暖的视听语言分析

第一篇：暖的视听语言分析

《美国往事》分析视听语言

《美国往事》的视听语言分析

这是一部描写友谊与对立、忠诚和背叛等人性冲突的黑帮史诗电影，导演一改好莱坞传统西片的格局，以独特的视角塑造了美国黑社会人出生入死的人物形象。影片颇有气势，暴力的描绘有一种诗意。时间跨越40年，从经济大萧条、禁酒令到第一次世界大战等重大事件均作为背景。影片只选取原作中的几个人物和几件事件，采用典型的好莱坞叙事结构。所不同的是，影片的时空结构处理颇有特色，通过主人公的回忆将故事逐渐展开。

《美国往事》有很多更深层的思想在里面，影片三个多小时的片长所容纳的是一段较长的历史，里面的厚重让我在看完影片后想了很多。《美国往事》蕴涵了很多沉重的东西，从人们反抗大环境到人性光辉的体现，从友情到爱情，有很多残酷的东西。

音乐在这部影片起着重要的作用。观众在欣赏影片的始终，无时不在感受音乐的力量。长迪吹出缓慢、哀怨的而略带怀旧的情调。无论是黛布拉舞蹈场面，穷孩子搞恶作剧的场面，还是抢珠宝店时面条对卡萝尔施暴的场面，无不伴随着优美的旋律，音乐的作用旨在阐释主题，用音符去述说一段值得回忆的往事。“上帝赐福美国”、“夏日时光”、“昨天”、“日日夜夜”等歌曲和配乐无不再现了叙事的年代，增加了影片的真实感。 影片的摄影相当讲究，画面的明暗处理十分得体。回忆的镜头，多采用近似黑白的摄影，有些场景画面非常明亮，场面出人意料的豪华。

面条的自我逃避，如影片的首尾所暗示，他的一生就像鸦片，是场幻梦。

他一直在逃，却始终被过去追杀，被影子缠绕。鸦片馆里无人接听的电话铃声，让他想起向警居的告密，这告密把三个朋友送向了死亡;仇人的追杀，让他坐上离开家乡的列车，这列车把他送向了35年的逃亡;“贝利”部长的请柬，让他看到掩盖过去的面纱，这面纱几乎欺骗了他的一生;即使Max的出现使真相大白，他也仍然不愿承认35年前的一幕是场戏，仍然不愿承认眼前就是夺走他一切的曾经的挚友，他悲怆到欺骗自己。最后，年迈的面条仿佛又回到35年前的鸦片馆，他躺在床上，静静的等待那无人接听的电话铃声，但电话没有响。于是他面对镜头，露出了笑容。一切的悔愧和伤痛，被幻梦洗清。

幻象消灭是人生里命定的悲剧„„转瞬间，或许，便已敛息了最后的焰舌，只留存有限的余烬与残灰，在未灭的余温里自伤与自慰。

没有哪部电影把友谊的忠诚与背叛写的如此沧海桑田。

一切都无法言说。

除了两个白发苍苍的老人，彼此沉默着看到过去，仿佛面对远古的海洋，埋藏着人类最深沉的情感。

第二篇：楚门的世界视听语言分析

该影片讲述的是一电影为了制作出全球最受欢迎的纪实性肥皂剧“楚门的世界”而培养了一名婴儿并记录了他的一生，然而最终却由于导演克里斯托弗的失误，使剧中的群众演员即扮演楚门的父亲以及女孩施维亚出于对楚门遭遇的同情，突然出现，打破了他的正常生活，并指引他走出了这个海市蜃楼般的囚笼。

从视听语言角度分析，楚门的世界中拍摄镜头运用灵活，整个影片运用镜头表达了楚门的时时被监控的生活状态，比如影片 2 分 47 秒处，楚门刚出家关上门，中近景，稍微仰角镜头，画面四角阴影化处理(表明摄像机的存在) ，画面整体带有偷窥性质;接着 2 分 51 秒处，楚门向路人打招呼，镜头快速向前推， 单人特写，画面保持稳定的中心渲染效果。如果觉得第一个画面仰角镜头(表示楚门的优势地位)和偷窥视角(楚门是被偷窥者，劣势地位)相矛盾的话，后一个镜头打消了我们这样的疑虑：快速稳定的推拉加上摄像机视点

镜头，表明摄像机绝对的主宰地位，人物完全处在摄像机的监视控制之下。 前一

个画面出现的稍微仰角只是摄像机为了达到隐蔽而造成的效果。

同时运用镜头的变化来表示楚门的内心变化，首先影片一开始( 1 分 16 秒处)，电影通过电视机画面(画面右下角 LIVE 字样和电视机框透露)表现楚门早晨出门前对着“镜子”自言自语：近景、摄影机视点、平行镜头、画面静止， 这时楚门被拍摄被直播却毫不知情、 也没有意识改变。

随后在 70 分 13 秒时变成： 面对镜子，楚门边吹口哨边用肥皂在镜子 上画了一个外星人。这个场景发生在楚门发现自己的妻子身为护士却不会手术、 想逃离桃源却被各种设计阻拦、自己的“爸爸”死而复生被挚友带回来和自己相 认之后。这时的楚门已经意识到自己处在无处不在的摄像头的监视和拍摄之下， 他想要寻找办法让自己逃脱。这时在镜头上的表现虽仍为摄像机的视点镜头，但 一个重要的变化是楚门开始采取行动对摄像机进行挑战。楚门在镜子(隐藏镜头) 上画外星人(这时楚门已经意识到身边的摄像头)代表着他试图消解摄像机的控 制权，是对摄像机主观视点的反叛。

最后72 分 30 秒，楚门在和客户谈保险时，将手中的铅笔插进 了一个卷笔筒(或是收音机)，画面随之切换到卷笔筒中隐藏摄像机的视点镜头， 画面受到铅笔的阻挡呈现大片黑影而且在铅笔的拨动下转了几圈。这是全片楚门 对隐藏摄像机最大的一次干扰，虽仍是摄像机视点，但可以明显感受到，楚门已 经意识到自己的处境并不断与潜在的控制抗衡，这在画面呈现上就表现为他对摄 像机视点的干扰和挑战(之后楚门使用计谋成功逃脱监视驾船到“大海”)。 楚门的觉醒和反抗在镜头语言上第二个表现为镜头的不稳定性不断加强。

所以说楚门的世界这部电影是灵活运用镜头的佳作

第三篇：电影《毕业生》视听语言分析

一、 故事梗概：

《毕业生》这部电影是美国60年代中后期的电影代表作品，反映了当时美国的很多社会现实典型问题，真正表现了平常百姓遇到的问题和生活的感受。 本电影的剧情如下：一个刚步出大学校门的社会新人本杰明，然而面对众人口中所谓的美好前程，他只感到一片茫然，这后他陷入了一个已婚妇人罗宾逊夫人的诱惑中，然而又爱上她的妙龄女儿伊琳。在当时这个题材是很吸引人的，这部大胆揭露六十年代年轻人迷失方向，戳破美式中产阶级虚伪面具的电影，成为当时好莱坞电影的先锋之作，冷战使得社会的压力强加到了这些刚出校门的社会新鲜人身上，人一旦承受了压力就一定会找机会发泄或者倾诉，但是无论压力怎样大，理性是不会失去的，电影中的本杰明克服罗宾逊夫人的威胁最后选择了伊琳，正是理性的。这部电影简介上总写着：爱情/喜剧/剧情这三个词语，不过，在我看来这部电影首先是剧情片，至于爱情，是在电影后半部分才体现出来的。

这个电影大致可以分为四条主线。

二、 影像分析：

整部电影的画面具有XXX特点，采取了XXXXXX风格，夕阳中的大海、天空、绿色的原野、空阔而笔直的公路。整个作品画面非常XXXX、XXXXXX、在XXXX中透着XXXXXX。例如，随处可见的自然光源，透过树叶洒下的细碎光影，打在公路上飞快行驶的车内人的脸上，光影变幻，导演捕捉光的能力值得称道。

1、光影：

光影的运用也很巧妙，当汽车在公路上飞驰的时候，阳光通过路旁的树叶的剪影打在车上，非常漂亮。线条的运用也很出色，几乎每一个镜头，都能发现线条的美感，从摄影的角度来说，是非常到位的。

2、色彩：

整部电影主要采用XXXXXXXXXX的色调，具有XXXXX特点，摄影运用滤色镜，使整个画面蓝色衬底。夕阳中的大海、天空、绿色的原野、空阔而笔直的公路。整个画面非常柔和、浓郁、在平静中透着轻盈。随处可见的自然光源，透过树叶洒下的细碎光影，打在公路上飞快行驶的车内人的脸上，光影变幻，导演捕捉光的能力值得称道。

3、构图：

整个片子摄影上非常出色，整个构图符合XXX原则，唯美而干净。大量采用XXXXX，使片子富有绘画般的美感。有几处运用了景深镜头，一是本杰明被罗宾逊太太诱骗到家中百般引诱，外面传来汽车声，本杰明奔下楼梯，罗宾逊先生开门进来，前景是二人交谈，后景是楼梯拐角，前后景形成了互动关联的关系。二是伊琳要与别人在教堂结婚，本杰明驾车赶往教堂，途中燃油耗尽，他弃车狂奔，本杰明向摄影机方向跑，这个大景深镜头把前后景很长的距离压缩使得观众感觉到漫长。

(1)焦距：

广角镜头，它视角广、视野大，景深也大。这种镜头能造成深远的纵深感，夸大前景中物象的尺度，使前后景物大小对比鲜明，在线性感知上产生相应的畸变。这就有助于表现纵向的动体速度。同时由于视野宽，更适于表现宏伟、壮观的场面。如 长焦距镜头。由于焦距长，视角窄，视野也小景深也小。它能压缩纵深感知，这就有利于在远处偷拍。由于纵深感知被压缩，因此纵向的运动便显示不出来。如影片的结尾，本杰明急于去阻止未婚妻伊琳的婚礼，就用了一个望远镜头。 变焦镜头――变焦镜头有着可变的焦距，从广角镜头到正常镜头再到望远镜头或反之。由于广角镜头夸大纵深感知而望远镜头压缩纵深感知，所以对不动的物体变焦，就使物体的体积逐渐变大，这就类似于镜头向物体推近。 而实际上， 是影像被放大，而摄影机并没有动。反过来，如从望远镜头变成广角镜头，物象逐渐变小而类似于拉镜头。那么，变焦镜头与推拉镜头到底有什么不同呢?不同在于。背景在变焦镜头中，纵深是静态的，它只是千万一个向你推近的扁平的画面，是一幅固定的构图在放大，而推拉镜头则在穿过空间，纵深在变化。例如，(2)景别：远景、全景、中景、近景、特写。特写运用较多，例如在(3)角度：正、背、俯、仰、侧，

4、镜头与运动： (1)镜头控制：

影片采用短镜头与长镜头结合，长镜头在片中多次出现，表现主题，一气呵成，给人视觉上非常合理的感受。例如，本杰明被罗宾逊太太诱骗到家中引诱的一段镜头。

(2)运动：

电影非常重视运动。要么是摄影机的运动，要么是被摄物体的运动，整个画面极富动感，使整个影片并不显得沉闷。整个影片有X个段落的运动给人印象深刻，一是影片开始时XXXXXXXXXXX，不仅在影片节奏上有张有弛，而且在故事的交代上也产生了一种渲染，XXXXXXXXXXXX，，合情合理。二是XXXXXXXXXXXXXX一组运动镜头。在这组极为不稳快速跳接的镜头里，我们通过XXXXXX的视角，体验到XXXXXXXX。三是在XXXXXX里，XXXXXXXX的镜头，周围环境XXXXXXXXX，镜头里只出现XXXXXXXXXXXXX，表现XXXXXXXXXX，以及XXXXXXXXX，运动拍得非常美。

除这几段运动明显表现比较好外，整个影片都很有动感，摄影机很少采用固定机位，比如XX段中，摄影机从正面慢慢摇过来，侧身，与此同时，镜头出现XXXXXXXXXXXX，然后继续缓缓摇到XXXXXXXXX，一气呵成，也不拖泥带水，非常漂亮。另一个在XXXXXXXXXXX的时候，XXXXXXXXXXXXXXXX，摄影机由原来的跟拍一下停住，XXXXXXXXXXXXXXXXXX，摄影机缓缓左移，上升，镜头里出现一个完美的景深。

运动作为电影最重要的元素，在这部电影里表现得非常到位。

5、场面设计与调度： 场面调度上很显导演功力。

(1)比如XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX,摄影机通过XXXXXX的视角，前景是 XXXXXXXXXXXXX，后景则是多出来的一辆车，这暗示了即将发生的事情。 (2)XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX. (3)当XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX

还有若干场景，导演在控制摄影机走位上非常严谨。

三、 声音分析

1、声音的整体风格：

根据作品的风格、年代，声音也具备地域色彩、时代色彩、民族色彩。例如，XXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXXX。总体上的风格是写实的。

2、语言：

对白、旁白、独白，以写实为主，夹杂着主观的语言，例如，影片开始时的家庭宴会，本杰明的母亲宣读其成绩，语言就进行了主观化处理，表现了本杰明对其母亲的反感。二是影片中对水泡声音的巧妙利用。第一次使用是在开头本在家庭为庆贺他毕业的派对上逃回房间，房间里很醒目的玻璃鱼缸里氧气蚌发出的“咕咕”声和鱼吐泡泡的声音与本紧张不安的心情交融，鱼自由自在地游着，可透明的鱼缸并不意味着自由，而是无形的牢笼。第二次使用是在本杰明的父母准备让本在客人面前表演，本身穿潜水服，头带潜水帽，此时本大口的喘气声淹没了父母的夸奖声，众人的称赞声，大概有一到两分钟的失语时间，直到本跳入游泳池，喘气声又被水泡声代替。这里同样是本心境的体现，无法认识自己，即便在一片好意和赞美声中，本同样无法面对眼前的一切。

3、音乐：

影片中有几个经久不衰的插曲，“The Sound Of Silence”、“Scaebrough Fair”、“Mrs. Robinson”等，本片的原声带由戴夫·格鲁辛(Dave Grusin)与保罗·西蒙 (Paul Simon)合作编写，格鲁辛是著名爵士乐钢琴手，但配乐风格颇为多样化，本片偏向清新的民谣风，颇能反映入世未深的大学生心境。“The Sound Of Silence”、“Scaebrough Fair”可以说是影片的主旋律，重复多次在影片中出现，并与影片男主角本明杰的心境交挥相印，中间处出现表现了本杰明被罗宾逊太太引诱的无奈，结尾处表现二人胜利逃婚的喜悦。

影片中音乐与动作做到了完美呼应。一处是本杰明疾驰着他的红色跑车前往尼恩的婚礼，在加油站紧张的询问地址，他却忘了加油，不久后车没油了，原本节奏感很强的爵士乐，越来越慢，直到车停，音乐也止。另一处是本杰明终于来到伊琳婚礼的教堂，他不顾一切的冲过去，在教堂门口、楼梯上，几个关键处均以拨动的琴弦提醒观众。

4、音响：主观音响运用得比较突出，例如关门声共出现5次， 总的来说，本片的视听语言是比较具有典型意义的，根据它的XXXXXXXX主题，具有XXXXXXXXXX的特点，堪称是一部视听语言的教科书。

第四篇：我是路人甲之视听语言分析

题目：

电影“我是路人甲”视听语言分析

作者：图尔迪麦提·土尔孙(原创)

学号：5142049018

摘要：

一部电影，从讲故事的单个角度就可以看出导演的技术。同样地，作为影视专业合格的学子，怎么分析一部电影的视听语言，在部分方面能够体现他对专业知识的把握程度及对一部影片的理解能力。在本篇论文里，我将会运用大量的影视专业术语：影像艺术、镜头语言、光影色彩及个人“新发现”来分析尔冬升导演给我拍的“我是路人甲”这部影片的视听语言。

关键词：

影像艺术视听语言

镜头语言

蒙太奇

光与色彩 正文 1：影像艺术

电影的诞生使艺术在表达式中更加完美了。电影艺术凭借连续的视觉与听觉、时间与空间、表现与再现，通过电影特有的运动性，比文学、音乐、绘画、舞蹈等传统的艺术更直接、更全面的表现生活。 这就是所谓的影像艺术。

每一部影片在遵循影像的美学特征时都离不开它的基本功能。观众通过影像了解一个影片整个故事的来龙去脉，可想而知：影像最基本的功能是叙事。作为观众，至少能够通过影像了解故事情节、人物造型、导演思想，说明这本电影的视听语言就有了。我也作为观众，通过观看“我是路人甲”，初步证实了这部影片有可分析的视听语言。2：视听语言

视听语言是指在一部影片在讲述故事情节来表现主题时所用到的画面和声音效果。说的具体点，就是把影片分为有声无画面和无声有画面两部分。观众在观看影片时通过这两个部分的语言来确定一部影片在“说什么”。当让啦，由于剧情需要，有些时候可能只有画面没声音或者只有声音没画面的情况，只不过，这也是视听语言的另一种“说法”。

画面是最重要的电影语言。这一点在早期的无声电影时期早就得到证实。当然啦，眼前的现在更是这样的。正如观众所知，科技的发展对电影画面视觉效果的贡献巨大。要是有必要再举一个例子，我就毫不犹豫地说：每一部影片的片名。观众通过画面上展现出来的片名，就知道接下来的时间里在眼前大概呈现出什么类型的影片。可以想象，如果画面不是最重要的电影语言，为什么不用声音来代替呢?这就是视觉冲击力所拥有的直观性、逼真性。不可否认的是，在电影语言里，画面语言也有界定性。

界定性是指画面语言在规定的界限之内有效。电影是通过摄像机把没有边界的世界展现在屏幕上的。由于摄像机的取景画框有限制，摄影师虽然通过简化使画面语言显得明白易懂，但是在表达方面还是使它的意义具有某种普适价值是很难的。所以，声音的加入，使画面语言在叙事、表意、创造美感、渲染气氛上变得更加“清澈”。 听觉语言是指影片里观众所听到的语言。听觉语言不像视觉语言那样直观，但是通过听觉语言的参与使它拥有了解说直观性的作用。影片的听觉语言包括人物台词、旁白、独白;动物鸣叫;起风下雨等大自然界天生具备发出声音的万物的语言。因此，这个客观因素的存在使听觉语言服从很多科学规则。这些规则在配音、添加音效、制作拟声时显得复杂和无法完全把握。

听觉语言在电影语言里起着重要的角色。这里不能用或不可缺来形容。因为，确实存在一些电影大师，整个影片没有一个听觉因素。 不过，我作为这个行业的学者，先把大师排在言外，讨论这部影片：“我是路人甲”。

基本的概念已经在前面说好了，接下来就是结合以上所述的概念，举例这部片子中最有代表性的视听语言，分析这些语言在“说什么”。

这是影片片头的起幅。一片乌黑，没有听觉元素。慢慢画面从黑渐变白。接下来的画面明明不是深夜，何必起幅镜头拍成屏幕全黑?这样的起幅意味着某种理念从“黑”走向“白”。在蒙太奇学说上，这样的处理方式被看作为象征蒙太奇。因为，这个画面除了表示它的直接涵义意外，还拥有更深广的意义：天总会亮，人总会成功... 接下来是下面这个画面。由于我是少数民族，看中文片名我看不懂“我是路人甲”是什么意思，当然啦，也不能否定母语为汉语的同胞们第一次看这样的片名时心里会有跟我一样的感受。等到我看英文“IAm Somebody”的时候，我才知道影片里的“路人甲”是“某人”的意思。

接下来往下摇的远景镜头落幅在被山围绕的一个村庄。由于地理位置暂时陌生(导演把这里地理位置的介绍安排在万国鹏离家走向横店前网上查看路线的位置)，所以看得出寒冷的天气，再加上画面带有的冷色调，画面会给观众带来一股“冷”气。值得强调的是，在这短短的两个镜头里，导演首先用远景交代故事发生的时间在寒冷冬天、然后，来一个房子的全景来进一步交代具体的地点。 接下来最重要的就是人物的出场。

视觉元素的构成因素包括人、景、物、光、色。其中人物是视觉元素的中心。上面的视觉元素中，景、物、光、色都齐了。我们很少讨论某个物或者景给我们留下的印象，这一点充分说明了人物通过外形、动作等具体的形象来冲击观众视听感官。

既然人物是视觉元素中心，那导演在这里如何安排人物出场呢?

导演在这里用了运动镜头：焦点先定在收银台前的三个女人，说明其中以为是店主另外两位是客户。接着，焦点跟着镜头的运动方向聚焦在墙上的相框上。虽然镜头没有停留在相框上，但是视力好一点的观众至少可以得出一个结论：这家只有一个孩子。论据都在画里面了。虽然出场的人物在说话，但是画面在“说”自己想“说”的话... 到目前为止，人物关系还没建好，主人公还没确定，继续往下看：

接下来的镜头语言(台词)分析： 女：老头子，菜弄好没? 男：来了来了，弄好了。

一般家庭老公(通过这个画面可知两人夫妻关系)看店老婆做饭。在某种意义上，导演想突出这个家庭，女人做主。哪怕这个意思不是导演想突出而是观众自己发现的，值得夸赞。

上面这个镜头，如果观众第一次观看这部影片，可能跟着焦点要么以为重点在三个老头吃东西要么以为电视机里的画面。通过之前的几个镜头，还不能完全证明有以上这类观点的观众完全错了。其实重点在前景的背影身上。不信，看下面这个镜头：

这个镜头：背景和前景同样虚化，焦点在中景。其中女人头部被切掉。导演的意思是不是：这个青年是视觉中心。当然啦，观众也不这么不懂事，但是作为导演，必须不懂事的观众也考虑在内。 所以说，这个镜头才是说明了前一个镜头的重点在正在看电视的这位青年上。那，前一个镜头这么重要的人物为什么来一个“虚”的焦点呢(焦点不在人物上面)?意思就是，在这个老人们只注重吃(图6中，两个人的眼睛盯在正在吃东西的第三个老人。不然，导演何必续拍正在吃东西的人从用筷子夹紧菜到把菜放进嘴里的整个阶段的动作呢?还有，对面两个人物眼神只对着正在吃东西的这个老人，为什么不去看一眼电视机呢?再说啦，电视机里放映的是抗日战争片，对于这些老人来说，这种题材不是必看类型的影片吗?)的“小空间”这个青年被忽略...当然啦，这个镜头结合前面两个室内镜头完全说清楚了人物在空间里的具体位置。

接下来这个女的过来，双手放在这位青年的肩膀，微笑地说： —怎么不出生呢，就知道看。

男的继续看电视，接着画面上满屏幕都是电视机。

女的动作足够证明女的跟这位青年是母子关系;电视机以全景的面貌出现在银幕上的镜头跟上一个这个青年集中注意力地看电视的镜头在叙事上说明了房间人物之间的部分关系。 接下来的画面是这样的：

当然啦，这里离不开听觉元素在叙事上的解说功能： —唉，你看你看，打鬼子还用上了轻功了你看

这时房间里的共同话题转移到电视机里的内容了。导演通过两个镜头把房间内各个人物的各个说法一个接一个“说”出来了。言下之意是，这些老一代不懂电影特技，各说各的...就这样，说道最后，不小心把“关键词”给说出去了： —唉，小鹏 —恩

—你拍戏的事怎么样了?差不多了吧?

话还没说完，导演在这里插了一个镜头：父母两人带明显脸部表情的近景(近景的作用：通过演员的脸部表情表现心理、内心世界)。这幅画面里，虽然“差不多了吧”是别人说的话，但是结合此时的画面内容可知：其实，答案就是拍戏的事差不多了(视听语言的相互支撑)

通过一段“闲聊”之后，他们的共同话题越来越接更具体的某些词上，比如上面这个画面中所提到的“斯坦尼基什么”，要不是有知识的影视专业人士，观众也很难搞清楚他们到底在说什么。当然啦，为了体现有知识的影视专业生的身份，我想在这里补充一下：

斯坦尼斯拉夫斯基(1863-1938)世界著名演员、导演、戏剧教育家和理论家。他所创立的斯坦尼斯拉夫斯基表演体系在世界范围内产生了极大的影响。

要是观众知道他是经典的人生巨著“演员的自我修养”的作者，导演在这里没必要以开玩笑的方式缠绕一个人物的名字。接下来的对话就围绕着青年人万国鹏的影视梦展开的。多人对话从各个方向汇聚到一条线上是不是影片的主题就定下来了?答案是：是的... 接下来的故事围绕着一个乡村年轻人带着影视梦来到被称为“东方好莱坞”的横店发展的。这个叫万国鹏的青年来到横店之后遇到各种麻烦，但始终保持微笑面对困难的他慢慢习惯了这里的生活。 横店这个地方，其实有影视梦的不仅仅是万国鹏这一个人。所以，在这条路上奋斗的也不仅仅是他一个人。对，这里人有同样一个梦—从小的演员做起，在演员这条路上越走越远。他们似乎在找办法成为横漂成功模式的一个分子，也听别人说曾经有过这样的人物(在食堂里看电视时，女主王婷给万国鹏说自己的前男友因为颜值高而走红。作为观众，这个是可信吗?)但是，实际上，这里对每个人很不公平： 比如，王昭颜值高，做人偷懒，却上镜的机会比别人多(不用细说); 覃培军常被导演嫌他丑，做事积极，书读的不多，但知道名人名言。 这种在同一个路上不同人物的对比也有一个最经典镜头：

拍戏没饭吃、得不到每一个演员应该得到尊重、被导演乱骂加上低着头道歉...魏星在拍戏时由于常跑在水中化妆给卸了，给化妆师说想要补妆，却被化妆师说的：拍全景拍不到脸打击了一顿。虽然化妆师的话显得有道理，但是电影毕竟作为一种艺术，应该多着重表现细节。再说了，真心想演得逼真一点的魏星角色要是你，你会在谁的角度去理解...自尊心再高尚的你，在这种情绪下，被副导演看不起： —要是你走红了，我他妈是一条狗。

要是你不是像魏星一样有骨子的人，你肯定说不出来下面的这句话： 我就是不走红，你还是一条狗... 其实，魏星说的这句话是说给那些不尊重小演员的“副导演们”。 结局，副导演让阿宽来演魏星的角色。上面画面是魏星慢慢走着而阿宽跑步走超过魏星... 关于魏星做人做事，导演用了象征蒙太奇的表现手法，表现了魏星这个人前后变化的很大; 好久没动过的钟和魏星上义乌方向的车时跟着音乐节奏旋转的钟

上面的跳舞的这个画面色彩变化很明显： 首先黑白的画面—象征着现实与梦想;

然后画面色彩丰富多样—跳着跳着走进内心世界忘记现实中的自我

最后还是回到现实中的自己

影片在这里通过人造光足够地体现了色彩变化对视觉体验带来的效果。当然啦，要是观众能够进一步地发现轮廓光所表现的魅力，那演员精彩的舞蹈在广中所形成的轮廓会深深地印在观众的脑海中。 除了人造光，导演也用了自然光来提高影片的艺术感：

在情节的发展方式上，影片用了平行蒙太奇的叙事手法。比如： 万国鹏与王婷、凯哥家庭、魏星与女朋友、各种剧组在横店拍戏。 最终谈论一下片尾的镜头。镜头从两个新人开始聊天的画面慢慢摇到空中去，整个画面里的人物显得越来越小：

这个镜头与片头的镜头呼应，完美的结束。 我作为观众对影片的评价是：还原了真实生活。

我作为专业学子对影片的评价是：主题好，但是艺术表现弱了点。 我作为有影视梦的追梦者：生存是基本，梦想是存在的价值...

第五篇：对商业电影《全城热恋》的视听语言分析

1.视听语言的概念

视听语言就是利用视听刺激的合理安排向受众传播某种信息的一种感性语言。这便是我们所熟知的各种镜头的调度的方法和音乐运用的技巧。这些方法和技巧来自于人们长期的视觉和听觉实践，符合人们的观赏习惯。

2.《全城热恋》中光线和色彩色调

“光线(lighting)作为摄影艺术的灵魂，是电影重要的书写工具。不同光源、光线角度、光线性质塑造同一物体的造型效果不同，物体呈现的特征也不同。光线是表达情绪、营造气氛的重要手段。光线效果和影调是影片形成视觉风格的造型元素。”

然而，在说到光线的运用中，不得不说到色彩色调的运用，因为光本来就带有色彩，他们是难以分割的。“影视创作利用人对色彩的情绪反应来选择符合剧情、场景气氛、人物心情需要建立画面的主色和重点色。”“暖色调代表不安、暴力、刺激、温暖、活力，又常常使影像有突出、前进的感觉。冷色调代表安静、孤独、隐蔽、后退、收缩的视觉联想。”

《全城热恋》整片以“热”贯穿，“热”字是整个故事的核心字眼，既代表感情的温度，同时也是城市的气候。虽然是夏天拍摄夏天的感觉，但是在光照上，明显有对光线进行加强的处理，配合演员身上抹的油和不断地喷水，造成一种非常炎热的感觉，而且整个画面光线都有些泛白略带些金黄色。给影片带来了一种明显的影调。在拍摄晚上的场景时，人工光的成分变得很明显，泛着蓝色。光对人物有塑造形体和强调表现内容的作用。影片在00:11的时候，刘若英坐在病房打吊针，很多病人都坐在各自的病椅上，此时已是黄昏。屋内比较暗，然而，从侧面的窗户那就打了一束金黄的光，集中照在刘若英一个人的脸上，不仅体现了她脸上的层次，也表现了她的皮肤质感，塑造了人物形象，而且突出了表现的主体。观众可以在灰暗的屋子里一眼看到主人公，集中了注意力而不会去注意旁边那些无关紧要的表现元素——群众演员。

而在色彩色调上，《全城热恋》里对它的把握也是很有特色的。影片表现了两个时空的5段爱情故事，每个故事各具特点，无论是处在哪个爱情阶段的人，看了之后，都会有一份自己的领悟。在表现过去时空的那段爱情故事时，细心的人就会发现，整个画面笼罩着一层黄色色调，给人一种与其他几个现在时空的故事形成了对比和区别。暖暖的色调不仅给人一种怀旧的感觉，还有一种温暖，温馨的感受，也从故事表达上，预示着这是一个美满的结局。而在大S与谢霆锋那段爱情故事里，基本上都是蓝色的色调，虽然与故事内容大部分是晚上有关，但是我觉得它主要也是给人一种悲伤的气息。整体的蓝色调给人一种莫名的忧郁，虽然其中充满了幽默和调皮，这也预示着这是一个悲剧结局的故事。影片中色彩色调在表达情节渲染气氛表现情绪上有很巧妙的运用。

3.对《全城热恋》中蒙太奇的运用分析

在《全城热恋》中成功地出现了多种蒙太奇的运用，达到了非常好的效果，值得我们去分析和欣赏。叙事蒙太奇跟表现蒙太奇中较常运用的手法都有所体现，整部影片以天气的炎热中的“热”字来影射恋爱中的“热”，用这一外向的意向把恋爱具体化、生动化。

3.1.开篇中平行式蒙太奇和交叉式蒙太奇的灵活运用

平行式蒙太奇就好比小说中的“话分两头”的叙述方法。开篇就是几组独立的情节，分别将几段即将上演的爱情分别独立的呈现给观众，没有具体的某一位或两位主人公，而是一群主人公。让故事情节在几个爱情片段相互交织中表现出来，丰富了故事情节。这几组独立的没有交叉的爱情故事就是平行蒙太奇成功运用的比较好的例子之一。

而表现每一段故事中的男、女主人公各自生活的部分就是运用的交叉式蒙太奇的手法，交叉式蒙太奇的主要特点是把同一时间内，在不同空间发生的两种或三种动作线交叉剪辑，以此造成悬念，使剧情逐步趋于紧张，推向高潮。

3.2积累式蒙太奇的成功运用

“积累式蒙太奇是利用从内容到性质上相同的一些类型的画面，而在这一类画面里所表现的主体是不同的，按照动作或造型特征，取其不同的长度组接起来，构成一种紧张的场面，造成预想的气氛和节奏。或是将几个主体形象相似的的镜头组接在一起，造成一种效果积累。它具有渲染气氛、强调情节的作用。”

片中在01：04分的时候响起了一首很宁静悠长又带有一丝伤感的英文歌曲，然后相继出现了所有主人公的在燥热的白天过去之后，在自己的小空间里思念着对方的镜头。有的叹气、有的凝视远方、有的扇着扇子痴痴地盯着手机、有的看着乌龟发呆等等一组类似镜头，虽然在不同的场景，不同的人，却都表达了事情发展当时各对恋人对彼此的想念，与当时的情节相映衬，恋人们的感情发展都到了一个瓶颈，大家心里的情绪复杂、苦涩。通过这些镜头的积累，产生了一种与燥热的夏天相反的舒缓节奏。强调渲染了一种忧伤的气氛。

3. 3其他蒙太奇在影片中的运用

心理式蒙太奇又叫“情绪式蒙太奇”或“过去与未来式蒙太奇”，即给人物的心理活动作画面造型，可以直接生动的展示人物的心理活动和精神面貌，经常用来叙述过去的事件或未来的想象。心理蒙太奇的运用在影片中的成分不是特别突出，主要在片尾的部分有所体现。

隐喻蒙太奇又叫“象征式蒙太奇”，即通过镜头和画面的连接，将不同的形象加以并列，或以甲比乙，或以此喻彼，从而产生比拟、象征、暗示的作用。画面的比喻是在上、下两幅画面的冲击中产生的。片中也用到，就是小女孩生命消失，墙壁上出现蝴蝶飞走的影子。虽然没有直接拍摄小女孩的死，但是蝴蝶的飞走，就给观众预示了一个小小生命的消失，带来一种伤感。

4.《全城热恋》视听中商业性特点分析

4.1商业电影

艺术电影以追求艺术的创新和表现力为主，主要考虑的是实现自己对电影的思考和探索;而商业电影则以商业考虑为主，追求最大票房价值，因而在影片中充满了吸引观众眼球的情节。不过，商业电影同样注重影片的商业性、观赏性和艺术性，注重精良制作与丰满的故事情节，是艺术与商品二元属性的融合。我们应当把商业电影和艺术电影看成人类文化长廊中的两枝奇葩，用正确的眼光去衡量它们、欣赏它们。

4.2《全城热恋》给观众带来的视觉享受

在画面效果上，该片打造了一种比较唯美的效果。色调，灯光加各种美妙的视觉元素，给观众一种激动人心的享受。影片中每个主人公在光线造型上都塑造得很细致，通过自然光打底加人工光的修饰还有柔光以及后期的处理，使得每个主人公都非常鲜活漂亮，各具魅力，焕发着光彩。人物的肤质、面部层次、灵动的眼睛，还有场景的柔美、温馨、炎热但又不让人觉得刺眼的夏日表现等等都让观众得到美的享受。

还有不少明星养眼，不少桥段搞笑，不少场景让你记忆犹新。其中张学友、刘若英、谢霆锋、大S、徐若瑄、吴彦祖、井柏然、杨颖等等靓丽的明星，凸显了该片的商业性，确实可以牢牢地吸引住观众的眼球。尤为明显的是大S，短发造型以及坏坏的黑烟圈眼影，演绎不良少女纹身、飚车、游夜泳等等这些元素，和之前她饰演的一些长发淑女的角色形象形成巨大的反差，这些都是能调起观众兴趣，吸引大众眼球的因素。 4.3影片节奏和叙事引人入胜

4.3.1影片的节奏把握

总体感觉是影片以快节奏的蒙太奇手法来体现高温炙烤下的躁动和激情，就像现在微博的速食文化能够为更多人所接受一样，几段热恋也在快速切换的时间和空间的镜头中展开，精心雕琢的影像，简短利落的对话，朴素真挚的细节，轻松幽默的动画，浓烈跳跃的色彩，巧妙而得体地呈现出一幕幕爱的奇迹。让观众在不断地奔驰而过的跳跃和切换中体会到爱的暖流正在缓缓地凝聚和流动，在寒冷的冬夜里温柔地抚慰一对对恋人的心。

影片也有柔情舒缓的时刻，当刘若英和张学友在局促的小屋里享受期盼已久的凉爽的时刻，它慢下来，两人手拉手娓娓而谈，破旧的藤椅好像浪漫花园里的秋千轻轻摇荡。其实，摄影师的故事也是调节气氛的一曲略带悲情柔板华尔兹。

4.3.2影片的叙事商业性特点

从叙事上来说，《全城热恋》一共有六个小单元，有四个是一对一的异性恋纯爱故事，一个是伤害与弥补外加意外收获的爱情故事。它的叙事支点是爱情,让观者品砸爱情的五味杂陈。影片里设置了一些有趣的小细节，例如某段爱情发生的时间、张学友和徐若瑄故事的交叉点、谢霆锋与吴彦祖故事的交叉点等等，这些足够巧妙又不落俗套的小细节让整部影片可供回味的地方多了许多。尤为值得一提的是本片里某位六年没演戏的大牌的出现，因此看到那里的时候和全场的观众一起在惊呼，乐趣也不少。

之所以说本片意外且惊喜，意外是指本片的质量令人意外，惊喜则是指本片的故事在俗套中依然坚持了一些与众不同的风格。像谢霆锋的段落和张学友的段落，都没有交代他们的爱情结局，留给观众自己去想象。还有井柏然和杨颖这一段，把最大的悬念放在最后，而且是观众完全没有意识到的情况。这些叙事的表现都让观众在观看期间不会感觉乏味，从而体现了它强烈的商业效果。