向经典致意的现代默片《艺术家》

向经典致意的现代默片《艺术家》（共4篇）

篇1：向经典致意的现代默片《艺术家》

此时无声胜有声——向经典致意的现代默片《艺术家》

复古是今年奥斯卡的热门主题，不管是《午夜巴黎》，还是《雨果》，还是《艺术家》。这些挖掘古董式的做法点燃了电影界各路人士集体怀旧的热潮，这其中包含了他们对电影的热爱，对往昔时代的追忆，还有对古典优雅的珍视。其实剥离怀旧的因素，《艺术家》的故事在现代观众看来非常简单，它用的是典型的传统好莱坞式的结构和叙事手法：1927年，乔治·瓦伦丁是好莱坞默片的一线明星，他与群众演员芭比偶遇，在他的鼓励提携下芭比慢慢成名;与此同时，电影界正发生着革命性的变化，有声电影的出现挑战着乔治这类“沉默”的明星。乔治执着地坚守着自己的领域，拒绝面对有声电影即将取代无声片的事实，并企图凭借一己之力，继续拍摄默片以对抗电影发展的大趋势。然而他未能阻止声音进入电影的潮流，自己演艺事业因此停滞。饱受挫折的乔治一蹶不振，但已成长为巨星的芭比依然不离不弃，一直暗中帮助他，终于他凭借歌舞片东山再起。最后，影片的画面定格在两个恋人开心的笑容上。

《艺术家》的最大亮点在于“精致的默片艺术”。当今的电影无疑是一场华丽的视听盛筵，而来自法国的导演迈克尔·哈扎纳维希乌斯选择拍摄黑白无声片既是一种冒险，也是一种取巧的方式。事实证明，这种冒险很成功。他以这种特立独行的方式重现了上世纪20年代的好莱坞，一目了然地将《艺术家》与其它影片区

分开来。在这里，我们能够看到导演对多部经典影片的致敬：影片中用同一场景不同时间切换的蒙太奇手法来表现夫妻间关系的隔阂与淡漠，这一技法取自奥逊·威尔斯的《公民凯恩》;片中乔治出演的剑客电影，则让人联想到1938年版的《罗宾汉》;影片本身人物关系的发展和《一个明星的诞生》几乎如出一辙;片尾的二人踢踏舞则是对金·罗杰斯和弗雷德·阿斯泰尔这对好莱坞歌舞片时代的黄金组合表示的敬意。

影片中法国演员让·杜雅尔丹凭借那不经意的挑眉，略带调侃与嘲讽的笑容，还有标志性的两撇小胡子演活了一代艺术家乔治·瓦伦丁。因为在默片时代的巨大成就，瓦伦丁充满自信。但此时正是电影变革的车轮滚滚向前的年代，所以他的自信成为了充溢着优越感的偏执。他拒绝改变，孤傲地坚持自己认定的艺术方式，他宣称自己是“艺术家，不是傀儡”，将自己锁定在了过去缄默的世界。然而他可以做出逆流而上的自我选择，却不能左右喜好新鲜的观众的选择。于是，我们看到乔治孤寂的身影面对着空落的放映厅，他无可避免地破产，他依靠典当和拍卖的酗酒生活。他对自己的艺术形式近乎飞蛾扑火般地挽留，但如同古希腊神话中的西西弗斯一样，将自己置身于绝望的苦难中。西西弗斯被惩罚要不停地把一块巨石推上山顶，石头因为自身的重量不断地滚下山去，诸神认为再也没有比这种无效无望的工作更为严厉的惩罚了。对乔治·瓦伦丁亦然。他不得不独自推着旧日的石头一点点上山，然后嘴角泛起一个嘲弄的笑容看着它极速地回落原地。所有的辉煌如同他那孤注一掷的角色一样被埋葬，他的命运似乎像千千万万个英雄末路、美人迟暮的故事，让人心酸扼腕，只留一声叹息。他的心里没有动摇吗?他真的如我们想象的那般坚定么?影片中有场戏是有一天他突然发现声音是这个世界最合理的秩序之一，此时电影恢复了有声的拍摄，我们发觉，原来万物有声，玻璃杯碰到木桌的叮当声，小狗清脆的叫声，电话铃声，女人银铃般的笑声，甚至一片羽毛的落地声，只是我们都已习惯这些日常的琐碎，而忽略了它那本无可回避的存在。这些都在他的心里泛起了一圈一圈的涟漪，最后汇集成不可收拾的惊涛骇浪，加剧了他内心的惊慌和孤独，甚至还有自己坚守的意义。他甚至观看了芭比主演的有声电影，在那里他像普通人一样感受到了快乐和美妙，然而更多的是被人遗忘的无可挽回的挫败与失落，于是，他烧掉了自己珍藏的电影底片。

当原先的世界不断陷落，倾塌中的碎片又不断拼贴成新的世界，然而在这个重构的过程中，人不再有勇气去适应这个世界。乔治·瓦伦丁在饭店里巧遇芭比接受采访，芭比谈到默片的过时，还有长江后浪推前浪的意气风发。这时，几乎所有人都能体会到乔治说“前浪为你让路”时蕴涵的无奈与黯然。新人站在了巨人的肩膀上，但此刻，巨人只能抬头仰望，宝刀已老和代际更替几乎是人类要面临的永恒的残酷命题。电影工业中几乎轮番上演着这场戏：从无声电影到有声电影，从胶片到虚拟的数字时代，从二维动画绘图到三维电脑绘图，再从电脑绘图到未来的某一次变革，每一次革新都携带着过去的全部水流，席卷了那些为电影事业献出了一生的人呼啸而去，包括乔治·瓦伦丁，包括制作《艺术家》的团队，也包括正在看电影的影人们。每个人都终将被淘汰，然而更令人不安的是自己如同偶然飘过的浮云般，在人的心底留不下一丝痕迹。斯皮尔伯格曾经引用父亲当年的一句话形容“二战”健在老兵的心境：“我们不怕死亡，我们怕被遗忘。”大概这句话同样能精确地阐释乔治·瓦伦丁们的心境。

如果说乔治·瓦伦丁映照着西西弗斯式的挣扎和电影人自身焦虑的表达，那么芭比就是他们的自省和情感叙述的投射。像所有的新人一样，她没有过去思维方式的负担，乐于接受任何变化。成名后的她既没有得意忘形和老于世故，看着自己曾经的偶像被时代抛弃，看着他日趋寂寥的背影，却仍坚持着对乔治·瓦伦丁以及随他而去的时代的尊敬。她不遗余力地帮助他：观看他主演的电影，托人买下他拍卖的所有物品；甚至不惜威胁导演为他争取再次出镜的机会。这几乎是电影后辈们发出的感人宣言：我们没有遗忘，不会遗忘前辈为电影做出的贡献，不会遗忘他们在这条道路上的披荆斩棘。《艺术家》的片名本身就包含了主创人员的情感表达。这种方式，使电影产生了仿佛是为前辈做传记的幻象，也暗含了对他们的肯定。我们宛如瞥见后辈身着正装，庄严地站在前辈面前。他们向前辈奉上了代表着荣耀与梦想的“艺术家”名号，来弥补他们的遗憾。在这里，我们可以清晰地感受到后辈的敬意，这部电影犹如是对前辈所做的一次满怀敬意的缅怀和回忆。主创人员为电影起这样一个意味深长的名字，并不是增加电影的噱头或是戏剧性，而是道出了对所有被淘汰的“老人”们混杂着感伤、惋惜、崇敬的复杂情愫，也泄露了内心深处对业已湮灭的美好事物的追怀。

很多人都会赞叹电影结局绝佳的处理方式。最后一分钟，乔治·瓦伦丁凭借歌舞片东山再起，影片恢复了有声电影的拍摄，循序渐进般地依次出现了喘息声、碰撞声、言语对白、笑声、走路声和喧嚣声，这在90分钟的无声缄默过后显得轻松而释然。男主角发出了自己在影片中的唯一声音：With pleasure！（荣幸之至！)这是他在经过自我挣扎与自我否定后完成的自我蜕变。这同样包含了电影人心中的一个梦想，一个关于艺术家的圆满结局。此时镜头渐渐拉远，全景俯视的拍摄现场里充溢着喧闹忙碌的员工、杂乱的道具、全身心投入的演员，他们都实实在在地为电影这不朽的艺术形式而全力以赴。最后一刻依次出现的指令：“声音！”“摄像！”到普通但此刻却神圣的“Action！，导演带领着众人继续这段光与影的传奇。”

此情此景不仅会引起电影工作人员的共鸣，也会触动每一位热爱电影的观众。它试图表达着

一种朴实而纯真的理想，不管形式如何变化，技术如何革新，令人着迷的光影魅力，始终会吸引我们沉醉其中。

除了对默片艺术的致敬，《艺术家》对现代观众来说却更像是一场与往日的重逢。它剥除了声音、特效、色彩，还原了电影作为一种叙事方式的最本质的东西。因为没有声音，它可以轻易跨越语言带来的障碍，回到了用肢体和神态表情达意的朴素源头。在默片的时代，故事和人物都简单而纯真，好人就是好人，坏人就是坏人，悲伤就肆意地流泪，开心就夸张地大笑，既不追求故事的深度与情感的厚度，也不追求角色的立体和复杂。然而对于习惯了各种视效大片的现代观众来说，这像是一场考验，当我们在阅尽千百部电影、受过各种感官刺激，自以为心已经麻木不仁、刀枪不入之后，是否还会轻易感动。

事实证明，真正的艺术不会过时。尽管故事没有新意，但导演将好莱坞的叙事方法和法国电影的情怀两相糅合，把一种麦尔维尔式的伤感和悲剧基调带了进来，观众必须拂去喧哗与骚动，才能静下心来进入这个静默无声的世界。打动观众的有永恒的爱情，有英雄末路的遗憾，有对艺术的执着，也有如电影人一般难以重现的集体经验以及由此伸展开来的念旧情怀。看着银幕上那曾经的人物在老旧斑驳的影片里演绎缠绵缱绻和荡气回肠，过往岁月的片段仿佛斑驳的影片在观众心里飘忽而过，那些旧式宽檐淑女帽，那些老式的百货店橱窗，那些一闪而过的路人，每个细节都生动而鲜活。虽然美好的旧日时光一去不返，但幸好还有电

影来承载记忆。就好像乔治在关键时刻从火中抢救出来的胶片里出现了当初与芭比共舞的影像，那样美丽，那样幸福，仿佛永远都不会老去。

当黑白镜头斑驳地出现时，美丽的爱情，被烧毁和尘封的故事，是乔治·瓦伦丁的历史，也是电影的历史。尽管数以千计的默片底片已经被压碎成为灰尘，但是在电影人和观众的心里，总有一些东西永不褪色。它就像一位久违了的挚友，穿过时间带来问候，轻易进入人的灵魂深处。爱和理想都以某种形式实现了，这就是电影。这个世界变幻出多样的人生，光与影交织的就是现实和理想的梦境。更多电影分享：

篇2：以极简的手势向传统致意

为了触摸这一境界,每个画家都在努力寻觅绘画语汇的规律性,我也不例外。找出这“秩序”,并进一步将它简化、物化、直观化,以此进入与客观世界同构的笔墨主观世界。出于这种渴望,近年来我一再尝试有别于传统风格的意象山水。在一系列实验性作品中,具象的景物经过大胆甚至是粗率的删减、归纳、概括,在画面上呈现出几何化的骨骼结构,这无疑会让观者联想到西方抽象主义、极简主义的风格,但我希望“肉身”的背离和“西化”不要遮掩住作品骨子里地道纯粹的东方气韵。虽然,为了提纯画面的秩序感,我一再消解具象形,将笔墨关系极端简化、符号化。但作画方式依然保持着传统大写意的特征:用笔直接书写,力求一次完成,拒绝反复制作,希望画面简单明澈,渴望即兴性,期盼必然中的偶然效果……作品在结构上极为讲求黑白相生的虚实关系,更在局部细节保留着水晕墨渍、色墨渗化、破墨撞彩等典型的中国画肌理。此外,在画材的使用上,除了墨色,我固执地在皮纸上只使用两味传统颜料,赭石和花青,以这种赋色方式和古典浅绛山水达成某种意义上的一脉相承。

《藏地印象》组画,是这场实验中的实验。意象山水风格尝试之初,我试图抛弃对具体某一座山、某一带水的描绘,而是希望用象征性的语汇概括地描述出世间所有的山、所有的水,以一山一水,看尽千山万水。我以为,这种对象征性语汇的追求,来源于近千年的写意传统,非具象的图式背后,是脱略形骸之上的准确,这种准确绕过具体形貌,直指事物的本质,也更具哲理性。但在实际操作中,具象与抽象之间“分寸感”的失调一度令我感到棘手,一旦形象过度概括、过度抽离细节,会造成语汇的极端概念化,使其空洞无物。意识到自己可能迈入这一泥沼,我转回头试着描绘有明确地域特征和文化特征的风景,由此,藏地进入我的视野。在《藏地印象》组画里,藏区大地上的雪山和层云、藏式建筑的红墙和黑线、藏传佛教形象的异域姿态都被分解归纳,置入高远法的透视构架中,含蓄又洗练地铺陈出藏地的风貌气息。

篇3：《艺术家》:向默片时代致敬

上世纪二三十年代的默片电影，因为没有声音，剧情完全通过演员的肢体和表情来传达，更需要演员有精湛的演技，默片时代，才是出巨星的时代，也是电影最纯粹的年代。今天，在3D电影、各种商业影片铺天盖地席卷而来时，《艺术家》的返璞归真，带来的是一份心灵回归的宁静。

我是艺术家，不是傀儡

《艺术家》讲述了一个典型好莱坞式的励志爱情故事。1930年前后，在美国经济大萧条的背景下，无声片演员乔治因为电影技术的发展，收录机的出现，旧的默片正在被有声电影取代。身处在这样的娱乐大浪潮中，乔治是固执的默片守候者，在经济危机之际，拒绝有声电影，从昔日的电影明星沦为一个失败者。而曾经被他帮助过的米勒，因为搭上了有声电影的列车，一跃成名后，回头默默帮助和陪伴乔治。在一次火灾后，有情人终成眷属，并以一曲欢快的踢踏舞共同站在了舞台上，有了一个圆满的结局。

影片中，令人记忆深刻的画面是乔治面对影业老板提出让他参演有声电影时，他愤怒的表情，字幕出现了“我是艺术家，不是傀儡”的字样，乔治认为，有声片不够严肃。电影中的乔治就像是一个挑战时代的悲壮英雄，不愿将过去抛弃，影片的主题也因为乔治的坚持，展开了一场“过去”和“未来”的对抗。

曾经的成就会给人带来满足和骄傲，也会让人有意无意地去坚持一些东西。乔治对于梦想的努力和坚持，让人感受到艺术的珍贵。导演哈扎纳维希乌斯在片中精湛的拍摄手法、准确的配乐，将法国人浪漫的天性融进了电影中，乔治好似卓别林、吉恩·凯利和道格拉斯·范朋克混合体，导演虽在模仿三代老电影的印记，但也有一份心有灵犀的超越，让观众们于胶片的光影间看到了电影一路走来的曲折和艰辛。

苛刻的观众会说，电影拍摄时22帧幅的速度，提升了默片的急速感，没有了那个时代轻重缓急的美感。一如片中乔治嘲笑出了故障的有声电影装置时，制片人却说：“笑什么笑，乔治，那就是未来。”只是，未来同样可以向过去致敬。《艺术家》以真诚的姿态赢得了奥斯卡的小金人。

哈扎纳维希乌斯——“你是艺术家，不是傀儡”。在如今这个浮躁的电影业里，顶住压力坚持经典的黑白默片，让人感觉荡气回肠。

生活本身就是一部默片

1895年卢米埃尔兄弟首次公映了电影，电影诞生，并以默片的形式展现在观众面前，到1927年第一部有声电影《爵士乐歌星》公映，开始进入有声电影的年代。32年间电影界诞生了如卓别林、梅里爱、格里菲斯等一大批对默片做出巨大贡献的电影大师。

声音的出现的确对早期电影中的蒙太奇艺术产生了一定的影响。有了声音以后人们不用再靠“挤眉弄眼”来猜透剧情，损耗的却是对电影最纯真的热爱。随着电影技术的发展，电影业在欲望的都市中，早已经忘记了沉默的力量，此时《艺术家》用卓别林式的表现手法，把我们从喧闹的生活中带入那个沉默的时代，感受着沉默的爆发力。

如今，我们的心灵可以容纳的东西越来越多，但是能留下痕迹打动心灵的东西越来越少。我们学会去争论和辩解，无力感让我们对生活妥协。似乎只有在《艺术家》那个黑白默片的年代里，才会出现以身试法抗衡时代的理想主义者。

不管我们愿不愿意，变革终究还是要来。科技的进步让我们抛弃过去陈旧的事物，学会在生活中大声说话，倾听内心变得越来越困难。《艺术家》无声地向生活表达的诚意，在沉默中坚持梦想、坚持信念、保护自尊。一路披荆斩棘，勇往直前，让人感动。

生活其实就是一部沉默的怀旧电影。请认真对待每一个真正关心你的人，包括——你的狗。

第84届奥斯卡经典怀旧影片

本届的奥斯卡颁奖典礼上的黑白胶片，带着我们重返电影的“摩登时代”。《艺术家》获得5项大奖，满载而归。传奇导演马丁·西科塞斯儿时梦想的延续，改编自同名儿童畅销小说的电影《雨果》成功拿下了包括“最佳影片”、“最佳导演”等奖项在内的11项提名，成为了这一次奥斯卡的又一大赢家。西蒙·柯蒂斯执导的《我与梦露的一周》，回忆了上世纪50年代劳伦斯·奥立佛与玛丽莲·梦露拍摄影片《游龙戏凤》时的经历，并获得第84届奥斯卡奖最佳女主角、最佳男配角。

《雨果》

导演：马丁﹒西科塞斯

主演：阿沙·巴特菲尔德、科洛·莫瑞兹、本·金斯利、薩莎·拜伦·科恩、裘德·洛

剧情介绍：

小男孩雨果天生机械控。他寄宿巴黎火车站钟楼，偶尔会去玩具店偷些零件，用来修补父亲留下的机器人。一次行窃，他被店主乔治·梅里埃当场抓获，因忌惮带猎狗的巡警只得就范。乔治拿走了雨果父亲的遗物——一本机械手册，令他心急如焚。他尾随至乔治家中，结识了养女伊莎贝拉，他恳求她帮自己保住手册。而伊莎贝拉则觉得此事蹊跷，于是两人结伴探秘。修好的机器人作画的落款却显示乔治的名字，让他们疑心顿起。终于他们发现了乔治家中装满画作的神秘柜子，并在图书馆的电影书籍中发现了乔治的身世。一位知情人的现身，让他们的奇幻冒险更添神秘。

《我与梦露的一周》

导演：西蒙·柯蒂斯

主演：米歇尔·威廉姆斯、艾玛·沃森、肯尼思·布拉纳、朱迪·丹奇、 多米尼克·库珀

剧情介绍：

1956年是英国政治和文化史上非常重要的一年。苏伊士运河危机动摇了英国在全球的地位，摇滚在流行音乐榜上占有了一席之地。在这样的背景下，23岁的科林·克拉克在劳伦斯·奥利弗制作公司谋了一个职位，成为了电影《游龙戏凤》的第三导演助手。该片由英国男星劳伦斯·奥利弗以及美国性感女星玛丽莲·梦露主演。劳伦斯·奥利弗需要梦露的名气来重振自己的电影事业，而梦露也期望通过与这位著名的演员兼导演合作挽回自己的名声，赢得更多尊重。

篇4：黑白经典向默片致敬

在3D已然势不可挡的今天，这部黑白默片的与众不同让时尚界爱跟风的品牌和达人们兴奋不已——谁说黑白属于上一个时代？快冲进各大奢侈品牌专卖店，将他们新鲜推出的那些黑白搭配经典款包包收入麾下，做一个勇于向经典致敬，在经典的光辉下衬搭出自我风格的强势男人吧。

对于《艺术家》导演迈克尔来说，默片因为没有声音，所以画面的呈现就成了一切，用画面来讲述故事，“这正是电影的魅力所在”。而对于Chanel、Maxmara等将时光凝聚在每一样商品中的经典品牌来说，黑白搭配的各种材质包包也永远是时髦的见证者。

你可以用它来搭配

R&d礼帽 RMB1200

礼帽本来是上流社会的标志，如今的礼帽世界，黑白两色时而以中规中矩的对称出现，时而以艺术气息十足的混色出现，又或是经过奇思妙想变身缤纷的波普图案——比如这一顶，搭配黑白波点的编织礼帽，让黑与白这对经典搭档在时尚大军中成为渲染艺术映画的领头羊，实穿+时髦是黑白对撞的灿烂火花。

Celine 黑白格子图案皮鞋 RMB6900

当浮夸俗套的时装充斥整个时装市场之时，冷不防Celine走出自我一派的简约风，没有普通男鞋流行的撞色组合，只是用最经典的黑白来体现男性内心——于是一款皮鞋获得了艺术生命。

Alfred Dunhill袖扣 新品未定价

很多时候，简约即风格。dunhill 的这一双黑白两色袖扣所倡导的正是这种看似质朴的简约设计。现代感十足，并利用一点黑色创造出鲜明有趣的效果，為正式场合的商务男士提供最为经典的设计。

Alexander McQueen黑白格纹眼镜 RMB2750

英伦摇滚是Alexander McQueen这一季的主题，设计师Sarah Burton的灵感来自上世纪60年代，这一款复古黑白格子眼镜，对于日益讲究经典搭配的商务着装而言，可以用“没有最适合，只有更适合”来形容——没有多余的色调，却讲尽了百年流行色。