日本电影情书影评

日本电影情书影评（共6篇）

篇1：日本电影情书影评

“情书”是所有人记忆深处抹不去的永远的初恋。

纯白的雪地，粉嫩的樱花。图书馆淡粉色的窗帘下忽隐忽现的少年。俊美的侧脸，他就是少年藤井树。他一直暗恋着同班级和他同名同姓的女孩。那个有着一双会说话的大眼睛的女孩。“情书”是我所看过的影片中，描写少年暗恋情节最为细腻动人的影片。因为心灵的悸动，甚至不敢看第二遍。印象依然深刻的是，男孩为了女孩而打架。放学路上，女孩为男孩摇动脚踏车，用微弱的灯光一起看英语考试卷。

也许，分离是生命的永远。那本《追忆似水流年》不知是否已经蒙尘多时?男藤井树在一次登山中掉下山谷死了。突然，很想知道，在他从山颠自上由下坠落的一瞬间，他看到了什么?是少女温柔的笑脸嘛?那，我想他不必遗憾了，因为那张画女孩肖像的卡片如今已经在她手中了。

[简介]

日本神户，渡边博子在未婚夫藤井树的三周年祭日上又一次陷入到悲痛和思念之中。博子在藤井树的中学同学录里找到了他在小樽市读书时的地址。由于抑制不住对爱人的怀念，博子按着这个地址给远在天国的藤井树寄去了一封充满问候和思念的书信。

不可思议的是，不久博子竟然收到了署名为“藤井树”的回信。经过进一步了解，这个藤井树是一个年轻的女子，而且她还曾经是男性藤井树的同班同学，原来是博子从同学录中误抄了她的地址。为了多了解一些男友在中学时代的情况，博子继续与女性藤井树保持书信来往。而藤井树在不断的回忆中，竟逐渐发现中学时代那个和自己同名同姓的少男曾经对自己产生过一段真挚的感情……

《情书》是岩井俊二执导的第一部在电影院公映的剧情长片，上映后立即在日本和东南亚各国引起轰动。这部清新感人的《情书》已经成为九十年代最为脍炙人口的日本爱情文艺片。

《情书》由一个同名同姓的误会开始，通过两个女子书信的交流，以含情脉脉的笔触舒缓地展现了两段可贵的爱情。女主角博子对藤井树的眷恋，两个藤井树之间朦胧的情感，都没有由于藤井树的意外死亡而枯萎，而通过细腻感人的影象深深地印在每一个观众的心里，永远不变。

在精心描绘爱情的同时，岩井俊二还着意表现了对逝去岁月的怀念和追忆。《情书》正象普鲁斯特那本小说的名字，追忆着似水的年华。过往的爱情和青春也正是在主人公的回忆中才逐渐清晰、复活。与现实相比，影片中的过去更为明快优美。在那一幅幅唯美的画面中，漫天飞舞的片片樱花，暗生情愫的少男少女，都唤起我们的无限遐想。而《情书》中所构筑的那个美好的中学时代，可能也正是岩井俊二和很多人最为温馨纯洁的回忆。

同很多日本电影一样，《情书》也反映了死亡。可以说《情书》的故事情节始终是围绕着生死而展开的，但与众不同的是，它并没有刻意去表现死亡的恐怖与残酷。男性藤井树的遇难，少女藤井树父亲的去逝都被淡化为一种哀思和怀念。而影片对女性藤井树的病危、抢救过程却着墨颇多，意在通过这种生死较量的情节衬托出生命的珍贵。

《情书》中对过去的追忆和有关生死的描绘都极具东方气质，含蓄优美、感而不伤地表达了影片的主题――珍惜有限的生命和宝贵的爱情。看到博子站在皑皑白雪中面对深山大声呼唤的时候，藤井树最后看到书卡背后画像而感动落泪的时候，我想有关生命和爱情的一切争论已没有意义。

山因风雨而朗润，

梅因雪而傲然，

菏因淤泥而高洁，

爱因遗憾而永恒

篇2：日本电影情书影评

情书

小时候也做过给兄弟塞情书的蠢事，也碰到过被女生写情书的尴尬。不过第一次知道这个世界上也有很浪漫的情书，不是在大学的时候才看到的《少年维特的烦恼》。维特的情书其实也相当的幼稚，但是令人感动的是其中的那部分真诚。我在和一位大学的师兄交流的时候，知道了几个真实而浪漫的故事，让我印象极深。关于这位师兄，以后也许还会在别的文章中提到他，不过因为他的个人要求，所以我不会提到他的姓名，只是在文中简称他是学兄。

不知道从什么时候开始流行起来日剧，我小时候就看了不少，比如山口百惠的《血疑》，还有浅野温子的《101次求婚》。《情书》是我在毕业以后才看到的，当时是在国内买DVD看的。我算是电影发烧友了，经典名片当然不放过。我的学兄也是如此，居然珍藏了几套不同版本的《情书》。我以前也看过《情书》，对开头的印象很深，过了几年了还是这样的。于是把这个想法和学兄交流以后，他就很高兴的告诉我他在日本发掘到的一些关于这部电影的故事。这些故事是如此之长，以至于我无法编辑到我有限的影评之中，所以只好专门撰写一篇文章来描写它们。看着这些故事，有的时候我会回想起来以前的青春浪漫和热血拼搏，居然能在一部电影里面被容纳进去，不得不佩服电影人的精诚和博爱。

《情书》的开头中川美穗仰着头是想感觉雪花飘到脸上的感觉，还想看看会不会有雪花飘到眼中。本来是闲暇时候的动作，但是这个情景被导演捕捉到以后专门制作成了开头，成为了很多影迷难忘的一幕。现在看她的演出，都觉得她居然能把文静清纯的博子和大大咧咧的藤井树演的就像两个人，真是令人惊叹。尤其是影片中的钢琴曲，非常引人注目，也是中川美穗亲手弹奏出来的，自编自弹，曾经一口气弹奏了十遍，让导演都记得清清楚楚。

中川美穗在隧道里面看着地下的雪，随口说这里没有雪了。导演后来用电脑改掉了她的配音，这样更配合剧情的需要。

《情书》中的学校确实存在，而且还因为电影出名后得到赞助，新建了一部图书馆。所以在电影末尾出现了六个女孩子在打理图书室。那位记性超好的教师后来好像当了校长，传说她能记住至少十年中在学校里面读过书的任何一个学生的姓名甚至座位号，确实是让人惊叹。

影片中出现的赛跑抢道是真事，不过被抢道的男生倒是很鼓励那个受伤的学生。最后两个人都到了自己想到的终点。

比较浪漫的是两个事情。《情书》的主要剧情就是来自于它们。

有一对男女学生，彼此有些意思，但是还是在暧昧阶段。大家看出来一些端倪，就故意在选举中串通好，把他们两个送进了学校的图书室。图书室的图书基本都是从市内的图书馆仓库里面拿来的旧书，所以不是很受人欢迎，但是也有不错的，所以虽然有人来借阅，但是看的人并不多。所以在学校的借阅卡片上，就会有一些是空白。

一开始男生是用女生的名字写在卡片上，一个是想引起女生的注意，另一个则是害怕出事的话就可以承担责任，因为通常当事人是不会把自己的名字写上去的。但是时间长了以后，男生觉得女生好像一直没发觉，于是就在卡片上写起了自己的名字。据说在他毕业以后退出图书室的时候，他印象里面一共是在卡片上写下

了自己的名字多达132次，但是至于他写下了多少那个女生的名字，他却没有印象了。就在写名字的同时，他有的时候会一时兴起，在卡片的背后画上一些小画。于是后来的管理员，也是学生们出于好奇，开始四处寻找写有它们名字的卡片，并且制作了得分表。据说写有女生姓名的卡片数目超过了男生。

有一天这个女生没有来上学，引起了他的担心，于是他去她家探望，才知道她的父亲亡故的事情。他主动参加了祭奠，还积极的参加了一些事情，引起了女生家人对他的注意。

于是后来有一天，女生找他去告白。男生就说，其实不是我太骄傲了，我早就向你告白过了，只是你没有发现而已。女生就很奇怪，想了想，马上想到那本男生曾经很紧张的交给她的一本书。女生找到那本书以后就用劲的抖一抖，但是没有看到信件掉下来，于是翻一翻，也没有看到情书，就问男生，“你是不是把情书拿回去了？”

男生把书拿回到手中，抽出了那张借阅卡片，给女生看背面。那是一张他很用心的用色彩画好的肖像画。

女生感动的哭了，但是始终把卡片拿的远远的看，不想让泪水打湿它。据说这个故事在被编辑成剧本的一部分的时候，因为那个男生的绘画技巧相当的拙劣，所以就在电影里面改用素描来代替原先的彩色图画。

传说那个男生在图书室看书的时候，女生才慢慢的喜欢上他。因为男生认真专注看书的样子，把她迷住了。对于很多并不爱慕虚荣的女孩而言，男人专心于一件事物的表情，是很吸引她们的。

还有一个故事，是关于考卷的。

是另外一对男生和女生的故事。不过这两人重名，就像电影里面一样。重名的后果就是同学们占到了便宜，捞到了两节自习课。他们齐心协力的瞒着班主任之外的老师们。结果后来有一次男生被撞了，虽然没有大碍，但是还是去医院。不知情的校长来通知的时候被同学们恶作剧的说某某在这里。校长一看果然在。日本的课桌有的时候会写名字，所以紧张的校长跑去核对情况，同学们开心的得到一次自习的机会。

关于这两个人的浪漫故事，就是发生在试卷的问题上。因为重名，所以试卷发错了。女生本来想下课后就去调换过去，但是没想到男生一下课就溜到了不知道什么地方去玩。唯一想尽可能快的得到试卷的办法就是在自行车停放处那里等待。结果女生一直等到天黑。男生看到她在等他，就很感动。于是故意拖延时间，想跟她多待一会。据说男生在向女生告白的时候，说的是：“夜晚车上的灯光照着你的侧脸，让我觉得你很美。”这段独特的告白让女生的心被彻底的打动。电影中在制造这个场景的时候虽然借到了很多的自行车，但是女演员却很缺乏，整个剧组就只有三个有台词的女演员在其中，所以只好让一些男生穿上水手服。在片中那些个子稍矮穿着水手服的临时“女”演员，因为不用露出面孔而模糊过关。不过在体育场里面的镜头是真实的，参加演出的也是当地学校的女孩子们。

影片中出现的两个场景是相当有意思的。一个就是吹玻璃的工厂。据说吹玻璃是一门艺术，漂亮的玻璃瓶往往需要工人很有心思的去制作，才能有较高的水准。这也是这部艺术片的一个魅力所在。

还有一个就是影片中所说的女主角被第一次见面就示爱的时候所在的酒吧。那里的情调确实相当的好，所以被特地借用了一下。

我游历过不少国家，觉得日本列岛上的女孩子最可爱。她们有西方女子的开放和独立，也有东方女子的坚韧和羞怯。如果说中国和日本的女孩子谁更浪漫一些，我认为日本的女孩子更浪漫。汉族的女孩太怯懦，她们缺乏勇气去追求属于自己的爱情，以至于在我们的生活之中，周围无数的爱情悲剧，都只是当初不敢说出自己内心的真实想法而招致的错误。不知道多少人的一生，就是因为自己的一时胆怯，而自顾自的逃避，最终在悔恨中度过残年。相比之下，看似柔弱的日本女孩，却往往愿意为了自己的幸福，去大胆的做一次告白。不要以为她们是厚颜无耻之辈，其实不愿承受告白的失败而犹豫再三甚至默默掉头离开的也是不乏其人。但是我觉得日本的女孩更有一些女人味，不是因为她们温柔和贴心，而是因为她们更能细致的去关怀。

有一个对比是很典型的。中国男人出差的时候如果无意中带回来一件有女人口红的衬衫，被发现以后一定会被或明或暗的诟病，甚至闹得满城风雨。而在日本，有些家庭主妇却在丈夫的行李包里面放进去一盒避孕套。

虽然也有一些年轻的媳妇不赞成这样的作法，认为老公不会在外面做对不起她的事情。不过把避孕套放进老公行李的主妇却说，男人在外面应酬，有的时候是会死要面子活受罪的。比如莎士比亚的《无事生非》里面就提到过，男人是可以为了虚荣而不顾一切的。所以有的时候男人喝高了，为了显示自己的地位和尊严，会故意去一些风月场所。虽然事后会很后悔，但是人前人后却依然表现的没事一样，只是心里会觉得对配偶和自己都感到歉疚。所以事前放一盒避孕套，不仅是为了以防万一，也是让他明白自己对他心意：只要适可而止，我都不会在意的。日本古代著名的大军阀丰臣秀吉，曾经碰到过这样的一件事情。就是某地发生了饥荒，他去救灾的时候，看到一对夫妻手牵着手，饿死在了家中。大家都非常的感叹，说夫妻两人恩爱到如此程度。我看到这一段，就想起来《泰坦尼克》里面那对面对水流而坦然接受死亡的老夫妻。

所以有的时候我看到一些人为了结婚而结婚，尤其是在中国，那种夫妻本是同林鸟，大难临头各自飞的处境，在现代社会越来越要求独立和开放的风气之下，真的是越来越难以经得起一点市场经济小风浪的考验。也难怪现在统计机构发布数据称现在的中国人的离婚率，已经高到了占据结婚人口的近一半左右。虽然日本女孩里面也有阴险恶毒之辈，但是就我的见闻而言，东方女性最为浪漫者，一个是香港人，一个是日本人。中国大陆的浪漫传说，只限于古代的寥寥几篇故事而已。

当中川美穗看到那封迟到了近10年的情书而流泪的时候，我能明白她的心情。很多人的一生，平淡的如同白开水一般。吃饭、睡觉、解手、上学、就业、结婚、生子、老迈、等死。一生的最大奋斗，不过是为了自己能多吃点好的，或者找个漂亮的伴侣。一生之中不知真情为何物，和一头猪有什么分别？猪也不过是求一餐丰盛，伴侣妖娆，多子多福，它能明白什么是感情吗？等到了快死的时候才想起来感叹，或者发疯，那么这些人还不是和猪一样？从古到今，中国多少人民，从君主到奴才，从大将到博士，有谁人能脱过这个循环？环顾你的四周，有多少这样的人？看看你自己，和他们一样的生活又有多少？猪每天看到同伴，也就发上几句牢骚。国人看到熟人，是不是也要问一下饿了没有，或者老婆走没？女人不过是想多点男人的回头率，男人不过是想手中多一点炫耀的资本，猪如果不怕被宰掉，又何尝不喜欢在同伴面前炫耀自己的一身肥膘？中国人的感情生活，就难道是那么的悲催和无聊吗？所以他们感叹，但是不敢面对自己的生活。他们都说这部片子好，但是却不敢说出来好在什么地方，尤其是到了触及自己心底深处的某些地方的时候，于是就像猪在面临屠宰的时候可能要发脾气一样，吓唬走别人或者自己沉默不语的逃避开。因为他们太怯懦。不敢去改变自己，更不敢去接

篇3：《雨果》——写给电影的情书

《雨果》又名《雨果的秘密》、《雨果·卡布里特的发明》、《雨果·卡布里特》, 是根据布莱恩·瑟兹尼克的同名畅销漫画改编的儿童题材电影。故事发生在上世纪30年代末的法国巴黎, 十二岁的小主人公雨果是个孤儿, 他的工作是对一个火车站内27座时钟进行维护。他最大的愿望就是把父亲遗留给他的一个破损的机器人修好, 于是他经常去火车站里一个小钟表店里去偷取零件用来修复机器人。后来他得知这个脾气古怪的店主就是隐姓埋名的默片电影大师乔治·梅里爱, 乔治·梅里爱最终也被雨果的执着感动, 重新回到观众视线中, 作为电影艺术发展史的最初见证人, 再次获得人们的广泛认可。

曾经拍摄出《愤怒的公牛》、《出租车司机》、《纽约黑帮》、《好家伙》等大作、出生于1942年、身高163厘米的马丁·斯科塞斯是个身材瘦小的老人, 是无数影迷心目中永远处于电影顶峰的世界导演大师。他从影四十年, 始终把镜头对准美国社会种种顽疾, 以自己独特的电影语言冷静剖析社会, 被誉为“电影社会学家”。在2010年第67届美国电影电视金球奖颁奖典礼上, 马丁·斯科塞斯从他的两位御用男演员伯特德·尼罗和莱昂纳多·迪卡普里奥手上接过了终身成就奖的奖杯, 2007年, 马丁·斯科塞斯凭借《无间行者》终获第79届奥斯卡最佳影片、最佳导演大奖, 而与他并称“80年代好莱坞四大导演”的其他三位好友乔治·卢卡斯、科波拉、斯皮尔伯格一起为他颁奖, 四人齐聚奥斯卡颁奖台, 如同把好莱坞的一个电影时代呈现到颁奖台上, 一时成为佳话。

3D电影在西方萌芽于上世纪30年代, 产生于上世纪50年代。2004年, 第一部IMAX 3D长片诞生, 为电影市场注入新的商业活力, 但也难抑止它正在出现的下滑局面, 很多3D电影作品都遭遇票房失败。作为马丁·斯科塞斯第一部采用3D技术拍摄的影片, 《雨果》的3D效果在影片还没有最后完成的时候, 就获得了参加提前看片会的业内人士的极大称赞, 有评论者认为, 马丁从根本上颠覆了经典的3D拍摄方法。以往的3D电影能够制造这样的视觉效果:电影为观众呈现一个立体化的场景, 观众会真实地感受到画面的纵深感, 有如观摩一个微缩景观的真实再现。影片中的物体——如石块、奔跑的动物等影像的运动方向是从画面迎向观众, 画面中的影像运动和观众是面对面的, 这和传统的舞台表演没有区别, 角色是表演者, 观众是旁观者。马丁·斯科塞斯则赋予3D电影一个全新的拍摄概念, 他用世界上最先进的数字摄影机带领观众不停地穿梭于火车站的站台、候车室, 穿梭于车站熙熙攘攘的往来人群, 穿梭于狭窄的管道之间, 穿梭于运动中的大的、小的、远的、近的精巧复杂的钟表齿轮和机械零件中, 娴熟的镜头运动如行云流水一般挥洒自如。电影摄像机仿佛为观众插上一对翅膀, 时而俯瞰着30年代巴黎原貌不断向前飞行, 时而居高临下停留在又窄又滑的钟楼窗外, 时而和一个大大的狗脸面面相觑。此时的观众已经不再只是一个画面之外旁观者, 而是成为故事中的亲历者参与其中, 这样类似“角色电影”的观影体验, 比简单的3D逼真效果显得更加神奇、美妙。

如果《雨果》仅仅是在技术上成功地演示了视觉效果, 就不会获得如此广泛的业内好评。人们说, 这个电影是一封献给早期电影艺术的情书, 因为《雨果》是一部献给世界电影史的电影, 它坦白而直率地表达了电影的制作者和所有的影迷对电影先驱由衷敬意。影片不仅再现了乔治·梅里爱的蒙特勒伊玻璃影棚、拍摄现场、乔治·梅里爱的一些经典电影片段, 展示了当时电影的服装、化妆、道具、特效, 还通过各种电影手段涉及到了多部一百年前拍摄的电影, 以及当时的人们对于电影这一新鲜事物的好奇与惊呼。乔治·梅里爱生活在20世纪初电影刚刚兴起阶段, 是在电影史上被誉为戏剧电影之父、“电影魔术家”的第一人, 魔术师和机械师出身的他把电影变成了电影艺术, 在早期拍摄了大量科幻题材的电影, 在当时的技术条件下创造性地运用了一些诸如着色、道具、布景等电影手段, 创造了慢动作、快动作、停机再拍、叠印、淡出、淡入等特技摄影技术, 在他的自编、自导、自摄、自剪的几百部电影中电影作品中, 不乏《月球旅行记》、《海底两万里》这样的经典之作, 并使他获得了广泛的认可和巨大商业成功。后来随着观众欣赏口味的改变、大工业时代的到来以及一战的爆发, 他的电影公司由于经营不利陷于困境导致破产倒闭, 被法国新崛起的百代公司兼并。他亲手烧掉了自己电影作坊和部分道具, 从此告别了自己热爱的电影事业, 为维持生计, 他在巴黎的火车站内开了一间小玩具店。此时他已经不再是那个风光无限的电影大师, 而是一个潦倒古怪的普通老人。这是一个让人难以接受的事实。当电影展现这个情节的时候, 观众无不唏嘘、感慨。要不是他后来被拥护尊敬他的青年人发现并鼓励, 可能他的晚年会更加悲凉。

如今, 电影成为人们生活中的一部分, 它让每个喜欢电影的人获得梦想成真的体验, 人们越是热爱电影, 就越崇敬那些早期披荆斩棘艰苦创业的电影先驱们对电影的卓越贡献, 就越怀念他们。因此, 马丁·斯科塞斯以他当今世界电影导演大师的身份, 用最先进的电影拍摄技术和设备, 除了告慰那些已不在人世的电影前辈们, 还提示我们不要忘记电影这个百岁老人的童年。然而, 我们现在又有多少人还记得那些电影先驱呢?又有多少早期电影设备、电影作品永久消失或者正在消失呢?马丁·斯科塞斯也在接受采访时说:“我觉得我们有可能重现梅里爱在那个时代所做的一些事:老摄影机是怎样拍摄电影的?会是什么效果?可是讽刺的是, 或者也可以称之为进步, 重现旧时代的我们用的却是数字技术。所以, 也算得上很有趣吧。”事实上马丁·斯科塞斯本人就是一个热心于老电影的抢救、修复工作的电影人。

今年可以说是“致敬年”。今年奥斯卡的另一大赢家、动画片《兰戈》把制作者的敬意献给了西部片, 而今年奥斯卡的最大赢家《艺术家》, 更是以黑白默片的电影形式和演员表演形式, 表达了制作者对好莱坞黄金年代的无比崇敬。为什么评委们不约而同地把自己的一票投给了这些致敬片, 除了电影本身的技术上制作精良、画面美伦美奂, 对电影前辈的崇敬和爱戴, 对老电影的温暖回忆, 应该是每个电影人和电影爱好者的共同心声。

除了上述这些内容, 《雨果》还有很多值得欣赏的元素。在视觉效果方面, 《雨果》不仅在3D的拍摄技术上给观众带来了前所未有的视觉感受, 色调运用上也使用了叠加颜色的摄影效果, 画面的色调呈古典的蓝色, 使影片充满优雅的复古情调和典雅的欧洲气质。配乐也是该片的一大亮点, 如溪流一般舒缓清澈的电影音乐使得观众在看电影的过程中如同聆听了一场美妙的音乐会, 看过之后久久不能忘怀。

《雨果》给人的整体的感觉首先是一部视觉电影, 其次是一部致敬片。但是, 电影中最重要的因素——人物塑造则不甚令人满意, 一些主要人物的塑造有些单薄, 不够丰满, 一些情节的发生缺少必要的铺垫, 所以显得有些突兀, 两个小演员的表演也有些生硬拘谨, 尤其是科洛·莫瑞兹, 完全没有发挥出她之前作品的演技水平。由于片名的误导以及影片的前半部分比较注重对环境和气氛的渲染, 很多观众以为这是一个探险片, 实际上有一些观众就是带着观看探险片的预期去看这个电影的。再者, 很多镜头是专门为表现3D效果刻意为之, 这样为技术而技术、形式大于内容的做法, 不免有些喧宾夺主。这个电影改编自儿童文学作品, 主人公也是儿童, 故事主线也是小主人公的一段人生经历, 但是其中所涉及到的电影知识高深到只有学院派的影迷才能理解的程度, 当中对电影、对电影史的无限敬意, 对于那些熟悉电影史的观众来说无疑是一次灵魂的升华, 但是对于普通观众而言, 不要说是儿童, 即使是成年观众, 有一些也是不能理解和接受的。

摘要：美国著名导演马丁·斯科塞斯执导的电影《雨果》在第84届奥斯卡颁奖典礼上获得十一项提名、五项金像奖。《雨果》是马丁·斯科塞斯拍摄的第一部3D电影, 在技术上赋予3D电影一个全新的拍摄概念。在电影内容上, 《雨果》表达了当代电影艺术家们对早期电影先驱乔治·梅里爱和百年电影历史的崇敬之情。本文从3D技术的运用和剧情方面对该片进行简要分析。

篇4：给电影一封白纸黑字的无言情书

同是主打怀旧牌，同是多项提名，很被看好的《雨果》却最终铩羽。与《艺术家》相比，《雨果》中不负众望的视觉效果、无可挑剔的技术制作和动人的电影怀旧情结等，都在精致的音画放映和色彩表现间诠释着更为当代观众所熟悉的电影表现模式，但在最终的评奖阶段却败给了“无声无色”的法国“艺术家”—为什么色彩会败给黑白？有声会败给无声？

我要说的是，默片其实并不是褪去颜色的彩色电影，也绝对不是隐去声音的有声片，它并不是一种有声电影的简化方式，默片有着自己的完整体系，它以属于自己的方式呼吸和存在着，并以自身的独特本质支撑着沉默却完整的艺术方式。所以，请千万不要再说默片只是电影史上的过去时态。

作为电影的默片

如何定义电影？瓦契尔· 林赛说，是活动画面的艺术。当然我们知道这形成于古典理论时期，他只见过默片。但是你能说这个概念过时了吗？电影有了声音，有了色彩，甚至有了3D，4D，无数D，电影依然是放映在银幕上的，靠玩儿视觉暂留欺骗人的眼睛的，活动画面。

电影可以没有声音，可以没有色彩，但是可以没有画面吗？那是广播剧。

如此说来，我们是不是可以说，默片这种形式，其实更贴近电影的本体。

好多人认为，我们现在之所以不做默片是因为没人看。这个潜台词里默认了我们想做的话那是随时可以做的。

这个我完全不同意。在时间上来看，甲骨文当然比电脑出现要早，现在已经没人刻甲骨文了。可是此刻我坐在电脑前，我很清楚自己不会用龟壳刻字。孰优孰劣？这个比较无聊且无解，只是历史不同阶段而已，我生在此刻，只能说“恰好”。

我想说的就是，默片就是默片，并不是有声片和彩色片的胚胎，而熟练掌握有声片和彩色片制作和创作的电影人，未必，当然我只能说未必，就做得了默片。

默片从剧作方式上就完全不同于有声片。我们都可以想象默片时代如果有一个昆汀塔伦蒂诺或是伍迪艾伦会怎样，观众坐在漆黑的电影院里对着巨大的银幕集体阅读电子书？默片有字幕，但字幕永远是文本，我们走进电影院期待的是不同于在家看小说的东西。塔伦蒂诺和伍迪艾伦只能存在于现在，这就是说默片从最一开始，从剧本的结构方式，就必须和有声片有着本质的区别。

默片的摄影方式也不同于彩色片。黑白不是无色，也不是只有黑白两色。黑白更丰富的在于既不是黑也不是白的中间部分，那些具有度数的灰色才是黑白片要做的东西。德吕克在《上镜头性》里提到过一个词“神采”，我觉得这个词用在这里非常合适，默片说不出艳丽的红绿，但是好在正在说不出一抹红一抹绿，恰巧有了更多的空间去表现每个人，每个场景，整部影片的“神采”。

电影百年，作为一种艺术形式它还太年轻，但作为它自身，已经离起点走了太远太远，走的太远的时候，我们总该记得回头看看，以防迷失了方向。因为未来还有更长的路要走，丝毫的偏差都可能导致完全的背离。

属于观众的默片

即使到现在，CCTV6还是会经常播卓别林的片子的。而且我不相信谁看的时候真的丝毫不会笑。

电影一百多年。其实一百年前的观众和现在的观众是一样的。虽然没有人还会被银幕上开来的火车吓到，这只是因为我们知道了什么是银幕，但是知道什么是银幕丝毫不妨碍我们为银幕上的内容所感动，并投入地欢笑或哭泣。

卓别林就是最好的例子。

单从一部影片“好看”的角度来看，肯定没有人能否认《寻子遇仙记》和《淘金记》的好看程度。无论从任何一个角度看它都是绝对上乘的佳作。有了这个例子，有人会说的默片在这个时代只能是纯作者电影的说法不攻自破。

早在最早的古典理论时期，孟斯特堡就提出过，电影最终是在观众脑海里最后完成的。电影必须通过放映才能完成，一卷胶片只是一卷胶片而已，放在银幕上才是活动的画面，观众接收到这些画面，才形成电影。所以电影是属于观众的，每个观众都是创作的最后一环。

那么对于观众来说，无声和黑白意味着什么？

我们很小的时候，都玩儿过拿几个玩偶编故事的游戏，经常是几个人一人拿一个，每个人用自己的声音来演绎玩偶人物的对白。我们玩儿这些的时候是不自觉的，因为我们先天的认识世界最直接的工具是视觉和听觉。所以说对于观众来说，一个活动的画面先天对应一个声音，这是生活经验带来，无需专门学习的东西。所以我认为默片其实并不是无声的，只是声音在观众脑海里形成，用观众来完成最后一步。

同理，色彩也是一样。

这就是说，默片更大程度上的属于观众。这个意思是说，如果说有声片更像是在自说自话告诉观众一件事，那默片更像是在和观众对话，讨论一件事。当然观众和观众口味有所不同，有人喜欢倾听，有人喜欢参与，但此处要强调的是，默片之于观众，运用的是和有声片完全不同的一种语言体系。

这种语言体系是完整的，成熟的。有人给它起了个名字，叫默片。

属于创作者的默片

声音和色彩都是创作的手段。

但往往创作是需要自设瓶颈的，自己给自己一个圈子，从封闭中寻找出路，这是真正的创造力。

这就是默片之于创作者最大的意义。断了一切后路，运用你的才华，给作品一条生路。山重水复之时，正是柳暗花明之处。

早年理论界就有过讨论，卡努杜在《电影不是戏剧》里就提到过：“电影是受他的技术手段和放映机械的制约的，就像音乐家之受他的物质工具，受演奏他的曲子的演奏家的制约，画家之受画板，受复制其作品的印刷工人和制版工人的刻刀，以及化学品的制约一样”。

要说“制约”二字的话，那么在默片中的体现当然更强烈。正像任何一种艺术形式都受其本身媒介特点的制约一样，默片创作所受的制约正是它的迷人之处。

创作正是在客观的制约之中挖掘我们媒介本身的，艺术本身的可能性。

电影的最初源于记录。于是有人说了，默片本身就是对观众的间离，因为声音能带来真实感。

我承认声音是可以加强真实感的元素，但事实上真实在艺术里是只能重塑不能还原的。任何艺术形式都是。任何创作都是演绎，否则哪叫创作。默片在对于真实的表现上，并不弱于有声片。

只是想说，作为一种电影的方式，默片没有丝毫逊色于有声片的地方。而大家之所以现在都不选择它的原因，或许是因为习惯，或许是因为自己本身不能驾驭。

还是想说卓别林，卓别林正是一个处于默片和有声片新旧交替时期的人。好像《艺术家》里的男主角，我们知道卓别林也面对了很多困境，虽然他的黄金时代是在默片时期，但他在有声片时期也是做出了一些不错的作品的。像《大独裁者》，《舞台生涯》这些。

更有趣的是希区柯克。他的一生经历了从无声到有声，从黑白到彩色，这些所有的过渡。我们知道希区柯克拍摄于1927年的处女作《房客》就是一部默片，最有趣的是，2008年，时隔81年，这部经典之作又被重新搬上了银幕，评论界对此褒贬不一，但很多希区柯克的粉丝都非常愤怒，认为是亵渎了经典。其实从《房客》中，我们已经能清晰的看到希区柯克的风格形成，无可挑剔的悬疑，致命的惊悚，这些丝毫没有受到声音和色彩的局限。

也许有些电影，就该让它永远没有声音，没有色彩。就像维纳斯应该永远没有手臂。

最近关于3D版《泰坦尼克号》的事情也是一大热门话题。这个故事是否真的该让它立体起来？有些故事是不是就永远留在平面上最好？

时代的更迭是无人可以阻挡的。无声到有声，黑白到彩色，2D到3D。真的有先进与落后吗？只是时代变了罢了。有的东西就该永远不要发出声音，永远不要上色，永远不要走出银幕。

《艺术家》里我们看到男主角在时代洪流面前的无助。其实无论怎样变化，优秀的作品要做的永远是表达自己和感动观众。只要能这样，任何种类任何形式任何手段，都会一直活着。

每种艺术都该选择适合自己的表达方式。好的东西应该有一个适合它的归宿，不一定要是最新的，但一定要是最合适的。

篇5：日本电影情书影评

导演 编剧： 岩井俊二

演 员： 中山美穗 藤井树/渡边博子

丰川悦司 秋叶茂

柏原崇 男藤井树

酒井美纪.少女藤井树

上映 日期：日本 1995年3月25日

《情书》是岩井俊二指导的第一部在电影院公映的剧情长片，上映后立即在日本等各国引起轰动，至今仍然有着简单纯净的艺术内涵，成为九十年代最为脍炙人口的日本爱情文艺片。

其它作品：《燕尾蝶》《关于莉莉周的一切》《梦旅人》《烟花》、《爱的捆绑》

1.唯美含蓄的爱情故事。

影片其实是在讲述两个故事，一个是博子怀念死去的未婚夫藤井树，又要面对善良的老师的追求，她处于失去爱喝被爱的矛盾境地，只好借助死去的未婚夫来寄托哀思；另一个故事时讲述中学时期的暗恋。通过一场误会，逐渐揭示了三个人物之间的内在关系，也将男藤井树对女藤井树的暗恋呈现出来。这个暗恋是在影片最后才揭示出来的，也就是那封女藤井树没有勇气寄出的信。由此导演揭示出男藤井树真爱的是少年女藤井树。而他对于博子的爱只是一种无法实现的暗恋的寄托。

两段爱情中，博子的爱浓烈深沉，藤井树却如此内敛羞涩。影片以以含情脉脉的笔触舒缓地展现了两段可贵的爱情。女主角博子对藤井树的眷恋，两个藤井树之间朦胧的情感，这两段爱情都没有由于藤井树的意外死亡而枯萎，而通过细腻感人的影象深深地印在心里。是女藤井树的回忆让博子终于走出了自我情感的深渊，也是博子让藤井树了解到从未深究过的记忆中的自己。彼此照亮却从未相逢，似乎没有人为她们遗憾。在影片中两人已然融为了一体，成为爱与记忆的印象。主题：爱 记忆与遗忘 孤独和离丧

2.一人饰演两个角色的精妙之处。

影片成功的让一个演员扮演两个不同的角色，而这两个角色是结束影片主题的关键。通过成年女藤井树和博子极为相似的长相，来表现中学时期男藤井树对女藤井树的暗恋。

3.对岁月的怀念

在精心描绘爱情的同时，岩井俊二还着意表现了对逝去岁月的怀念和追忆。尘封的爱情和青春在主人公的回忆中逐渐清晰、复活。与现实相比，影片中的过去更为明快优美。在那一幅幅唯美的画面中，漫天飞舞的片片樱花，暗生情愫的少男少女，都唤起我们的无限遐想。

4.对死者的悼念，对死亡的看待。

《情书》的故事情节始终是围绕着生死而展开的，但与众不同的是，它并没有刻意去表现死亡的恐怖与残酷。

例如：男性藤井树的遇难、少女藤井树父亲的去逝、成年女藤井树因患重感冒而险些丧生。影片中将死亡淡化为一种哀思和怀念。

男藤井树的死亡，片子一开始便是他离世两周年的悼念会，死亡本应给片子笼上灰暗的色调，但导演却将他的死处理得十分平和。在他死后，身边所有人的生活又走上了正常温馨的轨道。连他的父母都已经从哀伤中走出，唯独博子却一直耿耿于怀无法自拔。

少女藤井树父亲的死亡，那一段回忆的镜头和而后在冬季结冰的湖面被冻死的蜻蜓，一切的一切都是对死亡沉重的怀念。

尤其是在女藤井树生病，爷爷背着她在大雪中奔跑，不放弃一分一秒抢救时间的镜头叙述，用大量镜头来表现女藤井树的病，则意在通过这种生死较量的情节衬托出生命的珍贵。病的预示。在博子和女藤井树两人通信期间，女藤井树一直患着感冒，直到影片结尾真相大白，通信和回忆终于停止，此时春暖花开，她的感冒也痊愈了。这里的病构成了隐喻蒙太奇：对逝去之人的不断回忆如同一场病症，如果你一直深陷在其中那么面对的只有无情的病症。只有走出这场梦魇，才能重新过上快乐的正常生活。

5．释怀。

整个电影的内容只是单纯的两段逝去的纯纯感情；一段是埋藏在男藤井树心底的旧爱-对于同班同学从未表白的暗恋；另一段是渡边博子对逝者表达的无尽的追念。

从影片开头博子对男藤井树过分的怀念，到后来知道未婚夫爱上她的原因只是因为女藤井树与自己长得神似之后的悲伤，再到最后终于走出了这段感情的阴影，寻得自己心灵上最终的解脱。影片结尾当博子再一次出现在雪地中泪流满面地一遍遍呼喊——“你好吗？我很好。”的时候，她是用尽全力将自己最后一次对恋人的怀念包含进去。是最真诚深情的心意流露。

影片讲述了博子心灵轨迹的演变过程。拉康的镜像学说理论，过分的他恋就是绝对的自恋，所以博子的爱最终是为了完成对自我的自恋。她的意识中无法容忍恋人对自己爱情的不纯净，因而当她慢慢了解到事情真相时心中是无法言说的痛。

6.雪。

影片的开头定格在日本神户这一沿海港口，大远景中白雪皑皑的天地仿佛连成一片，缓缓流动的钢琴曲中的博子辛苦地呼吸。她独自躺在雪地上，双目似闭非闭。随后的镜头中她从雪地中挣扎地站起来，然后深一脚浅一脚的往山下的墓地走去。镜头将其缩成一个小灰点，慢慢的在白布上蠕动。正值藤井树的忌日典礼。博子此时的心情正如这片片白雪一般寒彻，悲凉。女藤井树在风雪夜中病危抢救大雪纷飞的场景

作为影片的一个线索，雪自始至终地贯穿于整部影片。它落在现实，也落在回忆中。它是一种满载着隐喻、符号和媒介意义的事物，它承载着心灵，雕琢着情感。雪在影片中暗示两颗纯真羞涩、腼腆的心灵；暗示绵延不绝的思念；暗示稍纵即逝却有真实无比的时间，又暗示内心深处的每一份至真至纯的情感。

7.镜头游走在现实和回忆中。

一次又一次的镜头剪切，在回忆和现实中为我们交代了两个同叫藤井树的青年男女中学时代被隐藏的爱情。这样的镜头穿插，将尘封的记忆层层打开。违反连续时空连续原则的剪辑---非连贯性剪辑。打破时间的连续性，打破空间的完整性，创造连续时空的假象。

当博子去拜访女藤井树时，两人在路上擦肩而过。博子正打算搭乘飞机离开，在路边第一次看到了和自己长得一模一样、但从未谋面得女藤井树骑自行车从自己身边经过，她失口叫了一声“藤井小姐”。这时观众看到女藤井树蓦然回首，向着博子的方向观望。接下来是一连四组不同景别的目光对视，也就是建立在二人空间的沟通，他们处在同一个封闭空间内。但是，接下来女藤井树的目光却开始游移，然后一脸茫然地骑车离去，这时我们才知道这一切全是误解。

到这里导演似乎还觉得意犹未尽，紧接着的镜头又做出了相同的处理。接着树离去的镜头的是博子坐的飞机起飞。接下来我们看到女藤井树在为博子送行的错觉。但是接下来的镜头中再次证实了我们的这种误解，原来女藤井树只是在和她的妈妈一起看新公寓。这里是再一次对目光顺接原则的玩弄，我们以为前后两个镜头处在同一个空间里，但事实上已经转移了空间。在这个段落中，导演对空间连续性原则的有意违反并不是为了造成悬念的目的，在这里，两个命运有着神秘联系又从未谋面的女孩通过目光的顺接建立了某种沟通，她们似乎曾经处在同一个空间，但这事实上却是误解，他们依然擦肩而过。导演通过这种方式建立了两个女孩若即若离的微妙空间关系，从而给观众带去了深深的喟叹。

8.音乐。

《情书》自始至终流淌着美妙缠绵的钢琴曲，洋溢着哀而不伤的感情和漫无边际的思绪。9.简单的话语和沉默。

女藤井树和博子的书信交谈。

回忆篇幅中男女藤井树最后一次会面是女藤井树父亲刚去世后，男藤井树来找女藤井树代还一本普鲁斯特的《追忆似水年华》。她看着他认真地说出“请你节哀”，在父亲去世后第一次会心地露出了笑容。最后的画面，留给他的是站在雪地中笑脸嫣然的她，留给她的是在自行车上单脚支地羞涩地看了她最后一眼的他。后来她回到学校，得知的却是他已经转学的消息。在图书馆她微微踮起脚把那本《追忆似水年华》插入书架中，离开图书馆前转过身久久望着他曾经立着读书的窗户，她知道这一转身就是对这段感情的永诀了。

影片开头在男藤井树三周年祭礼上，大雪纷飞，依旧苦恋着逝去的男藤井树的博子躺在雪地上，呼吸急促，仰望漫天雪花在天空中祭出的回旋舞。和影片结尾处博子站在铺满皑皑白雪的群山面前的呼唤“你好吗？我很好”作对比和照应。

“你好么？”“我很好” 这已经远远超越的问话本身，而成为了对生命的叩问。前一幕代表着博子依然深陷于对逝者的思恋的话，后一幕则代表博子从这段感情阴影中，这纠缠已久的郁结中走了出来。思念的持续与终结仅用这简单的6个字就诠释得淋漓尽致。

10.干净的镜头语言。

当女藤井树回忆起中学时代的男藤井树时，有一个镜头: 一个宁静的下午，阳光灿烂，穿过透明的玻璃，打在地板上，图书馆内白色窗帘飞舞。昏沉的图书馆里，同为理事的藤井树在一起值班。男藤井树似乎什么都不愿意做，只是一言不发地看书，这引起女藤井树的小小抱怨。当少年藤井树拿着书站在窗边时，微风轻轻地撩起白色的纱帘，半掩着他清秀的侧脸，秀目似闭非闭。少女藤井树抬眼望去，少年藤井树的侧影在金色的流光中若隐若现。

导演用干净唯美的镜头语言否映照着男女藤井树之间的那段懵懂青涩的爱情。男藤井树的害羞，女藤井树的木讷，这样懵懂的画面让人不忍打破。

11.拉康的镜像学观点

影片是一个关于爱、记忆的优美故事，细读就会发现在青春剧偶像剧的表象之下《情书》是一个充满痛楚的青春篇叙述。这则似乎淡薄而迷人的爱情故事，事实上是一则没有爱情的故事，一个关于孤独与离丧的故事。

（1）人与镜

这个优美的爱情故事，始终可以视为一个人和一面镜的故事，讲述着一个人绝望地试图获得或达到自己镜中的理想自我的故事：影片中的每个情节段落与影像构成，始终以欲望对象的缺席为前提。

影片序幕，博子独自躺在雪原之上，近景，雪花飘落，博子睁开眼睛，仰望天空，起身，再次如寻找般地仰望天空，而后离去，大远景，消失在景深处。作为影片的开端，它更像是一次假想式的微缩的死亡/殉情和再生的仪式：渴望追随死去的恋人，但终于不能舍弃生命。

博子在雪中假想死亡，投向天国的目光，久久滞留在墓碑前的悲凄，表明拒绝接受爱人已死的事实。

另一个细节，她先要将初中纪念册上的地址写在手掌上，继而改变主意写在手臂内侧：构成可一种写在自己的身体上，写在自己的隐秘中的视觉呈现。

而后，她向这个地址发了一封寄往天国的情书，平凡的问候语中透露出巨大的悲痛：拒绝死者已逝的事实。这封信具有双重意义：1 博子希望沿着缺席抵达在场。2 她真正希望着的是印证缺席，博子需要用这封注定无法送到的信要自己相信，死者已去。

博子拒绝遗忘，这无疑是一份忠贞的爱情，但是在精神分析中，忘我的他恋，同时也是强烈的自恋。当人们坠入情网时，感到自己深深爱着对方，人们也爱连着恋爱中的自己和自己深切、沉醉的爱。同时，恋爱中的人在爱人那里获得的正是某种终于完满的理想自我的镜像。就自恋而言，没有比恋人的目光最好的镜子了。

博子寄给死去恋人的信，事实上寄给了“自己”。滕井树（女）和博子由同一个演员扮演并完满地呈现出一种镜像关系。寄往天国的情书是为了想象死者的生，也是为了印证死者的死；就“哀悼的工作”而言，那在死者身后延续着的不能自已的爱，同时是一种强烈的修复自我、把握住生命的自恋冲动。博子接到“天国”回信，她当然知道这无疑是某种阴差阳错的产物，但她却不去追问，而是沉浸在欣喜之中；但就是在这欣喜地体悦着死者犹在的时刻，她放任秋叶茂推进了他们之间的恋情，当博子来到小樽发现了藤井树（女），她曾经受困的想象王国因而出现了裂痕，她痛苦地意识到自己的爱情或许是他人的投影，同时意识到自己的爱情也只是水中月、镜中花般的想象。

故事的主体部分：少年时代的青色初恋中，“藤井树爱藤井树”的故事，是另一次自恋的投影，是少年树对少女树——这个能与自己分享同一能指（即姓名）的异性的、扩张式的自恋。女藤井树则始终对他人投来的爱恋的目光视而不见，当她终于领悟到自己曾经拥有的爱情，那爱人已经故去。她所获得的爱情的证据是画在借书卡背面的一幅素描：是少年树勾勒的她的形象。她在看到了自己的时候，方才体认到曾经被爱。

这是一个爱情故事，即他恋的故事，但同时又是一个没有爱情的故事，即自恋的故事。自恋一词：Narcissus来自希腊神话中美少年纳喀索斯，他爱上了自己的倒影直到憔悴而死变成水仙花。但这个故事往往被人忽视了前半部分：林中仙女Echo（意为回音），她最擅长讲故事，但天后赫拉嫉妒她是她丧失了语言能力，她无法开口说话，除非别人先开口，而后她才能重复别人的字句。遭受咒语禁锢的Echo在林中看到了Narcissus，情不自禁地爱上他，但她无从表白，必须等对方先开口，但Narcissus对她不屑一顾，Echo心碎而死，化作了山中的回音。回音——声音的影子，Narcissus因此遭到惩罚，让他爱上了自己水中的影子。于是，这个传说故事表明：纯真的他恋，同时是露骨的自恋。

我们不难看出这个故事与《情书》之间的联系。博子所在的位置，是Echo的位置，她和她的爱只是一则旧日恋情的回音。她一直一袭黑衣，我们有道理相信这个代表丧服，她固执地一直为恋人服丧。影片结尾处，博子忘情地对着群山呼喊，黑色的大衣滑落下来，就“哀悼的工作”而言她终于获救。

（2）记忆与遗忘

从某种意义上说，藤井树才是这部影片的女主角。女藤井树始终是视而不见的，不论是对博子还是少年树。她在初恋故事中扮演的是少年树临水自照的影子，一个永难获取和达到的自我的投影。但影片真正讲述的并非这段初恋故事，而是女藤井树从视而不见到终于看到的心理过程所呈现的丰富的意味。

就这一主题而言，博子是一个记忆之墓的叩击者。她的来信给女藤井树带来的困惑超过了应有的程度。她内心所经历的困扰显然不仅仅由于收到了陌生人的来信，而是这封信启动了她内心中彻底封存了的记忆。那不仅是成长的困窘与尴尬，更是一个被遮蔽但尚未被遗忘和治愈的心理创伤——骤然间失去父亲的经历。

女藤井树拒绝医院——这无疑是一处关于心理创伤的存在：医院联系着父亲的死亡，未能挽救父亲的生命。影片中藤井树在医院的一幕显示了记忆阻塞的时刻，双重的丧失——她在骤然失去父亲的同时，失去了她拒绝承认、却未必从未体验到的初恋。女藤井树的被遮蔽的记忆由于博子的坚持和索取渐次显露。她的记忆处在一种“屏忆”的状态之下，即对伤痛部分的完全遗忘，但对某些事件、细节的记忆依然保留着。

从她与博子的通信中可以看出这一点：她写给博子的信只是屏忆中允许出现的部分：初中三年中同学们的嘲笑与哄闹，男藤井树的种种怪诞行为和恶作剧„„；但作为画外音并伴随画面所显现的回忆却并非如此：飞扬的樱花、少女们轻盈的身影、图书馆中窗帘下少年若英若现的身影„„

当她从老师那里知道男藤井树的死讯时，父亲的死于少年树的离去重合在一起，男藤井树的死讯再次唤起了父亲骤然辞世的伤痛。两次死亡在她心中重叠在一起。

博子迫使女藤井树回忆自己的少年时代，她绝望地试图沿着缺席抵达在场，获取爱人生命中她不曾与之分享的段落。但她的这种努力却只是再一次印证了爱的缺席：不仅她那不曾分享的岁月中的爱之属于女藤井树，甚至她曾经拥有的爱的岁月，也只是作为女藤井树的影子而拥有的幻觉。因此她归还了女藤井树的全部来信，归还了属于她的记忆。

（3）拯救与孤独

女藤井树一家看起来平凡温馨，但大家都小心翼翼地掩盖起父亲的逝世。影片中，藤井树的感冒终于转换成肺炎（从另一角度看，那是她从不曾明言的、过迟的体认的爱或离丧的伤痛所致——她正是在给博子写信之后起身晕倒。）又是一个同样的暴风雪之夜，爷爷立刻用毛毯裹起树要背她去医院，母亲在这个时刻爆发了：“你还想杀死这个孩子吗？”——这无疑是一个真情流露的时刻，母亲显露出深埋的怨恨。但这次她获救了。获救的意义并不在于挽救了女儿的生命，而在于他们终于治愈了心理的创伤：祖父的内疚，母亲的怨恨。于是，母亲放弃了迁入新居的考虑，他们和爷爷一起守着故居，守着岁月和记忆。

然而，在表面完美的结局后，我们不得不面对一个孤寂的寓言。影片中没有任何一段完美的情缘：秋叶茂爱着博子，博子却无法忘怀藤井树；秋叶茂的女弟子爱着老师，又深知自己没有机会取代博子；少年树试图引起少女树的关注，少女树终于了悟并怀抱着同样的爱时，对方却已经离世；小樽的邮差显然爱着树，但是落花有意流水无情。再加上中年丧夫的母亲，年迈的爷爷，这几乎是一个被孤独者所构成的世界。

结尾时，树从爷爷那里得知，庭院里还有一棵和她同名的树，这就显露了另一层含义：如麦卡勒斯在《伤心咖啡馆之歌》中写道的：爱者与被爱者其实置身于两个世界，爱一个人，犹如爱一棵树、一块石。影片《情书》因此书写了一个别致的故事。并完满了一个现代人的自我寓言。

故事梗概：

这部由日本新生代最受瞩目的导演岩井俊二所执导的爱情电影，由当红偶像中山美穗，丰川悦司主演。

内容讲述一位少女渡边博子（中山美穗饰）在男友攀山意外丧生后，无意中得知他中学时代在故乡的地址，于是寄了一封明知不会有回音的情书到那里，但意外地却收到回信，原来是一位与她已故男友同名同姓的女孩～藤井树（中山美穗分饰）收到，并回了信。

之后两人开始通信，博子因而进一步了解少年时代的男藤井树（柏原崇饰）及女藤井树（酒井美纪饰）的故事。

而后博子决定到北海道，与现任男友秋叶茂（丰川悦司饰）寻找此同名同姓的藤井树。两人错过了相遇的机会，但博子却偶然发现藤井树与自己的样貌原来十分相似。

回去后，博子渐了解她已故的男友对她一见钟情的原因是因为她和他的中学同学藤井树样子酷似，于是便放开怀抱，往已故男友遇难的山前大声舒发心中郁结，并接受了秋叶茂的一段新恋情。

另一方面，藤井树也渐回忆起以往与其同名同姓的同学一起的点点滴滴，最后因机缘巧合得到了一个埋藏多年的答案...“情书”在日本上映时，极为轰动，中山美穗更凭此片荣获日本蓝丝带奖最佳女主角，而片中的小主角柏原崇及酒井美纪亦因此片而人气急升，为近年难得一见之风格清新的典雅小品，配乐更是细腻动人，实为 96 年最出色的爱情电影。

一封寄往天国的信竟然收到了逝者的回信；是不舍的亡魂 ,还是同名同姓的巧合？

渡边博子的未婚夫藤井树在一次山难中不幸亡故，在经过了三年之后，博子却依然无法释怀，就在亡夫的三年忌的典礼后，她顺道至藤井家拜访，一时兴起地抄下了同学录上的藤井家的旧址，不死心的博子回家后便写了一封信寄给在天国的藤井树（一些观众看到这里，可能会认为剧中的博子小姐实在是傻得可以，但是对于那些曾经历过一段刻骨铭心之思念的观众群们当然能够充份地体会到博子小姐完全是因为不愿割舍这段感情，才有了这种傻念头！）

几天后博子居然在收到了回信，博子小姐的内心执着地想要相信这封信真的是未婚夫从天国寄来的回信，但另一方面，博子的追求者秋叶茂却认为这件事是荒诞不经的，坚持要证明给博子看清只是同名同姓的巧合罢了。

于是两人为了彻底发掘事情的真象，他们便出发到藤井的旧宅一探究竟，终于了解原来竟是博子的未婚夫在国中时代便有一位同名同姓的同班同学，这封信正是因为抄错了住址而误寄到女藤井树的手里。

虽然真相已被揭露，可是因为博子渴望从女藤井树那儿获知一些故人的点滴，两人便开始了往后的鱼雁往返，博子虽然从中获得极大的抚慰，另一方面却也逐渐地怀疑女藤井树原来就是未婚夫的初恋情人；但同样的，原来这方面的女藤井树也是一直对男藤井树当初暗恋之事毫无所悉的；就这样随着追忆起当初的种种点滴，最后双方终于都了解了关于男藤井树当初埋藏在心底的一段未完成的心愿。

整个电影内容，谈的不是山盟海誓的约束，也不是惊天地,泣鬼神的琼瑶式苦恋，只是单纯的两段逝去的纯纯感情；一段是埋藏在男藤井树心底的旧爱-对于同班同学从未表白的暗恋；另一段是渡边博子对逝者表达的无尽的追念。最后博子终于知道未婚夫爱上她的原因只是因为女藤井树与自己长得神似之后，虽然悲伤依旧，却终于走出了这段感情的阴影，寻得自己心灵上最终的解脱。

导演以回忆的手法来带领观众逐渐进入男藤井树的内心世界，像片中安排 柏原崇 刻意到酒井美纪家还书的一段，原想表白的他，因为时机的不对，终归欲言又止，当悠悠的配乐响起时，柏原崇不舍地看了看美纪，随后将围巾甩到肩上，一语未发地骑上单车离去，清楚地描绘出树心中的那种暗恋，这时旁白说明了这是两人最后的见面之时，的确令人感触良多.....整篇故事之所以成功吸引人之处，就仿佛呼应了片中那本男藤井树借的书 “似水年华的回忆”，诉说着大家心中都曾经可能有过的似水年华的回忆。导演简介

篇6：日本经典电影《追捕》影评

为人正直的检察官杜丘突遭陷害，被人冤枉成抢劫、强奸犯。为了洗刷自己的冤屈，他一边躲避警察的追捕，一边设法为自己讨回清白。杜丘在逃亡途中救下了农场主的女儿真由美，美丽的真由美爱上了正直的杜丘，她决定帮助杜丘走出困境。

真由美和父亲给了杜丘很大的帮助，他从东京辗转到北海道，终于在一家精神病院查到了诬告自己的横路进二，为查明真相杜丘也装病住进了这间医院，原来所有的一切都因制药厂长冈引起，是他买通横路陷害杜丘，事情终于真相大白，杜丘重获自由……

作为一个70后加之半个电影迷，看到前面有个网友提到了日本电影《追捕》，不禁勾起我内心深处的些许回忆。

上初中时中国也是刚刚改革开放，虽然整天听人念叨这个词，但一个小孩毕竟视野有限，也谈不上有啥感受，但就电影来说，真的感到耳目一新。虽然文革结束时还是个幼童，但由于众所周知的原因，在小学时代看的国产电影还是《地雷战、地道战、南征北战》，老人们戏称为“三战”，外国电影电视剧也是以社会主义国家的作品为主，譬如朝鲜的《无名英雄、木兰花、卖花姑娘》，前苏联的二战电影《莫斯科保卫战，第三次打击》和南斯拉夫的《瓦尔特包围萨拉热窝，桥》，还有阿尔巴尼亚、罗马尼亚等国的类似影片。

这些片子主要是反侵略战争和歌颂社会主义建设的题材。老人们有个形象的总结：苏联是飞机大炮（战争场面宏大），朝鲜是又哭又笑（戏剧化表现矛盾冲突），中国是请示汇报（这个大家都比较熟，呵呵）总之不论是电影类型还是来源都很单一，清一色的主旋律，虽然男孩子都喜欢战争片，但是翻来覆去难免有些倒胃。

当时与很多国家刚刚恢复外交关系的正常化，也许还加之有丰富人民文化生活和加强对外文化交流的原因吧，于是有大批其他国家的“非主流”电影涌了进来。那时没多少懂外语的（也没有互联网，影碟机），也不兴看字幕，进口数量也有限，绝大多都是经过上海译制片厂剪

辑和配音后再公映的。其中就有这部《追捕》。

文革时做点小官或有点门路的都能看到所谓内参片（内部参考片的简称），那时正式引进的只有作为批判日本军国主义反面教材的《啊海军，山本五十六》等几部，国产片中的日本人只有鬼子兵，自然一律是面目狰狞，血债累累。因而这部电影带来的心灵冲击可想而知。我一个半大小子当时也不懂啥爱情不爱情，感受最深的就是主角检察官杜丘为了洗清冤屈被迫逃亡，但仍然设法寻求真相，而警官矢村在追捕的过程中逐渐从坚信杜丘是罪犯，到开始怀疑再到最后联手除恶，女主角真由美为了掩护心爱的人，不惜脱离家庭，当然最后的结局是罪犯伏法的大团圆。虽然电视台后来多次放过此片，但除了青春期时感觉真由美有点那个...性感，而在偶尔练习手枪射击时会想起她外，我对此片的认识也就只限于两位刚猛的男主角。而老爸作为基层的政工干部，在谈论时只强调政治意义：诸如此片反映资本主义国家法律制度的虚伪，资本家巨头为了发财无恶不作，好人没***据只能采用暴力手段杀死罪犯，否则还是被法院放出来等等。

转眼到了90年代中期，录像机开始逐渐普及，改革也10多年了。有个发小的哥们，老爹外派日本时偷着弄回来一批录像带，嘘......别误会，不是A--PIAN啊。其中恰巧也有这部《追捕》。哥们刚推荐时还不感兴趣，他神秘的说包你大吃一惊。（注：他爹精通日语，又是高级知识分子，教育方式也是挺开放的）我于是趁他父母不在时到了他家一起观赏，他靠他爹讲给他的对话和情节大致给我做了解说。

当时给我的感觉就是四个字：彻底震撼！这部电影按现在的说法就是未剪辑版，比国内公映版多了差不多一半的时间，抛开细枝末节不谈，触动最深的是如下几处情节：

一、杜丘逃亡时来到一座寺庙，偷走了一双皮鞋——我当时的解读，难道是觉得这样抹黑了男主角形象？

二、逃亡途中因发烧体力不支，被一位风尘女子收留几天，还给他做饭喂药——解读基本同上，加之受到多年的教育，干那个行业的女人没啥好鸟（跟护国将军蔡锷相好的小凤仙除外）

三、真由美在山洞里为杜丘疗伤，两人深情拥吻再到ML，他奶奶的虽然有点喜欢这个调调，但更多的是对有关部门的愤怒，这段又不露点，很写意的嘛干啥删除

四、杜丘在东京被真由美用马群从警戒圈救出，来到一家旅馆，因为矢村警长追踪而至躲进了洗手间，真由美为了掩护杜丘，脱光了衣服假装要洗澡，还挑衅的问警长要不要一起来？——当时是流鼻血加双倍的愤怒啊！为啥流鼻血您肯定理解。第一重愤怒是因为感到自己被有关部门忽悠了整整10多年，这完全是一部很低级、很三俗的电影嘛，前面勉强可以接受，这个情节也太那个了，第二重愤怒是为电影女主角，一直觉得你很清纯，你咋这样捏？

我那时跟经历过几年前那场大动荡的许多同龄人一样，用现在的词说就是愤怒青年，看待事物不免从一种偏激走向另一种偏激，总觉得就算是再好的电影拿到国内也被搞得面目全非，失去了应有的价值，属于对文化对文艺的无情无理的扼杀。

时光荏苒，又到了新千年，一次逛街偶然又在音像店看到《追捕》的DVD，不禁停下来搜索记忆，店主说您好眼力，您这岁数小时候一定看过这片，但这个是未剪接版您看了保准吃惊，我听了心底泛起一丝微微的自嘲，但还是买了下来。

周末在家，打开新买的家用投影机，再度沉浸于光影之中。呵呵，用最新的设备看几乎是自

己最早的看过的“西方电影”这似乎也是一种巧合杂拌着反讽。影片情节虽然几乎烂熟于心，但在烟雾缭绕之中仍不禁生出诸多的感慨，还是拿上述四处情节来说吧：

一，杜丘偷皮鞋——现在看只不过为了逃避警察追踪，因为工作关系认识了一些警察朋友，闲聊时他们说起很多影视剧为了吸引观众有些犯罪细节已经表现过头了，这处情节被删我想主要是当时比较担心教会观众这一反侦察手段，当然现在这完完全全是小儿科了。

二、小姐帮杜丘——其实做任何行业都不容易，那个行业也有好人，也有同情弱者帮助弱者的人之常情。

三、山洞激情戏——情到深处的自然反应，作为近景的那一团熊熊燃烧的烈火何尝不是爱的火焰呢，女主角对男主角从感谢救命之恩，夹杂一些一见倾心之感，再到了解其冤情后更加敬佩逐渐发展到燃起爱火，这不也正说明女主角是一个至真至性之人么，这样的女生多美多可爱！

四、旅馆脱衣戏——为了救心爱之人，毫不犹豫甘愿作出此等牺牲，只能说爱的力量之伟大，而不再有任何非分之想。

再度认真看罢此片，心生万千感慨，归根结底，这片子不算是上乘佳作，但最最影响国人，也最最影响我的，是透射过电影胶片所展现出的那种超越任何种族，超越任何国家因而也是被全人类所共有的高贵品质，深刻烙印在灵魂深处的品质，闪现着无尽光辉的品质——那就

是人性！

随着年龄增长，阅历增加，每个人看待事物的角度都在变化，和现乌烟瘴气的影视节目比起来，再联想到刚刚进口此片时的国情，我想大多数家长都宁愿选择剪辑版吧！不仅仅是电影，电影之外的许多事物也都让我们这些70后感慨万千！让我们对人和事都多一些宽容，多一些理解吧！

再说几句题外话，当时扮演真由美和杜丘的演员无疑是中国观众最早的偶像，那时的偶像有其精神层面的意义——是正义，善良和勇敢的化身，绝非今日媒体按流程炮制的恶心人的呕像。另一方面，精神世界和物质世界都相对匮乏的国人，也从电影受到更多影响，杜丘的板寸头型，米色风衣和矢村的大墨镜，连鬓胡转眼间流行于大江南北。这恐怕是电影制作方当时做梦也想不到的。这种影响今天仍未消除，前几年真由美再度访华仍受到热烈欢迎便是实例，而老谋子启用高仓健出演《千里走单骑》恐怕也是为了掏我等中老年观众的口袋。

电影主题曲“拉呀拉“也唱遍大街小巷，更有相声名家将其经典对白”这回该你跳了，你倒是跳啊，你的腿怎么发抖了？“变为相声下象棋的包袱，杜丘在精神病院时那段紧张的电子配乐被戏称为”杜丘吃药“，也成了很多喜好音乐的同学、朋友练习吉他时必须学会的曲目。

90年代我比较喜欢看翻译小说，还曾特意找了这部电影的原著小说《涉过愤怒的河》，看后感觉编剧还是挺高明的，小说作者西村寿行是日本暴力侦探派的代表人物，他笔下的侦探更多的是用枪破案而非用脑推理，小说里杜丘最后不是冒险潜入精神病院探寻真相而是勇闯匪巢全歼仇敌。