中国民间艺术与文化

中国民间艺术与文化（通用6篇）

篇1：中国民间艺术与文化

论文关键词:时代感延 承性兼容 中国水墨艺术

论文摘要:时代感不仅是人类同时代的共性，也是传统历史文化沉淀积累的综合体。不同的国家、民族虽然存在个体上的差异，但无例外地保持着文化史上的延承性与兼容并蓄的过程。因此，美术作品的时代感也相应而生。进入新时期后，中西方文化间的交流也日益频繁，这也造成了东西方文化在兼容与相互借鉴的过程中激烈地碰撞，而与东方文化相对应的中国水墨艺术自然而然地在经历着与西方绘画艺术的整合、兼容、吸收，冲撞这个历史演进期。

人类发展的每一个历史阶段?都包含着一个国家、一个民族文化的渐进、演变、兼容的历程。不同时期的文化?反映在不同的历史时期?表现为各个历史时期文化的发展、演进是不同的。因此?时代感不仅是人类同时代的共性?也是传统历史文化积淀、积累的综合体。每一个国家、每一个民族虽然存在相互间个体的差异与不同?但是无一例外地保持着文化史上的延承性与兼容并蓄的过程。每个时代都有着自己的各自特点?并把这一特点积淀于历史长河之中?这即是为什么一个民族、国家保持自我烙印于世界民族之林的自我特征之所在。无论是物质文明还是精神文明?都存在了上下时代间的相连、相接的地方?这种过去时代的“旧痕”和新时代的“新生事物”的穿插存在、交替消亡的变化?反映在美术作品中就形成了美术作品的时代感。进人新时期以来?随着改革开放步伐的加剧中西经济、文化间的交流日益频繁?由此引发的东西价值观念上的差异?造成了东西文化在兼容与互相借鉴的过程中的碰撞也日趋激烈。人们在满足于生活水平的提高的同时?思想观念的升级、生活节奏的加快、生存竞争的日益激烈使得人们不可能再满足于过去的传统侄桔与束缚?人们寻求的是与时代相适应的文化、生活方式。突破传统?追求自我成为当今人们的精神目标与追求。在诸多因素的综合作用下?人们的审美情趣与审美取向也在发生着潜移默化地转变?人们已经不再满足于生活上的富足与安定?这时期的人们寻求的是更深层次的东西—精神文化、精神价值上的追求以及对自我精神生活的全新把握。文化成为这种要求的源动力?精神上的富足在这一时期变得前所未有的重要起来?而与文化相对应的艺术也在整合、兼容、吸收、冲撞中寻找着自我发展的方向、探索着新时期寻求发展与自我展现、自身发展的契机?当代中国水墨艺术自然而然地也在经历着这样的历史演变。一百多年前?当一批为追求理想、寻求艺术突破与创新的艺术探索者踏出国门?去西方寻求艺术真谛的时候起?中国的艺术家对西方艺术的借鉴与吸收就从来没有停止过?徐悲鸿、李可染、林凤眠等一大批老一辈艺术家的探索之路?同样也在被当今的艺术家们继承与延续着。当代中国的水墨画家们?在吸取中华传统艺术文化精髓的同时?也在探寻着用西方绘画技巧来改造中国水墨艺术的道路?实验着西学东渐的可操作性?探索中国传统水墨艺术发展的新路。他们的艺术创作?在水墨语言上?进行了许多突破传统笔墨规范与品味的实验;他们的绘画风格的形成与评价体系?有悖于传统笔墨体系的价值尺度。虽然其中民族的烙印同样深深地停留在他们的水墨作品中?但是我们不可否认他们对改造传统中国水墨艺术的探索精神。这些当代水墨画家?广泛地受到了西现代艺术的影响?在笔墨的表现性、造型符号、画面构成、图像组合等方面体现出与传统文人绘画相区别的独特性?展现着自我的“前卫”。在当代水墨艺术创作中?水墨画家们尝试着消解传统水墨画的笔墨法则?以当代的审美趣味和审美精神对传统中国水墨艺术进行构建。对传统审美情趣与审美取向的破坏、对传统技法的解构对西方抽象主义、印象主义绘画技法地吸收以及画家自我个性自觉地张扬与宣泄?从各个层面使当代水墨画以巨大的视觉冲击力与观念深度影响着这个时代的艺术创作与艺术受众。这个时期?画家个体观念的自由与语言个性独创?使现在艺坛成千上万的画家以独创的样式与风格竞逐着。无论是“实验水墨”、“表现水墨”?还是“观念水墨”?都不同程度地反映着这个竞争时期的语言独创角逐。

而新时期文化?在继承传统、传承历史演变的同时?也在进行着内在的自我整合与并融。各个时期的文化在这一时代达到了前所未有的交融与激荡?在这种文化的综合作用下?那些不满足于被抛弃、被遗落的没落者?挣扎于这种复杂、多变。这种文化上的冲撞使得本不安定的本土传承变得更为复杂和多元化。特别是改革开放以后?由于中西方经济、文化上交流的加剧?使得文化上的骚动更为剧烈起来?这也造成了一段时期以来我们在文化上的茫然与不知所惜?面对外面的精彩世界我们变得犹豫、仿徨起来。与这种文化上的异变相对应的?中国水墨画也在经历着这样的茫然与纷争。反传统反继承、各种流派地蜂拥出现?在某个时期成为一种无声的号召?中国的水墨画家们在创作时努力与传统水墨画拉开距离?努力使中国水墨艺术作为一种媒介?成大可以表达时代精神的当代艺术。当代水墨艺术家们力图做的就是赋予中国特有的水墨艺术以一种现代精神的表现可能?在传统文化中找到新的生长点?用传统的材质?现代的技法反映出当下人的精神生存状态。如果说当代精神?是从当代生存方式中生发出来的?那么它主要就是在以现实社会为主体的生存境况中孕育出来的。而在当今社会?正是伴随着市场经济的强化、现代生活地急速而来。从这个视角我们可以看出?当代水墨艺术所表现的精神指向?无论是“抽象水墨”、“表现水墨”?还是“水墨装置”?都是对当今社会人类精神与人类生存境遇的多个视角的表述。

当今社会是一个多元化、竞争激烈的社会?当代人的人性压抑郁结、人内心的躁动不安、人精神上的喧闹嘈杂等等的一切都不同程度的反映在文学作品及艺术作品中。然而?这并不代表着艺术家在进行艺术创作的时候可以完全忽视艺术作品的内在价值?忽视艺术作品中的精神内涵。在现在的一些水墨艺术中?笔墨和宣纸完全成了整个抽象图式和肌理制作手段?完全抛弃了中国水墨语言的特色?使它纯粹作为一种普通的材料而纳人艺术作品中去?笔墨所特有的东方情趣已经完全丧失了?这样的作品只能说是对当代人精神的一种抽象表述?仅仅是一种人的精神上的模糊烙印。当代中国水墨艺术的现代转换?需要脱离传统笔墨的诸多法则、程式?但是又不能完全抛弃这种程式所赖以产生的笔墨韵味?否则?传统水墨媒材的当今意义也就大打折扣了。中国水墨的存在价值?在于这种水墨艺术所特有的笔墨韵味?具有西方艺术中的其他材料所无法达到的东方艺术品味?而这种艺术品味?又成了中国艺术美学精神的特质。因此?中国当代水墨艺术在立足创新、反映时代文化、反映当今人类精神空间的同时?还必须保持水墨艺术所特有的笔墨效果?水墨是不可替代的。中国水墨艺术在沿着写实性、幻想性、抽象性借鉴西方艺术的时候?每一步都应该有保留地存在着自己民族特有的东西?在与西方的双向交流中?借鉴西方有益的理论、法则、技巧来对中国画进行改造?使中国水墨艺术得到更高、更好、更健康的发展?这才是我们进行交流的真正意义、目的之所在;而那种用盲目地、不加思考地、信手拈来地做法对中国水墨艺术进行无原则的修正?只能是对中国水墨艺术的无知与胡闹。

篇2：中国民间艺术与文化

书法本是传统文化，两者之关系为整体与部分之关系，两者并列成一文题似乎欠通。然我之本意是思考中暂将书法从传统文化中抽出，论其对其他传统文化之依赖，与其他传统文化对它的制约与助益，类似体育运动中之“综合训练与举重”这样的提法。

我在《书法研究1986年第2期所发《模糊·虚无·无限》—文中曾云：“书法家为什么特别需要学问与修养?这是多年来—直在议论的问题。”“盖书法为虚无之象，虚无境界由无限充实升华而成，而所谓修养，正谓不断地充实自己，必至一定火候，方能发展成为虚无，加以长期技法锻炼，人心营构之象于是而生。它不似文学有社会生活凭借，不似绘画有实物借鉴，它是控制一体化，完全由自己于过程中„临阵决机，将书审势‟，特别依赖于施控者自身的主观条件。书法作品没有遮盖，不得躲避，是全裸的艺术，好比一个人裸体，连身上几个小痣也看得清清楚楚。同样的东西放在屋子里显得多，放在露天更显得少，书法又好比在露天的陈列品，要特别多的„有‟。我想，这些正是特别需要学问修养的„特别‟二字的着落。”时间过去了七八年，我想把话说得更具体与深入。

在此，我先要感谢恩师陆维钊先生。是他带有指令性地教我把主要精力与时间学传统文化，后再去搞书法。此一苦心与厚望我于60岁后才深刻地体会到。

首先是作为一名书家的知识结构。主张如何，必先问自己如何，最好能亮出自己已经如何，《中国传统文化与中国书法艺术》为我知识结构之亮相，自是当然。但此结构是自然形成，并非为造就书家特意设计。故我之结构如此，未必别人应该如此，更未必结构愈高大，书艺水平愈高。在这里，笔者很难给出一个底线，只能以鄙人之知识结构提供一个参考而已。因为书法作为一种手工操作尚有其自身的规律，又有其特殊的天赋与功力之要求。然欲达传统技艺之最高境界，则少了传统文化之修养，必不可能。抑又有进者，夫艺术欲达最高之境，必又与全人格有不可分离的关系。聪明秀出之辈，于优秀传统文化中吸取精华以自养，实乃天性使然；而此种养分又促使其人格发展之健全，至最后，文化、技艺、人格混然为一，从而成就其“全人格”。

我言“全人格”，是“人格”一词之广义。一般言“人格”，多指人之品德或德性、德行。舍己救人为高尚品德，但扑入井中救人，品德高矣，于全人格则未能称完善。又如一植物学家于悬崖采集稀有之标本，竟忘自身之安危，因未预设安全措施而丧身，其狭义之人格高尚(现称“敬业”)，而全人格之未能称完善与之同理。又学者、专家之全人格中尚有学术品格，亦与称一般人之品格有异，即必具备学术之前提，没有学术，其品格再高尚，也不能以学术品格称之。今举“医德”为例言之：必先精通医术，方有医德或无医德可言。外科大夫，手术高超，然术后收受红包，则医德大亏。诊断准确，但一无遮栏与病人直言：“你是癌症晚期，最多能活三个月。”亦于医德有亏。医生捐款扶持贫困学生三名，不称医德。医生对某女子进行性骚扰，亦无关医德；但若骚扰对象为女病人，则不仅医德大亏，且将负法律之责任。我赘言如此，足有见于目前书坛对人品与书品及学问与书艺之关系纠缠不清。

篇3：中国民间艺术与文化

中国汉字书法艺术是我国民族传统文化的国粹, 探讨中国园林与书法的艺术文化, 可以从书法中的文字起源说起。中国最早的汉字是由象形文字演变而来。远古时代仓颉和其他先民们根据生活实践经验慢慢创造的结果, 他们根据“六书”法则, 即:象形、指事、会意、形声、转注和假借, 创造了数达10万的汉字, 可谓浩如烟海。中国最早的文字———甲骨文, 其图画性强, 让我们看到了早期象形文字记录下来事物的形象, 即用线条描画出具体事物的形状。如“囿”、“室”、“宅”、“车”等的甲骨文与其物形非常相似, 由此可见, 这些古代汉字的起源与古代园林元素有着十分密切的联系。

中国最早的“园林”是满足皇亲贵族攻猎休闲需要的, 历经历史文化几千年的发展历程, 逐渐发展为能够满足多功能需要, 且富含内容和内涵的现代中国园林艺术。同样, 汉字也从当初的形象汉字, 逐渐演变为为语言而书写的符号, 书写上由当初没有粗细变化的“铁线银钩”的书法逐渐演变成点线有粗细变化的“有血有肉”的书法。具有生命意象和韵律点画与文学艺术结合在一起, 形成了中国书法艺术。中国古代有相当长的一段时期, 园林几乎是那些诗书画全能的文人雅客所创建的, 绘画在中国园林发展中起到极重要的推动作用。书画同源, 书法艺术也为中国园林艺术赋予了更为深层次的内涵, 探讨中国园林艺术与书法艺术之文化共性, 可从平面空间美和立体空间美中几点管见。

1 平面结构的形式美感

1.1 书法文字的间架结构与中国园林平面空间营造

文字是以点画为基本元素构成的, 书法艺术便是用点和线构成流美的空间艺术。书法难, 难在间架结构和章法上, 即是汉字点画之间的联结、搭配、组合、虚实的布置, 笔画之间的相互关系和章法。中国园林构建序列是由建筑、山水、花木等物质元素和书法文学精神元素组成, 园林规划设计难, 难在如何把物质元素和精神元素有机结合起来, 组成流美的空间艺术。由此可见, 二者具有平面空间艺术上相通的文化。

1.2 文字书体与园林风格和线的力度、重心稳

中国古典园林一般分3类:第一类是结构规整、左右对称, 有明显中轴线、主体突出的北方皇家园林;第二类是布局自由、不讲究绝对对称, 颇具自然情趣的江南私家园林;第三类是前2类风格兼有的。中国汉字书体同样也可以分为2类:一类是比较规整的, 正如篆书、隶书和楷书;另一类是自由形体的, 如行书和草书。这种规整与自由的园林风格与书体的结构规律是不谋而合的, 是有着相同造型文化原理的。

力度是外观感知上的反映, 与平整、滑面、纯净、利落、曲直形态有关, 属于美学范畴。书法中笔法的力度是指从点画形态上体现出来视觉上一种“精神气质”的感觉, “力透纸背”、“屋漏痕”、“锥画砂”等都是常用作表达笔法力度的术语。中国书法从魏晋南北朝的钟瑶到“二王”再到唐代的“欧、褚、颜、柳”四大家, 各家有各家的风格, 王羲之的法书, 风骨内揉、遒劲典雅, 富有一种弹力的美;欧阳询的险峻峭拔、刚柔并济, 富有一种英俊之美;颜真卿的宽博浑厚、苍老古朴, 富有一种雄强之美;褚楷的倔强之美, 柳楷的挺拨隽永之美。中国园林中, 皇家园林中的建筑一般比较高大、笨重而雄伟又含蓄, 正如书法中的颜体风格, 而江南园林的建筑比较细小灵巧、轻盈、峻拔而率真, 正如书法中的欧体、柳体风格。

重心稳则是由点画构成的单个字或是多字构成篇幅的平衡稳定状态, 重心稳才能引起人们的审美意趣。园林元素建筑、山水、花木更需要重心稳, 就象楼歪了不会给人以美的感觉一样。

1.3 神采

神采即表现事物外在形态的高雅趣味和精神风貌, 体现艺术家的灵魂。书法家通过文字点画的不同造型, 结合文学艺术构成千万种文字排序, 表达书法家技巧、精神风貌、性情、艺术、修养和心境。园林艺术家则通过建筑、山水、花木等的多样配置, 同样能体现造园者的兴趣、精神风貌、学识、阅历、修养等丰富的思想意境。物出人形, 写字造园是一样的道理。汉字点画的构连大概与当时建筑物的构件搭接有着惊人的相似, 都集中体现在神采当中。

1.4 静与动和先抑后扬

书法中有动与静之分, 楷、隶、篆书属静态书体, 如欧阳询的《九成宫礼泉铭》;行、草书属动态书体, 如“书圣”王羲之的天下第一行书———《兰亭序》, 字里行间是那样静逸自然, 一似行云流水、遒丽天成、不激不厉、风规自远。有些书法作品, 正文是楷书, 属静区域, 落款是行草书, 属动区域, 静与动结合, 既符合汉字演变规律, 也符合艺术审美规律。同时, 正文是篆隶楷的, 给欣赏者略有些压抑感, 收尾落款是行草书体则给人以自由释放、豁然开朗的感觉, 正如园林中先抑后扬, 欣赏过苏州留园的人都会有这种感觉, 这是园林艺术上的典型案例。

1.5 色彩

书法家在书写过程中, 或快或慢, 或曲或直的点画, 产生粗与细、浓与淡的墨色变化, 表达不同的性情、心情、心境和意趣, 当然这个不是一般观赏者都能体验到的。如在天下第二行书———颜公书的《祀侄文稿》中, 观赏者可从微弱的墨色和点画变化中, 看到无处不流露的那种悲愤心情, 达到了用点画来表达心境的艺术境地。园林中色彩的使用非常丰富, 包括建筑、山水和花木等。其中, 花木色彩能够表现不同的季相变化, 表达不同的思想意境, 内涵更丰富。甚至在中国古典园林中, 南北园林艺术在运用色彩风格上有明显不同, 北方园林多用浓烈壮丽色调, 表现恢宏、庄严、尊严、权力、张扬、华丽富贵, 而江南私家园林用色则是自然淡雅秀美, 表现自然、淡雅、率真、内敛、趣味和含蓄。

2 空间意境创作艺术文化的融通性

2.1 空间的间架结构

园林中多种元素如建筑、山水、花木等的合理设置, 穿插使用, 甚至细到植物品种间的搭配, 形成流美的立体景观;书法艺术中, 字的结构, 点画间的相互联结、楫让、虚与实, 从而构成结构严整而且美观大方, 富有立体空间感的汉字, 如有号称“巅张狂素”的怀素, 其草书代表作《自叙帖》, 李白赞诗云:“少年上人号怀素, 草书天下称独步, 墨池飞出北溟鱼, 笔锋扫却中山兔。起来向壁不停手, 一行数字大如斗。恍恍如闻神鬼惊, 时时只见龙蛇走”。这个跟园林中元素的设置和搭配原理是一脉相通的。

2.2 作品创作前意在笔先

书法家创作前总是先谋划一番, 包括笔、墨、纸、文字内容、字数、字体风格、章法和落款等都作一番谋划安排, 更关键的是调整好心理状态, 达到恰当的心理境界, 然后再动手创作, 这就是意在笔先。宁静致远, 心静易产生意境, 静才能制动, 才能充分表现书家的“功夫”和思想情感, 意在笔先就是这个道理。从某种意义上讲, 书法的思维就是造园的思维, 中国园林的创作与书法创作一样, 深在思致、妙在情趣、高在意境。园林规划设计中, 也必须在设计前对园地理位置、地形地貌、自然条件、指导思想、总体规划、景点设计等都作一番周密的谋划, 同样也需要静静地事前谋划, 做到胸有成竹, 园林和书法的思想方法是一样的。

2.3 作品创作时巧用点画, 气韵生动

书法作品的气韵, 指的是技法表现、法度的准确、笔意的神采、通篇的精神以及展现出的气质和风貌。中国汉字书体变化较多, 结字间架方法也不同, 篆楷书讲究方圆综合运用, 起笔收笔极尽变化, 规举中不失生动;草书则极尽变换之能事, 巧拙、轻重皆有变化, 一笔连到底、跌宕起伏、流畅洒脱、气势连绵。书法难, 难在用笔和结字, 用笔难, 难在“活”字, 否则就会“平直相似, 状若算子, 上下方整, 前后方齐平, 便不是书, 但求其点画耳” (王羲之《题《笔阵图》后》) 。园林也同理, 造园家苦心经营园林中的“点画”元素, 如山、水、花木、建筑等, 求得一个“活”字。例如在动势处理上, 亭子的发戗造形, 波浪形的景墙, 假山堆叠中采用悬、挑、跨等手法, 给人以动态之美;有了曲折的游廊还不够, 还注意了结合环境与两侧的景观, 使游人左右顾盼而得景, 形成景画连绵的感觉。陈从周特别注重造园的气脉连贯, 有“山贵有脉, 水贵有源, 脉源贯通, 全园生动”之说。

2.4 作品创作技巧的虚实相生, 曲直互生, 计白当黑

虚与实、曲与直这些概念, 从广义上说, 都是相对而言的。园林中有亭台、楼、阁的为实, 没有的为虚;有密的为实, 稀的为虚, 园林就是利用园林构建元素间的相互交替运用, 来表现园林的主题;书法中, 有字的为实 (黑) , 没字的为虚 (白) ;笔画多的为实;笔画少的为虚;笔划粗的为实, 笔划细的为虚;墨浓的为实, 墨淡的为虚, 书家精心安排粗细、黑与白、曲与直、浓与淡等虚实相对关系。计白当黑, 通过熟练的技艺, 抒发心境, 对于书家或是园林艺术家来说, 都是最高境界。

在园林中往往是人文书法与自然景观相映成趣, 水乳交融。实的是亭、台、楼、阁、道路、山水和花木等多种园林元素组成的自然景观, 虚的是匾额、楹联、碑刻等题咏书法艺术品文字的形神意境, 多种园林元素组成如画的自然风景给书家以神意, 挥洒在酣畅淋漓的笔墨中, 恰当地、最大限度地将激荡于胸次、情景交融的园林文化内涵表达于寥寥数个书法艺术汉字当中, 为园林景点起到点晴作用。这种虚实相生, 水乳交融的艺术手法几乎是成功的现代园林不可或缺的园林艺术技法。

2.5 作品创作技术的前后呼应, 多样统一

中国汉字结字成书难, 难在如何在方正曲直中求变化, 变化中求统一, 笔断意连, 独具匠心。欣赏书作如同欣赏园林, 透过点画结构和景致布局, 看到作者苦心经营的努力, 宛若天成、巧夺天功。书法作品讲究前后呼应, 字里行间产生气韵连贯、顾盼生情、风格协调。一幅成功的书作, 其正文和落款字体应该符合字体的演变发展史实, 如正文是篆隶楷书, 其落款则应该是行草书体, 如果题跋也应该用行草书体, 形成顺理成章, 而且形成动静结合的美感。造园如作诗文, 内容丰富, 技法也较复杂, 如空廊、花廊、花墙、漏窗等与外景物取得视觉的呼应, 多种元素的统一, 做到散而不乱, 达到形散而神不散, 恰当地而又透彻地表达造园者的本意。

3 结语

书法艺术和园林艺术的文化都是比较深奥的学问, 两者从平面的空间美到立体空间美都有共同的艺术文化, 并相互促进, 有着共同的美学思想和思维方式。中国园林艺术的独特之处是在于园林艺术、书法艺术和文学艺术三者的大综合。研究园林艺术与书法艺术的文化共性, 对于传承和发扬中国传统园林有着极其重要的启发意义。只有对书法艺术、文学艺术和园林艺术有深入研究, 才能对这2个艺术门类的文化共性作出更全面地分析和实际的指导意义。

参考文献

[1] 倪文东.书法欣赏[M].上海:上海音乐出版社, 2013

[2] .金学智.中国园林美学[M].北京:中国建筑工业出版社, 2000

[3] .田英章.楷书要论[M].湖南美术出版社, 2012

篇4：中国艺术歌曲与中国文化

以舒伯特等为代表的欧洲艺术歌曲大师的作品传入中国后，对中国艺术歌曲乃至整个歌曲领域的创作产生了重要的影响。同时，中国古代艺术歌曲(由于历史传承原因，这些宝贵的文化遗产直到上世纪四十年代以后，才被杨荫浏、叶栋先生等专家逐渐发掘出来。）和我国多民族的民歌，也对近现代我国艺术歌曲的创作产生了重要影响。这种中西音乐文化的合璧，专业音乐家的创作和民间音乐的合璧，构成了从二十世纪初叶以来近百年间我国艺术歌曲创作色彩斑斓的艺术长廊。

一、中国古代艺术歌曲与古代文化

其实，我国古代的艺术歌曲很早就产生了。《诗经》的“风、雅、颂”，是否有艺术歌曲成分，已无据可考，但敦煌所保存的唐代古谱中，经叶栋先生等人的考证，就有“曲子”。它原是流传于乡间的民歌，后来有的进入城市，经过乐人加工，实际已形成一种艺术歌曲而有别于一般的民歌，故称为“曲子”，而不叫民歌。宋以后就更明显了，南宋姜白石创作的十七首自度曲，是现存八百年前最重要的艺术歌曲，还有其他词人的词曲，元、明、清的散曲、琴歌等。似都可归于艺术歌曲的范畴。

我国古代不同时期的文化特色也在音乐(包括艺术歌曲)中折射出来。如唐朝的强盛与开放，与西域的经贸往来，日本的多次派遣唐使，外交带来不同民族的文化交流；以及与外族的不断征战，边塞诗歌中透出的豪放气息等，都在唐“曲子”“大曲”等音乐中表现出来，如《饮酒乐》《弊契儿》《秦王破阵乐》等。而宋代则不同，北方民族的南侵，山河的破碎，小朝庭的偏安，都给诗人和音乐家内心带来巨大的苍凉和悲苦。宋代诗歌已从唐诗的充满阳刚气逐渐转入宋词的阴柔与婉约，虽然仍有苏辛词的豪放，但大量的宋词都充满着哀怨与感伤，加上长短句的语言韵律和音乐的结合，更加深了这种印象。像姜白石十七首歌曲中，几乎全都是伤怨之作。试以《凄凉犯》为例，作者在该曲的小序中说：“合肥(宋金对峙，当时合肥已是南宋的边域)地方的街巷，都种着柳树。晚上秋风一起，发出骚骚的声响。我旅居在那里，关上门，时时听到马嘶嘶的声音。出城向四周一看，则满眼都是荒烟野草，景象十分凄清而黯淡，因此作了这首歌曲，七弦琴有凄凉调，就借它作为曲名。”整首歌曲音乐语言十分简洁，自由散淡的节奏，多是下行又不断起伏的旋律线条，几次的向下小六度的大跳方程，非常浓烈地营造了作者所要表达的那种悲凉、无奈的情怀。姜白石的歌曲充分体现了古代知识分子——“士”的文化精神，既忧国忧民，又报国无门，只能寄情于山水与词曲。

元代之后，散曲和杂剧一样，逐渐在市井兴起，由于多民族文化的交融，音乐也更丰富多样化，元曲词的口语化，也使音乐更为生动。少了宋代词曲的那种古朴、凝重，而更多了民间的生活气息。如《快活三》《金盏儿》的清新流畅，《甘草子》《青哥儿》的开阔爽朗，而且还出现了一些散曲的套曲，如白朴的《恼煞人套曲》，马致远的《夜行船套曲》等。

我国古代的艺术歌曲循着诗、词、曲的发展路子，也走过一条漫长的发展道路，由于当时还没有保存、记录这些音乐的办法，我们至今无法想象过去的盛况。但是，千百年来不争的事实是：这些音乐与古典文学相结合，形成了富有我们民族文化特色的音乐语言。研究它们的艺术规律，继承这份珍贵的文化遗产，对我们今天的创作有着特别的意义。

二、西方艺术歌曲与中国近现代文化

西方艺术歌曲经历了二三百年的发展实践，不但涌现了众多的名家和无数的经典作品，同时还建立了一整套科学的、系统的音乐创作理论。上个世纪上半叶，当西方古典音乐尤其是浪漫派作品相继传入中国后，相应的音乐理论和作曲技法也被老一辈音乐家和音乐教育家传授给我国的作曲学界，于是我国逐渐出现了一批以西方作曲技法为指导的艺术歌曲。

“五四”运动是我国近现代史上一次爱国的、同时也是激烈的思想文化运动。“打倒孔家店”、“西体中用”等思潮的掀起，以及提倡白话文运动的开展，极大地震撼了当时的思想文化界，并对多种文艺现象产生了深刻的影响。一批努力吸取西方音乐文化精华，又代表当时中国民族文化意识的艺术歌曲应运而生了，如萧友梅的《问》，赵元任的《教我如何不想他》《卖布谣》，青主的《我住长江头》，黄自的《思乡》《春思曲》《玫瑰三愿》等。

最早的这一批艺术歌曲的作曲家大都是学者，他们对中国文化内涵的认知度都比较深。贺绿汀先生曾就歌曲《教我如何不想他》发表过非常精辟的看法，他说：“对专业作曲者来说，它的词、曲、伴奏等方面都有许多值得我们学习的地方。首先词曲本身都十分典雅流畅而细致，诗一般的抒情，并不是浅薄庸俗的口头语言，这是全曲的主要特点。它好像一株自然长出来的有生命力的野花，而不是由人工做出来的纸花。就是说，它是词曲作者从自己感情深处自然流露出来的心声，这是艺术创作最可贵的地方。它是一首艺术歌曲。也许带点‘洋’味，但最主要的还是在旋律上有中国民族特点，并与语言结合得很密切，深刻地抒发了原诗的意境和情绪。也许可以说，抒发了刘半农、赵元任那个时期中国知识分子思想感情的特点。”

赵元任先生在谈到他自己的音乐创作时，说了一段很有意思的话：“中国人要么不做音乐，要做音乐，开宗明义的第一条就是得用和声。中国既然还没有和声学，当然是只有用西乐的和声法。至于和声运用的方法，那当然很要细研细究，不能像赞美诗的乒乒乓乓或是进行曲的叮叮咚咚一来就算了。我在这个歌集里头也稍微做了一点试验。……至于歌调方面，加入中国风味的机会更多了，在好几处地方我都用了滑音像说话或是唱中国儿歌的唱法，有些地方花音用得也特别的多一点。”这种学习运用西方和声并使之中国化，或是旋律音调与汉语言结合的特点，代表了当时中国艺术歌曲的主要取向。

黄自先生的艺术歌曲，在他的音乐作品中，占有很大的比重。他的艺术歌曲形象鲜明、情景交融、感情细腻，特别是钢琴伴奏的写法，和对主旋律的烘托，有其艺术独到之处，对后世的影响很大。

钱仁康先生曾这样评价：“《思乡》和《春思曲》中的某些意境，都是由钢琴用造型手法(如春雨潇潇，柳丝轻拂和鹃啼声声的描绘)与和声手法(如描写“陌头杨柳、分色帘边”的色彩性转调)表现出来的。在这两首抒情歌曲中，钢琴伴奏起了特别重要的作用，离开了歌调，几乎可以成为钢琴独奏曲。”

抗日战争爆发，救亡运动掀起。民族的危亡，山河的破碎，都使诗人和音乐家的爱国激情空前高涨。这时的艺术歌曲，已不再是过去的典雅、缠绵，而是情感浓烈，音调起伏跌宕。如陆华柏的《故乡》，贺绿汀的《嘉陵江上》，冼星海的《黄河颂》等。

贺绿汀的《嘉陵江上》，带有明显的西方朗诵调音乐风格，整首歌曲节奏很自由，形象很鲜明，词曲结合得非常好，生动地表达出一个国破家亡的游子的悲愤心情和要与敌人战斗的决心。冼星海的《黄河颂》以黄河之水天上来的气势，歌颂我们中华民族的伟大坚强。音乐气息宽广，情绪昂扬、豪迈。它们都是抗战时期艺术歌曲的杰作。

二十世纪上半叶，中华民族经历了由觉醒、斗争到愤怒的历史进程，文化上也经历了封建文化的衰落，西方文明的引入，马克思主义的传播和民族大众救国解放运动的风云激荡。艺术歌曲的发展也顺应这种历史潮流和文化潮流而逐渐地趋于成熟。

三、当代艺术歌曲与当代文化

中国的当代音乐文化，呈现出多元化发展的趋势。这种走向是上个世纪八十年代中国经济改革开放之后逐步形成的。

而西方音乐的多元化趋势，是上世纪初就开始了。德彪西艺术歌曲中和声已大胆突破，福列的艺术歌曲则依然贯穿着法国浪漫主义的纯情与优雅，同为浪漫主义大师的拉赫玛尼诺夫的艺术歌曲则带着强烈的斯拉夫式的冲动，格什温的许多歌曲大量运用了爵士音乐的元素。尤其是勋伯格创立的十二音序列主义，对调性、调式、和声、复调等的全面突破，带来了整个音乐创作领域包括艺术歌曲创作的全面多元化。在我们刚刚开放的七八十年代，西方的这种多元的“春秋”局面，已经历了半个多世纪的不断求新的过程。

西方当代音乐的多元化趋势无疑大大影响了我国的音乐创作。在艺术歌曲领域，虽然变化不如其他音乐创作领域那么大，但从总的来说，已经出现了多种有不同追求和走向的现状。相当部分的作曲家，继承了西方古典主义和浪漫主义，结合中国艺术歌曲传统以及自己的创作个性，走传统基础上出新的路；一部分作曲家更多地从民间音乐和多民族民歌中吸取精华，走艺术歌曲民族化的路；有的作曲家希望将艺术歌曲与流行音乐包括爵士乐、百老汇歌曲等结合起来；有的作曲家则采用西方现代作曲技法，包括十二音序列，自由无调性、多调性等手法来创作新的艺术歌曲；还有的作曲家把电子音乐的发展成果引入艺术歌曲领域，走科技化的道路……

科技的进步大大推进了当代文化的进程。信息化、全球化等经济文化现象，强烈地冲击当代人的生活积习和文化理念，大众文化需求也呈现出横向的多样化和纵向的快速求新化。这样的文化氛围既促进了艺术歌曲创作的多元化，同时也给词曲作家们更多思考的空间：如何来适应当代人对文化的需求和期待?

我想，不管当代文化怎么发展，时代精神、民族气派和个性魅力这几个因素，都是艺术创作中最重要的。艺术歌曲创作除了这些，还必须紧紧抓住“艺术”这两个字，它是这一歌曲领域有别于其他歌曲领域的最重要的象征。至于各种“艺术”是否成功，只有在实践中检验。被人民接受的艺术才是成功的艺术。

章绍同 福建省音乐家协会副主席

篇5：中国民间艺术与文化

关键词：剪纸艺术，传统文化。

中国传统剪纸艺术与其他的传统艺术一样，受几千年中国传统文化的影响，创作者不仅在她的作品内容上喜欢选用中国传统题材，而且在作品的创作理念、艺术表达形式以及剪刻技法上也自然地流露出传统文化的特征。这种流露是基于中华民族传统的宇宙观、世界观和方法论。剪纸中的感情表达方式源于中华民族传统的宇宙观中“天人合一”思想以及方法论中的“五行运化”理论也是顺理成章的。

古代中国“天人合一”的思想源远流长，在中国古代思想家看来，天与人、天道与人道、天性与人性是相通的，故而可以达到统一。这种思想熔铸了中国文化中的艺术精神，这种艺术精神融入在剪纸艺术品中，就是剪纸的“心里想的”，注重表现抒发情感和理想的意念。“天人合一”论中强调了天与人的统一。也就是天地、自然界是大天地，小天地是个体的人，大天地与小天地始终保持和谐统一。人体中感情的发生表达，以及它的走向和互相作用的规律，都是与天地相互统一的，即人的情感世界，也遵循自然界中物质运化的规律。

人的感情是丰富多彩的。交流喜悦之事，倾诉悲愤之情，抒发哀怨之思等，都是人体自身经常需要的，但这些情感历来都是受到伦理制约的，绝不是动物性情感的自然宣泄。历代的统治者都十分重看艺术所具有的协调个体与社会关系的价值，高度重视并利用艺术具有的陶冶人的情操、稳定社会秩序的独特作用，用以加强其精神统治。所以，“天人合一”论，既是社会、政治的需要，又是艺术扩展自身，把对周围事物深刻的了解和体验高度升华到意念，注入艺术自我情感，表现大自然、大天地的需要。在精神领域里让人与山水、自然界的动植物产生某种情感的交流，也就是让人在欣赏自然时得到启示，从而精神得到升华与净化。这种人和自然的情感交流在剪纸艺术作品中的表现尤为突出。

实际上，中国传统的“天人合一”论承认人的现实存在，同时也承认在进入精神绝对自由境界可能性的生命存在。在不受功利标准的束缚，超越了伦理规范制约的意境中，民间剪纸艺人把自己的感情大胆地宣泄到了他们思念向往的形象中，把不曾见过的天堂仙境抽象成月宫瑶池等，把不存在的龙凤、鬼神兑现为神奇可视的艺术形象。这一切都带着明显的心理体验特征。在人与周围环境的现实关系中，一旦摆脱了“外物”的桎梏，就能在精神世界中更体会到自由人的“小天地”的存在。民间剪纸往往都是从当前利益得失的观念中超脱出后，就创造出无数描述自由、美丽的“小天地”的艺术作品，并且是带着个体的强烈的情况，使艺术品题材广泛，内容丰富，并且释放出艺术的光辉。

缺乏感情的艺术不是真正的艺术，但所带的感情应是一种自然的流露，强行加入的感情，会引起人们的反感，每位艺术承受者会欣赏、了解艺术中的感情。人的情感基本可分为喜、怒、忧、思、悲、恐、惊七种。这七种情感可归结为五大类：

喜，包括快乐、舒畅;怒，包括愤怒、威严、至尊至上;忧思，包括忧愁、思虑、远见卓识、思想;悲，包括悲痛、伤心，没落;惊恐，包括惊吓、恐惧、害怕、畏缩。

这七种(五类)情感的表达在剪纸制作中是有一些规律可循的。中华民族传统的五行运化理论，从客观上解释了自然界和人体中生克制化的关系。在剪纸艺术的情感表达上也同样适用。

五行运化理论的基本观点是：世界上的物质分为五种，即金、木、水、火、土。这五种物质的分类是根据客观上的物质、物体或生命体的所有属性综合起来分类的。

在情感上，以上五类情感也可分属五行，如喜属火，怒属木，忧思属土，悲属金，惊恐属水。下面分别加以阐释：

喜：喜属火。在五行运化理论中火的性质就是向外发散。

在图形占有面积上，向外发散占有的最大空间是圆形。在数学中，当周长一定时，面积最大的是圆;在四边形中，面积最大的是正方形。所以人们不自觉地常用圆形和正方形，以及向外发散的线条造型来充分地表达喜悦之情，总造型是圆形或正方形。要使剪纸作品表现出喜气洋洋，应尽量使之发散，不加边框。比如经典作品《老鼠娶亲》，在创作时样稿几次改变，最终把花轿放在正中间，四周二十个老鼠，不论是放炮的、吹唢呐的，还是送礼的、献花的，都显得喜气洋洋。由于周边不加限制，似乎炮响一直继续，欢庆的气氛在不断扩展，使作品中“喜”的情感得到充分表达。

怒：怒属木，木性升发，其气机向上。自然界中树木向上长，有向阳、向上的趋向。五行理论中木代表生发力量的性能，标示宇宙万物具有生生不息的功能。古人对怒有“怒发冲冠”的形容。如作品《钟馗捉鬼》中的钟馗，怒发冲冠、眉毛向上，其威严的神态将小鬼震吓得匍匍倒地、瑟瑟发抖。剪纸《包公》也是用一种凛然的气势来剪成的，不仅官帽向上，而且官袍上的火焰也向上，衬托出包公嫉恶如仇、为民除害的一身正气。在具体剪的过程中，作品为表达怒的情绪常突出向上的尖锐的直线条。

忧思：忧与思属土。土的属性是集结收敛。同时，还具有土载四行为万物之田，承载受纳的性能。在人体中它主管气机的“气结”，即气体扭缠混绕在一起。因此，在剪纸中，凡扭结在一起、缠绕在一起的线条或结构都是忧思的情感表达。爱情作品《相思鸟》就是用一圈鸟儿头顶上集结的许多缠绕在一起的云彩来表达鸟儿的相思情。而《沧桑岁月》是用许多蔓藤缠绕在两棵大松树上，同时用线条绕出了“沧桑岁月”四个字，体现了对岁月的思考，隐喻作者的思绪延伸到很远很远。凡是线条向内、向中心结集的趋势，均可以表现忧思的情感。如著名的雕塑作品《思想者》的主人公就是半蹲半屈，全身各个关节呈曲状，向中心集结。即使可以不看主人公的面部表情，仅仅从他的姿态就能明白，他正在思索或正处于忧虑状态。

悲：悲属金。在人体的脏器里，肺属金，中医的基础理论中阐述了肺的.客观属性是主哭，主一身之气。肺藏魄，即魄力、气慨。金也有服从、顺从、收敛之意。如果悲伤过度，自然就失去了魄力，没有了气概。哭的太甚，也会软弱无力，重则晕倒甚至休克。肺主的是一身之气，悲情过度，一身之气不足，就会正气消耗、咳嗽上逆，气短乏力，伤风自汗，弯腰驼背。所以中医明确提出“悲则气消”。

使正气消耗的“悲”的情绪在剪纸的表现上是一派无力、萧条的景象。要剪悲情的人物，此人一定瘦弱无力，风吹欲倒。如果弯腰驼背有碍于美，在作品中只有使其削肩、细腰、低头、内视等。悲情的动物一般表现为低头、皮毛不乍起而顺之下滑，并瘦弱无力。悲情的植物一般表现为枝条软弱，叶茎细小并下垂，随风摆动。

惊恐：惊与恐属水。水向低处流，水具有滋润、顺下、闭藏的特性。

“惊恐”中的“惊”会造成逆乱。传统剪纸《钟馗捉鬼》

中的那些形态各异的小鬼因为害怕钟馗，跪趴在钟馗的脚下，个个形态惊乱。若要表现剪纸中的小动物受惊，要把小动物所处的环境剪成逆乱的线条。如表现小鸟受惊，只要把小鸟周围的树枝剪成摆动的混乱状态，美丽的小鸟儿就变成了受惊之鸟。

用剪纸表现不同的情感。除了有上述总体造型上的规律外，在剪纸的具体制作上，各种情绪之间的剪法也有较明显的区别。不同剪法剪出来的线条所表达的情感内涵是有区别的。

例如，剪“喜”的感情时，走剪的速度均匀、流畅、光滑、圆润。即使需要跳跃，也如欢乐的小溪一样柔顺，向外自然发散。

“怒”的剪法，直接迅速，笔直向上，拐弯处硬而不流畅，剪出的线条横来直去，干脆利索。

“忧思”的线条，由于是缠绕扭结在一民的，因此剪时最不流畅，很少有一剪子剪到底的线条，其线条多细长、柔软。

如作品《小鹿梅花》中既有表达思虑的线条扭结，又有流畅、圆润之感，所以表现了小鹿正沉浸在一件美好幸福的心境之中。一般地说，表现忧愁的线条要细些;表现思考的线条要粗些。思考中含有愉快情结盟的线条光滑粗大一些;含愤怒情绪的线条粗壮笔直向上;含悲哀情绪的线条则细弱垂下。

“惊”的情感是逆乱，剪此种情感的线条，一般为短小刚硬，互不连接。其中，杂乱、重复、折叠的线条出现频多。一般不用连续对称的图案。

“悲”的情感是消耗正气，软弱无力。走剪时，剪速相对慢，从小向下，越剪线条越细，常常将极细的线条靠在一个参照物上。此线条虽柔弱，但并不中断;虽无力，但不会随风起动。因为“天人合一”论说明，“悲”的环境宜用无力之风、柔弱之水来表示。

“恐”的剪法也是向下，走剪时线条相对有力，好像是哆哆嗦嗦地向下行。在下行中不断地有各种小弯曲，这些小弯曲无规律、不连续、不对称。例如，表现人被吓得两腿发抖，两腿就不能像跳霹雳舞那样有节律、有力度。

值得提出的是，剪纸这门艺术几千年来主要出自农家妇女之手，在几千年的封建礼教束缚下，广大的妇女被禁锢在“大门不出，二门不迈”的家庭天地里。旧时的妇女，命运大多数是不幸运的。婚姻靠媒妁之言，婚后伺候公婆，承担着繁重的家务，没有地位，任人摆布，挨打受骂是常事，她们潜藏着强烈的反抗意识，但在封建伦理和“三从四德”的重重约束下，又不得不屈服，艰难地苦度着岁月。这种悲痛的心情，感受在五行中属金，金(悲)可以滋生水(惊恐)，再滋生就是木(怒)，就会起来反抗。反抗若无出路，金(悲)可以被火(喜)所相克，用喜庆、快乐的剪纸来克制、转移悲的剪纸来克制、转移悲的情绪，这也是她们排解不良情绪的一种手段。

篇6：中国民间艺术与文化

由于历史原因，我们今天的艺术教育出现了偏颇，即重技艺而轻人文。我们今天的艺术教育与传统的人文教育产生了严重的断层，这足以导致人的精神领域极其浅薄与苍白，加之西方现代工业文明的介入，我们正在加速度地蜕变为“香蕉人”，而我们的艺术教育也增加了“功利”与“竞争”的倾向。过分重功利就会轻仁义，人与人的过度竞争会导致社会动荡不安，国与国的过度竞争最终的结果将是共同毁灭。

一、东、西方两种不同文化的比较

近现代西方注重的是科技教育。在科技进步带来经济发展的同时，也带来一系列社会问题，如犯罪率上升、环境污染等。核能的开发本来是可以造福于人类的，但我们今天却随时都要遭受核战争的威胁。因此，人们形容科技是一把双刃剑，盲目地发展科技无异于盲人骑瞎马。

近现代西方注重的是竞争教育。孩子从小就被灌输竞争意识，保护自己的个人利益。而中国传统的教育是教人礼让、互助合作、共存共荣。中国古人并非不懂科技，但更懂得科技发展的弊端，因此，大力提倡发展人文教育，认为这样，社会才能长治久安。当前是科技发展的时代，我们无意开历史的倒车，只是尽可能地让科技发展进入一个良性循环状态。科技好似一匹野马，需要一名睿智的骑手去驾驭。中国传统文化在这一方面可以发挥其积极作用。中国传统文化是人类智慧的结晶。我们并非基于一种民族情结去赞美和宣扬自己的文化，也并非基于一种复古的情结而厚古薄今。中国传统文化中的典集称为经典，“经”是纵贯通达，“典”是典范、标准，古今一成不变之真理，可以超越过去、现在和未来。

二、艺术教育包含在中国传统文化的范畴之内

马一浮先生在《论西来学术亦统于六艺》文中曾提到：“六艺不唯统摄中土一切学术，亦可统摄现在西来一切学术。举其大概言之，如自然科学可统于《易》，社会科学或人文科学可统于《春秋》……文学、艺术统于《诗》《乐》。”艺术教育依托于中国的传统文化，不仅可使其理论更加完备、深广，还可使其教育理念达到一个更高、更新的层面，在其空洞的“形式”中摄入更多的人文色彩，使其能够更多地关注人本身、人类社会以及人类的前途命运。

三、艺术教育是中国传统文化的再现

艺术教育不应被认为仅仅是画画、唱歌、弹琴等技艺的传授，艺术教育是要把人类最高的智慧、德能与才艺以艺术的形式表达出来造福于人类。

中国历史中的绘画、雕塑、戏剧等大多展示、宣扬的主题思想是“忠、孝、仁、义”，在娱乐之余不失其“成教化、助人伦”的社会教育功用。无论是过去的君主时代还是现在的民主时代，艺术教育也要承担起一种责任与义务来改善我们的身、心、世界。

中国传统文化的典集又可称为内典，内典即是内学之典集，其中所盛载的智慧与德能来自心灵的最深处，是人心本来具有而非从外学来的一种亲证的现量境界，不是一种想象、推理构建的理论。通过这些典集可以开启我们内心深处处于休眠状态的智慧，这才是真正意义上的“启发式教学”。中国传统文化也就是国学，被马一浮先生称之为“六艺之学”。马一浮先生在《论六艺统摄于一心》的文章中写道：“举网者必提其纲，振衣者必挈其领。”先要识得纲领，然后可及其条目。六艺之教可以统摄一切学术，这是一个总纲领，真是“范围天地之化而不过，曲成万物而不一遗。学者须知六艺本是吾人性分内所具的`事，不是圣人旋安排出来。吾人性量本来广大，性德本来具足，帮六艺之道即是此性德中自然流出的，性外无道也。”艺术也本是人心中分内的事。艺术教育与中国传统文化也可以说是一种表里的关系。艺术教育中的“教育”本身就蕴含着中国传统文化的精神。艺术教育中的“教”，左边是“孝”，意思是说老与子、上一代与下一代是一体;右边是“文”，其意为文以载“道”。教育是师道，其根本是孝道。中国传统文化的根本就是师道与孝道。孔子曰：“志于道，据于德，依于仁，游于艺。”道是人生宇宙的真理、规律。在人与人之间表现为五伦十义，即“父子、夫妇、兄弟、君臣、朋友”，人与人的关系应以父慈子孝、兄友弟恭、夫义妇顺、长惠幼序、朋谊友信、君敬臣忠等关系为原则。思想、行为不违背自然规律，并把这种品德保持、发扬、增长就是“育”，久而久之会有所得，德者，得也。人与人的关系依止于“仁”，仁者爱人，像爱护自己一样爱护他人，这种爱是“仁爱、博爱”，而非贪爱，这种博大而崇高的品质正是出自这样的文化背景的熏陶，这种品质可物化、外现于各种艺术表现形式。

四、种瓜得瓜、种豆得豆

艺术教育以人为本，首先要确立一种正确的人生观和艺术价值观。艺术不仅仅是个人的事，它的出现对于社会人群会产生不同程度的影响，这也是艺术教育首要关注的事情。高雅的艺术对于陶冶人的情操，提升人生的境界是大有益处的。艺术即使不能起到“成教化、助人伦”的社会功用，至少也不应是“精神污染”而有害于社会人群，何去何从基本上取决于艺术教育的导向。

中国传统文化在人类文明史上的地位与价值是毋庸置疑的。持反对意见者不外乎两个原因：其一是对于什么是中国传统文化缺乏深刻、正确的认识和理解，其二是由于年代久远，必然会产生一些流弊，这是人的原因，并不代表主流文化，且不可因人故而废其法。儒、释、道三家构成了中国传统文化的主流，三者之间名词、名相虽有异，但理无二致。南怀谨先生把儒家比喻成开粮店的，把道家比喻成开药店的，把佛家比喻成开百货店的。“儒”字即人需要“仁”，就像人需要粮食一样重要;得了病不能不吃药，此病是不懂得爱物的“心病”，物是指我们的生活环境，再广一点如山河、大地、宇宙万物，“物”与我们本来就是不可分割的一体;百货店自然无所不包。三家的典集称为“经典”，这些典集并非是某个人的学术观点，所述都是古圣先贤之法，都是真性的流露。真性也叫真心，心、佛、众生不二，否定了经典也就等于否定了我们自己本身。

以传统文化注入艺术教育，并作为其精神内核，“真、善、美、慧”四字足以概括。“真”是真实之理，是人生宇宙的真象;“善”是完善，我们内心深处本来具足无限完美的智慧、德能与才艺(美、慧自然在其中)。“真、善、美、慧”这种教育理念完全可以凭借经典的引导开发出来。

五、传统文化中的修学方式给予艺术教育的启示

从前有成就的读书人大致可分为两类，一类是博学多闻;另一类是一门专精，众多的“典集”只学一部，一部经通达，部部经都通达。全部心思用于一门，久而久之心就定了，由定能萌生智慧，这种智慧深藏于心灵的深处，不是从外学来的，所以这种学习方法称为内学，经典又可称为内典。经典就是心灵深处智慧的外现，形于外的经典又可启发内在本有的智慧。这种本有的智慧也就是《三字经》中提到的“人之初，性本善”中的“善”，善是完善，是本有而非从外学来的。这种优良的教学方式完全可以给我们的艺术教育一种新的启迪。它不但能使学生减轻学习负担，而且能开发、增长智慧，的确是事半功倍。这种教学尤其在人生的早期阶段效果会更佳。人在少儿期，心灵是较为纯净的，接受外来事物快速。十二三岁以前是“黄金季节”，一旦错过甚为可惜。近现代以来，我们不知有多少代人在重演这样的悲剧 ，然而幸运者也不乏其人，如老舍、矛盾、鲁迅、朱自清等一代有成就的文人，他们的白话文文章写得好，都是从小读古文读出来的。清代的金农，五十岁才开始学画，能名留史册，全凭其深厚的国学基础;潘天寿在黄宾虹先生简介中提到：“先生幼年颖异，笃学好问，曾延宿儒馆于家，弱冠游学金陵扬州，得广交时贤文艺之士。能琴剑，擅诗古文辞治印，兼攻经史与图释老氏及金石文字之学，均深有造诣。”由此可见，黄宾虹先生的艺术成就无不得益于国学渊源。从小受过传统教育的有成就的人不在少数，而从小读白话文长大的敢称大家的又有几人?不同的教育理念造就不同的时代与人，如果今天的艺术教育能从传统的教育理念中获取更多的借鉴，对于促进艺术教育的进步与全面发展，提高全民素质有着不可估量的作用。

参考文献：

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[2]《论语》，徐志刚译注，(北京)人民文学出版社，19XX年版

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[4]南怀谨着：《中国佛教发展史略》，(上海)复旦大学出版社，19XX年版

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[6]南怀谨着：《原本大学微言》，(北京)世界知识出版社，19XX年版

[7]南怀谨着：《论语别裁》，(上海)复旦大学出版社，19XX年版

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