第一篇：千字文读解范文
影片读解
影片读解教程
张会军(北京电影学院院长、教授)
作为北京电影学院的学生，《影片分析》课程将会贯穿各个专业的整个教学过程和学习过程。
这类课程表面上看非常简单，老师在课堂上放映一些影片的片段，或者是放映整部影片，然后根据不同年级，不同专业和课程的要求进行读解、分析。或者是让学生自己在学院的影视中心拉片室，按课程要求独立拉片，并做手法记录、感觉表达、分析笔记。但《影片分析》课程所起到的作用，在未来的电影创作和电影理论研究中是十分重要的，其重要性更是无法用语言来表达的。
历届的毕业生和我们每一位今天在校的同学，在大学学习生活中，都会在《影片分析》课程上和在老师的不同层次、不同风格、不同方法、不同技巧、不同形式的讲解、分析教学中，享受着一种潜移默化的电影专业熏陶;渲染着一种淋漓尽致的视觉听觉剖析;归纳着一种有形无形的影片创作规律;总结着一种完整全面的电影制作和理论经典。
对于电影作品的分析我们可以有各种各样的理解： 分析，是影片欣赏、读解的过程。 分析，是一种思想、感觉的经历。 分析，是电影手段、技巧的学习。 分析，是影片创作、规律的总结。 分析，是导演方法细化学习过程。 分析，是我们对电影知识的补充。 分析，是我们对电影理论的积淀。 分析，是我们对电影历史的了解。 分析，是对影片的艺术特性的总体把握。
我们有的同学仅仅将影片的分析定位于对历史或者对政治、军事、文化等的思考与讨论，谈议论，写感想，这种分析只会停留在表面，永远不会深入。 由于电影欣赏的特殊形式，我们对电影本性、电影观念、电影美学、电影理论、电影技术、电影技巧的了解和掌握不应该停留在一般层面上，也不能超越电影本体搞一些缺乏专业，缺乏理论的研究和泛泛的评论，更不能玩弄各种各样的莫名其妙的华丽辞藻，搞一些不着边际的、空洞的文字堆砌。
在现实的生活中，我们阅读(看)电影，思考(想)电影，分析(写)电影，完全是一种艺术感觉的体验过程，一种心理欣赏的过程。往往很少做影片单项分析;很少做影片的“量化”分析;很少做创作手段和造型元素的具体分析。即便是对某一部影片的更为深入的研究，往往也是提出一个两个问题，对影片的某些段落，镜头反复地阅读(看)，用于反复验正自己的感觉、判断、体会、描述。 电影是一种特定的艺术传播媒体。
电影的审美体验是一种复杂的生理和心理活动过程。
电影的体验、电影的理论研究、电影的制作研究，更重要的是关注电影的技巧、规律、文化的研究。
我们的许多学生在学习的过程中，曾经是看必看“经典”，言必称“大师”。较多的关心这些大师的经典作品的思想、意念、内涵及一些形而上学的东西，忽视了影片中基本的东西——手段。
意识——不是模仿来的，要靠学习、经历、修养、积累来实现。 手段——是可以学来的，要靠潜心研究、分析、看片来达到。
电影理论的研究，有人常常倾向于用一种特定的方法，或者从一个特定的观点去读解，分析电影，有的用马克思主义理论;符号学;语言学;心理学;女权主义;意识形态批评等方法进行分析，这些都仅仅是我们学习电影的一种方法和分析电影的一种方法。
但是，更多的人还是习惯于对电影进行类型分析，规律分析，手段分析。只有这样，才能寻找和建立自己的方式、方法;才能对自己所学专业、所关注的问题逐步深入。
《影片分析》课程，在我们学院的各个专业的教学过程中没有固定的模式。每一个老师是不同的切人方法，每一个专业关注的问题又不一样。我根据我拉片的体会和教学反馈，总结出如下问题，供同学们在影片分析讨论中参考。
一 主 题
正像其它艺术作品一样，影片的主题是电影作品中的灵魂和精华，也是我们为之迷恋的“精神家园”。更是我们在看了一部影片以后，力图总结分析出来东西。 主题——是电影中内容的核心与内涵;是电影所要表现的主题思想。
电影作品中的内容与主题，渗透和体现创作者的世界观，价值观，体现着创作者对生活的认识和情感。
电影的主题往往是多元化的、多侧面的、多切入点的。
我们可以这样理解：电影的主题是电影的动作和人物的内涵，是电影的情节和事件的外延。主题是编剧、导演的生活经验和体会的暗示，艺术作品的主题转化为形象时，是导演思想欲望的情绪宣泄。
现代电影的故事和主题，往往是一句话可以讲清楚，一万句也讲不清楚。 现代电影的主题是深化的，是观众一种内心的情感体验。
电影的主题并不是我们在看完电影以后所总结、归纳出来的“心得体会”、“社会意义”和“思想价值”。而是电影创作者的目标追求和灵魂净化。
电影艺术的主题往往不是简单的，不是表面的，而是深化的，多义的。需要我们整体的把握。
通常人们理解的影片主题应该包括如下两个方面的层次：
1.影片的内容或者是影片的作者力图告诉我们什么。这一点我们从影片的叙事中、人物中可以清楚的看到和感悟到。它不是抽象的符号，也不是概念的堆砌，而是体现在充满视觉造型特点的银幕效果上。
2.通过对电影的主题、立意及影片的整体视听形象表达理解，我们感悟到了什么。主题虽然是影片所表达的创作者对生活、对社会的认识、态度、情感和审美观念，带有明显的个人主观色彩和风格样式，但不会是纯主观化的东西，一定是一种个人生活的感悟。
对于电影作品所表现出的主题，我们要全面的理解，切记不能片面化和简单化。艺术作品的最大特点就是用一件最普通的故事，宣扬一种极有意义的思想，折射出丰富的思想内涵，照耀和抚慰人们的心灵，从而提高和净化人们的精神境界。 在我们分析、讨论影片主题的时候，往往为了更为深入地了解作品的主题，领会导演的创作意图，应该查阅影片相关的文字资料，必须做如下十个方面的准备工作：
1)这部影片是改编自哪一部文学作品(名著)?原著作品中作者表达的是一种什么样的主题思想，时代背景，人物形象?作品传达了一种什么样的精神世界和情感效果? 2)这部影片的导演曾经导演过什么作品?他(她)一贯的创作风格是什么?在这一部作品中，采用什么样的手段、方法、风格、样式来完成影片叙事及主题表达? 3)这部影片属于哪一类型的风格样式?同一类的影片中外都有哪些?它们之间各有什么区别? 4)描述一下，在这部影片中哪一些情节、场景、细节对影片主题的表达有特别重要的作用?你能否做到准确、生动、完整地表达出这种心理的和艺术的感觉?影片中哪一些东西令你激动和回味? 5)关于这部影片的事件、背景、人物及大众传媒的相关报道你知道多少? 6)从你个人的专业、性别、年龄、文化、修养、价值观、道德观出发，你是怎样认识这部电影的?或者你认为这部影片处在一个什么样的水平上? 7)在一个什么样的层面上，我们认为可以充分的理解影片所要表达的东西，理解导演所要表达的思想，我们基于一种什么样的出发点? 8)我们在视觉生理上和审美心理上多大程度对影片产生认同和共鸣? ， 9)影片中你认为最优秀的，最值得你学习的是什么?影片中的风格样式、叙事结构、造型风格、手段方法、影像效果、人物塑造，哪一些是让你最感兴趣的东西? 10)对于这部影片除了大多数公众的意见以外，你有什么不同的意见和看法?你认为影片中最大的不足是什么? 这十个问题，基本上可以帮助我们加深对影片的理解。
重要的是，我们观看了一部影片，就要思考我们所感受、感悟到的东西。要反复地、深入地分析这种理解和感受，解释出对主题的认识、感受、理解的原因。 主题不搞清楚，分析就无法透彻。 关于影片主题的分析就形式而言，文章阅读、段落拉片、同学间讨论和分析写作都是非常好的学习方法。 二 结 构
影片分析中对影片结构的分析是一个非常重要的工作。在我们的影片分析中，大部分同学经常会忽略分析影片结构，甚至，根本不去关注。 其实，电影的结构是电影的最重要的艺术形式之一。 结构——是影片的组织排列的方式和叙事组合的构造。 影片的结构，框架，就是电影的风格。
导演根据影片的主题、内容、人物塑造的需要，运用各种手段、方法，将各诸要素合理、有机、完整地组成一个视听整体.达到艺术上的统一。 影片的结构分析是影片分析中的系统工程，我们认定的电影的结构分析应该包括：
1.剧作结构分析：
剧作的分析主要是对电影的情节设置，情节的组织进行系统的分析。
从电影的创作规律研究表明：戏剧性结构的电影无非是无数件有因果关系、有内在联系的事件，有机地、有目的安排在一起最终构成一种结局。
纵观世界各国故事片电影的样式，电影的叙事结构、电影的剧作结构及故事的结局基本是四种存在模式： A、情理之中，预料之中; B、情理之外，预料之中; C、情理之中，预料之外; D、情理之外，预料之外。
但无论哪样的一种结局，都会充满了“因果关系„‘偶然关系”“必然关系”和“戏剧关系”的味道，都会有一种人为主观的因素。
非戏剧性结构的电影，在表面构成上，会更为随意，更为自然和偶然的，许许多多的事件被十分有机地，有意地排列在一起，往往在影片的最后形成上，无非是形成两种模式“1)个体无意识形成集体的有意识。2)整体有意识形成风格的有意识”。
现代电影的剧作结构，往往有很大的随意性和变异性，重点的表现在剧作的合情与合理的处理上，有的合情不合理;有的合理不合情;但是，从大多数的影片的构成上分析，合情比合理更为重要。 2.情节结构分析：
情节的分析主要是对电影的情节安排在排列方式上的整体分析。
传统的电影情节，往往是顺序型的，线型的排列关系，现代电影的情节则更为复杂，更为混淆。但电影的情节和细节是影片结构的重要组成部分。
电影的叙事情节，在总体上构成影片的框架;电影的细节与元素构成影片的内容;电影情节的推动，一般不依靠外部的力量，而着重依赖于人物的动作和细节的设置。
电影情节的编排，往往是依据于人物的心理线索和发展。以往的“戏剧式”电影叙事，对于精巧的外部情节的设计和设置是十分依赖的。
现代电影中，对于叙事中的细节越来越重视，用细节的动作和细节的场面积累来推动情节。这种电影的特点是：重视细节的强调，重视细节的重复，形成影片内在的结构，注重细节的日常化和形象化对人物的塑造和对情节的帮助。 总体来讲，影片的结构是导演风格和主题思想表达的最重要的手段。经分析发现，电影的叙事结构、剧作结构，可以是多种多样的。但是，影片最终结构的选择与确定，一定是有利于影片的主题，有利于人物的塑造，有利于风格的体现，有利于叙事的多样化。
三 人 物
电影中的人物，是电影创作中的核心，也是作品的核心。 反过来讲，人物的塑造，是电影导演创作的重中之重。
我们对文学的理解是“文学是人学”“风格即人”。同其它的艺术形式相比较，电影的创作也是紧紧地围绕塑造典型环境中的典型人物展开的。
可以这样认为：电影中的人物是叙事的核心，是矛盾冲突的核心，是影片造型的基础。
对于电影的基本要求，我们希望是在一系列的场景中，事件中，动作中，对话中看到的不是一般的人(具体的演员)，而是鲜活的、有性格的人物。
世界电影中的常规情况是，观众对于电影中的人物(其实是对演员)感兴趣，对于电影中的故事感兴趣，对于电影的主题感兴趣，才会全方位的对电影给予关注。 我们所理解的“人”，是自然的人，社会的人。
电影中的“人物”，是电影叙事中、戏剧结构中的“符号”和“虚构”的人，是由演员(职业的、非职业的)扮演的银幕形象。在我们的潜意识中，人物——演员，演员——角色，这两者交替的认同。
我们在分析电影时，对人物的分析应该把握住如下问题： 1.分析人物在影片中担当的角色： 我们理解的电影中的人物，往往是电影中演员扮演的“人物”+演员自身形象的综合感觉。人物有时候是一个具体的概念，有的时候是一个抽象的概念。 电影中的人物是叙事的主体;是电影情节中的主要情节的发动者和承担者;有的时候，电影中的一些人物对情节并没有特别大的帮助，仅仅是一种“象征”，是一种“符号”。
我们的心理意识和思想意识无法超越的是，我们很难将某一个“演员”的形象，从影片中的“人物”形象中分离出来，往往是三种思维定式： A：影片中的人物——演员本身。 B：影片中的人物——演员+人物。 C：影片中的人物——人物。 2.分析影片中人物的表现方式：
电影中的人物表现，不仅仅是影片的整体叙事及情节，也不在于其出现场景的多少，对白台词的多少，镜头数量的多少，而在于具体表演、表现的方式。大体有如下四种方式： 1)人物外形表现：
影片中的人物的外形，是影片人物的重要的性格特征和重要的视觉信息。 在影片的制作过程中，更为重视其服装，发型，化装的处理。例如：美国早期默片时代的经典人物卓别林，其外表很有特点，在电影中的视觉外形形象极为鲜明。影片中的人物外形不但要符合影片的叙事，还要有鲜明的特征。 2)人物景别表现： 某一个人物在电影的表现中，有时更多的是用某一种特定的镜头景别处理。其目的是想充分地利用镜头的景别，着重对人物进行心理、情绪、表情的描写，即便是某一个人物用多种景别处理画面，或者是众多的人物分别用不同的景别加以表现，也是要对人物进行性格和心理的刻画。
例如：《我的父亲母亲》中，“母亲”年轻时的叙事和人物形象，更多的是采用近景、特写和全景、远景的交替应用，“母亲”年老时的叙事和人物形象，更多的是采用全景的镜头来完成，影片的总体风格基本是这样一种规律的处理。 3)人物形体表现：
电影叙事和场景中人物的形体方式处理，大多数是经过导演和演员精心设计的。因为，人物的形体处理的方式和状态，不光是为了叙事，为了场景，更多的是为了人物形象的塑造，甚至是为推动影片的情节。
例如：影片《我的父亲母亲》中，彩色回忆时空段落中，年轻的“母亲”，人物的形体永远是处在运动之中，处在站立和跑动之中;而黑白现实时空段落中，年老的“母亲”，则恰恰是相反的处理，大部分形体表现处理成为静止的形态和坐姿状态。
4)人物位置表现：
影片摄影画面构图中的人物位置，无论是在影片风格，画面效果，人物塑造上都有其特殊的意义。在具体画面处理的方式上，有的人物在画面上是居中处理;有的人物在画面上是居边处理;有的人物位置干脆是不规则的卡头卡脚处理。 例如：影片《黄土地》的人物位置的整体风格是居中处理。影片《一个和八个》的人物位置的整体风格是居边处理。这两种不同的处理方式，使得影片画面构图中的人物位置有一种鲜明的造型效果。其实，这都是一种影片叙事、手段、风格的外延。 从影片的宏观上分析，人物的表现方式，在影片的创作过程中，一定是导演十分重视的技巧与元素。通过这种细致和量化的分析，我们可以进一步了解影片的风格、画面、效果、技巧、结构和导演方法。 3.分析人物动作的表现技巧：
影片中决定人物动作的重要因素是环境、事件和规定要求。
作为导演，对于人物动作的简单表现和复杂表现，在影片的叙事风格上会产生不同结果。那么，核心的问题就是导演采用什么样的镜头技巧来反映和表现这些人物的动作。这时叙事中的人物动作成为了内容，镜头处理表现技巧成为了形式。 我们在分析影片的人物动作时，讨论人物动作本身的存在形式和动作方式，仅仅是我们分析人物的一个方面。更重要的是，同时我们要分析影片的镜头中和段落中采用什么样的具体镜头技巧(方法)，来表现此时此地的人物动作。
导演在实际创作和拍摄处理上，可以是用不同的镜头技巧(方法)，拍摄和表达不同的人物动作，也可以是用相对固定(一样)的镜头技巧(方法)，表达同一的动作和不同的动作。如果是采用后者的处理方式，就会产生影片人物动作镜头技巧(方法)处理上的特殊风格。
例如：导演陈凯歌拍摄的影片《黄土地》，大量地采用静止(静态)的镜头完成画面的表达，采用极为有限的摇镜头表现部分的人物动作和运动，表现场景的空间;导演徐克拍摄的片《新龙门客栈》大多数是采用夸张、变形的镜头画面形式表现各种人物的近景和动作;导演吴宇森拍摄的大部分影片，大量地在叙事镜头和动作镜头中采用高速摄影(慢动作)的镜头技巧，来表达影片中人物的动作的异化，具有一种人物形象塑造的浪漫、飘逸与超然感觉，有一种影片“暴力”美学的特征。
4.分析场景中、镜头中人物的光线形式： 按电影的常规分析，场景中、镜头中人物的光线的形式应该有其相对的设计性、独立性、形象性、鲜明性。人物光线的形式，除了受到场景、空间、环境、光源的位置、方向、性质的影响外，还要受到影片的主题、内容、风格、样式、叙事、情节和导演处理的制约。
有的时候，为了达到人物形象的塑造，赋予影片中某一个人物以一种特定的光线形式，只要这个人物一出现，这种专门设计的光线的效果就存在。
例如：导演张艺谋的影片《大红灯笼高高挂》中，陈老爷这个人物的光线形式，就是具有相当程度的规定性，完全是逆光、剪影、半剪影的处理。使人物的形象刻画十分鲜明，增加了人物的神秘感，在影片的叙事当中起到了非常重要的作用。 有的时候，为了达到影片叙事情节的表达，在影片中赋予某一个人物以一种特定的光线效果，这个人物走到哪里，这种光线效果就带到哪里。美国影片《现代启示录》中，威拉上尉历尽艰难，深入到丛林中去寻找库茨上校，在影片的结尾的场景中，丛林中库茨上校的居住地的光线效果，则完全是主观化的处理，人物只有逆光的处理，很神秘，很形式。
有的时候，摄影光线的处理完全是为了影片全片的风格，使某个或者某几个人物，采用一种特定的光线效果形式。
例如：导演关锦鹏拍摄的影片《阮玲玉》中，现代时空(演员扮演的段落)的人物处理，假定性的人物逆光、轮廓光十分鲜明，很有现代感和唯美性，超越了早期资料影片的审美氛围，在光线的形式上，形成了两个不同时空的交替。
四 场 景
场景——是影片叙事的基本载体和影片特定的空间环境。 场景——是影片重要的造型元素。 现代电影的场景，可以是现实空间环境，也可以是非现实空间环境，但是，这两种场景的存在，都要求要体现和反映剧本中规定的情境。
通常的，影片中场景存在的方式和种类，大体上可以划分成如下六种： 1)内景——在摄影棚内，专门为影片的拍摄搭制的人工场景。这种场景的空间有限，拍摄的环境完全要布置，光线的处理可以比较细腻，拍摄不受自然条件的限制。
2)外景——大自然中自然景观的场景。这种场景的空间比较广阔，往往要选择局部进行拍摄，或者是对局部进行加工才能拍摄，由于受自然光线的限制，光线的处理要选择光线的时机。
3)实景——人类居住和活动的自然建筑的场景，这些场景的存在，往往不是为了影片的拍摄。这种场景空间十分真实，具有生活的气息，但是，有明显的建筑结构关系，拍摄起来也受一定的限制。
4)场地外景——为了影片的拍摄，按一定的比例，专门在选定的自然环境中人工搭制的场景。这种场景的空间比较合理，符合影片的拍摄要求。但是对总体美术设计的要求比较高，也会受到自然光线的限制。
5)特技合成景——人工搭制的，用于配合特技拍摄的小比例人工场景。这种景一般是模型的景，需要与实际的自然场景拍摄在一起，美术设计的透视、比例十分的重要。
6)计算机模拟景——利用计算机(数字)技术创造的虚拟现实的场景环境。 现代电影中，电影场景的构成有如下的几种特点：
1)影片的银幕空间是由多种类型的场景以不同的顺序和方式组成的。 2)同一场景内，可以开展和表现一场戏，也可以开展、表现多场戏。 3)一场戏可以在一组场景或多组场景中展开。
4)影片中的场景的视觉效果，参与影片的叙事和造型，从而推动影片情节的发展。 5)场景的变化越来越趋向于多元化。
6)影片的构成上，场景交替变化、交替运用越来越频繁。 7)特技合成，虚拟现实的场景的出现和使用越来越广泛。
8)影片中的场景在视觉造型和视觉风格上越来越影响和决定影片的风格。 电影场景，首先是一个空间的关系，它规定和制约影片某一个段落的人物、叙事、动作对话的构成与处理。场景是一个宏观的概念，也可以是一个具体的概念，例如：操场、街道、河边、厨房、卫生间、车内。影片中的场景，可以有地域的限制，也可以没有地域的限制。一幢郊区的别墅，严格的意义应该是一个场景，但是，在具体的拍摄中，室内的戏和室外的戏，我们在拍摄和表述上往往又分为两个不同的场景。
电影场景其次有一个时间的关系，它规定和制约这个场景所表达的事、动作的时间关系。正如我们经常讲的：就影片叙事而言，换镜头就是隔时间;换场景就是换时间;换场景就是换空间。
通过拉片和影片的分析我们发现，电影中场景的选择、利用、排列、构成，会影响到以下几个问题：
1)场景决定影片的风格：场景的选择和具体的运用，在宏观上就决定了影片的叙事风格和造型风格。我们常常讲：外景利于影片的气氛。内景利于影片的光线运用;实景利于影片的空间表达。外景出意境，内景出戏，实景出调度。 2)场景影响影片的空间感觉：电影中外景的出现，无论场次的长短、多少，都会在影片中形成一种整体的空间规模、感觉和效果。而在内景的拍摄中，我们会有一种与之相反的感觉，显得影片空间变化较多，但不完整。
3)场景制约人物形象的塑造：电影中外景的应用，使得人物的表达更为有环境依据，使人物在叙事上更有可信程度，更有利于人物形象的塑造。内景的应用，优化了摄影的造型元素，在视觉上更有利于人物的塑造，更主要的是有利于人物的“戏”的表现。
4)场景关系影片的影调构成：由于影片中场景的有意识、无意识的变化，影片中的影调关系会有很大的变化，可以构成影片的不同场景的不同的影调效果。 5)场景决定一段叙事情节的完整：电影中的一个场景可以清晰、明确地完成一个相对独立和完整的叙事情节，也可以仅仅是表达叙事情节的一个小小的部分。在电影的制作过程中，我们也要关注场景在影片中所起的作用。一场戏，是一个表述性的语言，是一个实际情节的称呼，更是一个相对独立的事件的表达方式。实际情况往往是，一场戏有可能在一个场景中完成，也有可能在几个场景中完成。 由于电影中场景的作用十分重要，要求我们在选择场景的时候要特别地谨慎和准确。
根据我们对现代电影的分析，电影中的场景构成方式越来越灵活，场景的数量越来越丰富，这样，有利于影片的叙事，有利于影片的人物塑造，有利于影片的风格表达。因此，电影场景的运用规律是我们要进行细化分析的东西。
五 景 别
电影的景别，是一个电影镜头和画面的视觉形式的表述语言。表面上是一个造型元素，实际上是一个叙事的手段。 景别最最根本的含义，是表达画面所包括的范围。电影景别的划分大体上有如下的几种形式：1)大远景，2)远景，3)大全景，4)全景，5)中景，6)中近景，7)近景，8)特写，9)大特写。
电影中的景别，是影片视觉效果、导演语言风格的外在形式之一。决定影片风格，决定叙事风格，决定视觉风格，决定导演风格。
我们在分析影片的过程中，对于影片的景别的把握重点是在于全片，而不在于具体的某一个镜头。分析的重点在如下几个方面：
1.影片全片的叙事过程中，以什么样的镜头画面景别为主?在影片中是一种什么样的主导趋势?对影片的风格起到了什么样的作用? 2.场景中重要的人物对话镜头是以什么样的镜头景别为主?镜头景别变化之间有什么样的规律和特点?对于影片中的人物刻画和叙事的推动有什么样的帮助? 3.电影场景中的内景的景别特点是什么?外景的景别特点是什么?这两种景别交织在一起是一种什么样的效果?特别是要分析景别分别在外景和内景当中对于人物、叙事、对话、动作的表现和表达都起到了什么样的作用? 4.每一个场景的开始的镜头和结束的镜头的景别的应用有什么样的特点?镜头剪接中景别的变化有什么样的规律? 5.全片中，镜头画面的景别的变化幅度是什么?对影片的节奏有什么样的影响?景别的这种变化对影片的叙事有什么样的帮助? 6.分析在动作的场景中，人物的动作和镜头景别的应用有什么样的特点和形式? 7.景别的运用以及最终画面完成的效果对于影片的风格有什么样的作用? 8.不同的景别运用，对于画面的构图有什么样的影响和帮助? 9.分析景别的应用对于环境的气氛，空间的表达，场景有什么样的作用? 10.分析不同的景别对人物形象和人物动作的表达。我们看到的影片，有的时候，赋予某一个人物以一个特定的景别，在有些情况下，不同的景别对不同的人物形象、不同的叙事内容、不同的情绪要求、不同的动作表达会起到非常重要的作用。 11.分析电影的景别对影片的节奏所起的作用。
六 空 间
在理论的分析中，电影的空间是一个不太具体的概念。
同时，电影的空间又是一个表述的整体概念，它不能离开影片的叙事和影片的主题。电影的空间在影片拍摄的表述上是一个虚词，在影片拍摄完成的理论分析上是一个形容词。但是，在影片的创作过程中，空间是影片具体场景的体现。 往往在我们认识电影的过程中，电影的空间对于我们来讲，是一个比较广泛，不太具体的甚至是模糊的概念。
我们对电影空间的这种感觉，一般来自于我们的生存观念。 那么，电影的空间具有什么样的特征呢? 1.电影载体空间的明确性。也是我们说的银幕的二维空间。电影的银幕空间是有限的，平面的，具体的。我们所看到的空间关系是在一个二维的平面关系上构成的。
2.电影表现空间的假定性。我们所看到的银幕的三维空间是一种假定性的三维空间。电影是利用光学的、色彩的、影调的给我们创造一个生理(眼睛)感受是具体的，心理(大脑)感受是假定的空间关系和空间效果。
3.电影感觉空间的综合性。我们对电影空间的感觉是一个生理和心理的综合感觉懂得过程。既是银幕的，又是想象的;既是具体的，又是幻觉的;既是平面的，又是三维的;既是表现的，又是再现的。 4.电影画内空间的现实性与画外空间的想象性。电影是用画内有限的空间布局，表达画外的无限空间关系。我们常常是用局部的、不完整的画内空间去表达画外整体的空间关系，缝合观众心理的想象。
我们在分析电影空间的过程中，就要分析如下的一些问题： 1.影片中主要的空间构成是否参与影片的叙事与造型? 电影中的空间存在，一般的情况是作为事件发生的环境来帮助影片完成叙事。电影的空间既是事件发生的具体地点，又是推动事件发展的主要载体。
例如：影片《红高粱》中，高粱地成为了影片中“我爷爷’’和“我奶奶”情感宣泄的重要环境依据。场景的空间表达了人物，反映了性格，影片的空间直接作为一种叙事元素和造型元素，成为影片的视觉主体和审美主体。 2.影片中主要空间的跳跃是否构成巨大的对比关系? 美国影片《勇敢的心》中，英国苏格兰的地域风光和古代封闭式的城堡，这两个场景的交替，形成了巨大的空间对比，也形成了巨大的气氛对比，对影片的叙事和风格起到了极大的作用。 3.影片的空间是否具有象征意义? 电影中的空间既是主题的载体，又是叙事的环境;既是影片的视觉风格，又是影片的造型风格;所以，电影中的空间有很大的表现性和象征意义。
例如：影片《大红灯笼高高挂》中，宅院内的红色灯笼和黑色灯笼成为了人物生活的方式和人物命运的象征，封闭、灰色的宅院，作为一种环境，作为一种象征，作为一种风格，作为一种影片的故事和造型元素，独立的在影片中发挥作用。 4.电影空间是一种什么样的形式? 现代电影当中，电影的空间象征与表现形式大多是两种存在形式： 1)一个是影片的整体空间象征。利用影片中所选择的主要场景，从形象的角度象征呼应影片的主题。
2)一个是影片的局部空间象征。利用影片中某一非常有特点的场景，从特定环境的角度表达人物或者情节。
影片的创作者大多用这两种方法帮助深化影片的立意。
例如：影片《黄土地》中运用大量的外景中土地、黄河、窑洞、整体的空间关系象征，来达到影片中对中华民族上下五千年传统文化、传统风格的反思。 例如：影片《红高粱》中，我爷爷和我奶奶的“高梁地野合”的一场戏，高粱地的具体场景空间则暗示了人类生命的崇高与人性的伟大。
例如：影片《菊豆》中，运用封闭的染坊内景局部的空间关系象征，来表现染坊的兴旺与发达，来表现一个家族生命的衰败和伦理、道德的衰败。
例如：美国影片的《全金属外壳》中，海军陆战队兵营中士兵的卫生间，是一个典型的封闭、局部空间关系象征，不但很好地表现了几个士兵在人性压抑、军队压抑、环境压抑下的精神扭曲，也表现了士兵不满军队体系中军官的作风而枪杀军曹的震惊事件。
5.影片空间的表达与表现是否有独特的视觉造型特征? 影片的环境空间除了完成影片的叙事，塑造人物形象之外，还有独特的视觉造型特征。
例如：影片《大红灯笼高高挂》从画面的视觉造型特征上，表达了封建社会、封建制度、封建的家族和礼教对人的摧残。 例如：影片《菊豆》前半部分空间环境的开阔表现和处理，影片后半部分空间环境的平面表达和处理，画面的视觉造型特征，则实实在在地表现了一个家族从兴旺走向衰败的过程。
例如：影片《花样年华》中，男女主人公租用的公寓，真实的环境空间关系和拥挤的生存建筑结构，对男女主人公形成了另外的一种压抑，更给影片的人物命运蒙上了一层阴影。
七 机 位
“机位”是电影的创作者对摄影机拍摄位置的称呼，也是影片分析中对摄影机拍摄点的表述。 ·
实际上，机位是影片导演风格中最为重要的语言形式。 机位的运用是电影的叙事形式。 机位的变化是电影的镜头形式。 机位的变化规律是影片的视觉形式。
从宏观的意义上讲，电影中的机位有如下的意义：
1)机位就是视点。是决定我们从一个什么样的角度看到影片叙事的发展。 2)机位就是构图。每一个机位拍摄的画面，由于位置的不同，会产生不同的画面效果和构图效果。
3)机位就是调度。每一个机位反映了导演在空间上，在调度上是如何完成电影的叙事的。 我们知道，戏剧场面调度的核心是人物在舞台中的位置。他反映了戏剧导演对人物在舞台上每一个点和位置的处理关系。因为，戏剧的表现是没有景别的划分的，是从一个点上看到的环境关系和人物的关系。
4)机位体现了导演的叙事方式。有的导演在镜头的转换中，镜头变化的幅度比较小，有的导演在镜头的转换中，镜头变化的幅度比较大。有的导演机位变化比较有规律，有的导演则表现出更大随意性。
而电影的场面调度则更为丰富，它包含了两个方面的因素： 1)人物在场景空间中的调度与处理。
人物在场景中的调度处理应该体现叙事的需要，导演风格的要求。人物的调度既是任意的、主观的，又是受一定限制的。 2)摄影机机位在场景空间中的调度和处理。
电影场面调度的核心是摄影机机位的调度。摄影机机位的设计、运用、具体方式、变化的规律，都反映了导演的镜头意识和视觉语言的形式。在电影的创作过程中，机位的设计与运用既反映了导演的技巧，又反映了导演的叙事风格。 我们分析影片(全片和段落)中的机位关系时，要注意如下的问题：
1)具体分析导演在一场戏的镜头段落中，是从哪几个机位的点拍摄完成和表达影片的叙事的? 2)分析摄影机机位在这样一个叙事的过程(段落)中，是怎样布局的?平面的构成效果是什么样的? 3)分析影片中某一个特定的段落中(例如：表现人物的动作，表现事件的细节)机位的处理有什么样的特点? 4)在全片中和一场戏中，机位的处理与布局有什么样的规律?实际上我们在拉片的过程中就会发现，所有的摄影机机位的排列是有规律的，不管导演是否有这个意识，这种现象是存在的，我们要分析镜头处理与布局的规律。
5)分析影片中的机位是如何表达影片中的空间关系的?电影空间的表达，是通过镜头的处理来实现的，镜头的景别的远近，方向变化的多少，对影片的场景空间表达有决定的意义。
6)这样的机位处理对人物性格的塑造、人物形象的表达又有什么样的帮助?对于影片中人物的性格、形象，可以用静态的画面完成，也可以用运动的机位画面处理，这两种方法带来的结果是不一样的。
7)在影片的一场戏中，采用哪几个机位完成的叙事。有的影片，一场戏的镜头非常少，非常明确，两三个机位就完成了一场戏的拍摄，而有的影片，一场戏的镜头非常多，机位非常多，变化十分丰富才完成一场戏的拍摄，通过比较，我们也可以发现镜头处理的规律。
八 色 彩
电影中的色彩是影片中重要的视觉元素之一。
现代电影的创作，再现大自然的色彩作为技术的处理已经不是一个问题。影片中的色彩处理往往是更带有主观的处理成分。
电影中的色彩是导演手段、风格的重要的形式之一。
电影色彩的运用，在视觉上对影片的故事内容和人物性格的塑造是一种直观的表达。在情绪上则是视觉的心理暗示。 由于电影技术的发展，处理影片画面的色彩的方法已经由原来的现场加工、加滤色镜、洗印控制发展到后期用计算机直接改变，使电影色彩的使用更加自由和随意。
每一部影片都会有一种整体的色彩风格。例如：影片《我的父亲母亲》是一种黑白彩色交替的淡色、暖色关系处理，现代的时空是用黑白的画面处理，过去的时空是用彩色处理，而且是采用暖色调的方法作为回忆的部分。整个影片是暖色调的风格处理。
电影中的场景色彩基调和风格是会有区别的，一个是为了叙事的需要，一个是为了视觉风格的需要。往往他们之间的差异很大。 分析影片中的色彩关系主要侧重在如下几个方面：
1.影片的整体色彩风格是什么?呈现一种什么样的视觉风格? 2.影片中具体几场戏的色彩处理有什么样的特点?与整个影片故事情节的发展是一个什么样的关系? 3.影片人物的服装色彩是怎样和影片的叙事相配合的? 4.影片每一场戏之间的色彩反差是什么样的? 5.影片的色彩对影片人物的表达有什么样的帮助? 6.影片中主观色彩是怎样运用的?对人物的刻画与故事的表达有什么样的帮助? 7.影片中色彩关系的构成对影片的故事和情绪有什么样的帮助? 8.影片中主观色彩和视觉效果的形成是采用了什么样的技术手段和艺术处理?
九 光 线
光线是摄影创作中的灵魂。 电影光线是电影视觉风格的重要表现形式。
电影光线的使用，体现了导演和摄影师对未来影片画面视觉形式的追求。 光线的感觉表达了摄影师对导演摄影技术掌握的程度。 光线的形式决定了影片的人物形象风格。
电影的光线处理有的追求“自然、真实的效果”，有的追求“唯美、戏剧的效果”，但无论是怎样的效果，都是为了完成人物的塑造和环境的表现。 电影中的光线首先是一个技术的问题，其次，才是一个艺术的问题。 1.电影摄影创作中按光线方向和形式来划分，有如下的几种形式：
1)顺光：光线的照射方向与摄影机的拍摄方向一致或者是基本一致，阴影被遮挡在主体自身的后面，在画面的构成上没有明显的明暗光线关系，景物及被摄体的立体感，完全依赖于自身轮廓形式。
2)逆光：光线的照射方向与摄影机的拍摄方向是相反的(对应的)，景物及被摄体的边缘有明显的光线轮廓，在画面的构成上形成了明显的明暗反差，光线的效果十分生动，画面的效果十分明确而富有造型特点。逆光有全逆光和侧逆光之分。 3)侧光：光线的照射方向与摄影机的拍摄方向是成30、60、90度的夹角关系，景物与被摄体有明显的受光面和背光面之分，有十分明确的光线方向和明暗的关系，立体感十分明显。侧光有正侧光和斜侧光之分。
4)散射光：散射光的存在是由于外景自然光被云彩遮住或者是某种散光物质遮挡光线所形成的一种散射的效果。由7散射光没有明显的光源方向，没有明显的明暗关系，光线的形式使得画面的效果柔和而平淡。 5)效果光：效果光的光源方向可以是任意的，是由于某种特定光源所产生的效果。例如：蜡烛光、火光、手电光等等，效果光在我们的生活中尽管不常见，但是，视觉的效果十分明确，有时会产生十分怪异的形象和效果。
2.电影摄影创作中按光线的性质和作用来划分，有如下的几种形式： 1)主光：人物的主要塑型光源，是镜头曝光的主要依据。人物的主光可以是任意的光线形式。当然，人物的主光在具体的表现形式上，有一个明暗比例分配的问题。
2)副光：人物的次要光源，副光帮助主光共同表现人物的形象。人物的副光可以影响人物光源的反差，也可以影响人物的光比。我们可以通过控制人物的副光来达到控制人物的光比效果。
3)轮廓光：人物的外部形象光源，轮廓光既反映人物所处的位置，又反映了环境的建筑结构关系，同时表明环境的光线特点。
4)背景光：背景的光线既表明环境的光线现状，又反映了拍摄者背景处理意识。背景光不是可有可无的存在，而是环境气氛表达的一种重要的手段。
5)修饰光：修饰光完全是一种装饰的光线，可有可无。月来在人物和环境拍摄中进行必要的补充，是区别普通照明和特殊照明的重要方法。 3.电影中光线具有如下的作用： 1)塑造人物形象。 2)表达影片的视觉风格。 3)创造环境的气氛。
我们主要的目的：通过观看影片的整体画面效果，分析影片中的光线在其中所起到的叙事作用、造型作用;分析其在影片视觉风格上起到的独特的作用。
十 影 调
影调——是电影画面色彩关系与黑、白、灰关系的一种视觉感觉和整体的效果。影调的概念，是一个电影摄影中的技术问题。
有人会在影片分析的时候提出这样的问题，影片的影调效果，对于我们的常规电影分析有什么样的作用?是否有艺术上的意义? 而我们在电影艺术的创作中有这样一种切身的体会，影片摄影的影调控制和最终的效果，在影片摄影的局部上是一个技术问题，在影片摄影的整体创作上是一个艺术问题。
影片的影调，是影片总体视觉风格的表现形式。
影片的影调，表面上是影片的整体明暗关系，最终反映出来的是影片的视觉形象风格的整体感觉和影调的整体感觉。
影调在影片中的整体控制、一场戏中的控制、一个镜头中的控制，在摄影创作上是个比较复杂的系统工程，有胶片类型的选择;有摄影对洗印技术的控制;有摄影用光方式、方法的处理;有对于摄影风格的有目的的选择;有对胶片高亮度部分和低密度部分的有效控制;有镜头画面效果控制的设计与风格等等。 影调在影片的拍摄过程中的具体实施，实际上是摄影师对场景中各种亮度关系的分配。而影片中各种影调的处理，完全是导演、摄影师根据影片的内容与影片的风格来决定的。
例如：有的摄影师将整部影片的画面影调关系控制的很暗，大部分的景物控制在胶片低密度部分，形成一种压抑和沉闷的感觉。影片《花样年华》中，叙事的要求和大部分的场景是夜晚，使得影片本身更加伤感和充满了怀旧、悲剧的色彩。 例如：有的摄影师将整部影片的画面的高亮度部分有意识地控制成曝光过度的感觉，形成一种有目的的局部过度的感觉。影片《阮玲玉》中，部分场景和镜头的画面局部，有意识地控制成曝光过度的发毛感觉，而大部分的景物又不是很暗、很黑，画面的效果很温馨，充满了诗意的效果，为影片的叙事增添了不少的光彩。 例如：有的摄影师将整部影片的影调控制成一种统一的效果，形成影片的整体画面形式。影片《我的父亲母亲》中，现代时空的黑白部分，完全是有意识的高调处理;而影片过去时空的色彩部分，也完全是有意识的高调处理。使影片在影调的整体控制上也十分温馨。这完全是有意识的追求，为影片的精神塑造、情感塑造写下了光辉的一笔。
十一 对 话
对话——是影片中推动叙事发展的重要元素。 对话——是人物表达思想、表达情感的重要手段。
电影声音三要素：对话、音乐、音响。其中，对话还包括影片中的画外音、(解说词)旁白、内心独白。
影片中人物对话没有速度的要求，完全是取决于叙事的内容和人物的性格。电视新闻的播音速度是3个字秒，在常规电影中，对话的速度过快和过慢都不好。对此，导演要十分注意有效地控制。
影片中人物的对话，仍然是常规电影中推进叙事、表现人物、塑造人物、表达性格的主要的表现方式。人物对话的语气、语调、速度、表情、口齿清晰的程度，又都可以反映和表现出影片人物的特点。
在我们的影片分析中，分析对话场景的存在形式、出现的次数、控制的方法，都是我们对影片对话处理的宏观把握。 分析影片的对话有如下需要注意的几个问题：
1.对话的形式：电影中的对话形式基本上有两种主要的形式：
(1)专注对话。影片中的人物对话是镜头表现的主体和电影叙事的主要形式。这时的人物没有形体的运动和位移，没有更多的动作来帮助和表现对话的内容，完全依靠对话的内容完成影片的叙事。
(2)随意对话。影片中的人物对话是镜头表现的一个部分，人物的动作和环境的因素也是场景中叙事的重要形式。这时的人物会有静态形式、形体运动形式和位移的形式，帮助和表现对话的内容，众多的因素一起完成影片的叙事。 2.对话的内容：从总体上讲，对话的内容肯定要表达影片的叙事，但是在镜头细化分析中我们发现，对话的内容有如下的几种表达：
(1)表达影片的情节，推动影片情节的发展。这种影片的对话一般很关键，也很精彩，观众如果不注意，很难掌握影片后面的故事与人物的命运，可以说，这时的对话完全是在说情节和事件。
(2)表达人物的情感。这种对话胜过影片的情节和事件，胜过人物的动作，对人物的情感表达和压迫的整个情绪表达有非常重要的作用。
(3)表现人物的性格。影片中的人物性格，主要是通过对话来表达的，对话的语调、语气及和人物动作的配合，可以较多地表达人物的性格。
(4)表达影片的节奏。节奏是一个比较宽泛的概念，对话的节奏表达恐怕主要是对话在单位时间内给我们传达的信息量。
(5)扩大影片的信息量。在影片的叙事中，主要是通过对话的独立叙事作用，扩大影片的故事容量，所以，对话是一个独立的叙事手段和方法。 3.对话的处理：电影导演对于对话的处理可以有各种各样的方法，我们在分析过程中要看具体是什么样的方法。
(1)A说话，表现A的镜头。A在说话，就一直用A的镜头来加以表现。 (2)A说话，表现B的镜头。A在说话，但不时地插人B的反应和动作细节镜头，通过A与B的交替来完成影片的叙事。
(3)A说话，表现其他的镜头。以A的镜头为主，不时地插入其它的镜头，丰富场景中叙事的内容。 4.对话的结构：
我们强调的对话结构，实际上是指对话的构成。电影中的对话有顺序的结构处理;有开放的结构处理;有联想的结构处理;这里，就存在着直接型的对话处理和间接型的对话处理。甚至，我们可以分析对话在整个影片的构成中的比例关系。 读影片是一种精神上的享受，也是一种专业上的研究。
除了要有一定方式方法以外，更要我们有一定的耐心和信心。在今天信息发展的年代，在言必称大师的年代里，影片的手段和方法是可以学会的，但是，电影专业的修养是要靠慢慢的积累来达到的，我们只有比别人多一份辛勤和刻苦，才能达到专业水平的一定高度。
只要你付出了，你就一定会有较大的收获
第二篇：《巴顿》读解
《巴顿》的前十五秒钟，画面一出来就是一面美国国旗，看不见它的四边，用句行话说，观众只知道这面旗占满了整个画面，至于有多大，就没法估计了，因为画面上只有一面旗，没有其它的参照。同时我们听见嘈杂的人声，接着一声“立正”的口令和碰鞋后跟的声音。当然我们知道那嘈杂的声音是部队。接着一个小人影从画框正中的下边框露出来，不如说，升上来。这样的画面处理，由于参照系的异乎寻常的比例(巴顿的身影是那么小)以及纵深关系的变化(巴顿出现在国旗前，因而星条旗在观众脑海中退居后景)，于是在观众的脑海里这面旗子突然变大了，并且加强了立体幻觉，其效果很可能是“这面旗子好大啊!”这样，影片制作者在影片开始仅十五秒钟内就从视觉的幻觉效果上首先把美国和 “大”联系了起来。
主题出来了。这可是最高档的政治宣传。它妙就妙在用的是光波和声波组成的视听语言在观众心理所造成的自然反应。你反帝国主义，可当你看这个镜头时，那旗子还是变大了。你可以说美国并不伟大，可巴顿说，我没有说美国伟大，我只上到台上来对自己的士兵发表演讲，你抬什么杠。因为电影的视听语言是在摹拟人的视听感知经验，所以它的银幕形象如果搞准了，就象这面旗子那样产生的变，是不可抗拒的。
接着巴顿向前迈了四步，立定，敬礼，响起美国陆军的升旗军号。影片制作者就利用这升旗的时间，用十几个镜头，通过视觉语言塑造了巴顿的视觉形象：雄纠纠的戎装，包括马裤、马靴和钢盔，白眉、琳琅满目的勋章、结婚戒指，天主教教皇赠给的戒指，象征着军纪的马鞭，象牙把手枪，美国装甲第三军的军徽、炯炯有神的眼睛、四星上将(注意：其实是德国投降后国会才把他升为四星上将的)。从这前一分半钟，观众已经获得许多印象深刻的信息，可一句文字语言都没有。
升旗仪式结束，巴顿说了一声“坐下”，我们听见台下的人坐下的声音。请注意，在这整个开场的六分半钟里，我们只看见巴顿和听见听演讲的士兵的动作声音，没有见到另外一个人。为什么，下面再讨论。
巴顿开始演讲。其内容就是吹嘘美国人能打仗，从来没有输过。我觉得最有军事哲学思想的就是他的第一句：“没有一个蠢杂种赢得战争是靠为国牺牲的，他是让对方的那个杂种为他的国家牺牲而赢得战争的。这是非常精辟的一句话。有人赢得战争是靠死人死得多。训话就不必多说了。我们注意到，当巴顿在台上讲话时，他是来回左右走动，摄影机位慢慢往前移，景别在他演讲结束说最后一句话时，成为此段中最大的特写，然后他转身下台，结束，音乐起。这是一个非常漂亮的节奏结构。同时他的上下台动作，向前迈四步，和在台上左右横移，形成了一个立体的长宽高的运动，展示了一个立体空间，这也正是好莱坞电影儿的窍门。人是生活在立体空间之中的，所以人习惯看立体空间。
让我们进一步研究一下这个段落是怎样拍的，以及为什么要这样拍。(再提醒读者一句，重要的不是拍什么题材，而是怎么拍。雷锋的故事谁都能拍，但是不同的人拍出来的结果是不一样的。) 我们注意到，当巴顿在中远景在舞台上左右走动时，他最多是踏着画框底线走的，所以没有露出讲台来。另外，当巴顿演讲行将结束时，他是转身回头，双目注视着摄影机镜头(亦即观众)说出的那最后一句话，“我愿意在任何时候，任何战场上，率领你们中的任何人去战斗。”要注意，好莱坞电影的成规之一就是银幕上的人物的眼睛不能看观众。因为人物一看观众，两者的视线相交，这个镜头就变成了观众的主观镜头(这才是主观镜头)，而这条视线就把银幕上的世界(空间)和观众所处的现实世界(空间)连接在了一起，这样观众就会把这两个空间进行对比，于是那个银幕上的世界的幻觉就消失了，好莱坞的梦幻工厂就破产了。可是这部影片的导演偏要巴顿长时间地看着镜头。这起了什么作用呢?我后来在课堂上问过许多学生：“巴顿看着谁?”他们多半从综合艺术论往深里考虑，什么他在深思了，他看着天空，他看着观众。就是没有一个人说出自己最简单的最直接的感觉：他看着我。而那些根本不懂电影的听众却毫不思索地说，他看着我啊。对了。这是感觉。每个观众都感到巴顿的眼睛盯着自己说， “我愿意在任何时候，任何战场上，率领你们中的任何人去战斗。”你去不去吧!巴顿是在招兵买马。司各特的巴顿的个人魅力在片头训话这一场中更是被展现得淋漓尽致。
那么我们再把所有上面提到的因素集拢起来，就可以清楚看到创作者的意图。画外空间的声音所暗示出来的那批人始终没有露面，而摄影机固定机位的取景，正是观众席的视点。摄影师尤其注意不让讲台出现在画面中，巴顿大多是脚踩画框底线，这是一个专心聆听的观众的视点。然后巴顿最后还看着镜头，这样观众就明显地感到他们占据的正是那讲台下的空间，这样就迫使观众与影片中的听众认同，即观众是和他们一起在听巴顿的演说。
影片开始的六分半钟，是巴顿登台向士兵发表鼓动性的演说，可是我们从前面的分析中发现导演的处理，对每个镜头的视听因素的处理都没有表现或暗示听讲的士兵的存在，而是指向观众(更具体地说，是指向1970年的美国观众)，这就完全揭示了影片制作者的意图：对当时的青年观众进行宣传鼓动工作。这一意图在序幕中贯彻始终。那么当时的青年主流是什么样的呢?反对越战，拒绝服兵役。
现在我们明显地看到，如果把这一场戏象不少中国的影评家那样完全看作是一段演说，那就大错特错了。对一部影片的评论，任何电影理论都应以镜头画面为基础，而不应是文学性的评论或戏剧性的空头理论。为什么文学评论不提电影的属性，为什么戏剧的评论不提电影的时空。仅仅是欺侮电影年纪小吗?年纪小就不允许从其本性出发来研究，而必须从电驴子的角度出发来研究问题吗?在这部影片中是找不到文学或戏剧根据的，而文学或戏剧评论也不可能做出以上的分析。有的评论家在分析这一段落时，侧重分析巴顿的演说内容，那可真是走题了。那是缺乏视听读解能力所致。这是一段十分高超的军国主义心理战，它充分利用了电影语言的威力，而司各脱的演技也使许多观众忘却了他的演说的实质。
那么为什么导演要这样来处理影片的开场呢?
我们来研究一下影片问世时(1970)整个美国的社会情况。 看过《巴顿》的观众是否都感觉到了这是一部宣扬美国帝国主义黩武精神的宣传片呢?似乎有人认为这部影片是反黩武精神的影片。我们的社会主义的中央电影台把《巴顿》播放了五次以上，这简直是莫明其妙。是不懂电影所造成的最大的错误。难道我们不知道，有不少年青人看了我们拍摄的介绍美国的纪录片后，他们真想到那水深火热的地方去。你那水深火热的解说词有什么用。画面征报了他们。
还有人认为这是一部爱国主义的影片。爱国是具体的，我们不能用日本二战期间的他们的爱国主义影片来教育我们的人民。因为电影的视听形象是那样的具体，结果会去爱日本了爱美国了爱巴顿了。我们不能根据自己的好恶、或创作者的宣言来判断一部影片。对任何艺术作品的评价，首先必须全面地考虑作品的时代背景以及作品的表现形式。就一部影片来说，其表现形式必须是镜头画面，而不是什么文学性。要知道，好莱坞电影儿从来是用视觉形象( image)讲故事的，而且它是从来不会违反美国政府的对内对外政策的。还有，好莱坞电影是生意经，迎合观众是它首要的任务。它从来都以票房为准，它要迎和当时观众的趣味和社会思潮。把好莱坞的电影制作者(他们称自己是filmmaker 即电影制作者，而不是创作者，这是有道理的)看作是艺术家，把他们的作品看作是创作者表达自己个人见解和具有个人独特风格的艺术作品，是错误的，是贬低了自己。试想，有人竟把娱乐片看成是艺术片，比如说，把《虎口脱险》看成是精品，其人水平之低下，可想而知。 现在我们来研究一下六十年代末至七十年代初这一时期的美国社会背景。美国历史学家把这一时期称为美国历史上的 “黑暗时代”，一个分崩离析的时代。继冷战和军国主义之后，肯尼迪、马丁〃路德〃金以及其它政治行刺和水门事件，使美国人对美国政体的信念产生了动摇。人权运动带来了黑人和学生的造反运动。而黑人的人权运动继反对种族隔离的要求之后，提出了要求种族隔离的口号，即 “黑色政权”(black power)，并在1967年发展到在底特律、芝加哥，甚至在首府华盛顿等城市，黑人拿枪上街，和警察发生枪战。而大学生则停课闹革命，在校园里造反，政府出动军警镇压，前后打死了四名大学生，在社会上掀起轩然大波。另外就是侵越战争的失败在1970年已成定局，美国第一次无可争辩的失败。
美国青年纷纷拒服兵役，当众烧毁兵役证，拳王阿里就是在那时因拒服兵役而被判入狱的。这次在美国军事史上的第一次彻底失败，甚至使一向以美军胜利出击为大团圆结尾的战争类型片也告破产，面对着越战失利的现实，战争类型片已无法继续存在。唯一一部于1968年拍摄的宣扬越战的《绿色贝雷帽》(Green Beret)，尽管仍是由一向扮演美国英雄的约翰〃韦恩(J.Wayne)主演，但依然遭到了票房的失败和评论界的非难，评论界把它称作“战争片的最后灭亡”。
《巴顿》就是在这一特殊的历史条件下问世的。请不要忘记，同样的情况，曾在我国举行的第一次美国电影周上公映的那部好莱坞电影儿《猜猜谁来吃晚餐》也是在这个时代( 1967) 拍摄的，而它的内容是和当时反政府的人权运动中的黑人解放运动所提的口号“黑色政权”是对着干的，也就是说，当黑人解放运动提出种族隔离的口号时，这部影片却说我们通婚吧。中文字幕是在香港打的，字幕有意把该片对话中两次提到否定黑色政权的话取消了。我们开口闭口坚持无产阶级意识形态，但实际上却在替反对我们意识形态的作品做宣传。
乍看上去，这部讲叙第二次世界大战中家喻户晓的传奇英雄的影片似乎是游离于当时的社会政治之外的，因此它更象是一部关于一个真实的历史人物的传记体影片，于是人们往往忽略了它首先是一部好莱坞影片，是一部拍摄于1970年的好莱坞影片。这种忽略就必然导致人们对该片错误的价值判断，而这也正是好莱坞所希望发生的，只因任何赤裸裸的说教都必然会引起观众的反感，从而也就无法达到其真正宣传目的。好莱坞非常精于此道。在好莱坞有一句名言，“说教吗?租一间礼堂去。”于是在巴顿这个真实的历史人物的幌子背后，是一个浸透了全套好莱坞价值体系的、一个赖以达成好莱坞神话的巴顿。这个神话就是英雄崇拜。
该片的主题是美国的 “尚武精神”。美国政府虽然没有一个掌管意识形态的宣传机构来制定文艺作品的宣传政策，但是从生意经出发、因而以社会的集体文化观念为基础的好莱坞制片业，是从不违反美国政府的对内、对外政策的。此外，好莱坞拥有一批喜欢看战争片以及崇拜个人英雄主义的观众，满足这批观众的要求是它的财源之一。所以它选中了反法西斯战争中，美国人民心目中的战争英雄巴顿将军的一生为题材，以唤起美国青年的战争冒险精神。这样，巴顿传记的题材既躲开了越战这个有争议的、棘手的敏感题材，又带有浓厚的反共色彩。要知道，不论社会主义国家之间存在着什么分歧，对美国人来说，共产主义就是共产主义。更何况在七十年代初，冷战局面尚未结束(古巴导弹事件刚过去不久)，这些问题对美国观众依然有着很大的吸引力。
巴顿是美国人心目中的英雄，早在一次大战期间，他所率领的坦克旅就在圣〃米哈依尔战役中立下战功，他本人荣获英国服役优异十字勋章。在第二次世界大战期间，他率领了第一支美国参战部队在北非登陆。而后，他的第三军在第二战场上又是一支屡建战功的主力，尤其是在巴斯东为 101师解围，以及殴打患炮弹休克症的士兵事件，使他在世界范围内成为一个传奇式的人物，甚至象我这样经历过二战的远在东方乡下的中学生也知道巴顿。他被大多数人认为是美国唯一能够打硬仗的指挥官。
在好莱坞导演笔下的这个神话人物可以说是美国式的三突出的人物。电影读解能力比较强的人会发现，给巴顿的镜头大多数都是微微上昂，导演不仅把他的英国竞争对手蒙哥马利有意先了一个比巴顿矮小的演员来扮演，而且在两人处于一个镜头里的时候，机位取景有意造成巴顿比蒙哥马利高出一头，在麦西纳入城的那个段落里特别明显。另外有一个违反了生活规律的手笔，即巴顿打飞机。德国的亨格尔俯冲下来扫射时，巴顿毫不躲闪地义开两腿对准飞机用手枪对射，而德国飞机机枪的弹着点从远处一直延伸到巴顿两腿之间的后面，那他还不被子弹辟成两半?刀枪不入，但在连续的短镜头之中，观众不容易觉察。只引起了赞叹。还有巴顿打士兵后，艾森豪威尔要他下部队去做检讨。他在做检讨前，先在教堂祈祷。摄影机采取了低机位，巴顿跪在祭坛前，天主在上，巴顿在下，这是符合他们的宗教信仰的，但是这个低机位设得很巧，当巴顿跪在那里时，低机位的摄影机与他持平，但是当巴顿站起来时，摄影机往上跟摇很自然地形成一个巴顿的大仰拍。检讨前用大仰拍?导演的POV(即视点态度)就已经十分明确了。别忘了，机位一摆，创作者的态度就定了。你为什么把摄影机摆在这里，不摆在那里，你有你的想法，你有你对镜头中的事件的态度。当他走出教堂后在皇宫的院子里行走时，导演终于用了一个大俯拍，而且这是全片中最大的俯拍。我觉得它在整个影片结构的节奏曲线中所处的位臵极为准确，它跟下一段落的巴顿最暗的面部镜头(最暗的光)在节奏曲线上是相呼应的，是符合剧情发展的。不过这个镜头的取景是例外地以静态的绘画构图为准。非常严整。两侧是均匀的宫廷，前景是建筑物的投影，在画面上方两侧斜停着两辆坦克，一左一右。巴顿的极小的身影从正中徐徐移动。非常威严庄重。虽然是最大的俯拍，但毫无贬意。当他走到检讨的平台时，升降机上的摄影机从持平开始，一面向右跟摇，一面升起，最后成一个大俯拍。可是当巴顿一开口时，机位立即跳到平台下仰拍巴顿，太阳在他的后面，几乎形成光晕。导演找到了仰拍的根据，因为巴顿的第一句话是，“你们知道有人要我到这儿来让你们看到我是个狗娘养的。”这句话引起全场哄笑，巴顿胜利了，检讨的气氛全被这句话破坏了。摄影机也就赖在那里不走了，一直保持仰拍，直等到巴顿的检讨说到“我承认我的方法是错误的”，当错误两字出现时镜头才切到从巴顿背后拍的大俯拍。但等这两字过后，又立即回到原来的仰拍机位。然后等到第二次巴顿又说，“希望你们接受我的解释和(镜头切到大俯拍)道歉。”镜头马上又切回来，巴顿转身，说了一句“解散”。这段极有趣，导演的POV太明显了。他是那么舍不得离开仰拍镜头，那么不愿意贬巴顿。这是关于巴顿这个神话人物的三突出的实例。(顺便提一点。有人说我对开场的阐释犯了和综合艺术论者一样的毛病：主观。请不要割裂地来谈问题，我的阐释始终是以影片的镜头为依据的。把我对镜头的分析撇开不谈，割裂地来谈我的阐释，这是理穷词绝是的一种做法，十分恶劣。比如说，在德国法西斯的影片中出现了希特勒的镜头。这是一个远景，他靠画框左侧站在很高的讲坛上，在他下面，讲坛的前帘有一个很大的万字徽号，画框的右后方还有一个德国鹰的雕像，它脚下是一个立体的万字徽号。这个镜头是一个客观的存在。它所表达的思想非常明确。有人看了兴奋已极，就象在我国有人一谈到文化大革命就眉飞色舞，感到阳光灿烂。有人看了极其反感。根据都是那同一个镜头。对同样一件事物，有不同的态度。可是综合艺术论排斥本体，它根本不以客观系统为依据。它是从主观到主观。最好是把问题弄清楚再发言。有人又说，我谈影片制作的背景不是也和综合艺术论者一样吗?请举出一篇综合艺术论者对某部影片的制作的社会背景进行分析的文章出来。可又举不出来。不要这样，这样不好，不是一个正派人的态度。就差没有说，综合艺术论者不是也呼吸吗?也吃饭吗?难道你不呼吸，你不吃饭?我的分析方法是综合艺术论者根本做不到，他们从来不以镜头为依据的，他们从镜头不所看到的并不比普通观众多。为此我们也曾争论过。这种胡搅蛮纠的作风正是大陆中国的特点，它表现在各个方面，所有的领域。对老年人的观点不服气，这是好现象，可是用老老人的观点来反老年人，那也未免太丢人了吧。我希望听到年青人的比我的观念要超前的观点。)
重要段落的分析
注：尽管爱森斯坦和巴赞的理论是针锋相对的，可是他们二人在讨论到影片结构时，都只谈到段落为止。这是正确的。因为首先，电影的相对时空结构非常自由，没有一定之规。其次，光波声波的连续性使得影片的结构可以相对松散。所以我们对一部影片的分析总是侧重于段落分析，而不是什么小说式的、散文式的、诗的、或舞台剧式的结构分析。《巴顿》这部影片作为影片分析课中的一个范例，我们更侧重于对电影元素的读解。
(一) 影片的开场
巴顿走下讲台后镜头淡出,接着就从远处传来军声:533533533然后变成334334，很象古罗马时代的军队所使用的那种和喇嘛用的法号相似的号角,于是片头字幕开始。画面上出现北非的古战场的远景和鹫。几声军号以后，出现由管风琴演奏的影片的主题1-12 3-1-5-65 5-2-3-12 3-5- 1-76 5--，在这主题中还时时插入小鼓点。最后一支短笛和圆号引入了美国的军乐。在片头字幕结束时，那军号声又出现在远处的山谷里。
我在这里特别从乐器来谈影片的音乐，那是因为作曲家对这部影片的音乐处理有一些不寻常。
作曲家杰瑞〃戈德史密斯(J.GOLDSMITH)是好莱坞的多产作曲家，熟悉好莱坞影片的观众都比较熟悉他，他的路子，即风格手法比较宽，可以适应不同风格的导演。在这部影片里，他主要用了三种乐器，一是军号，二是管风琴，三是小鼓和短笛。这四件乐器和巴顿有着密切关系。片中那个奉命研究巴顿的德国尉官给巴顿的评语是浪漫主义气息的军人，因为他仿佛总是生活在古战场。我们至少有四次看见他不是在凭吊古战场，在餐桌上谈古战场，就是在和下僚介绍古战场。这正是作曲家用古代军号的根据。微弱的军号给人以遥远的历史感。庄严的主题用管风琴来演奏，因为巴顿是天主教徒。而管风琴最早是天主教教堂里使用的。
这里需要提请读者注意的，在不研究本体的人心目中，如果谈到电影音乐，那就是主题歌。主题歌是电影声音出现后，大家还不知道该怎样有效地来运用音乐，于是就借用歌剧中的主题歌的形式，尤其是华格纳的连每个人物都有主导动机的做法，所以电影的主题歌是相当陈旧的表现手段。欧洲有些电影大师不太喜欢用主题歌这一形式。但是从生意经来说，主题歌是一般观众容易接受的、可以哼唱的电影音乐。但是在影片中感染观众的却不一定是主题歌，而是观众没有有意识注意到的音乐。
美国军乐的出现因为巴顿是美国军人，而在美国军乐中短笛和小鼓特别突出。大概是在独立战争和南北战争时期的美国军乐相当简陋，就是短笛和小鼓。二战期间有一幅很有名的宣传画，高大的老爷爷吹短笛，矮小的小孙子，头带纸叠的三角帽，他打小鼓。当巴顿在凭吊古战场时，远处又传来那军号声。而在他的第一次战斗前披挂戎装的镜头中出现的是管风琴，这一段音乐的运用留待后面分析阿尔格塔之战的节奏处理时再着重讨论。
(二)阿尔格塔战斗的节奏因素
这是一个相当精彩的节奏段落，我感到这是导演精心设计的，同时也不要忘记了该片的编剧是初出茅庐的科波拉(《教父》、《现代启示录》的导演)，从剧本段落的安排来看，编剧已经为导演提供了构成节奏的基础。我们不妨先看一下前面的几个段落。巴顿司令部在开会，空军司令来访。这是一个室内的静态的段落，德国飞机袭击司令部，是强烈的动作段落，以巴顿用手枪打飞机结束。巴顿和副官在坟场，大远景，没有特写，整个段落是灰蓝的极泠的色调，静，只听见远处传来那军号声，并以巴顿离开坟场的特大远影结束。德国司令部，地下室，参谋长要求隆美尔做出对付巴顿的决定。然后是阿尔格塔战斗，接着是完全静下来的巴顿为他的副官送葬的静场。你们看，是不是静-动-静-动-静，节奏曲线的基础已经形成。舞台剧可能吗?我们需要这样的编剧。
德军司令部的最后一个镜头是隆美尔的中景，他身穿深色军服，光区是右上角到左下角的一道很弱的光，隆美尔的第一句话强，第二句弱下来，切。 整个画面是暗和静，巴顿的副官和勤务兵开门进来，光区与上一镜头同，右上角到左下角的一道很弱的光。这样我们可以理解为，前一段在最后一个镜头光和声都是向下的，这样很顺地接到下一个段落，它的光和声也是从零开始向上升(镜头的衔接不一定要顺，不一定要流畅，根据内容的需要而定。一味地讲流畅就没有节奏了)。勤务兵走到里面去开窗。这是一个经常看到的生活里的动作，可是仔细观察一下，你就会发现是导演安排好让他去开窗，加光!你后面会看到，艾尔格塔战斗的前一段的光在每个镜头的切换中都在逐渐变亮，有节奏的变化。当窗打开时，镜头切到巴顿床头柜上摆的隆美尔的著书“进攻中的坦克”，窗外的光照亮了这本书。副官叫醒了巴顿，向他报告敌情。巴顿的近景反应镜头，切。(如果你再仔细地审视的话，你会发现房间里所有的家具都是阿拉伯风格的。虽然我们不太熟悉阿拉伯文化，但是从家具上的花纹就可以判断出来。这是美工的手迹。细节是非常重要的，好莱坞有一句格言：“越是虚构的故事，细节越要准确。”) 室外，艾尔格塔附近，阿拉伯骆驼队的帐蓬前的阿拉伯人，背景是帐蓬内的暗处，所以和前一个镜头是接的，镜头逐渐后拉成全景，也就是说，越来越多的光进入镜头，骆驼卧在地上，有些动，好象有所感觉，同时突然一声驴叫，骆驼动得更强了。我们知道，动物的听觉频率和人不一样，所以它们可能听到什么动静，而人并没有听到,你们看，光和声，也就是视觉和听觉因素都开始逐渐加强。注意，是逐渐，你可以画出一个很缓的上升节奏曲线。帐蓬前的阿拉伯人开始动作起来，间歇出现的小鼓点的声音。最后一个镜头是阿拉伯人慌张地在收帐蓬。切。
室内，静，巴顿在着装，我们看见，他的钢盔和马鞭在背景的台子上摆着，还有他的念经台靠墙立着。注意听音乐，接连敲出1和低八度的5的定音鼓在四下之后，管风琴奏出主题(11231)，再接两声定音鼓，切。其实定音鼓在这一段落的第一个镜头就开始了，不过很轻，没有引起我们的注意。可是从现在起，可以十分注意定音鼓，每个镜头的切都是在定音鼓的点上，镜头中的人物的每个显著的动作也都是在点上的。
骆驼的强烈的运动的近镜头冲进画面，天已大亮。节奏跳上去了。骆驼队从左边的斜坡冲下来，横过大道，从右出画。一只落伍的小羊跑下斜坡，镜头在定音鼓的鼓点上切。
勤务兵庄严地捧起钢盔，随着主题音乐的节奏给巴顿带钢盔，好象古代骑士披戴盔甲的仪式。巴顿慢步走到镜子前，在定音鼓的鼓点上开口说话，歇，又在定音鼓的鼓点上说第二句，话音一落，下一拍子，切。
巴顿站在未来战场指挥所的背影。下一段落开始....... 整个段落(包括战斗场面)的节奏型是阶梯式的 ■ ■■ ■■■■■ ■■■■■■■ ■■■■■■■■■■ ■■■■■■■■■■■■ ■■■■■■■■■■■■■■■ ■■■■■■■■■■■■■■■■■ ■■■■■■■■■■■■■■■■■■■■
最令人赞叹的是，那个定音鼓怎么能和镜头的剪接点，镜头内的明显动作那么地合拍?
尤其是巴顿最后在镜前的两句独白竟也开始在定音鼓鼓点上。要知道，制作的顺序一般都是在粗剪以后才轮到作曲家上场。这也就是说，那一段的节奏不是作曲家给的，而是剧本、导演、摄影师、演员给的。真是太棒了。这一段给我的震动很大。这是在1970年拍的片子，三十年后的今天，我们的制作达到这个水平了吗?这一段才可以有资格称作精品，不是什么东西随随便便就可以冠以精品的美名的。 这一段的配音译制本该是很容易的事，那是现成的东西。可是我们的译制喜欢在他人的创作上搞什么“再创作”，译制片的录音师把音乐，尤其是定音鼓敲击的轻重给破坏了(轻重是节奏因素，我的老弟!)因为我们的综合艺术论在电影中最强调的是“对话要听清楚”“人脸要看清楚”(大功告成!)。因为我们的剧本中的情节象舞台剧那样，只靠对话，不，在他们心目中不是对话，是台词。这一段只有巴顿的两句话，在原片中巴顿是用气声说话的，尤其是第二句，这样就和那主题音乐混成一体，在一条统一的节奏曲线上进行。译制片的全体创作人员显然没有读到这条节奏曲线，于是开始进行“再破坏”，给巴顿配音的那位配音演员是用打嗓子眼里蹩出来的字眼来念这两句话的。这样，整个段落的节奏就被他破坏了。真伟大啊。他们会说，我们为什么要照老外的呢?隆美尔的那两句配得还不错，也做到了第一句强，第二句弱。我发现，中国电影演员不会用气声说话。北京电影学院表演系的学生还练吊噪子呢。为什么?综合艺术论说电影有戏剧性，电影象戏剧，所以我们银幕上的表演，最好的也象舞台剧。有一次我在班上说，我们的电影表演象舞台表演，一位留学生不同意，他说你到欧洲和美洲去看看，我们的舞台表演比你们的电影表演还要生活化。后来我到美国访问时，专门为此去看了一次他们的舞台剧。果真如此。
后面的战斗段落用文字说起来可真是忙不过来，文字不能胜任，就免了罢。可是有一点要指出的，那就是它和前一段一样是一条阶梯式的曲线。注意所有的光和声的因素，开始是声音的作用很大，注意运动速度，景别，运动方向的变化，镜头的长短，爆炸点的安排(包括是和切换同时开炮或爆炸，或切进来，等一会儿再有爆炸。看看你作为一个普通观众，是那个紧，那个松。)在巴顿下令开始射击时，出现几个一连串的炮筒射击的极短镜头，注意，炮筒是相对的，//，这叫越轴。不准越轴是好莱坞首创的成规，可《巴顿》就没管那套，只看内容的需要。福特在《关山飞渡》(1939)也没管那一套，《遥远的桥》，《法国贩毒网》、《给苔西小姐开车》都没有遵守。可我们中国的创作者却死死遵守老外设的那一套。这是我们有些导演学会的有限几招手法，用来体现文学的。所以我们不叫电影语言，叫技巧，叫手法。
第三篇：《江南的湿度》读解
《江南的湿度》这本诗集被冬箫诗人一共收入了146首，并被分成三个部分：《生命的哑默》、《幻化的声音》、《自然的情绪》。下边，我就对该诗集里的诸首诗作的读解方面的个人看法分享给大家，请大家多提宝贵意见，以便相互学习。谢谢!
《忌日》是《江南的湿度》里的第一首诗歌，从“不许快乐的日子特别安静”到“生和死都在这个时刻一同怀想”，充分流露出了诗人对“生命”这个问题的思考、推敲和诘问的那份心绪。
“生和死一起贴近盒壁”这个诗句出现在《骨灰堂》这首诗，藉此可见诗人对“生命”这个问题察觉的敏感度。
在《中年抑或青年的尾巴》里，诗人在对“生命”的思考里发现了生命质点的位移与其存在的关系，并极富想象力地带着一种幽默感形象地喻指以“尾巴”。
《对生活不用怀疑》，反映出诗人把对“生命”思考转换了一个角度，即“生活”。“生活”不但与“生命”有关，而且跟“生命”的诞生、成长和死亡存在着必然的关系。
《慢慢地》：“其实慢慢地也很快/一分一秒很慢，但一眨眼/就已经人到中年”——这显然反映出了诗人对“生命”这个问题的思考又转换了一角度，即“时间”。——“时间”不是生命，但是生命必然跟时间纠结在一起，并粘连到时间的每一个点位上。
《路上的年轻人》：“路上的年轻人保持着我当年的姿态/或者行头更年轻些/但我不羡慕他们”——这是诗人从“岁月”变化这个角度去思考“生命”这个问题的。
《千里之外》：“失去你等于失去一种特殊的声音/千里之外/有人留下了信念和灯盏”——这是诗人从“声音”这种无质量、无重量，只是传递能量的波的非物质角度去思考“生命”问题的。
诗人在《今晚我一个人》里没有正面反映什么问题，却以“赋”的创作手法，点到了“星光”、“徐徐凉风”、“栀子花香”等，这恰好明证出了诗人在“生命”这个问题的拷问。
诗人把《我们俩》这首诗写得充满了浪漫的情调和温馨，但是这却不是一首“爱情诗”，而是诗人从“我”这个简简单单的人称代词出发去诘问“生命”。“我们俩”，实际指的就是“我”和“生命”。
要解读《缘分——致cy》这首诗，首先得搞清楚“cy”这两个字母的语义。对此，我们有必要去援引诗人在该诗作里的一些诗句，以帮助我们去理解。“它来的时候，没有惊动别人/安静，就像/世间飞扬的两颗尘粒/悄悄碰在一起，然后/合二为一”“或许有一天，他们会一分为二”——从此可见，“cy”即是“次月”的汉语拼音的两个声母的抽取。——诗人从属于时间范畴的年月日里的这个“月”的生成、推进与演变的角度去诘问“生命”，这个视角既普遍又独特。诗人在书写这首诗时，使用了颇具浪漫特色的笔法。
诗人的《关于苹果(组诗)》，在创作方法上可谓含蓄，但是在解读方面不能涉足“意象”;也就是说，拿解读“意象诗”的方式方法去理解其内涵，那就会陷入“不可知”的迷茫境地。那么，怎样解读之呢?首先要破译“苹果”的喻意。——“苹果”有哪些喻意呢?我们通过查找一些资料，结果发现“苹果”的喻意大概有这么一些：
1、与平安有关;
2、与诱惑、纠纷有关;
3、与女人有关;
4、与和谐温馨、幸福有关;
5、与睡梦中所见有关。——大概知道了“苹果”的喻意，接下来就去试着理解诗人“关于苹果”的组诗的含义。对诗歌的理解过程，是一种潜在的心理活动，必须得展开想象的翅膀并像不忘觅食的鹰一样遨游于苍穹;只有这样，才能通过诗人诗作的字里行间去把握诗人的所思所想。——读诗，如果通过诗行的字里行间读不懂诗人的所思所想，那不但是对所读的诗是瞎猜乎而且简直就是“文盲班”进修。——诗人在《开始写苹果》里开篇就说：“我没有尝过，所以/不知道她的滋味/但她的颜色/从肉里往外红。表面的年龄/接近快乐”因此我觉得诗人的这首诗与一位初入社会的少女有关，但是诗人恪守着自己的道德情操，暗里观察，并默默地思考着某一“生命”的发展、变化的历程。按此理解去解读《关于苹果(组诗)》，即在诗人顺次而下的《第二次写苹果》、《再次写苹果》、《最后一次写到苹果》的几首诗作里，我们不难发现并敢断言：这个“苹果”组诗就与某一位曾经接近过诗人的姑娘有关，但是在诗人的心目中，尊重他人的“生命”即是对“生命”的爱护，至于某一个个人的命运如何，那要看一个人对待自己生命的自我珍爱程度如何——这里边包涵着自己的具体行为。
《仅有一天(组诗)》其实是诗人委婉的“独白”或者“忏悔”。因为诗人在《仅有一天》一诗最后有这么两句诗：“因此，我把情人/译成了——仅有一天”——我曾经说过，诗人也人。因此诗人的七情六欲跟别人不差。我目睹到那些“苹果”被“野猪”们糟蹋，暗地里真的为她们感到惋惜。风流的诗人大有人在，而风流的诗人却多有一颗与人为善的心。跟诗人接触的“苹果”，诗人以其独有的行为方式拿美好的诗句反映出来，相比较而言，“野猪”们是做不到的。“苹果”的生命和命运在诗人那儿被得到美丽的升华，但在“野猪”们那儿也许就是豆腐碴。——所以，诗人的这个组诗是从异性的角度去思考“生命”并试图努力地去解释人生、命运和生命的。
诗人的《等待》这首诗可能会在不同的读者那儿产生不同的认识，行为诗人在《等待》里透出的意思并不很明朗;不过我的理解是：“等待”需要耐心、意志和毅力，因此这就纠结着一种“生命”的存现性。所以，该诗还是诗人对“生命”问题的一种思考。
《大宅》这首诗是诗人从人之为人的具体居所这个角度去发现、思考“生命”的存在及“生命”的发展变化的。
《当我写下那些白色的文字》“当我写下那些白色的文字/没想过有多少人看到了它的骨：架/就像空气，只是风/才使它出现得凛冽或者温暖”。——这是诗人对自己文学创作结果的一种遐思，这也是每一位文学作者共同的心理意识。这样的“遐思”或者“心理意识”对每一个文学爱好者而言，在自我生命谋求存在的发展历程中，也许还搀和着痛苦。
第四篇：《星期五女郎》读解
《星期五女郎》(HIS GIRL FRIDAY)经典叙事电影
星期五女郎(HIS GIRL FRIDAY)
1940，哥伦比亚出品
导演：霍华德•霍克斯
编剧：Charles Ledere
原著：Ben Hecht和Charles MacArthur合著The Front Page
摄影：Joseph Walker
剪辑：Gene Harlick
音乐：Morris W.Stoloff
演员：Cary Grant，Rosalind Russell，Ralph Bellamy，Gene Lockhart，Porter Hall
《星期五女郎》给人最深刻的印象是它的速度：它通常被认为是有史以来速度最快的有声片。因此，在分析时要放慢它的脚步，先将影片分成若干部分，然后观察各个部分之间如何在逻辑上、时间上和空间上相互关联，然后我们就可以分析出经典叙事形式的构成，以及特定的电影投巧如何制造出令人目眩的观影效果。
《星期五女郎》由经典叙事电影的基本单位——场景(scene)——所构成。通常场与场之间以“叠化”、“淡入淡出”和“划”来分隔，每个场景分别代表不同的空间、时间和叙事段落。本片可以列出13个场景，分月是：
(1)晨报办公室(2)餐厅(3)刑事法庭的记者招待室
(4)华特(Walter)的办公室(5)艾尔•威廉(Earl William)的牢房
(6)记者招待室(7)州立监狱(8)记者招待室
(9)司法长官办公室(10)监狱外的街道(11)记者招待室
(12)司法长官办公室(13)记者招待室
以上各个场景之间，除了第8和第9场之间以“切”的方式之外，均以叠化方式转场。
在每个场景内发生了很多剧情。例如，场景1的银幕时间大约是14分钟，介绍了几乎所有的主要角色和两条叙事线。另外，在场景13中，所有主要演员全部出场，总共33分钟。
因此，为了方便起见，我们可以将较长时间的场景，根据人物之间的相互关系，分成较小的单位。所以，第1场就包括：(s)晨报办公室的介绍;(b)海蒂(Hildy)和布鲁斯(Bmce)的第一次交谈;(c)华特与海蒂谈论过去;(d)华特与达菲(Duffy)谈艾尔•威廉的案子;(e)海蒂告诉华特她要再婚;(f)华特与布鲁斯见面。要掌握长时间场景的戏，可以如以上方式将之分成较小的部分。当然，以人物进出场(而不是地点的转换)来分段，可能会造成“戏剧化”了整部电影的感觉。但无论如何，人物之间相互关系的发展推动了电影的情节进展和内在速度的形成。
场景的作用在于推动剧情的发展。我们在第四章中已经提到，经典好莱坞叙事电影，通常将剧情围绕在具有特定性格特征的主角想达成的特定目标上。角色之间冲突的性格和彼此抵触的目标，将故事在因果发展的情节中层层推进。《星期五女郎》就有以下两条因果链：
1﹑罗曼史。海蒂•琼斯希望辞去新闻记者的工作，与布鲁斯•鲍丁结婚。这是她的目标。但
是海蒂的主编即前夫华特•伯恩斯的目标却是：希望她留下继续工作并与他复婚。由于这两个目标，两主角就在好几个层面上彼此冲突。首先，华特引诱海蒂写最后一篇采访稿，以允许她辞职与布鲁斯结婚为交换条件。华特同时也设计让布鲁斯遭抢。海蒂知道详情后撕毁了稿件以示抗议。华特继续干扰布鲁斯。最后终因让海蒂重燃起对新闻报道的兴趣，并打消与布鲁斯结婚的念头，而顺利赢得了海蒂。
2﹑犯罪与政治。艾尔•威廉因为杀了警察，即将被处以死刑。市政府的官员希望依靠这次行刑来赢得下一届选举的选票。这是市长与司法长官的共同目标。而华特的目标是设法说服州长给威廉缓刑，然后在选举中挫败市长的集团。因为司法长官的疏忽和愚昧，威廉越狱出逃并得到华特和海蒂的保护。同时，州长下达缓刑令，但市长立即贿赂送信者。威廉被发现，但送信者及时带着缓刑令到刑场，救了威廉，并使华特和海蒂被释放。这样，必然就导致了市长在选举中的失败。
第二条叙事线有好几点是依据第一条叙事线的事件需要而来：华特利用威廉的案子引诱海蒂回到他身边，海蒂追查威廉的案子而无法顾及布鲁斯，布鲁斯的母亲向警察告发华特藏匿威廉，等等。也就是说，一些人物的目标因两条叙事线的互动而改变。在华特部分，说服海蒂报道威廉的故事，同时实现了揭发政治黑幕和赢回海蒂两大目标。海蒂的目标事实上发生了巨大改变。撕毁稿件之后，海蒂作出了隐瞒威廉越狱实情的决定，这就标志着她开始接受华特的目标。之后，她愿意窝藏威廉以及对布鲁斯求爱的漠视，更确立了她的目标与华特目标的结合。这样，两条情节线索的互动推进了华特实现他的目标，而根本上改变了海蒂的目标。
在这个基本框架中，因果关系的复杂程度需要更多篇幅才能做进一步分析。例如，华特的众多干预策略(包括同事达菲、路易和安吉的通力合作)本身就是小型因果链的组合。另外如布鲁斯逐渐被排除在罗曼史的剧情外，他不断出入州立监狱，愈来愈无抵抗能力。在这方面，威廉也有相似的经历，他被海蒂、司法长官、心理医生和华特所操纵。其他次要角色如莫莉•梅洛依(Molly Malloy，威廉的“柏拉图恋人’’)、布鲁斯的母亲、其他记者、尤其是“贱骨头”(Pettibone)——州长派出来的密使——等人都有特定的功能。
在分析中，关注场景与场景之间的相互连接尤为重要。通常，前一个场景的结尾就是下一个场景中情节发展的起始。例如，第一场的末尾，华特提议布鲁斯、海蒂和他三人一起用餐;第二场开始三人已到了某餐厅。这就说明了经典叙事中著名的“线性”叙事：几乎每个场景都以一个“悬而未果”的“因”做结尾，而结果则在下一场的开始出现。《星期五女郎)的这一线性模式将情节迅速向前推进。
这套“因一果”逻辑结构还说明了另一经典叙事电影的原则：封闭式结局(closure)。没有一件事是无因而起的。最重要的是，两条叙事线都在结尾有了清楚的交代：威廉被救;市长名誉扫地;布鲁斯同母亲回家;华特与海蒂快乐的计划他们的第二次蜜月。
谈了这么多叙事结构中的因果关系，那么叙事时间方面的特点是如何的呢?通常，经典好莱坞电影的叙事时间服从因果关系的进展，一般而言，他的手法是：为每件事情设定一个截止时间。因此时间上与因果上的目标两者结合在一起，时间也就被赋予了因果的重要性。为事件设定一个期限，加入一些悬念，通常是“新闻类型片’’的惯用手法。在《星期五女郎》中，两条叙事线都各有一个时间期限。市长和司法长官共同面临一个明显的时限：在星期二选举和州长下达缓刑令之前，威廉必须被处死。华特则相反：威廉必须在此之前获得缓刑。我们
没有设想到的是：爱情叙事线竟然也有时限。
布鲁斯和海蒂原要搭乘当天下午4点的火车前往艾伯尼(Abany)结婚，华特则尽一切力量延后他们的行程。当布鲁斯遇见海蒂和华特在一起时，他发出最后通牒：“我准备搭9点的火车离开!’’(海蒂又错过了那班车)。由此可见，电影的时间建构主要依因果线发展的需要。如果威廉下个月才被处死，选举在两年之后，布鲁斯和海蒂计划在将来的某一天才结婚，那么，戏剧的张力一定会消失殆尽。这些彼此交缠的期限和个人目标，将两条叙事线完全结合在一起，让整部影片产生了一种令人喘不过气来的速度感。
本片时间模式的另一特点也加强了这种速度感。虽然剧情在总体上依时间顺序向前推进，但它在处理故事时间上还是相当富有弹性。整个剧情时间大约为9小时(从中午12：30到晚上9：30)，当然，在场与场之间，部分的时间被压缩，较为不同寻常的是，一个场景之内的时间也被加速了。
例如，在第一场戏的开始，邮局的时钟指向12：57。需要注意的是，在一场戏中并没有使用“省略剪辑”，在这里，是故事时间被压缩了。在第13场中，时间的加速更为显著，人们从出去度假到回来只用了10分钟。这里的剪接是连贯的，故事时间反而“快于”银幕时间。总之，除了压缩时间之外，快速的对话和偶尔加速的节奏性剪接(例如，记者在威廉被捕之前大叫一场戏)，创造了电影的速度感。
电影的空间构成同时间要素一样，服从叙事因果关系的需要。霍克斯的镜头经常以不明显的方式移动，以平衡人物在镜头中的位置(请注意观察对话场景中微妙的“平衡”。参看图
7.129—7.131)。整部影片中平视镜头占主导，偶尔在表现监狱的庭院和威廉牢房的铁栅栏时使用俯摄镜头。
本片中，大部分戏都集中在有限的几个场景之内，这可能是一项缺陷，但人物的位置在各场景中却各不相同，并发挥了不同的作用。华特说服海蒂报道这则新闻时，两人隔着办公桌的位置十分有趣，华特采取主动而幽默的姿态(参看图11.1，11.2，注意构图)。在剪辑中，要做到空间上的连续性，就要求每一个剪接点在前后镜头画面和叙事内容上保持流畅，这样观众看到的才是情节的发展，而非镜头的变化。例如，在刚开始的那幕戏中，海蒂将钱包扔向华特，接下来是一个稍远景别的镜头(图11.3，11.4)。在分析中我们可以清晰的看到华特手臂位置的不同，但在镜头快速的运动中，一般不为观众所注意。事实上，每一场戏，尤其是餐厅和最后结尾那场，都是经典连贯剪辑的典范。总而言之，空间是用来描绘因果关系流程的轮廓。
在此我们还要特别强调声音和场面调度。1939年时，新闻记者们已经开始利用电话联系工作，《星期五女郎》有效利用这一现象，使之成为叙事的中心。华特表里不一的行为需要电话作为工具。在餐厅里，他假装有电话找他;他利用电话向海蒂承诺又失信;他也通过电话唆使达菲等。记者招待室中更是充满了此起彼伏的电话声，以便记者们与主编及时联系。当然布鲁斯也不断的从各警察局中给海蒂打电话。总之，电话构成了一个通讯网络，推进了剧情的连续发展。
霍克斯同时在视觉和听觉上，如编一首交响乐一般，围绕电话创造戏剧性情节，其中还有许多变奏。有时是一个人在打电话，有时是几个人轮流打电话，还有几个人同时在不同的电话
里说话，或者打电话的声音与房中其他交谈声夹杂在一起，等等。在第11场戏中，不同记者走进记者招待室通过电话向主编汇报情况，每个人打电话的声音压过了上一个，形成了“复调”的音响效果。还有，在第13场戏中，当海蒂疯狂的打电话到医院时，华特刚好在那一头对另一电话大叫(图11.5)。当布鲁斯回来找海蒂时，一连串嘈杂的声音同时涌入观众的耳朵：布鲁斯要求海蒂听他说话， 图11.5海蒂专心打字写稿，华特则在电话里对达菲大叫。像这种情况在片中还有很多，需要更为深入的研究，以考察它们如何在推进叙事和加速节奏方面发挥作用。
转载 电影艺术_形式与风格中译本
作者： 美国大卫•波德维尔
第五篇：电视节目分析与影片读解
在广播学院有关电视的各艺术类专业的面试中，有一项是考试时观看电视片，写一篇分析评论文章。这项考试主要考查学生对于电视片的综合认识能力，也同时考查考生的分析与写作能力。
电视片的时间为20分钟，或者更长一些，写作的时间为一个小时左右。一般来说，写个读后感对于高中毕业的学生来说不是困难的事情。从小学开始，学生就已经写读后感了，所以不要将这项考试看得见南和神秘。
重要的是，写作要有材料，而材料只能是当时看片获得的。应该在看过电视片之后，立即有协作的纲要。如果要等到看完片之后再靠回忆写作，就可能丢掉某些有价值的内容。所以，要在看片的同时用笔记录一些心得要点。
当电视片播放结束时，已经了写作的材料。可以根据记录的材料进行分析提炼，确立写作的主旨和文章的标题。然后对记录的材料进行筛选，选择最有说服力、最能靠拢主体的材料进行写作。这里是一个写作范围提纲，即结构方式表，可以参照。你在观看电视片的时候，一边看一边围绕这个提纲找材料，这样写起来不会跑题，而且方便快捷：
电视片分析提纲
1，
电视片内容概括
占总分10%
2，
本片的思想教育意义
占总分 10%
3，
艺术特色总说
(总体手法、总体艺术特征等)
占总分 20%
4，
艺术特色举例
(选择一到两个艺术独到之处)
占总分
25%
5，
艺术特色细节
(两、三点精彩细节)
占总分
20%
6，
缺点与不足
占总分 10%
7，
结束语
占总分 5%
【注意的问题】
在看完一部电视片之后，考生应该立即感受到，这部电视片重点表现的是什么?这对于任何题型都是重要的。一部专题片或纪录片，它所主要表现的无非是人，或者是事，或者是物，或者是感受。当然这其中并没有一个严格的界限。有时当考生沉浸在一个兴趣点当中不能自拔时，千万不要忘记拔出思维来，审视一下，这精彩的兴趣点背后蕴藏的真正目的事表现人物的某种品格特征。或者是事物的某种特色。
也许有时会有大量的篇幅集中在某个人物的身上，然而，他其实需要展示的还是是事件本身。有的电视片把笔墨集中在物上，比如一些风光片等。但是，电视片的表现对象其实常常是一个一目了然的问题，是一个思考层面，紧接着需要花费大量功夫的还是对于这部电视片的特征和表现手法的思考。
有时老师会选择一部富于文化色彩的电视片作为题目，这是考生需要考虑的问题就应当集中到电视片所反映的文化内涵上。比如，分析电视片《江南---绍兴黄酒》
这是一部展现酒文化的专题，重点考查其实在于考生对于片中文化内涵的感悟，而不是片中所出现的人物。
如果你的文学感觉、艺术感觉较好，你会喜欢那种抒情写意色彩浓厚的电视片，因为这个时候，抒发情感的意趣将使你的评述与电视片的意味融为一个整体。(抒情写意的电视片) 然而，感性的认识对于一个即将跨入大学门槛的年轻人来说不是全部，因此在你沾沾自喜于发挥完一篇情采并茂的伤春文字后，别忘了凝聚已经过于分散的思维，因为，也许有这样一个题目将把你掷往一个分外庄严的场合，闲散的品茶人生背后还聚集着一些更为深刻的思考，那就是表述哲理的电视片所要展现的内涵。
一切理性评述的背后总会有所谓结论的东西。在电视片的评述中，有时需要达到的是同样的效果。那么，有这种情况，他要你回答一部电视片想要说的是什么?它揭示的是什么问题?你的体会是否能够挖掘倒在表面的镜头语言下面蕴藏的意义呢?(揭示一定问题的电视片)。
【老师的提醒】
对于全面分析题的类型，大致要把握以下几个方面来分析：
1， 作品主要表现了什么?其主题以及主题的现实意义、给我们的启示。这个方面的分析，多数考生都能考虑到。比如，在评卷中发现大多数考生都具备严谨的主体意识，对于电视片中提供的严谨的榜样是的任务，保持一种着眼于人的品格特征的分析模式，并都能自然地结合到当今现实，对主人公的形象作出正面的评判。但是，许多考生就此打住了，通篇的评述都跳不出对主人公的赞叹和相应的对一些现实现象的对比抨击的圈子。
2，电视片是如何表现主题的? 具体来说包括叙述方式、结构、表现手法、声画语言的特性等等。这才是对于一部电视作品的评述不同于对于其他类型文艺作品的评述之处。
对于电视这样的综合性艺术而言，它表现主题的方式往往是一种艺术与技术的结合，在这样的结合处寻找亮点才是出题老师希望看到的精彩答案。当然，并非要你对所有方面都要一一作答。你可以挑出其中一两个有特点的方面来进行分析。
3， 在你准备结束之前，如果你在整个篇幅中始终都还没有提到这部片子最富特色的成功之处和不足之处，那么，你在文章的结尾还有一个机会。其实，专门开辟一个角落给予这个内容，反而能够引起评卷老师的足够注意。
【专业老师的叮嘱】
分析电视片文章的基本出发点： 这关系到逻辑思维问题。不这样做，你的评述就可能丢分!并且层次不清。对于分析款架的驾驭就来源于考生的思维的逻辑化程度了。明了的款架、清晰的逻辑是评卷老师最喜欢看到的。
一般见解和自己独特的见解相结合。 对于电视片的基本评论往往有一些约定俗成的程式化描述，对于这些见解的阐述有时可以增强你的文字的专业程度，所以不要排斥这些内容，它至少可以在你的篇幅中形成一定的气势。写文章都贵在创新，老师往往更注重你是否有独特的见解。在准确把握题意的前提下不妨尽量发挥你的奇思妙想，只要不给老师一种过于偏激的印象，任何类型的评析都是可能获得赞赏的。
分析文章是“问答式”还是“文章式”。 在全面分析题型中最好写成文章形式;具体层面分析题型最好写成问答形式。
【我给你的练习题】
从电视上有意识地看一些电视片(专题片、纪录片、短剧、小品等)，并练习分析。
阅读一些有关电视片创作的参考书，以便增加理性认识;
练笔，看电视时写一些随感、札记，一方面练笔，另一方面也可提高自己对电视语言(视听语言)的解读能力。
【忠告】 由于考试时电视片只有一次放映机会，所以，大家一定要集中注意力看片子，同时在看片过程中，应该根据题目的要求做一些笔记，“好记性不如烂笔头”。 电视作品分析范文 编导的工作
编导简而言之，就是一期电视节目的主创者。以一期新闻访谈节目为例，编导首先需在浩瀚的新闻信息中选择话题，即谈什么，找谁谈。随后构思大体的节目思路， 细化访谈的话题，列出提纲，与访谈节目的主持人勾通，或者是写出初步的文稿。另外，有哪些内容要做成短片，即VCR，如果需要外采，编导便要充当记者的角 色，将要做成短片的内容采访回来。然后，编导要把嘉宾请到演播室，进行勾通交流，哪些详谈，哪些略谈，哪些不谈，可以提前让嘉宾心中有数，而编导此时也可 以因此进一步了解嘉宾的观点。访谈完成后，编导还需将“母本”进行剪辑，去粗存精，也就是删掉废话，或有导向偏差，或与节目宗旨不符的东西。然后配上音 乐，配以字幕，特技，将前面采访来的VCR(多是些背景资料或介绍)穿插其中。便完成了一期电视新闻访谈节目。
由上可以看出，编导是一期节目的主要工作者，也是事无巨细的工作者。选话题时，充当了策划;外出采访时，变成了记者;访谈完成进行剪辑，又充当了后期编辑制作的角色。
一般而言，编导对一次节目的工作周期比记者要长得多，记者只对自己的每条新闻负面，选取题材，(或受指派获得题材)外出采访，写成新闻稿，待领导终审后进行编辑制作，当天的新闻当天完成播出。而编导也许一个星期(甚至更长的时间)才完成一期节目
二.把握主题
评析的第一段：概括节目、点明主题。
既然是节目的“主题”，未免就要想得更深更远一些，想想节目作者的创作意图，想想节目背后更深刻的思想，想想是否表达了一个什么样的哲理，或者节目让我们 感悟到了什么。比如有的节目看似部门互相推诿，实是批评官僚主义，办事效率不高;有些节目看是“一场大火”，实是强调消防隐患忽视不得;有些节目看似考 古，实是反映文明进步„„这就要求能“透过现象看本质”，看出反映事件本质的主题思想。
节目的“主题”就好比写文章要先有“立意”一样，你的文章最终要表达一个什么样的宗旨，电视节目也是一样，也许这个宗旨不太好直裸裸地表达，而是隐藏在节目之中，需要深刻领会的，也有可能在节目的最后会点明主题，考生只要听清楚并理解了，是不难办的。
把握好了主题，可以主题进行适当分析。对主题的分析可以从下以方面着手：一个电视节目对主题的要求：要正确(明确中心思想)要集中(不要东拉西扯)，要鲜明(不要含混)，要新颖(陈词滥调让人乏味)，要深刻(不要肤浅)。一篇通讯只能有一个主题。
举例：央视焦点访谈《难圆绿色梦》的第一段可以有以下几种着笔方法：
一：央视《焦点访谈》新闻专题节目《难圆绿色梦》讲述了一个造林、毁林和人进沙退、沙退人进的令人痛心的故事，以褒扬徐治明老人30年造林的坚韧精神，谴责毁林的恶劣行径，着力表现了一个重大而深痛的主题：毁林就是助沙为虐，就是毁坏自己的家园，就是作孽子孙后代。
二：央视《焦点访谈》新闻专题节目《难圆绿色梦》通过徐治民老人的遭遇，几十年辛苦造林，把沙地变成了绿洲，现在他老了，乱砍滥伐之风猖獗起来，绿洲又正在重返沙漠，引出了是保护环境，还是眼光短浅，急功近利，杀鸡取卵地破坏生态这一主题。
三：央视《焦点访谈》新闻专题节目《难圆绿色梦》通过园子塔垃的树林被毁这一惨痛事实的追踪，追溯徐治民老人为营造这片林木，倾注全部精力和心血的艰难历程，揭示了防止土地沙漠化这一关系可持续发展的重大而沉重的主题。
四：央视《焦点访谈》新闻专题节目《难圆绿色梦》通过讲述前辈几十年辛苦造林，却被后辈毁于一旦，造成土地沙漠化的沉痛故事，实际在控诉乱砍滥伐，控诉这种只顾眼前利益的的短视行为，造成了沙漠化卷土重来的恶果。节目点明了一个深刻的哲理：人与自然应该和谐发展.
三.如何表现主题
把握好了一篇电视节目的主题，接着就要分析， 这篇电视节目是怎样表现主题的。或者说，该节目的特色或成功之处在哪些方面。在写电视节目评析时，第一部分分析了节目主题，第二部分就可以逐一分析节目的 特色所在了，而这些特色所在正都是为了表现主题，为主题服务的。节目如何表现主题?或者说节目有什么特色?可以从很多方面进行分析，常见的有：
1、结构
2、人物形象
3、蒙太奇手法
4、细节
5、选材
6、电视语言的特色，包括解说词的特色，镜头的特色
7、节目切入点
8、记者的表现、主持人的表现
9、音乐、字幕
10、同期声的运用
11、色调
12、剪接手段
13、其它特色
当然，我们写一篇电视节目评析，不可能面面俱到，事实上，面面俱到的分析不是一篇成功的评析文章，必需有详有略，该深入透彻的就得深入透彻地分析，该一笔带过的就一笔带过，一般来说，重点写三四点，也就够了.
四.结构分析
结构分析：分析结构就好比分析文章的框架和段落大意。常见的结构有以下几种：
1.纵向结构: 即节目是按照事件发展的时间先后顺序进行编辑组合的。也就是从因到果，从先到后，按事件进程，依次讲述。
2.横向结构: 即围绕主题，但不受事物时间顺序限制，将同一时间，多个不同的空间、方位的情况组织起来，“并列式”地反映“面”上的情况。当然这些“并列式”也不是完全 平行，可以有递进的关系。比如有“多点同时”结构，在同一时间，但有多个观察侧面，将不同空间、不同方位上的事实串起来。有“同时异空”结构，同一时间 点，在不同的空间取材。比如，一场大型球赛正在体育馆举行，说完了体育馆内的啦啦队表现，再说场外市民的关注程度，就是横向结构了。
3.点面结构: 即从个别的、典型的事例带出面上的、总体的情况。以点带面、点面结合。如曝光湘江一起排污现象后，接着介绍湘江水质整体监测情况;查处一起餐馆油烟超标排放后，概述全城还有多少家餐馆违规排放，都是点面结合。
4.递进结构: 即层层递进，或层层深挖，这种结构是步步深入、环环相扣的，从现象到本质，从事实到原因，鞭辟入里，呈递进关系 。
五.细节分析
任何一个成功的电视节目，都离不开细节的成功。事实上，很多人看完一个电视节目，能记住的，一定也是为数不多的几个精彩细节。
可以说，细节就是节目的血肉，它让节目更加生动，更为鲜活，也更容易打动观众、震撼人心。而一期电视节目如果没有好的细节，那一定是枯燥的、乏味的，难以吸引观众的。
细节在很多节目中都起着刻画人物性格、展示内心情感、增强可视性、增强真实感、现场感，强化感染力、深化主题等诸多作用。细节越细腻、越精彩，反映生活的真实程度也越高。因此节目分析，谈细节常常是必不可少的。
《难圆绿色梦》之所以获得中国新闻一等奖，与其成功捕捉细节是离不开的。多处细节都不十传神。比如描写沙漠化的严重：用鸡毛掸子拂一下床单，扫出厚厚的尘 土，扫过的地方与没扫的地方颜色对比十分鲜明;一只羊踮起后腿，抬起前腿，直着身子去吃树上的叶子，因为地上寸草不生了;植树老人徐治民看到他引以为豪的 树王被砍，有拐杖去戳树桩上的积沙，表现心中的酸楚与痛苦;政府为植树老人立的碑，记载了老人一生植树治沙的业绩，却有三个字被人打掉了。这样精彩的细节 在节目中比比皆是，都有强烈的视角冲击力，给人留下深刻印象，因此成为难得的佳作。
六.蒙太奇
“蒙太奇”是个法语词，法语的意思简言之，就是“剪接”。也就是镜头与镜头剪接起来。
早期的电影没有经过剪接，一件事情不关机拍摄，没有剪接，因此没有“蒙太奇”手法。像现在家庭出游拍摄DV带，婚庆公司用DV机拍摄的婚庆录像，都是端着DV机，开机之后，从头录到尾，镜头与镜头之间没有经过剪接，没有经过剪接的素材带是没有美学价值的。
有了“剪接”，也就是运用了“蒙太奇”手法，电视、电视的格局就焕然一新了。
比如拍摄“八路军”对“鬼子”开枪，如果没有“蒙太奇”手法，就只好是镜头对准“八路军”拍摄，开枪后，镜头摇到鬼子，“鬼子”中枪倒下，拍一个连续的镜 头。而运用蒙太奇手法，就只需拍两个镜头，剪接起来就行了：第一个镜头拍“八路军”开枪，第二个镜头拍“鬼子”倒下，就足以让人理解这里发生了什么。因此 剪接是要符合理性和感性逻辑，符合人们的生活和视角逻辑。
当我们看电影、电视剧时常会发现，当场面是激动人心的时候时，镜头往往是短暂快切的;当场面是抒发情感时，如令人感动、哀伤，往往剪接缓慢，镜头也较长。这就是剪接要符合人们的视角、心理节奏。
分析电视节目中，可以分析该节目是否运用了以下几种蒙太奇手法：
1.是“重复蒙太奇”。也就是镜头重复出现。这往往是节目表达依依不舍、或为了引起人的回忆，或者是为了反复强调、对比、首尾呼应、渲染，以给人留下深刻印象。
2.是“象征蒙太奇”。“象征蒙太奇”相当于写文章中所说的“比拟”或“隐喻”。用一种事物比拟另一种事物，用一种东西象征另一种东西。比如在电视节目中 讲到生命的凋谢，总不能真去拍一个人死亡经过，便可以拍摄一片落叶在风中飘零，比如节目中讲述中华民族，便可以拍摄黄河、长江来比拟;比如拍摄一株小草， 或一株狗尾巴草，以象征平凡的人们;拍摄一对蝴蝶，象征爱情;拍摄电闪雷鸣，象征悲惨的命运„„“象征蒙太奇”在节目中往往会多次运用，很值得注意。
3.是“平行蒙太奇”，也就是节目平行讲述，把同一时间、不同场合的事件先后叙述出来。类似于小说里的“话分两头”。
4.是“交叉蒙太奇”，同一时间、不同场合交替叙述，比起平行蒙太奇来，频度更密集地交替讲述。如指挥所与战场，镜头先是指挥所指挥，接着是战场冲锋杀敌，镜头又回到指挥所指挥，再到战场杀敌，交替出现。
5.是“对比蒙太奇”，节目里通过两种情形进行对比，如沙漠与绿洲、善与恶，悲与喜等。
6.是“颠倒式蒙太奇”，相当于文学作品里的“倒述”。 例文：
分析《难圆绿色梦》里的对比蒙太奇：
对比蒙太奇手法在《难圆绿色梦》中成功运用。记者特地拍摄了多组同一地点、同一事物今昔对比的镜头，给人以强烈震撼。比如在老人重返园子塔拉时，插入了以 前拍摄的镜头，这里曾是绿树成荫、果实满枝头，而现在却是一片黄沙，满目荒凉景象，又如曾经的“树王”，枝繁叶茂，生长旺盛，需几人合抱，而现在只剩下一 个光秃秃的大树桩。这种对比是黄与绿的较量，也是树与沙，人与自然，生存与毁灭的较量。当年造林的成果毁于一旦，如今黄沙肆虐，家园遭破坏，住户被迫离开 故乡。这种具强烈反差的对比蒙太奇手法的运用，容易给人留下深刻印象，更深化了主题：只有护绿才能持续发展，只有保护环保才能赢得家园.
七.音乐分析
有人说电视节目里音乐的运用要做到四个字：悄、瞧、巧、俏，是有一定道理的。悄就是在音乐起的时候悄无声息，悄悄地起来，而不是突然蹦出，要让音乐与解说 词、画面和谐一体。瞧就是说音乐产生了效果，或使人心情愉悦，或令人紧张，或动情落泪，改变了人的情绪。巧就是用得巧妙，音乐要围绕主题服务，不能乱拼 湊，一会儿一个样。俏就是俏皮，比如一些谈话节目、娱乐节目里，都有俏皮的音乐声，突出喜剧效果。
在实际编导中，使用音乐第一个要注意的地方，就是要与节目内容相吻合，要配合得当，实际就是说音乐基调要得当。比如节目是讲述考古的，介绍文物故事，音乐 就应该带有旷古色彩，让人听起来有历史的沧桑感，如果配现代流行音乐，肯定不恰当。而如果节目是讲述情感故事，一般就会配轻音乐，带抒情色彩的、悠扬的音 乐。如果是侦破题材、警匪题材，就会是节奏较快的鼓点乐，给人紧张、急促感。实际上，什么样的节目选什么样的音乐，考虑的就是音乐的基调。它是基调是忧 伤，是哀怨，是浪漫，是温情，是激昂，是躁动，是紧张，还是愉悦欢快，节目的基调就决定了音乐的基调。
除了基调，便是音乐的节奏要得当。音乐的节奏要与画面的节奏、解说词的节奏相一致，只有这样，才能符合人们欣赏画面时的心理节奏。比如画面和解说词是欢快的，却配上紧张的音乐，就会让人感觉不舒服，同样，紧张的解说词，配上慢节奏的音乐，就会冲淡效果。
如果节目中配有音乐，便可以从音乐的基调、节奏等方面进行分析了，看其是否符合节目的基调，是否符合人们心理的节奏，有没有达到催化情绪的效果。
【英播面试】
本来我是早十一点场，九点多到了考场，想着还有很久才开始考试可以先准备一下。没想到一到四楼就有一面无表情的大哥问我是不是面试英播的，然后直接把我指到一个准备室，给张纸，说十分钟以后收纸去面试，我这个紧张啊。纸上面是一大段英文，没什么生词，大概是说大一新生进大学应该以后怎么学习的，下面有TOPIC。我大概花5分钟通读、记文章内容，5分钟想一下TOPIC。
进考场以后先看到的是一个摄像机，摄像机左边是一个男老师，右边俩女老师。中间的人发问，左边的看摄像机，右边的记录。忘记打招呼就坐下来了，之前准备的自我介绍没用上。先大声朗读文章，读到一半叫我停了。然后回答一些简单的问题。我记得的问题大概有这么几个： 你来自哪里
介绍一下你的学校 你在班上排多少名 为什么不是班里前两名
你觉得班里的前两名有什么特别之处 你喜欢看什么方面的杂志 你有什么别的爱好
接下来TOPIC，好像是选择职业是金钱重要还是兴趣重要
三个问题：
1.主题是什么，怎么表现的
2.选择给你印象深刻的人物，点评 3.电视片有什么现实意义
每个问题都要求不少于几百字的，反正两个小时勉强写完
【广播电视新闻学面试】
本来这个面试是在第二天，结果考电视节目分析的时候突然老师说明天几点几点场的改在考完节目分析后面试。所以在写完之后匆匆忙忙去准备室了。有学长模样的人问你学文学理的然后在准考证上写
给我们发了演讲主题，我的纸条上写的是温丄(百度)家(百度)宝叫大家多读书BLA„„
三人一起在教室外候考，我是第三个，所以准备了十分钟多一点，但前两个出来脸色都不怎么好。进去后有两个男老师。先自我介绍，他们埋头写东西。接着问题：
你来自哪里
喜欢看什么报纸杂志 你喜欢的记者，为什么 你能高重点线多少分
居然只记得这四个问题了，郁闷，想起来了以后补充。
演讲，我在外面准备的时候打了点草稿。讲的时候偶尔想不起来就稍微瞄一眼，挺顺利的。红圈圈起来的就是纸条上宝宝说的话。