑质量。匆匆忙忙简单的勾勒了一些非常简略的轮廓，记录下来一些简单的外形，回来再按自己的习惯来作画，这样的创作，画出来的作品基本千篇一律，顶多只是能看出来大概画的是哪个地方，但绝对不能深入对自然真实的反映。因为，自然界中 5 的一切事物都是在不断变化的，山水画表现自然景物也是无穷无尽的。面对自然写生的时候，每一笔都应该是有自己的感受和生活体验的。这样的绘画才是对生活本质美的表现。山水写生就是对客观事物的认识、认识再认识。写生并不是看到什么画什么。很多人对他所要画的东西并不了解，平时也并不注意观察和体悟，也就跟着画，就是看着好看，觉得画出来的效果应该不错，然后再借鉴一个大师的构图，大师的色调，就考试着手画开啦，最后完稿，然后很多人会觉得很好看，画得不错，但只有他自己知道，他在说“假话”，他自己都不理解他画的是什么，他为什么这么画，他要通过画面表达什么。他只知道，这样画完好看。写生应该是借景抒情，通过画面表达自己的心境。所以在选择绘画对象时一定要仔细的观察，画的时候不要坐下就画，要对景久坐，对景凝思，要设计画面。这张作品要表达什么思想，如何加工画面，他是什么色调，是暖调子还是冷调子。

要学会观察生活，认识对象，在写生时一定要虚心，而在创作时要充满信心，经过深思熟虑以后，下笔要是犹豫，整个画面就会软弱无力，力量来自于肯定，这就要求我们绘画时下笔要肯定，不能犹豫。在面对对一个陌生的景色时，不要怕，墨色该浓就浓、该淡就淡，千万不要怕这怕那。一张画不可能没有缺点，但要在画完之后去总结，而不是在刚开始画就犹豫不决，这样一定是画不好的。

三、创作心得体会

本次毕业创作，我并不是一开始就赶紧绘制画面，而是先从意境、笔墨、设色等几个方面深入考虑。考虑我想要表达什么，有什么方式去表达。我开始搜集素材，寻找到我所想要表达的乡间景色，结合我需要表达的乡间景观特征。翻阅并参考了好多中国传统山水作品加以学习和临摹，尤其是对文征明的山水情有独钟，对他的笔墨技法不断学习和研究，最终总结出了一些实践中的经验和心得。在创作的过程中我们不仅需要赋予山水所有的感受，还要强调其特征的完整、生动。感受笔墨和造型结构的统一。在创作过程当中，赵老师提议我多参考名家的创作作品，借鉴人家的构图和表现手法，同时多看看国学书籍，提高自身的文化素养。然后创作山水画是要学会随机应变，不能死搬硬套，如果想要表现出清新雅致的山水，那就需要用墨气淋漓的感觉去表现。要以书法入画，中锋侧锋并用，力求提高线条的表现力。色调方面尽量淡雅一点，丰富一点，不要用太浓艳的色彩，给人以安静淡雅的感觉。

此次的毕业创作，在处理画面山石和树木上颇有心得，在开始创作前，我通临了芥子园画谱，芥子园上讲的很清楚，教我们怎么画树，它告诉我们画树必先画幹，幹立加点则成茂林，增枝为枯树，还说树分阴阳向背，要左右顾盼，当争当让。当我们画一颗树时，可能都没有问题，难点就是当你面对几颗或者一片树木时，那时该怎么处理，我是根据芥子园画谱中五铢树法中提炼，一前一后、一高一低、一虚一实。在中远距离的树木，这样的树木组合便会要求严谨，以密为主，以疏为辅，疏密关系当然是根据自己画面而定。笔法需中锋、侧锋并用。在用墨时重墨在前淡墨在后，杂树的排列在先，枯树在后，树木的根部位置千万不能画到一条水平线上，那样空间感就全没有了。在画树叶时，先以淡墨写之，再用浓墨醒叶，拉出树叶的层次感，画夹叶时，必须书法用笔，中锋，钉头鼠尾，不能用勾线的方式去描叶子和树干，这样整棵树木都是软塌塌的，一点精神气都没有。在一幅作品画面中，近中远景的树木是相对存在的，远处的树木尽量往虚的层次去绘制。远处的树木形体简散，所以，不需要太多的用笔，需要画实的地方，比如树干，可以稍微用湿淡一点的墨画；树叶之类的地方，可以用稍微干而浓点的墨画。这样，出来的效果会在干、湿、浓、淡的笔墨交替中产生虚实相生、相互交融的效果。

在处理山石上面，处理石头方法有很多，我们都知道，古人对大自然中山石长期的体验观察，总结出来的皴法甚多，简单的说可以分成点皴、面皴、线皴三种。这些皴法的结合主要是用来表现山石体感和质感。有了皴法的应用，更加丰富了山水画的表现。在我的毕业创作中，我以点皴为主，在点皴的基础上加进了长皴的技法，相当于把点皴和长皴结合，用积墨法的方式皴擦石头，使石头更厚重。在淡墨和中墨的皴擦下山石会显得光滑、冷硬； 然后在主体山的周边使用积墨方法来表现树、石，能使画面更加的有厚重感。积墨的时候，墨色会盖住很多的败笔，使得山石结构更加清楚准确，同时使用王蒙的哆笔，在山石树木边缘线加以哆笔，使山石树木更具有苍的感觉，为了营造画面的意境，我大部分画面中都加入了田园，表达自己的内心，田园以极其简单的笔墨带过，使得整个画面有一种安静隐逸的感觉。所以，此次我的创作也是充分利用了这一方法方能显现画面的厚重感。

通过本次创作，让我了解到了何为山水笔墨，在芥子园画谱中写的很明确，古人说，画山水需要有笔有墨，我觉得现在很多人都已经曲解了它的意思，很多人认为笔墨就是所谓的书法用笔和有墨的干湿浓淡，照这么说，那随便找张纸画上 一笔有浓有淡的墨色就叫有墨气，再书法用笔画上一笔，就成啦有笔有墨，其不让后人笑哉。芥子园解释的很到位，有轮廓而无皴法，即谓之无笔，有皴法而无轻重向背，即谓之无墨。山水中的笔墨是建立表现山石之中的。

这次的创作主要是以田野来表现画面的意境，在田野的处理上我是用相对简单的笔墨来处理，树木、山石精心处理，没怎么刻画的田野反而在不起眼中被衬托出来，成为了我要表达的主旨，创作山水画，不是简单的描画出画面，最重要的是要通过画面传达出我内心向往的世界，表达自己的内心，我是一个喜欢安静的人，我不希望我的画面过于浮躁，所以在我的画面中，整个画面的色调就是处于一种宁静的状态，通过田园的表现，表达我对田园生活的向往。本次毕业创作，在老师的指导下，我享受到了创作过程中的酸甜苦辣，了解到了山水的精华，我想通过一次的创作所领会的山水画的真正精华还是远远不够的，更多的还是需要以后的多加练习，不过，通过创作，我成功的表达自己心中的情感，忘掉了画面的外在形。让笔墨得以升华，最后得到山水画的灵魂-意境。

参考文献

[1]文若愚：道德经[M].中国华侨出版社，2013年1月.8 [2]龚贤：荣宝斋古代画谱[M].荣宝斋出版社，1997年7月.[3]吴蓬：芥子园画谱[M].广西师范大学出版社，2002年7月 [4] 姜松荣：中国美术史[M].湖南美术出版社，2011年1月.[5]陈洛加：外国美术纲要[M].西南师范大学出版社，2011年6月.[6] 雷子人： 画非画[M].河北教育出版社，2009年11月.[7] 陈传席： 中国山水画史.天津人民美术出版社，2015年4月.[8] 陈师曾：中国绘画史[M].中华书局出版社，2014年1月.[9] 修·昂纳/约翰·弗莱明：世界美术史[M].南方出版社，2002年5月.[10]洪惠镇：中西美术比较十书[M].河北美术出版社，2001年1月.谢辞

篇6：舞台美术的形式感论文

所谓形式感，是某种特定形式在欣赏者身上所引起的情绪反应或感受。任何事物都以一定的时空形式存在。艺术依靠形式而获得表达。比如音乐，各种不同的音色、音量、旋律等的配合可以产生许多种不同的形式，在欣赏者中引起不同的感受。

至于戏剧演出，由于戏剧是综合艺术，由非常复杂多样的各门艺术所组成，因此演出形式更是千变万化。纵观几千年的演艺史，就是各种演出形式的不断更迭变换的历史。而现代演出的形式趋向于多样化，不仅历史上所使用过的各种形式都在使用，而且层出不穷地追求新的演出形式，标新立异，出奇制胜。对于形式的研究在世界各国已成为了一种时髦。舞台已不再满足于现实生活的复制，而要求更多的艺术加工和处理，使每一个戏都有它特有的表现形式，对观众具有更大的感染力和说服力。

舞台布景有着它独特的艺术语言，不再完全依赖于绘画手段。各种新思想、新技术，被运用到舞台上来。新的物质材料取代了木框蒙布的传统布景方法。塑料、有机玻璃、玻璃钢、铅皮、铜片、金属结构等，以它们特有的质感，直接与观众见面。而各种投映景的运用又使戏剧演出的形式活跃和富于变化。观众正是通过各种布景所给予的视觉信息，激发想象，加深感受。现代的舞台美术应更多地运用形式感，在观众中引起一定的情绪反应，使戏剧演出达到预期的艺术效果。

在艺术创作中，一定的内容决定一定的形式。形式受内容制约，内容又必须通过形式来表达。而在一定条件下，形式也可以反过来作用于内容，甚至在创作中起决定性的作用。形式本身也具有一定的审美价值。

为什么一个剧本可以有许多种不同的布景设计，而在戏剧舞台上，同一形式又可以适应于许多个不同戏剧的演出呢?前者是一个内容可以用多种形式来表达，后者则是许多个内容可以用一种形式来表达。

中国戏曲舞台演出是程式化的。一桌二椅，城片火旗，约定俗成，可以适用于许多不同剧目的演出。这些砌末道具本身也具有了一定的审美价值，有它相对的独立性。同一组城片，可以演《空城计》，也可以演《古城会》。戏剧的内容不同，所使用的布景形式却是相同的。犹如宝石，既可雕琢成人物，也可雕琢成花鸟果品，外形不同，而宝玉本身的晶莹的美质是相同的。

舞台美术家的任务是要创造戏剧演出的外部形式，它不是图解，而是以剧本创造为基础的一种再创造。他要在与导演和演员的合作中力图体现剧作的思想，创造与之相适应的富有表现力的形式。这个工作常常要求艺术家付出艰巨的劳动，以旺盛的精力和坚毅的意志来努力完成。

艺术家的世界观、个性、情趣、生活经历、艺术修养等，对他的创作起着作用，在他的艺术实践中逐渐形成他的个人风格。正由于每一个艺术家有不同的世界观、个性、情趣、生活经历和艺术修养，因此对待同一个作品，他们各自会有不同的感受，不同的形象构思，因而也就会产生不同的形式，不同的风格。人的面貌各异，艺术的风格也因人而异，千变万化，没有定势。形式的创造是无穷无尽的。

篇7：美术毕业论文选题

美术毕业论文选对接下来的论文研究和写作都是非常重要的!以下是美术毕业论文选题,欢迎阅览!

绘画与表现：现代美术的另类谱系

小学美术课堂教学评价标准的研究

小学美术批评教学模式的探索

工艺美术类高职院校专业课程教学质量保障体系研究

美术著作的回译实践及研究

小学美术欣赏课有效教学策略研究

美术教育人生的必修课

民间美术活态教学传承方式研究

文化情境中的美术作品鉴赏

中国近现代美术展览会研究

高中美术校本课程开发地方美术资源的研究

通过直觉训练促进儿童美术教学发展

小学低年级阶段儿童美术教学模式研究

普通高中美术“X合一”教学策略研究

美术欣赏教学的新探索

模糊美术论

现代教育技术对中学美术教学的影响

工艺美术类高职院校语文模块化课程体系构建研究

7-9岁儿童校外美术教学案例研究

美术网络社区的人类学研究

基于缄默知识理论开发的校园美术活动研究

近代美术期刊插图艺术研究

淅川二高美术校本课程开发研究

中小学美术教师开发美术课程资源能力研究

义务教育均衡发展背景下的美术教育

美术的`特质与美术教育探微

世纪新主题

美术欣赏差异研究

中国与斯里兰卡高等美术教育比较研究

历史情境中的文化选择

初中美术教学大纲与美术课程标准的对比研究

形式主义、非欧洲美术和世界美术

中国现代美术大众化思潮的兴起

本土美术课程资源在高中美术鉴赏课中的应用研究

唐宋美术对当代学院美术教育的启示

论地域美术资源在职业高中美术教育中的作用

师范院校美术史课程对小学美术教师专业素质的影响

美术与科学综合课程的理论与实践研究

西方女性主义对美术史的改写

美术教育与审美教育

淮安市高中《美术鉴赏》教科书使用情况的现状调查与对策研究

篇8：舞台美术毕业论文

我是一个十分尴尬年龄的灯光师。工作干了二十多年, 功劳苦劳都有。只是和老前辈比的话一个字:嫩, 喜欢出风头, 经常违背他们的想法, 往往成功了是导演安排的好, 失败了是做事不牢。和年轻的比, 操作没话说, 设计嘛......哼哼!

一场大型的演出以后, 几乎要一个星期折磨我。专家怎么说、演职员怎么说、观众怎么说。

对于专家, 怕的是否认我的自认为有一定水准的设计, 对于演员, 怕的是问我上场的时候光那么暗, 观众看得见吗?对于观众, 三人有三种不同的感受和说法。其实, 巧舌如簧的说法我会, 对专家而言, 如果我一直在你的框架里设计的话我一辈子成不了专家, 对于演员而言, 舞台的整体效果和剧情的需要由不得某个点的特出或者超出舞台效果和剧情, 对于观众而言, 艺术是艺术家本身的事情, 如果平民都读得懂的诗句, 作者就不是诗人了, 艺术需要前卫。

痛苦就在于回头。一如演奏家听自己的演奏录音, 想方设法找出自己的不足。如果演奏家找不出缺憾, 那他不会成为演奏家。我的缺憾呢?我是否没有遗憾的作品?

遇到这样一个导演。从开始到最后, 都需要很重的色彩。但是这样下去, 观众的视觉疲劳谁负责。玩的小江湖:首先按照他说的方案, 然后, 告诉他张某某、李某某、孙某某说一场戏看下来, 眼睛受不了。这也如同演出的扩音从开始到结束都超分贝的开。于是乎导演说那就淡一点吧。其实, 有很多灯光设计作品都有这样的毛病, 色彩过于重, 强烈偏差太大。作为单片的镜像来说, 不错。但是作为艺术的连接有很多的不通。一如从灰黑突然转到喜庆的红, 后来的灯光强度一定要控制好。我们不能违背视网膜的生理特性和承受能力。比如闪光灯的频射比率不能过高、时间不能过长, 比如雨景不能和生活中的雨一样的密, 比如雪景的雪首先要保持所有的雪是白的。我们对灯光的承受能力要超出平常百姓很多很多。

遇到这样一个演员, 对身段过于讲究而对光区不讲究, 对表演的表情过于夸张而不讲究舞台整体的气氛和表演的融合, 对舞台表演的空间和尺度的把握介于影视和戏曲之间, 显得不伦不类。戏曲首先是戏, 戏在于演, 但是没有灯光的表演是徒劳的表演。由此看出, 一个好的演员首先是对灯光设计师的尊重, 有了尊重就有了交流, 有了交流就有了提高, 不仅是和灯光的交流, 和音乐的交流亦如此。同时有很多同行对于演员的化妆颜色的深浅以及化妆颜色的感光度从不做要求。同理服装的设计是否和舞台灯光相容相通, 居然一个号称精品的作品结束之后, 灯光设计师和化妆师、服装设计师像三座永不连接的大山。

遇到这样一个观众, 说看了我们的《李斯》后, 看不懂。我问为什么看不懂。他说剧情看得懂, 唱词不怎么懂。我问他看了后悔吗?他连连摇头, 不后悔, 将来有机会还要看。他走了有突然回头和我说:喂, 灯光布景漂亮极了。其实艺术、文化都应该走在百姓的前沿, 我们不能否认草根艺术, 但是草根艺术可能和越剧《红楼梦》、京剧《狸猫换太子》、川剧《孔乙己》、淮剧《金龙与蜉蝣》等等跨世之作相媲美吗?他们喜欢, 他们欣赏, 他们对唱词不完全懂, 他们乃至于可以唱几句经典的唱段。但是他们无法在任何一种艺术形式和专家可比。同样, 我们回到灯光设计上来, 对于灯光的语汇他们不一定都能够读懂, 但是他们会说漂亮极了!

综上所述, 没有戏剧舞台灯光的改革、没有戏剧舞台灯光的前沿前卫, 没有戏剧舞台灯光独特个性的追求, 就不会有戏剧舞台的明天和未来。戏剧舞台灯光的光与色、戏剧舞台灯光的设计原则、戏剧舞台灯光诗化的探索故事性的连接都值得戏剧舞台灯光设计师穷其所有不断求索不断攀登。