第一篇：影视评论社活动策划书
影视评论
1、 影视评论学：是通过分析影视作品及影视现象来研究影视作品及影视艺术的艺术价值、
社会意义及其文化功能的一门学科。影视评论学是一门需要理论联系鉴赏实际,并且要用较多的篇幅来阐述影视评论的方法论和实践论的独立学科。
2、 影视评论写作：在对影视作品鉴赏的基础上，结合影视理论的特点，对具体作品、创作
思路、主题风格、人物塑造及突出的影视文化现象作较迅速和较准确的阐述。
3、影视评论写作的特点：(1)、追踪热点。对影视新现象迅速敏锐地把握(2)、长期关注。对影视动态和影视规律的了解和掌握(3)、精辟阐述。对影视作品准确深入、通俗生动地阐述
4、美国电影比较成熟的类型片
⑴西部片：詹姆斯·克鲁兹的《篷车》(1924年)和约翰·福特的《关山飞度》(1939年)以及弗莱德·齐纳曼的《正午》(1952年)⑵喜剧片：查理·卓别林的《淘金记》(1925年)《大独裁者》(1940年);弗兰特·卡普拉的《一夜风流》(1934年)开辟了“疯癫喜剧”或“爱情喜剧”的新风格⑶歌舞片：《爵士歌王》(1927年)《出水芙蓉》(1944年)、《雨中曲》(1952年)、《音乐之声》(1965年)⑷强盗片：《小凯撒》(默文·勒鲁瓦，1930年)、《疤脸大盗》(霍华德·霍克斯，1932年)。⑸悬念片：美国“悬念大师”阿尔弗莱德·希区柯克的《房客》(1926年)、《蝴蝶梦 》(1940年)、《后窗》(1954年)、《鸟》(1963年)⑹恐怖片：《德拉库拉》(托德·布朗宁，1931)、《木乃伊》(卡尔·弗罗伊德，1932年)。
5、新好莱坞时期:(1)标志性作品——阿瑟·佩恩导演的《邦妮和克莱德》(1967年)。 迈克·尼克尔斯的《毕业生》(1967年);斯坦利·库布里克的《斯巴达克斯》(1960年)、《发条橘子》(1971年);丹尼斯·霍帕的《逍遥旗手》(1969年); (2)、新好莱坞时期的两位核心人物——弗朗西斯·福特·科波拉《教父》(三部，197
2、197
4、1990年)
《现代启示录》(1979年);和马丁·斯科塞斯《出租车司机》(1976年)，《纽约纽约》(1977年)。(3)、20世纪70年代末，好莱坞商业影片的文化价值取向开始转变，影片多表现为关注平民的家庭伦理生活和传统美德的复归。《克莱默夫妇》(1979年)、《金色池塘》(1981年)、 (4)、70至80年代，以史蒂文·斯皮尔伯格和乔治·卢卡斯为代表的青年导演开辟了好莱坞崭新的主流模式电影。《大白鲨》(1974年)、《侏罗纪公园》(1996年)及其续集、《辛德勒的名单》(1993年)
6、表现主义:是第一次世界大战前后20世纪初至30年代流行于欧美文学的一个重要的现代主义流派;起源于德国，它首先从绘画开始，随后波及文学;表现主义强调要突破事物的外在表象，表现内在世界，用“表现”取代“再现”
表现主义的特征：抽象化、变形、面具的运用、时空的真幻错杂、注重声光效果、象征和荒诞的手法。
7、20世纪20年代以法国先锋派电影兴起的社会根源：(
1、) 19世纪末欧洲现代主义文艺思潮的影响;(2)、第一次世界大战后美国电影对欧洲电影形成的商业压力。
先锋派电影的兴起与盛行：先锋电影运动起源于20世纪20年代的法国，盛行于德国、瑞典、西班牙等国。
什么是先锋派：先锋派”是一场严格意义上的电影美学探索运动，先锋派电影沿着实验性、非理性、反叙事、反情节、反性格塑造的道路向前发展，主张用抽象的画面、线条及光影拍摄“纯电影”;后期则转向表现超脱现实的梦幻与潜意识以及无逻辑、非理性的意识活动。 先锋派电影的类型：抽象电影、超现实主义电影、记录电影
先锋派电影的代表作：(1)、抽象电影《机器的舞蹈》——费尔南·莱谢尔(法国)(2)、超现实主义电影《贝壳与僧侣》——谢尔曼·杜拉克(法国)《一条安达鲁狗》——路易·布努艾尔和达利(西班牙)纪录电影《雨》、《桥》——伊文斯(荷兰)
先锋派电影的特点及意义：(1)、情节完全是荒诞的，是由梦幻式的潜意识构成的片段;
1(2)、与大众的品味是脱离的，思想也是苍白的,但它广泛的实验性极大地丰富了电影的表现手法。
8、新浪潮电影运动产生背景：二战后法国电影再次进入低迷时期，制作手法平庸、毫无艺术内涵的电影激起了法国一批年轻导演大刀阔斧改革电影的决心，于是一场跨越了20世纪五六十年代法国的“新浪潮”运动浩荡展开，以崭新的电影观念和视听语言冲击着法国旧有的电影形态和叙事秩序新浪潮的两大派别：(1)、电影手册派：他们推崇巴赞的纪实美学理论，创作更接近生活、贴近现实，作品多以半自传体形式呈现，带有强烈个性化色彩的“作者论”风格。主要有弗朗索瓦·特吕弗的《四百下》 、《最后一班地铁》(1980年);吕克·戈达尔的《筋疲力尽》(1959年)、(2)、左岸派：他们由居住在塞纳河左岸的电影导演、文学家组成，其创作风格自成一体，他们的题材始终围绕时间和人的精神两方面，在回忆、显示和预想的矛盾纠葛中，呈现出鲜明的文学特质和现代色彩。代表作品是阿仑·雷乃的《广岛之恋》(1959年)和《去年在马里昂巴德》(1961年)，阿涅斯·瓦尔达的《克莱奥：5点到7点》(1962年)。
新浪潮电影的特点：(1)、在内容上。宣扬个人与社会的对立，哀叹人的命运，强调人与人的隔膜、猜疑、变化无常(2)、在题材上。“新浪潮”电影具有强烈的“个人性质”，最有代表性的表现方式就是所谓“导演的自述”(3)、在表现手法上。用长镜头代替蒙太奇，移动摄影代替固定摄影，没有完整的故事结构，情节和画面的跳跃性强;(4)、摄影风格侧重于电影的照相性风格;(4)、与传统明星制度相对立，他们启用了大批不知名的年轻人做演员;(5)、 “新浪潮”大量采用自然环境音响。
9、20世纪50年代的“自由电影”运动：创作方法继承新现实主义传统，多以英国中部工业区为实拍场景，采用黑白胶片摄制选用无名演员来表现工人阶级日常生活。而创作思想则沿袭“新浪潮”精神，影片内容上充满孤独彷徨、喧嚣寂寞、愤世嫉俗的反叛精神。“自由电影”运动到1963年达到高潮，涌现出《上流社会》(1958)、《愤怒的回顾》(1959)、《星期六晚上和星期天早晨》(1960)等杰出电影代表作品。
10、90年代的韩国电影步入多元发展的时期，在政治宽松、经济发展、文化普及的社会背景下，韩国制片人制度逐渐成熟，民族化的商业类型电影趋于繁荣。一是以《结婚的故事》(1992)、《我的野蛮女友》(2001)等影片为代表的喜剧与情感因素相融合的浪漫喜剧爱情片;二是以《游戏规则》(1994)、《我的老婆是大佬》(2001)等为代表的模仿好莱坞模式又不失本土特色的黑帮片; 三是以《上网》(1997)、《八月照相馆》(1998)等为代表的唯美纯洁的爱情文艺片;四是以《安静的家庭》(1998)、《退魔录》(1998)等为代表的颇具号召力的恐怖片;五是以《花瓣》(1996)等影片为代表的突破政治禁忌的历史片等等。姜帝圭导演的影片《生死谍变》(1999)打破了《泰坦尼克号》在韩国的票房纪录，成为韩国电影的里程碑
11、50年代初，在意大利新现实主义影响下，以萨蒂亚吉特·雷伊联合莫纳里尔·森达拉姆等青年导演发起了一场拒绝商业、反映真实的印度“新电影”运动;指出“电影不是一种低水平的纯娱乐的手段而是一种严肃的表现形式”，并倡导电影降低成本、关注现实。
萨蒂亚吉特·雷伊是这一时期最为多产、成就最高的电影大师。他的作品《道路之歌》(1955)、《不可征服的人》(1956)、《阿普的世界》(1959)组成了“阿普三部曲”。影片简明直白的艺术风格、抒情浓郁的人道主义色彩以及真实可感的现实主义气息，将印度电影推向国际影坛高峰，雷伊也因此获得“印度的弗拉哈迪”的美誉。90年代后，学成归国的新一代青年导演继续发扬印度“新电影”的现实主义传统，并努力挖掘印度电影的新内涵与新变化。以《海德拉巴的忧郁》(1998)、《孟买男孩》(1998)两部电影为标志，新潮流电影火热展开，影片将镜头直接对准现代都市，将全球化背景下印度传统人文遭遇的矛盾冲突细致地展现出来。
12、中国第三代电影导演：政影相息的风云十七年
这一时代涌现出的大批优秀导演也自觉地成就了时代主题和政治艺术，他们在影像策略上有着意大利新现实主义电影的明显痕迹和法国新浪潮电影的内在驱动力;在叙事策略上则继承了老一辈电影人和传统文艺作品的伦理框架，同时将政治、社会生活纳入家庭伦理模式，努力适应国家、人民对电影的宣传要求，此外也努力彰显自我风格和体现激越情怀。
水华其作品有《白毛女》(1950)及其艺术自我达到完美巅峰的经典之作《林家铺子》(1959)等。谢晋，其代表作有《女篮5号》(1957)、《芙蓉镇》(1986)等。谢晋的影片坚持以情动人的现实主义风格，既注重反映现实生活和人物命运，又善于借鉴吸收外来的先进电影语言，并用以表现民族特色的风俗人情。崔嵬导演的《青春之歌》(1959)成荫导演的《西安事变》(1982);谢铁骊导演的《早春二月》(1963);
中国第四代电影导演：自然真诚的生活纪实
虽然在这一时期，极左情绪高涨、说教影片泛滥，但仍涌现出像《创业》(1974)《闪闪的红星》(1974)《海霞》(1975)等尊重艺术、忠于生活的优秀影片。但从整体而言，中国影坛在这一时期依旧暗无天日、前途迷茫。
黄健中《小花》(1979)可以说开启了电影艺术复兴的先河，而《良家妇女》(1985)则在造型艺术和寓意审美相融合的探索中更进一步;吴贻弓的《巴山夜雨》(1980)和《城南旧事》(1982)含蓄而唯美地传达着他的诗学意境和风格，对人性的善与美发出了最真诚的讴歌。吴天明怀着对西部热土的无限爱恋和关注拍出了享有中国“西部电影”之称的《人生》(1984)和《老井》(1987)。
中国第四代电影导演是承上启下的一代电影人，他们继承了第三代导演“十七年电影”的优良传统和意识形态，背负着舍我其谁的使命感和责任感;可以说，第四代导演身兼电影理论者与创作者的双重职责，在一片文化废墟上大胆开掘着自己的电影理想，并为电影语言的现代化和电影观念的变革播撒下希望，也铺就了中国电影走向世界殿堂的坚实阶梯。 中国第五代电影导演：历史表意的文化反思
进入改革开放新时期的中国，一大批对艺术和人生有着独特洞察力和敏锐力，对传统道德文化有着深刻的探索和思考，对银幕造型和电影语言有着大胆创新的年轻人闯入中国影坛，他们就是中国第五代电影导演，他们的出现开辟了中国电影的新纪元，实现了中国电影与世界电影的接洽与对话。 张军钊的《一个和八个》(1983)宣告中国新电影时代的到来;陈凯歌的《黄土地》(1984)是第五代导演的奠基之作，《霸王别姬》(1993)是陈凯歌艺术创作的神来之笔，也是其艺术生涯的巅峰佳作，影片中将那种对人生如戏的深沉感慨和对传统文化的无限眷恋融入了一段段荡气回肠的咏叹中。张艺谋也是第五代导演的杰出代表，他导演的影片有《红高粱》、《大红灯笼高高挂》(1991)、《秋菊打官司》(1992)、《活着》《有话好好说》《一个都不能少》《我的父亲母亲》 ( 1999 )、《英雄》 《(满城尽带黄金甲》 ( 2008 )、《山楂树之恋》 ( 2010 )和《金陵十三钗》( 2011 ) 。田壮壮《盗马贼》(1986)、《小城之春》(2001)。 杰出的女性导演李少红则用细腻的女性思维去讲述个人生命体验，她的代表作有《恋爱中的宝贝》(2004)更是将其女性意识推向极致。
13.镜头的类型(1)、按照镜头的景别不同分为：远、全、中、近、特
远景镜头：摄影机远距离拍摄景物，镜头离拍摄对象比较远而产生的一种镜头效果，其画面开阔，景深悠远，能充分展示活动空间，可以用来抒发感情，渲染气氛，创造意境。
全景镜头：主要展现人物在一定区域范围内的动作的一种镜头效果，是塑造环境中的人或物的主要手段。
中景镜头：中景镜头是影视作品中使用较多的基本景别，它主要显示人物膝盖以上部分形象和人物的一定活动范围，观众能够比较清楚地观察到人物的神态表情，从而反映出人物的内心情绪，使观众产生一种身临其境的感受。
近景镜头：近景镜头表现的是人物腰部或胸部以上形象的镜头，它能够通过人物的肖像和面部表情表现人物的内心情感和心理活动，可以突出重要的神情、动作以及景物。
特写镜头：特写镜头是通过表现人物或景物的细微特征的镜头，把表现的对象从周围环境中强调、突出出来，使观众去注意关键性细节，造成强烈而清晰的视觉形象。
(2)、按照拍摄角度的不同：可分为心理角度和几何角度①心理角度：所谓心理角度是指由客观位置关系给观众带来的心理感受，包括主观角度和客观角度两种。A客观角度：即旁观式拍摄。B主观角度：即从画面中的人物的视点进行拍摄。②几何角度：指的是摄影机和被摄主体之间的垂直平面上的客观位置角度关系。分为：平拍、俯拍、仰拍(3)、根据摄像方向的不同：可分为正摄、斜摄、侧摄、反摄(4)、按照拍摄时镜头和摄影机自身运动方式的不同分为：推拉摇移跟升降
推镜头：在被拍摄对象位置不变的情况下，摄影机的镜头向前缓慢移动或急速推进的拍摄手法。它能使银幕的取景范围由大到小，画面里的次要部分逐渐被推移到画面之外，主体部分或局部细节逐渐放大，占满银幕，它能够突出主体，使观众的视觉注意力相对集中，视觉感受得到加强。
拉镜头：镜头由近而远地向后移动离开被拍摄对象的拍摄手法。它能使画面的形象由少到多，由局部变化为整体，它的主要作用是交代人物所处的环境，是交代被拍摄主体与主体所处环境之间关系的最佳镜头。
摇镜头：摄影机借助于活动底盘使摄影镜头上下、左右甚至周围的旋转拍摄的拍摄手法。摇镜头能代表人物的眼睛观察周围的一切,它在描述空间、介绍环境方面有独到的作用，摇镜头在逐一展示、逐渐扩展景物的同时，还能使观众产生身临其境的感受。
移镜头：表现类似生活中的人们边走边看的状态的拍摄手法。 移镜头能打破画面的局限，扩大空间视野，表现广阔的生活场景。
升(降)镜头：借助升降装置一边升降一边拍摄的拍摄手法。它能够更灵活地呈现影视剧中的场景以及人物的活动，能产生出灵动的艺术效果。
跟镜头：摄影机跟随被拍摄对象保持等距离运动的移动镜头的拍摄手法。按照跟随的方向不同，可以分为前跟、后跟(背跟)和侧跟三种方式。它能产生出特别强的穿越时空的感觉,适合连续表现人物的动作、表情或细部的变化。
空镜头：就是影片中没有人物只有景物的镜头，空镜头有写景与写物之分，空镜头是电影艺术特有的表现手段。作用：介绍故事发生的环境、表现故事发生的时间。作用于人物情绪
14、色彩造型：(1)、色彩基调。统领全片的总的色彩倾向和风格(2)、色彩构成。在色彩基调之上的色彩组合及其关系。作用：(1)、色彩可以奠定全剧的基调(2)、色彩可以是人物心理和情绪的外化(3)、色彩具有象征意味(4)、色彩可以表示时空的转换
15、蒙太奇就是在拍摄时根据表达需要，将内容分解为段落、场面，直至最小单位的单个镜头，在后期剪辑合成时再将这些单个镜头重新组合成片，完成叙事和表达需要的一种剪辑和组接的方法，是影视艺术基本结构手段与技巧的总称 。
蒙太奇的类型：(1)、叙事蒙太奇是以描写动作、讲述事件、交代情节为目的,按照情节发展的时间流程、逻辑顺序、因果关系来分切组合镜头、场面和段落,是影片中最基本常用的叙述方式。可分为连续蒙太奇、平行蒙太奇、交叉蒙太奇、颠倒蒙太奇四种。A连续蒙太奇。 按照一个动作或一条情节线索的时间顺序和逻辑顺序组接镜头、叙述事件B平行蒙太奇。 两条或两条以上的情节线索的平行表现，即两件事或多件事同一时间在异地各自发展。 C交叉蒙太奇。也是将两条或两条以上的情节线索交替表现。与平行蒙太奇相区别的是，两条线索之间具有严格的同时性和密切的因果关系，其中一条线索往往影响或决定其他线索的发展。交叉蒙太奇可以制造紧张氛围，强化矛盾冲突，引起悬念等。D颠倒式蒙太奇。即不按
照时间顺序来叙述，而是用倒叙的方式告诉观众过去发生的事情，颠倒蒙太奇常常会借助闪白、叠化等后期特技手法来实现 ⑵、表现蒙太奇主要作用不是叙述情节，而是表达某种心理、思想、情感和情绪，它常常通过画面间的呼应、对比、暗示等，产生抒情、比喻、象征等效果，强化感情、创造涵义。表现蒙太奇可分为心理蒙太奇、积累蒙太奇、重复蒙太奇、对比蒙太奇等。A心理蒙太奇，心理蒙太奇主要用于表现人物的梦境、幻觉或其他主观心理活动，经常采用的手法有闪白、叠化、旁白等。B隐喻蒙太奇，通过镜头或场面之间的对列进行类比，以一物隐喻另一物，揭示画面的潜在涵义。 C积累蒙太奇，把一系列内容性质相同或相近的镜头组接到一起，通过视觉的积累效果，起到渲染气氛，强调情绪、表达情感、突出含义的作用。D重复蒙太奇，是指将有一定寓意的镜头和场面在关键时刻反复出现，造成强调、对比、渲染等艺术效果。
16、长镜头 ：长镜头指的是在一个镜头之内,对一个场景或是一场戏进行连续拍摄得到的比较完整的镜头。
长镜头的类型：运动长镜头、景深长镜头、固定长镜头
长镜头的艺术效果：A它可以避免严格限定观众的知觉过程，注重通过事物的常态和完整的运动揭示动机,保持透明和多义的真实;B它可以保证事件的时间进程受到尊重，能够让观众看到现实空间的全貌和事物的实际联系; C连续性拍摄的镜头段落体现了现代电影的叙事原则，再现现实事物的自然流程，对现实生活的不经修饰的原生态以本真的还原，因而更具有真实感;D长镜头节奏缓慢，适于刻画人物内心世界和积累情绪。 主题影视作品的主题指的是影视作品所表达的思想内涵，它反映了影视创作者对现实生活的认识与评价。
17、主题多义性指的是一条情节主线之下同时体现了多层主题 ，这种丰富的多义性为影视作品增添了独特的魅力。
18、声音
(一)人声是影视艺术中人物或者角色交流的主要方式，它主要指由语言构成的能够表达一定意义的声音，包括对白、旁白、独白、解说等。(1)、对白即人物或者角色之间的对话，是影视剧中两个或者两个以上人物或角色之间交流的主要方式之一。对白具有叙事功能，能够推动剧情的发展，同时也能够塑造人物形象，反映人物的性格特征。(2)、独白是影视作品中人物或者角色对于其内心活动的自我表达。独白的类型：一种是人物或者角色出现于画面当中,对其内心进行自我表述;另一种是人物或者角色不出现在画面中，以“画外音”的形式出现的内心独白。(3)、旁白 是以画外音形式出现，将观众作为直接的交流对象，向观众叙述、说明、解释、评析事件的语言。它既可以是剧中人物或者角色以第一人称讲述跟自己相关的故事，也可以是由局外人用第三人称叙述。
(二)音乐 ⑴音乐包括影视作品中的主题音乐和主题歌曲及插曲等。⑵、音乐的作用：A音乐可以营造气氛，体现时代或者地域特征;B音乐可以抒发情感;C音乐还可以参与叙事
(三)音响⑴、音响是影视作品中，除了人声和音乐外所有声音的统称。它包括动作音响、背景音响、自然音响、机械音响、特殊音响等。首先，音响可以增强环境的真实性、现实感。⑵、音响的作用：A音响可以增强环境的真实性、现实感;B音响可以烘托环境气氛，渲染画面氛围;C音响还可以表现人物情绪，描写人物内心世界;D音响具有象征作用。
影视作品中声音的意义⑴声音是影视审美感知中的重要因素⑵声音的进入改变了电影作品的性质，使之从纯视觉艺术变成了视听兼备的艺术⑶丰富了蒙太奇的功能，使蒙太奇艺术变得更加丰富和完善⑷拓展了影视艺术表现生活的能力与容量
声音在影视作品中的重要性⑴ 揭示主题思想、奠定影片风格、创造氛围意境⑵ 表情达意、推动剧情⑶ 塑造人物形象、展现人物性格⑷ 吸引观众注意、激发观众联想
19、声画关系组合方式：声画合
一、声画并行、声画对立
20、演员的表演：其一，是否为人物设计了富有个性色彩的行为动作;其二，是否能够将人物的内在情感通过外化的动作表现出来;其三，是否能够运用细腻的表演呈现出人物的内心世界。
21、道具：影视道具是影视美术的组成部分之一，在影视表演艺术中，除风景和场景中的布景外，用到的一切器具都为道具。道具的类型：道具包括陈设道具、戏用道具、气氛道具。道具的作用：道具可以交待故事发生的年代、地域，以及故事角色的身份、地位、年龄、职业、生活习惯等等。道具可以充当故事的主线，推动情节的发展。道具可以有象征作用。
22、细节：影视中的细节描写主要包括两方面，一方面是对人物细微情绪和动作的描绘，另一方面是对物件细节的运用。细节往往隐藏于剧情之中，充满隐喻和象征。但当我们深入细节时就能发现，细节还能够包涵更深刻的主题含义，成为点睛之笔，表现出影视作品的主题和灵魂。因此发现细节、捕捉细节，对细节进行细致分析和研究，对理解导演的创作意图大有帮助。
23、期待视域是指对读者在进入欣赏过程之前已有的对于所读作品的预先估计和期待，是一种预先存在的阅读意向。期待视域的两种基本形态⑴在以往的审美经验基础上形成的较为狭窄文学的期待视域;⑵在以往的生活经验基础上形成的更为广阔的生活期待视域;这两大视域相互交融构成了具体的阅读视域。期待视域的差异对接受效果差异的决定性：⑴、垂直接受。垂直接受是指不同历史阶段的读者会对文学作品做出不同的理解与评价。⑵、水平接受。水平接受是指同时代人对作品的接受差异，不同文化心理、社会阶层的个体会对同一作品做出不同评价。
24、召唤结构：未定性与意义空白构成了作品的基础结构，这就是所谓的“召唤结构”。艺术作品正因为有了“召唤结构”，才形成了作者和读者(观众)双向交流、共同参与的一个开放式平台。
第二篇：当代影视评论
当
代
影
视
评
论
论
文
电气工程学院
电气090
4张少明
20094872040
1《阿凡达》观后感 《阿凡达》伦敦首映过后带来的好评如潮，导演史蒂文·索德伯格更吹牛逼说“电影历史将按照《阿凡达》之前和《阿凡达》之后来划分”，我一直和朋友们拿这个开玩笑，说他言过其实，但是在我看过电影后，我觉的索德伯格所言并不夸张。
作为一个21世纪的影迷，我觉得我很幸运，从《黑客帝国》开始，到《指环王》、《蜘蛛侠》、《金刚》、《变形金刚》、《钢铁侠》，再到最近的《2012》，好莱坞精明的片商们，都把视觉特效作为一部电影成功的砝码，我们在经过了这么多的视觉洗礼，去感受导演和概念艺术家们想象力的同时其实也一直在透支我们自己的视觉想象力。这是一个量变的过程，久而久之的积累，人们期待看到质变，希望看到真的能把人震的东倒西歪的东西，于是《阿凡达》出现了，詹神就是质变的关键，虽然我的时代没有《星球大战》，还好但是我的时代有《阿凡达》。我认为电影视觉特效的理念应该是去表现人们想象到的，但是真实世界又不可能出现的东西，你看到之后会觉得，你明明知道这东西不是真的，但是你却又不由自主的去相信它的存在，卡梅隆正是带着这样的理念去创造《阿凡达》里整个潘朵拉星球的一人一物、一草一木，让你相信这些东西真的存在于这个我们的世界上，但是却在你的认知之外。
在视觉特效后，好莱坞的片商们已经发现了新玩具，那就是3D电影，这几年各大片场都推出了自己的3D电影就是证明，但其实很多3D电影的理念都非常的自以为是，无非就是不停玩诸如把东西从屏幕里伸出来吓唬你、或者向你丢个东西等等之类的把戏，就跟看恐怖片一样，时不时的突然吓你一下，再配以强烈的音效，方式简单粗暴，而且这些3D电影基本都是以远近分层的形式来实现立体效果，比如一个画面从景深上来讲，分远中近三层，远处一个人，中间一个人，近处一个人，这确实有远近关系，有层次，关键的问题来了，就某一层本生来说，它并没有立体效果，它还是平面的，就跟你看到一个立体贺年卡一样，有层次，但是每一层上的图案还是平面招贴画。另外一个问题就是，大多数的立体电影，他们都给了你一个既定的视觉对焦点，比如一个画面，制作电影的人把焦
点集中在前景的的人物身上，那么你想看其他地方的东西，就很难受，眼睛快要爆掉，喜欢摄影的朋友们肯定了解，要是大光圈拍人，背景模糊了，你就只能看到焦点的东西。但是这是看照片，试想一下你在看一部立体电影，场景频繁切换的时候，每个场景的焦点都不一样，你要一直被动的跟着被设定好的焦点去改变自己眼睛对焦的点，眼镜对焦的生物马达会坏掉的。
《阿凡达》的出现改变了上述这样的情况，它厉害的地方就在于它让每一层都立体起来了，放眼望去，画面上有无尽的空间和美景都可以让你观赏，画面几乎是全景深的，摄影专有名词上有个词叫“泛焦”，即为没有焦点，画面全清晰，你可以任意去观赏画面里的每一个角落，我记得在此前的《冰河世纪3》的3D版里，就已经几乎达到了这样的视觉体验，但是这种美妙的体验在《阿凡达》的CGI镜头里尤为明显，并发挥到了极致(《阿凡达》里有60%的镜头是全CGI的，难以想象)，虽然在少数实拍的镜头里还是有些许不适，但是相对于此前的3D电影来讲，已经是高不止两三层楼那么简单了，这就是詹姆斯·卡梅隆打出的“体验电影”口号，我们不只是从银幕上看电影，而是深入到那个美妙的世界去跟角色一起体验精彩的冒险。其中有一段男女猪脚骑着班瑟飞龙在天空翱翔的镜头，美轮美奂，棒极了。
我一直认为，从听故事的角度来讲，你听到什么故事并不重要，重要的是你怎么讲故事，这就是为什么同样一个笑话，不同的人讲，笑果会大不一样，要是纵观卡梅隆所有的电影，你会发现，这些他自己写的故事身其实都不新鲜，比如《终结者》就一部关于一个人被杀手追杀的故事，《真是的谎言》就是一个特工和反恐的故事，《铁达尼》更是一个千百个人讲过的爱情故事……关键是他能赋予这些故事一个新鲜的外壳，且他对电影细节和节奏的把握在当今好莱坞导演屈指可数。《终结者2》里液态机器人最后在炼钢厂追杀约翰·康纳的场景里，他把手放到炙热的栏杆上，立马收就和栏杆融合，还有脚踩在高温的甲板上，脚立马溶成半液态，卡梅隆的其他电影里也有很多这样细节的镜头，也许是可有可无 的，但是这些镜头让我记忆深刻。
看过《阿凡达》，你也许会想到《风中奇缘》，也许会想到《与狼共舞》，也许会想到美国西部大开发……只是《阿凡达》里加上了奇幻色彩，但最终还是一个简单的关于环保和爱情的故事，其实卡梅隆也知道这故事很俗，他的目的很简单，就是用无与伦比的特效把你震翻，而且他很牛的地方就是，控制着每一步你的情绪，多长时间交代背景，多长时间铺垫，啥时候紧张，啥时候该舒缓情绪，等你差不要缓过劲了，再把你震回过来，甚至你上厕所的时间都考虑到了，虽然，你知道这都太过于好莱坞工业化，目的是掏你的腰包，但还是不得不心甘情愿的任它鱼肉，这就是《阿凡达》的魅力。但我坚信这只是詹姆斯·卡梅隆的一部技术的试验作品，所以故事这么简单，重头戏在将来的《铳梦》。
所以我会去再去看一次《阿凡达》，IMAX的，我将无限期待詹神的《铳梦》。
第三篇：《僵尸新娘》影视评论
中
外
卡
通
动
漫
欣
赏
《僵尸新娘》影视评论
( xxxxxxxxxxxxxxxx学院xx级xxxxxxxx班xxxxxxxxxxxxx) 僵尸新娘是课上看的动漫电影，到现在内容还是记忆犹新啊，这
部动画影片黑色幽默却又不失真诚真爱。太喜欢这种风格的电影了。
影片的开始，是我最喜欢的类型。轻灵的琴声，翩然的蝴蝶，维克多寂寞而善良的表情，一切自然而平静，一切忧郁而安宁。也是一开始，就喜欢上了维克多，喜欢上这个平静而略带忧伤的维克多。因为知道，维克多是善良的。虽然自己一直不认为自己是所谓善良的人，但在生活中，或至少是在虚构的生活中，还是愿意见到一颗颗善良的心。
动画影片《僵尸新娘》背景取材于俄罗斯的一个古老的民间传说，故事背景被改编在了19世纪的欧洲，青年维克多在暴发户父母的安排下去迎娶没落贵族的女儿维多利亚，在婚礼举行的前夜，生性内向的维克多因念不好结婚誓言惊慌失措地跑到荒郊野外。他拿出结婚戒指戴在一根短棍上练习，却不想唤醒了地下的僵尸新娘艾米丽，欲与之在鬼城成亲。
由于维克多的消失，维多利亚不得已嫁给男爵，维克多也因此心灰意冷的打算喝下绝命酒和艾米丽成亲。鬼城的鬼怪们为庆祝喜事纷纷从地域中来到人间为艾米丽见证，关键时刻，看到维多利亚的艾米丽阻止了维克多喝下那杯毒酒，同时也惩罚了那个曾经欺骗并狠心杀害她的伪君子男爵。最终僵尸新娘化为漫天飞舞的蝴蝶进入天堂，为维克多和维多利亚成全了自己的爱情。
影片诡异阴森的画面，带有伯顿一贯的风格，超乎寻常的想象力也是让人钦佩不已，加上哥特式风格的童话故事，让整个影片透出一种别致的温情，压抑的环境，对比的画面，更加突出导演所要表达的主旨。不过，整个影片中最让人印象深刻的还是导演对于电影中所有人物的及其之间关系的刻画和构造。忧郁而带有文艺气质的男主人公维克多和善良而又孱弱的女二号维多利亚，作为整个影片中仅有的两个拥有正常形象的角色，导演在对他们进行形象定位的时候着力表现出他们善良而又单纯的一面，作为被“权威”利用的两个个体，面对各自父母的逼迫，善良的个性让他们没有选择去逃避。一段钢琴的演奏让两人心里擦出火花，可以说是一见钟情，这也是为什么可以让维
多利亚在逼着嫁给男爵时还想去营救维克多的原因。
影片中勇敢而又真诚的女主人公艾米丽因为男主人公的一番爱的誓言唤醒，不顾一切的爱上了维克多，最后化为漫天的蝴蝶，成全了维克多和维多利亚的爱情。其它人物形象的塑造都很好的体现出了导演所要表达的观点，暴发户为改变地位的庸俗形象，没落贵族为了金钱而出卖灵魂的嘴脸，都通过比例严重失调的人物形象很好的表现了出来，没落贵族看重了暴发户的金钱于是利用了自己女儿的婚姻。
一方面，这样情节的设定很好的推动了故事的发展，通过这样的一个故事的背景，于是就产生了后面所有的故事，影片也是围绕着这个事情而展开，这也是全片的一个核心点。
另一方面，通过这样展现很好的体现出了故事角色们的个性，维克多和维多利亚虽然对这样的婚姻感到不满，却也无可奈何，并没有过的反抗，这也正好说明了他们性格中善良而弱小的一面，也得以更加突出女主人公勇敢而果断的性格特征。艾米丽虽是僵尸新娘，但始终爱着给她美好誓言的维克多，即使发现维克多欺骗了自己，她宁愿一个人独自落泪。也不愿通过邪恶手段得到爱情。
她爱憎分明，男爵人物的设定就很好的交代了艾米丽遭遇的原因以及她为什么最后愿意放弃自己而成全维克多和艾米丽，男爵也是推动故事深入的一个关键人物，他通过不正当的手段想获取不义之财，却不想终被自己犯下的罪所惩罚。其他配角的设定，像艾米丽眼睛里的那只专门用于活泼情节的小虫，艾米丽送给维克多的宠物骨头狗，其他个个身怀“绝技” 插科打诨的骷髅们，这一系列人物的设定给影片注入了喜剧而又富有想象力的色彩，不时给人惊喜。
唯一让我感觉有点遗憾的是导演对男爵这个角色的处理，男爵当然最终受到了惩罚，得到了应有的报应，但是我觉得可以考虑将这个人物也进行下升华，可以让男爵悔改自新，毕竟男爵所代表的是一个群体样的角色，如果能让其心灵最终得以进化，对于真个电影真善美的变现将显得更加的鲜明。在《僵尸新娘》里，也同屏幕外的世界一般，落魄的贵族与暴发的鱼贩子，两个看似相隔的群体，被所谓的荣
耀与财富栓在一起，爱情的味道变得如同那灰暗的天空般，黯淡，没有未来。
一直很不喜欢“世俗”这样的词汇，可我们谁也不能否认，自己也是生活在这世界上的普通一员，或许我们不想世俗，也不原世俗，可每天呼吸着世俗的空气，饮用 着所谓世俗的水，接触着所谓世俗的人，渐渐得，我们也变的世俗起来，我们的爱情也变的世俗起来，最后，我们的婚姻也变的世俗起来。
柏拉图式的爱情是我们一直向往的，但，也许真的只是情感层面上所向往的，激情过后，每天我们还是要面对最普通的生活，最普通的柴油米盐，面对无数的应酬，面对无数的开支，面对物质的生活。
正因此，我们在寻找爱情时，会珍惜自己喜欢的人，会努力自己喜欢的情感，但也终逃不掉去考虑对方的家世，对方的地位，对方的生活。
毕竟，婚姻是现实的，爱情是浪漫的。
对于维克多和维多利亚，或许是因为家庭的重担并没有落在肩上，或许是家族荣誉的光环从未笼罩在他们头上，他们的相遇，更多是心的吸引，屏弃了一切所谓世俗的观念走在了一起。两人简单的一见钟情，简单的浪漫情缘，在现实生活中可遇而不可求的啊。
第四篇：影视评论的写作流程
影视评论的写作流程 影视评论写作的作用：影视评论的过程是一次分析和诠释的活动，主要是通过解析影视创作的运作方式和外在的表现，来诠释它的内在涵义，同时它也是一种传播活动。
影视评论的目的：1.指导观众进一步理解和感受作品 2.促进影视艺术创作 3.丰富影视艺术理论
《太阳照常升起》1.实际上是四个短片集锦 2.呈现的真相是线性叙事【a.奇异的山村中“疯”的故事 b.革命语境下的性压抑的“恋”的故事 c.姜文在青春期的理想的“枪”的故事 d.对1950年代稀缺性幻想的“梦”的故事】 《蓝》，为什么是从一场车祸开始? 一.带着问题看片：
1.看摄影。这里包括机位，色彩，景别，光线等(《雁南飞》) 2.看影片中的场面调度，也就是导演对演员在表演空间的指导以及摄影机对电影空间和情绪的再创造。
场面调度：在电影中“场面调度”是导演的重要的艺术表现手段，是导演为了把主题思想、人物性格、故事情节、环境节奏等通过自己的艺术构思，传达给观众的一种独特的造型手段。电影场面调度把演员调度和镜头调度作为不可分割的创作手段，统一起来加以运用。 场面调度的作用：1.刻画人物性格 2.渲染环境气氛(《雁南飞》女主角薇拉以急迫的心情奔向车站想和即将开赴前线的丈夫见面) 3.叙述情节(《克莱默夫妇》开场的人物调度) 二.看影片的剪辑有没有特点?影片剪辑点把握是不是准确? 剪辑是电影制作工序之一，剪辑是电影声像素材的分解重组的整个工作，也是一部影片摄制过程中的一次再创作。
衡量影视作品剪辑成功与否的一般标准是：1.流畅 2.保持一种方向感 3.保持清楚的连贯性 4.调整好节奏
三.看故事情节的讲述。(《如果爱》戏中戏的结构，即在戏里还有另一场戏) 四.看影片中的人物
对人物的分析应该把握以下问题：
.1.分析人物在影片中所担当的角色。如《魂断蓝桥》中的罗伊和马拉，一个是贵族，一个是平民，影片正是通过这对男女的爱情悲剧，抨击了当时英国上层社会的门第观念，同时也谴责了战争给人们带来的灾难。
2.分析人物在电影中的表现：a.人物外形表现(《飞越疯人院》中的麦克墨菲进入疯人院后穿着黑色的皮夹克，头戴绒绒帽，一副玩世不恭的样子，与周围死气沉沉的白色环境格格不入，也意味着最后的悲剧收场) b.人物景别表现 c.人物形体表现(《我的父亲母亲》，彩色回忆时空段中，年轻的“母亲”，人物的形态永远都处在运动中，处在站立和跑动之中;而黑白现实时空段中，年老的“母亲”则恰恰相反，大部分形体表现处理成为静止的形态和坐姿状态) d.人物位置表现(《黄土地》的人物位置的整体风格都是居中处理。
五.看影片包含的文化内涵以及意识形态的运作。主要看影片中包含的文化、宗教、民族或者是国家认同，身份认同的内容。(《喜宴》中传统婚俗的文化内涵和伦理观念 六.分析影片和一些影视理论之间的关系。(《筋疲力尽》) 影视评论写作中分析的工具
一.描述性工具：主要有分镜头、场景表、以及影片中人物关系图、场面调度(演员调度、摄影机调度)图等。
1.分镜头：就是在影视作品中，两个剪辑点之间的那一段影片(如苏联《十月》分镜头多大3225个。
焦点：与光轴平行的光线射入凸透镜时，理想的镜头应该是所有的光线聚集在一点后，再以锥状的扩散开来，这个聚集所有光线的一点就叫焦点。
弥散圆：在焦点前后，光线开始聚集和扩散，点的影象变成模糊的，形成一个扩大的圆，这个圆就叫做弥散圆。
景深：在焦点前后各有一个容许弥散圆，这两个弥散圆之间的距离就叫做景深。即：在被摄主体(对焦点)前后，其影像仍然有一段清晰范围的，就是景深。 场景：是现代影片的重要的造型元素。场景可以是现实空间环境，也可以是非现实空间环境。 内景：在摄影棚内，专门为影片的拍摄搭制的人工场景。 外景：大自然中自然景观的场景。这种场景的空间比较广阔。
实景：人类居住和活动的自然建筑的场景。这种场景具有生活气息。
场地外景：为了影片的拍摄，按一定比例，专门在选定的自然环境中人工搭制的场景。 特技合成景：人工搭制的，用于配合特技拍摄的小比例的人工场景。 计算机模拟景：利用计算机(数字)技术创造的现实的场景环境。 场景的排列的意义(影响到以下几个问题)：
1.场景决定影片的风格(外景出意境，内景出戏，实景出调度，外景利于影片的气氛，内景利于影片的光线运用。实景利于影片的空间表达。
2.场景影响影片的空间感觉 3.场景制约人物形象的塑造 4.场景关系到影片的影调的构成。 二.引述性工具：影视评论是借助于抽象的文学形式，来对具体、直观的影视作品进行推介、诠释和阐述。
画格：是影视作品中流动的影像中抽取的定格的静态画面。 三.资料性工具
资料性工具包括三个组成部分：
1.是影片发行之前产生的相关资料
2.影片发行上映后的相关资料
3.是他人的评论性资料 形式分析取向的影视评论写作
形式分析取向影评的焦点集中在影视作品的形式结构等本体的内容，主要是关于一部影片的结构和风格，或是影视的叙事形式在影片中特定的组织形式的评论。
在叙事和风格的形式分析取向的影评写作中，就是从这样的角度出发，来进行影视评论分析的：
1.从决定影片的组织结构是叙事性还是非叙事性形式系统出发，了解影片是如何合成一个整体的
2.分析影视作品的形式和风格，辨识影片中使用的技巧，包括影片的色彩的运用、拍摄的风格(是纪实的还是写意的)、镜头的运用、场面调度的构成特点、影片剪辑以及影片中音响的运用
3.找出整部影片中的技巧模式 4.找出这些重要技巧的功能，也就是找出风格在影片整体形式中所扮演的角色(如姜文(太阳照常升起)，希区柯克的《群鸟》中的快速剪辑所形成的震惊和紧张的气氛，特定的技巧在影片的表达中形成了一定的意义，吸引了观众。【大题目 举例】
“作者论”取向的影视评论写作 1.导演个人的生活基础、文化空间和时代背景是批评者在探询一个导演风格时应采取的切入点
2.导演通过电影处理事物的角度和他对世界的看法，也是评价导演创作特色的角度 3.导演与类型的关系，也是批评者关注的角度
“电影作者论”是具有法国色彩的电影实践和批评理论。 “作者论”的观点概括起来主要有三点：
1.导演经常处理同一个主题或题材 2.导演有一套鲜明的个人风格(张艺谋电影中的色彩，红高粱; 3.电影能够表现导演的个人视野，通过电影可以看到他如何处理事物和他对世界的看法。“视野”指导演的态度与立场，并不等同于“世界观”。 从作者角度研究电影需要注意以下一些问题： 1.导演个人的生活基础、文化空间和时代背景是批评者在探询一个导演风格时应采取的切入点。 2. 导演通过电影处理事物的角度和他对世界的看法，也是评价导演创作特色的角度。(举例：陈果，表现香港底层人生活的无望、挣扎，香港被英殖民后脱离祖国母亲的襁褓，变成“无根”的孤儿) 3.导演与类型的关系，也是批评者关注的角度。(该作者是否对某种电影表现技法(如长镜头、特写、大远景等)有偏好。 类型研究取向的影视品论写作
类型电影的特征：1.二元性 2.相似性：类型电影，尤其是每一种类型的电影都有相似的故事架构、相似的视觉图谱、相似的人物类型。 3.模式性 4.梦幻性(情节幻觉、情感幻觉、意识形态幻觉) 5.大众性 6.怀旧性 7.娱乐性
在类型电影的批评中应注意：1.类型影片的产生与原型密不可分，一切人类社会无论表面生活多么复杂，抽象到最后就是那么几种模式或原型。(求生存、谋发展：为自我寻找情感的归属，迎接偶然的天灾人祸的挑战)
2.每一种类型的产生，除却对应人类在最基本层面上存在的原型外，还在一定程度上对应着人类历史发展进程中曾经出现的具有普遍意义的社会问题(西部片与美国西进运动的关系) 3.类型片与人类娱乐的关系(歌舞片) 4.类型片也是由人类的情感所决定的 5.类型片的变异与人类审美变化的关系。(歌舞片的MTV与人类审美的激越化，碎片化有关)
第五篇：《天使爱美丽》影视评论
09级编导班王聪
这是部我一直想看却一直未看的电影。迟到了10年，今天把它翻出来细细品味了一番。
听多了对这部电影的好评，在我自己观看的时候却没有觉得这部电影多好，就像是一部色彩浓重，人物夸张，影片风格夸张的电影。但是在看完之后，也就是现在，感觉就像是刚喝完一杯苦茶，嘴里泛着浓重的香。
看完这部电影的第一遍之后，有点蒙。感觉着法国佬的思想跟中国佬就是不一样，让我恨不能理解。然后我就用快进的方式看了第二遍，看完之后我才发现，这似乎不只是法国人的思想，或许是全世界人的思想。剧情简单，包含的思想也似乎很简单，只是这种电影的讲述方式自己不太习惯，所以只能在第二遍的浏览中理解了其中的含义。
电影讲述的像是一个用中国词汇来说叫做“世外桃源”，而用欧洲的词汇来说叫做“乌托邦”。所以整部电影包括色调和人物造型都是夸张的，您很细致，从房间内的摆设，到电影各个阶段的用色都让我非常的喜欢，也许这就是法国人独有的浪漫主义吧!
这部童话般的电影在镜头的运用方面在当时也应该是开创了先河吧，每个镜头都像一张张美丽的彩色照片一样，镜头与镜头之间的衔接都是一种介乎于“神经质“式的接”法，当然这“神经质”式的接法显然取得了很多观众的喜爱，用类似于动作片的一些紧张性的拍摄手法来表现主人公一个白雪公主般的人物。不得不说，这种拍摄手法与浓重的色彩夸张的造型以及不寻常的情节搭配的很舒服。现在想想，这个导演的大脑是怎么构思出这种独特的搭配手法的，难道是法国人的浪漫?好吧，我很想知道导演在拍这部电影前是怎么构思的这部电影。 电影从开始就没有浪费观众看这部电影的时间，即使在片头，导演也交代出了爱美丽小时候性格并接表达出了一个孩子的童趣。整部电影多用近景进行拍摄，人物的表情都是一清二楚的展现在观众的眼前，这样使得整部电影在观影的过程中让人更加的置身事内，并接加上爱美丽的对着镜头的窃窃私语，更使得观众觉得自己就是爱美丽身边的一个朋友，关注并了解爱美丽身边发生的一切事情。
爱美丽的脸上笑容一直是招牌似的，更为这部电影增添了独特的个性和看点。
影片里的用光一直是使得镜头内的场景和人物保持着明亮，就像整部片子色彩浓重一样，到处都是打开的灯，使得事内和人物更显得漂亮。就拿开头不久爱美丽找房东那场戏来说，从打开门开始，房间内所有的灯便是亮着的，虽然房东太太是个被抛弃的女人，但她的房间内依然很整齐干净，似乎导演就不要在这部影片中出现污秽的东西，特别是房东家里那成了标本的死狗，很有喜感，这难道是导演的法式小幽默?可能吧。
分析一下爱美丽寻找白度图的一段吧。
爱美丽在电话簿上找到三个人叫白度图的人，先从窗外移动拍爱美丽然后在她指电话簿的时候直接切手指的特写，光源从右向左打，然后爱美丽出门跟老板
请假，老板娘问她男友叫什么，然后接着就切到了爱美丽站在了那三个其中一个的白度图的家门口，并且嘴里说出了白度图的名字，脸上挂着微笑，用问答来切换了场景。刚开始看的时候我以为是回答了老板娘的话，后来才发现并不是那样，这样切是表达了爱美丽的心情，寻找童年记忆的主人，让她感到激动，就像是恋爱了一样。但当她发现并不是自己要找的人的时候，特写表情、音效，马上改变，2011-10-9这种夸张式的表现手法贯穿全片，所以并不显得不自然，反而更突出了爱美丽的个性。当爱美丽敷衍了这个白度图之后，关门的声音特效一样表现出了爱美丽的失望的心情。然后她坐火车去找下一个白度图，在路上的镜头虽然不多，一个车内的爱美丽近景，晃动的镜头，加速快放，并且车厢内不知道谁说的一句“对不起”，都表现了爱美丽失望后烦躁的心情。另一个镜头是切得列车飞驰而过同样使用了快放加摇动。
后面的两端是层层递进的加深了爱美丽的失望。在找到最后一个白度图发现已经死了，哀乐慢慢升起，突然放大，好像就是为了表明了爱美丽的失望到极点的心情。接着是爱美丽面无表情上楼梯的镜头，楼梯下面是灯光，上面也有灯光，而楼梯中部却没有灯光，似乎就暗示着爱美丽从明朗走到毫无头绪，再到明朗的过程。就在她上楼梯的过程，“玻璃人”叫住了她，给了她纠正了线索。当她得知了正确的线索后，脸上就又露出了招牌式的笑容了。
总之，慢慢的发现，整部电影中，无论是色彩、音乐还是灯光，都是为了主体的爱美丽服务的，用来衬托出她此时此刻的心情，不是别人的，也不是因为这些因素而改变她的心情。
《天使爱美丽》正如名字一样，爱美丽的确是一个如天使般存在着的人，不断的帮助去别人，暗地里为别人打抱不平，用很细腻的方式追求自己的爱情，她让人觉得她的心灵是一尘不染的，纯洁的像个天使一样。