工笔画

工笔画（精选11篇）

篇1：工笔画

是吳教授的教案，我在校園網上下載下來，希望對初學的親們有幫助，，《工笔花鸟画》教学大纲

课程性质：美术学、绘画专业国画方向 先修课程： 总 学 时：160(绘画专业国画方向)64 学时(美术学)学

分：7(绘画专业国画方向)3(美术学)理论学时：10（绘画专业国画方向）5(美术学)讨论学时：12（绘画专业国画方向）6(美术学)开课学院：美术学院

适用专业：美术学、绘画专业

一、说明

1、课程性质、地位和任务

中国工笔花鸟画表现花鸟为题材的绘画形式，花鸟画描绘对象，实际上不仅仅是花鸟，大致归纳为：花卉、翎毛、走兽、蔬果、鳞介、草虫等。花鸟画以写生为基础，借物抒情、托物言志，有着悠久的历史，是传统的绘画艺术形式之一，是美术学、绘画专业国画方向等学习的必修课。

通过本课程的教学与实践，使学生能掌握和了解中华民族传统绘画的技法技艺要领。审美特征，对工笔花鸟画构思、构图、风格流派的基本技法特征有深层的理解。并能熟炼运用这一独特地绘画造型手段来表达对生活和自然的热爱与赞美。

2、课程教学的基本要求

1、工笔花鸟画，以讲授基本理论知识，示范作画、作品分析与讲解，要求学生进行临摹、习作练习、外出写作创作，着重技能训练，重视理论学习。

2、讲究启发式教学指导，注意因材施教，重视个性发展，从而培养学生独立思考、创造性学习的能力。从而使学生掌握工笔花鸟画的基本技法，培养其创作能力。

3、本课程的重点与难点

重点：本课程的有关基本理论和基本概念、基础技法。掌握运用工笔重新的基本方法，表现生活内容。

难点：如何学生是教学的难点，给学生讲授学生过程的要领和方法。

二、课堂教学时数及课后作业题型分配(绘画专业)章目

教学内容

教学

时数

教学方式或手段

课后作业

一

工笔花鸟画概述

8学时

示范范围

白描花卉技法练习一幅 二

花、鸟的结构与形态

18学时

范画讲解

三

白描花卉技法

36学时

学生临摹

花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

四

工笔花鸟画的染色技法

38学时

学生临摹

设色花卉两幅 五

工笔花卉写生

26学时

学生临摹

写生作业稿六幅 六

工笔花鸟画创作

34学时

学生创作练习

创作一幅 七

八

合计

160学时

课堂教学时数及课后作业题型分配(美术学专业)章目

教学内容

教学

时数

教学方式或手段

课后作业

一

工笔花鸟画概述

4学时

示范范围

白描花卉技法练习一幅 二

花、鸟的结构与形态

8学时

范画讲解

三

白描花卉技法

15学时

学生临摹

花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

四

工笔花鸟画的染色技法

15学时

学生临摹

五

工笔花卉写生

8学时

学生临摹

设色花卉两幅 六

工笔花鸟画创作

14学时

学生创作练习

创作一幅 第一章 工笔花鸟画概述 教学目的

通过本章节的教学，使学生了解中华民族传统绘画的基本理论和概念，对工笔花鸟画的审美特征，有较完整的认识。

重点：认识和了解工笔花鸟画的基本概念和基础理论。难点：正确领悟工笔花鸟画的审美特点。

第一节：工笔花鸟画发展要领(形成、风格、演变)

第二节：工笔花鸟画独特的表现形式与特征。课后作业

简述工笔花鸟画的表现形式及审美特征。第二章 花、鸟的结构与形态

教学目的：具体讲解工笔花鸟的技法内容，通过介绍讲析工笔花鸟的基本结构与形态。使学生能掌握和了解工笔花鸟的基本方法。

重点：花鸟结构与特征。

难点：概况准确表现花鸟其特征。

第一节 花、鸟的结构讲析

第二节 花、鸟的形态变化

课后作业：临摹学习，花鸟的基本结构。

第三章 线描花卉技法与工笔花鸟画的染色技法 教学目的：使学生掌握和运用线描、重新的形式表现花鸟画本章节的主要这学习内容是学习工笔花鸟画的重要环节。

重点：运用线和重彩形式表现花鸟、自然界植物等。

难点：学习掌握和运用。

第一节 线条的表现与要求

第二节 线与花卉的结合 第三节 线条的变化与规律

第四节 基本步骤与技法

第五节 色彩形式与变化

第六节 色彩的特殊技法

课后作业：临摹学习宋代花鸟小品两幅 第四章 工笔花鸟写生与工笔花鸟画创作

教学目的：通过去章节的学习，使学生能掌握工笔花鸟的学生和创作基本方法。为将来的学习与发展打下坚实的基础。

重点：掌握工笔花鸟画学生的要领和方法。

难点：学习掌握工笔花鸟画的基本创作方法

第一节 观察与感受

第二节 提炼与概括

第三节 造境与构图

第四节 形式与内容

课后作业：学习创作练习二幅。【课程考试】

①白描花卉技法练习

一幅

②花、鸟着色练习(宋代名画)二幅

③写生创作练习作品

一幅

四、使用教材与教学参考书目 【使用教材】

《21世纪安徽省高等美术院校，教材系列》 【教学参考书目】

孙奇峰《中国画技法》

第一册花鸟人民美术出版社1995年6月

金鸿均《中国画》

人民出版社1996年4月

《宋代花鸟小品》

黑龙江美术出版社2002年6月

《江宏伟画册》

江苏美术出版社1998年8月

《姚舜熙画集》

福建美术出版社1998年6月

篇2：工笔画

课题：工笔画的基本技法

所用材料：自己画的白描、工笔画进行展示；借助多媒体课件进行展示。教学目标：通过本节课的知识让大家掌握工笔画的勾勒、设色。教学重点：注重学习工笔画的勾勒和设色技法。

教学难点：通过讲解激发学生对工笔画的兴趣，然后通过演示让大家掌握工笔画的技法。课型：理论课

教学用具：多媒体课件、自己习作。

教学方法：通过口头讲述和作品展示进行讲述。教学内容：

一、白描

1、用笔

工笔画勾线最基本的用笔方式有以下四种：

（1）中锋用笔（2）侧锋用笔（3）逆锋用笔（4）顺锋用笔

2、勾勒（勾线）

一副好的工笔画，线是至关重要的。清代沈宗骞有如下评论:”意在笔先，趣以笔传，则笔乃作画之骨干也。骨具则筋络可联，骨立则血肉可附。”这里所说的“笔”和“骨”值得就是线。

现代画家黄滨虹先生在总结前人经验的基础上提出了五条要求即：平、圆、留、重、变。

平：指的是用笔时力量要均用，不可忽重忽轻，要笔笔到位，力透纸背。

圆：指线条要圆润而富有弹性，在线的转折处更是有如折钗股般的韧性。

留：用笔要收放自如。

重：行笔时根据不同的表现对象不断的变换，或者行笔的速度上或迅疾或舒缓或棱角分明或圆润流畅。

二、设色

传统的工笔画的着色方法总体上可以分为：褪染、冲染、分染、提染、罩染、湿染、背染等。

褪染：是传统工笔绘画着色时使用较多的一种着色方法。一手执醮颜色的笔，一手拿清水笔，先以醮颜色的笔染染再用清水直接接染过去，从而使画面产生由浓到淡的变化。

冲染：也叫积水法。

分染：即分层着色，古人称之为:“三矾九染”也就是多染色的方法。提染：顾名思义，就是为了加强画面的层次感，整体感，对画面的某一局部所作的“微调”

罩染：以现代人的眼光看，罩染其实是统一的画面色调的一种方法。湿染：就是趁着湿染色。在一定的形体内，先以清水涂湿，待其要感未干，染出深浅浓淡。

篇3：现代工笔画的色彩

人物是线条美,山水是水墨美,花鸟则是色彩美。自古以来工笔画都是以画面灿烂绚丽、光彩夺目为主要特征。重色彩一方面是为了加强工笔画作品本身的表现性,同时也是为了渲染作品所要达到的意境和气氛。古代工笔画家都是从写生入手,仔细观察自然万物的细枝末节,精心描绘,把真切、具体的形象放在极为重要的地位,无论方形小帧还是宏幅巨制,都是用很大的功夫制作完成的,绝对没有轻心率意。作品都是精心细密、金碧富丽,形象生动而鲜明,这也是工笔画区别于其它绘画形式的特点之一,且工笔画的线条、色彩具有很强的中国文化特征和中国审美情趣,讲求对象在人情的关照下,自然之理和画家的精神相融合,达到“善形式而气韵俱妙”“精于形象而意味横生”。

古代工笔画家都是从写实入手,采用写生手法来表现自然。由于色彩受具体的物象所限定,固有色的观念使人们失去了对色彩自由想象的翅膀,但是随着历史的发展、艺术的进步、西方思潮逐步渗入,中国画不再强调单纯表现物象表面的色彩,而是以画家的心去感受,充分发挥再创造的想象力,体现出画家的主观感受。在作品中,加强了主观色彩在画面中的主导地位,弱化物象本身的固有色,通过各种颜色在同一种色系中的微妙变化达到丰富和充实,色彩强烈、鲜明,造型丰厚、生动,注重团块、色面,色彩的表现力,画面中呈现多种复色色系,而色层叠加重置,鲜活明丽,色彩表现异常丰富,从而体现画家对自然的独特感受。在创作手法上采用墨与色相融,以墨破色,以水破墨,把色彩提高到重要位置,一方面用墨色衬托出色彩的跳跃、绚丽,另一方面浓重的色彩又反衬出墨色的沉稳、安静。通过色彩和墨的调配,色彩和色彩的调配来表现出作品的个性,从而在绘制过程中引发新的作画方式和作画步骤,引发更多情感积累,带来更多视觉的艺术思考。

沈垚/盗梦纸本170cm×90cm 2015年

宋元以来重彩工笔画艺术高潮迭起,各个阶段都取得了极其辉煌的成就,现代重彩工笔画延续和发扬了几千年中国传统的五色理论,体现了东方绘画独具特色的画材、画法和绘画美学概念,以色彩的中国画为突破口,以新材质、新语言、新形式增强现代工笔画的视觉冲击力。在重视中国绘画传统的基础上,全面探究中国美术精神,对重彩工笔画重新认识、理解,吸收西方绘画通过光源来描绘物象的丰富变化,吸收中国古代各美术形式以及民间艺术对色彩的吸收和使用,同时掺入了日本画风,主要体现在色彩语言和技艺方面。在色彩和笔墨的结合、现代色彩和传统五色观念色彩的融合中取得了相应的成果。现代工笔画家在色彩的塑造和赋彩的手段上,既走入传统同时又走出传统,以艺术的视觉规律为基础,既要蕴含中国重彩画独有的审美特性,又要具有世界性绘画艺术共通的语言属性,在画家独特的思维中,创作出与时代审美相结合的重彩工笔绘画艺术作品。现代工笔画的色彩倾向和审美情趣已不再是单纯的再现自然,更多的是表现作者强烈的主观感受和内在情感。

沈垚/异妆玩偶纸本178cm×96cm 2012年

随类赋彩是中国画色彩的理论基础,是中国画敷色的经典。传统重彩画的着色方法都追寻“随类赋彩”的观念,只是在染色的具体方法上加以研究、深入,现代重彩工笔画在用色上已逐步在打破“随类赋彩”的观念,不再以固有色为界线,满铺色彩,以无序中求有序,产生朦胧、浑厚,富有韵味的色彩效果。在绘制方法上除传统方法外,还从打底色开始,运用各种矿物色、植物色以及大量的现代化学颜料层层叠加,制作出厚实、丰富的肌理效果,追求复杂、多层次,富有内涵的画面效果,使现代重彩与传统重彩拉开距离,构成具有独特时代性的绘画新样式和新的视觉语言。“随类赋彩”是古代中国画色彩实践和理论的总结,随着“随类赋彩”理论的发展和完善,中国画色彩面貌会越来越丰富,形式会越来越多样,也必将在作品中显现出现代色彩的强大魅力。

沈垚/六个梦纸本80cm×155cm 2015年

沈垚/轻花似梦纸本165cm×145cm 2011年

沈垚/失落的翅膀纸本170cm×150cm 2012年

沈垚/默化纸本200cm×170cm 2014年

篇4：工笔画创作浅谈

画为代表的佛教艺术到以永乐宫为代表的道教艺术，从

马王堆的帛画到周昉的仕女，再到赵佶的花鸟……所绘

物象俱若自然，笔韵高洁，端庄典雅又舒朗浪漫……这

些作品中的线条、色彩，以及整体造型、笔法所体现的

“工”和“意”展示了艺术创造的智慧和情感，以及对生活

的体悟。

工写结合，形神达意

在画面的工整中追求写意性，把抽象与具象结合、

写实与写意相融、把浪漫主义的象征的物象与写实的具

象物体融于同一画面中，使两者尽力地统一谐调以显示

画面的生命与活力。

工笔写意性的自然就是写实与写意相融，自然之精

神与画家的心境、情感合一，形神兼备，工写结合，也就

是抽象与具象的结合。工笔画中的写实，不是真实的

实，而是具象的物和差异的形共同呈现的真。因此工笔

画需要工整细致，但不能片面地去追求照片似的真实

感。工笔画尤其要讲究意境，自然的真实不是艺术，只

有创作者根据自己的感悟重新塑造出来的才是真正的

艺术。艺术追求的真实是创作者意趣的真实、创作者感

情的真实。工笔画，作为中国画中的一个门类，一直在

写形还是绘意这一点上摸索。其实写形即是写神，写神

是在写形中体现，神不能撇开形而单独写之。形与神乃

两面一体，不可分割。只以形似求其画，而无神似则画

无气韵，形是神的载体，脱离了写神的形，便不能表达人

的审美情趣。顾恺之提出了“形神兼备、以形写神”的观

点，这是对存形的补充和深化，要求不但要画得像还要

画出神气。南朝的谢赫“六法”的提出又更进一步，强调

了绘画要气韵生动。

工笔画的创作，就是要打破传统中程式化的腻、僵、

呆、板。气度高旷而不疏狂，心绪周详而不琐屑，趣味典

雅而不枯燥，工笔精妙而不刻板，写意抒情而不荒率。

工笔画中的写意性，最为关键的就是虚实矛盾，画

面之所以刻板、呆滞，从技巧方面讲就是因为虚实处理

不当。虚是意象的淡化；实是突出主体，精雕细刻。虚

则灵，实则真，虚实结合，才能灵动深远。

想要灵动深远，就必须讲究虚实得当。虚依托实而

存，实依托虚而生。艺术形象必须虚实结合，相生相成，

虚不离实，实不离虚，无中生有，有中生无，才能反映有

生命的世界。气韵生动的气，不仅表现于具体的物象，

而且表现于物象之外的虚空。没有虚空，就谈不上气韵

生动，艺术作品就失去了生命。虚实结合突出了意与象

的关系，重虚就要意大于象，一切绘画要素都要服从于

表达创作者的内心世界，强调意韵、意气、意境。虚实的

意境是一种含蓄的意韵的丰富，强调意象之间的矛盾与

距离。虚不等于空，不是一无所有，而是实境的无限延

伸，是审美心理活动的微波，它是从实境中引发出来而

又超越实境的一种审美心态。因此，就意境而论，实境

的表达，不是要求面面俱到，而是要給观众留下广阔的

思维空间。艺术作品中的形象，不等于真实形象的照

搬，而是通过创作者从目视到心视的转化，所以出现了

是相非相，似与不似的恍惚，这种不似之中包含着创作

者的灵性与情感。

绘画艺术是画家借以抒发胸臆情感的载体。臆，即

画家的主观意识，写意就是写画家的主观意识。强调写

意性无疑包涵了下面的内容：工写结合，才能形神达意；

气韵生动，才能超然物外；虚实结合，才能灵动深远；神

韵雅逸，才能超然物外；倡导以神取形，才能形神兼备。

工笔画的创作，需要的是创作者们用对艺术的虔诚

与不懈、对传统的尊重与敬畏，通过艺术主体对自然客

体现象的认知，对历史的积淀和大千万象逻辑的梳理，

用历朝历代艺术家们提炼的色彩和程式结合西方艺术

理论，创造出具有中国民族性的艺术。

篇5：工笔画花鸟心得

中国花鸟画从总体下讲可分为工笔，笔两种风的产生格流意派，其中工笔花鸟画、发展较意笔花鸟画要早的多。工笔花鸟画在中国的绘画艺术宝库中有着其独特的、不开忽视的地位。

花鸟画非常讲究用笔和用墨，而且用笔有笔法，用墨有墨法，甚至从画面中一笔一墨的巧拙来认定画家的艺术修养和功力。不理解这一点，便无法欣赏花鸟画，也不可能画好花鸟画。清代花鸟画家恽南田说“有笔有墨谓之画”。这是说，笔墨是花鸟画最重要的表现手段。例如徐熙的没骨法，黄荃的勾勒重彩法。无论形象的刻画，还是意境的渲染，离开了用笔和用墨，便不可能成其为中国画了。中国画之所以注重笔墨，跟书法有很大关系。以书法笔意为画，使中国画的线条既能造型，又可表意，还具有独立的审美价值。

体味其中处理好写意花鸟的设色，必须充分考虑各种色彩之间的比例关系，依据主题的需要配置色彩，才能受到良好的效果，充分发挥色彩的美感作用：色彩的浓淡、深浅关系，配色的主次关系、统调关系、对比关系、比例关系等等。

唐朝的张澡曾说：“外师造化，中得心源”。临摹，不只是就画，必须对临本仔细研读，从画中的整体气势、意境、构图、造型、笔墨、着色的方法步骤等几个方面去揣摩、理解，所谓“观千剑而后识器，操千曲而后晓声”就是这个道理。通过临摹，基本上掌握花鸟画的一些规律和技法之后，就应该进行写生。只有通过写生才能进一步加深对技法的理解。写生是直接地面对形象描绘，可以深入细致地观察、分析、刻画对象，是学习花鸟画的主要途径和方法。例如素以写生著称的赵昌，他被后人称“作生赵昌”。见实地写生、观察、心记与默写都是熟悉生活、搜集素材、创造艺术形象的重要途径。

工笔画课程我们以前并没有接触过，但这几周的学习和了解，我对工笔画有了初步的认识。我们这几周主要是临摹和上色。从中体会到学习工笔画并不是件容易的事情通过学习工笔画让我知道什么事“静”。在画工笔画的时候必须要让自己的心态保持平和，不能起伏太大，而且要有足够的耐心来对待他。而且绝不能急着去把他一下弄完，特别是上色的时候，要一遍一遍的去上色，这样出来的颜色才与固有色的颜色更相近，也就是更好看。俗话说心急吃不了热豆腐是很有道理的。

为了能把工笔花鸟画我还应该多临摹古人作品，学习他们的构图构思、线条、设色等等。在创作时才能将学到他们的长处用到自己的画里，假如不经常向前人学习，自己的画就难以进步。因为前人优秀的作品有我们学不尽的知识。但创作时却不能完全照抄前人的作品，必须有所创新，有时代气息。平时多练习线条。线条是工笔花鸟画的盘骨，没在好的线条，谈不上是一幅优秀的作品，用铅笔描在熟宣上经常练用线来表现所需的意境。这些只有靠平时多练，在创作时便可熟能生巧，将所学的线条用在创作上，创作出令自己较满意的作品。设色必须以随类赋彩为法则。所以工笔花鸟画没色时一定不能心急，欲速则不达。一定要反复渲染十来次，以达到薄中见厚，厚中见润的效果。

在我们学习临摹写意花鸟画的过程中，不仅要体会了中国国画工笔花鸟画的优秀因素，努力掌握熟练的艺术技巧，还要加强传统文化研重理究，注论基础知

篇6：CDR临摹工笔画教程

1、先来看看这堆草，这类东西如果先做一棵然后复制，会费很多时间;当然你可以自定义艺术笔工具的对象喷罐笔触来做。这里我用的是另外的一个方法，我们先来做个练习：

交互式调和工具大家都知道怎么用，但是默认拖出来都是直线过渡，如图：

重新来过，这次事先按住了键盘上的Alt键，然后再开始拖动鼠标从一个对象到另一个对象，可以画出曲线连接路径进行调和(这和先画好路径然后鼠标右键拖动调和图形到路径线弹出快捷菜单执行“使调和适合路径”以及属性栏上的路径属性中的新路径命令是一样的)

下面来正式制作，画两组叶子(或画好一个复制出来，大小、颜色等变动 一下)，用上述方法使用交互式调和工具(按住Alt键拖出曲线路径)，从而产生了一堆乱草(使用调和工具制作的优点是可以通过调节步长改变数量和疏密，出来的对象也有大小的随机变化，如果你对整堆草形态不满意的话还可以到视图/简单线框下选择路径线进行调整)

最后一步就是要加上一层虚化的阴影来柔和整堆植物的边缘：使用交互式阴影工具在预设下拉列表中选择小型辉光，再把阴影颜色改成墨绿色。

注：要对一组应用了调和工具的图形添加整体的阴影，必须先框选这组图形(它包括原始的调和图形、中间的过渡图形和路径线)进行Ctrl+G成组，否则只对局部有效)

交互式阴影工具在其它几处地方也有用到，这里就不截图了，各位应该能看明白!

阴影工具产生的阴影已经不是纯粹的矢量图形，下面做个实验来了解一下：画个圆形，给它应用交互式阴影效果，然后Ctrl+K打散;选中这个打散的阴影，切换到交互式透明工具，可以在属性栏上看到它的属性(它就是一个被黑白位图像蒙板一样遮罩了的矩形)

交互式透明工具里面的透明度类型下拉列表里选择一个合适的底纹样本可以模拟出风化的效果，下面的图章就是这样应用的

再来看这堆小草，你可以用上面那堆草的做法去完成，这里再介绍一种方法：就是先画一棵小草，然后，按住鼠标左键拖动它的同时按住键盘上的空格键，这样就出现了像illustrator里面的符号喷射工具以及CorelDRAW里面艺术笔工具的喷罐功能一样的喷射效果(原理是不断地快速复制)

注：我是用X4做的，在X4里你可以长按空格键不放配合鼠标左键拖动对象去快速批量复制!X5要不断地按空格键，每按一次才能复制一个

树叶的轮廓线是使用贝塞尔工具画出路径然后加载艺术笔工具的预设笔触;如果你有数位板的话就直接使用艺术笔工具的压力功能来绘制(艺术笔线条的颜色是填充色，不是轮廓色，鼠标右键点击色板只会在艺术笔图形的外边缘加上轮廓)

顺便介绍一下贝塞尔工具的使用技巧：单击鼠标左键拖出一段曲线后不要松开然后按下键盘上的C键拖动鼠标可以只操纵一个控制手柄实现“尖突”的转折曲线，想要回到“平滑”的转折就按下S键，而按住Alt键拖动鼠标是移动节点，

想下一个线段是直线你就双击刚创建的节点，在目标处再单击一个点就可以生成(原理是双击后下一个即将创建的线段的控制手柄就没有了，就可以生成直线)

奇怪的是在CorelDRAW中，应用了艺术笔工具中的效果的对象想要移除效果，在属性栏上是没有清除的按钮的，原有的路径线已经被它绑架了(在线框模式下可以看到在艺术笔形成的线框中间有原始的路径线框)，要想清除它只有Ctrl+K打散它和路径之间的捆绑，然后手工删除已经失去编辑意义的艺术笔产生的效果图形

作品中很多地方都用到了艺术笔工具，还有交互式网状填充工具，就不一一介绍了，使用网状填充工具时候加入新的细分时会生成很多多余的节点，必须在属性栏中拖动曲线平滑度滑块来精简这些废点(CorelDRAWX5的网状填充工具就没有这种问题)

额头边缘的头发，如果使用手工一根一根地画，会很费事，而且还要保证每根的间距和方向变化，做到这点很难，调整更难!下面介绍我用的方法(主要使用交互式调和工具)：

先画两根头发，把长短，方向调整好

使用调和工具形成之间的过渡图形

画一根路径用于调和的轨迹

鼠标右键拖动调和图形到路径线弹出快捷菜单执行“使调和适合路径”或执行调和工具属性栏上的路径属性中的新路径命令

使用选择工具把调和的起始对象移动到路径线的两端

选择路径线(如果不方便选择就进入视图/简单线框去选择)，鼠标右键单击调色板上的X方格取消线的着色

把调和步长调多一些

最后分别选择调和的两个主图形使用交互式透明工具进行由中心向两端的射线透明，这样头发就柔和多了

篇7：工笔画集训心得作文700字

用一支画笔，你可以画花草，画飞鸟，画一切你想得到的与你想不到的;用一支画笔，你可以放飞自己的想象，在想象王国中自由飞翔;用一支画笔，你可以获得无限快乐、无限遐想。我爱画画!

有时候，我会有点不专注，可我会马上回过神来，继续画。每当我看到自己完工的作品时，总会感到一些不满意。“咦?怎么会把线条画得那么粗?”“哎!我怎么没有画出阴暗面呢?”“嗯?我怎么画这线画得那么斜呢?”我内心深处会不断提问自己，然后会用心去改正。只有这样我才拥有了一幅幅精美的作品!当然我更是在每一个老师的用心指导下画画技能提高很快，收获了很多很多!

这次暑期是工笔画集训，是我最喜欢的课程。我还停留在初期画花鸟，这一次挑战白芍药和红牡丹，花我几乎可以画得淋漓尽致、栩栩如生，甚至能让人闻到那股清香……

谁都知道红花需要绿叶衬托，可我怎么也画不好那做陪衬的叶子。我很焦虑，好几次还哭鼻子。“金无足赤，人无完人”安慰了小心脏，我必须去学会挑战更高更完美的画风。老师给我耐心讲解方法时候，我的思路能完全跟上节奏也非常清晰，可是一提画笔，我的手仿佛被钉住了……我心里很清楚树叶脉络需要画得精神些，每片叶子要有正反色调，叶子位置要有层次，要有遮挡……可是我下笔时候这些常识就在脑子里短路了，根本无法输送到手指上。老师敲打我脑袋说：“要多练习，还要多观察生活中的点点滴滴，这样才能画出活灵活现的.画呢!”

篇8：工笔画之用墨用色

工笔画的颜色有工笔淡彩和工笔重彩两类。工笔淡彩是以半透明的植物颜色为主, 工笔重彩是以不透明的矿物质颜色为主。

国画颜色分为三类:一类是矿物质颜料, 如石青 (头青、二青、三青、四青) 、石绿 (头绿、二绿、三绿、四绿) 、朱砂、朱鳔、银朱、赭石、石英钟黄、黄金、白银等;一类是植物颜料, 如花青、藤黄、胭脂、墨等;还有一类是动物颜料, 如洋红、蛤粉等。

这几类颜料性质不同, 使用方法不同, 效果也不同。

矿物质颜色, 又叫石色。是矿石粉碎磨细成粉状, 兑胶使用。矿物质颜色厚重、艳丽, 不透明, 覆盖力强, 经久不变, 极富装饰性。但容易“火气”。因此, 使用时都要先用植物颜色打底, 譬如着石青花色, 先用花青染底色, 干后再着石青;画石绿叶, 先用草绿打底, 干后再覆盖石绿;画草坡、岩石质地不同, 用浅赭石 (暖色) 打底, 染出立体关系, 干后再罩石青或石绿, 效果很好。用石色不能涂厚, 每一次要薄才能均匀, 要一遍干了之后, 上一遍淡矾水再染下一遍。必须“由浅到深, 多遍完成”。如果急于求成, 着色过重, 则颜色凝滞纸面, 显得生硬、呆板、不明快。用水洗又不好, 会把纸上的胶矾洗掉、弄花, 画面无光泽, 颜色块集结, 最后难以收拾而前功尽弃。所以初学者要稳重, 不要心急, 画到色彩明快、恰到好处为度。另外要注意, 一般石色不能和其他颜色调用。金、银价格昂贵不易买到。泥金是和胶粘在小磁盅上的金碗。用时笔先蘸胶水再蘸盅上的金;白银使用时要多放入胶水, 使银沉盅底, 用笔由碟底蘸着使用, 才能有光泽。

植物颜色, 又叫草色。比较透明, 年深日久易褪色, 不如矿物质颜色保存长久。但墨的附着力极强, 八百年也不脱落。国画颜色画在纸上, 短时间内因颜色没干透, 和纸面粘得不牢固, 所以刚刚画完的画不要马上就拿去世装裱, 颜色容易脱落。若急于装裱, 可罩一层矾水。现在市面上卖的颜色多是锌皮管装, 已和好的胶, 虽然质量不甚好, 但使用很方便。

工笔画用的染法很多, 常用的有以下几种:

晕染:即一支笔蘸色染着画面形体, 另一支水笔烘晕, 由深到浅, 使之体面分明, 层次清晰。

罩染:1.完成底色后, 再覆表色, 完成全貌。2.画面形象、色彩大体完整, 感到色调不够, 再以深浅适当的色彩通体覆罩, 使画面色调统一。

渍染:为了加强局部效果, 利用色与色的痕渍, 表达物象的深度和厚度。如枝干、苔藓、暗面、池塘、湖泊中水面的光暗强度等。

渲染:又叫烘染、映衬。为突出和加强画面气氛, 以相应色调衬托主题。例如表现晨雾中绿色蒙蒙的水稻田。

篇9：工笔画的线性之美

其实，这些线性结构的意味都是受到审美趣味影响的结果。当主体的审美理想要求通过实体得到体现的时候，往往会受情趣爱好的指引选择适合内容表达的形式加以实现，其间的情趣爱好也就是审美趣味。一方面，表达媒材和对媒材的使用方式会促成审美趣味的生发和发展，刺激人们形成相应的审美感知、解读和创作方式。同时，审美趣味也是审美主体在审美过程中反映出的带有感情色彩的直接评价，既有个性差异的一面，又有时代的、阶级的、民族的共同性。作为中国民族绘画的精华，工笔画线性的审美趣味有传统与现代之分。

一、传统工笔画线性审美趣味

（一）、重“写”

中国画讲究“以书入画”。南齐谢赫阐明线性审美要求是“骨法用笔”。骨法一方面指线性笔墨的效果，如线条的力量感、运动感、节奏感和装饰性等，另一方面表明绘画笔法的变化离不开对书法参悟。

（1）“书写”：张彦远在《历代名画记》中指出：“骨气形似，皆本于立意而归乎用笔，故工画者多善书。”荆浩在《笔法记》中提出“笔有四势，谓筋、肉、骨、气。笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不败谓之气”。 四势从书法的角度对线条的审美本体进行了界说。

传统工笔画领域中，线条对造型起主导作用。首先，画家通过运用笔形的方圆曲直，笔量的粗细长短，笔质的肥瘦光毛，笔性的刚柔巧拙，笔路的隐显起伏、行走回复，笔力的抑扬顿挫、提按转折，执笔的搦管捻管，运笔的裹毫铺毫、疾徐擒纵，用笔的笔根笔腹、正锋偏锋、顺锋逆锋等对立因素进行线条创作。历代画家以线的形式创立了十八描，如阎立本浑健坚实的铁线；吴道子圆转飘举的“莼菜条”；张萱、周昉的线细劲匀整，典雅含蓄；孙位“宗顾恺之、曹不兴行龙之笔”，却笔势凝重，略带方折……

同时，线性的审美品评也汲取书法的营养，形成了独特的线性美学，对应于晋书尚韵、唐书尚法、宋书尚意、元书尚态、清书尚质，在历代著述中有关线条的评论大多提出了韵、法、意、态、质的要求。

（2）“抒写”：“骨法用笔”不仅仅是一种表现形式，同时也是主客观在画面有机统一的产物。宗白华先生说：“由于把形体化为飞动的线条，着重于线条的流动，因此使得中国的绘画带有舞蹈的意味……有的线条不一定是客观实在所有的线条，而是画家的构思、画家的意境中要求一种有节奏的联系……用自然主义的眼光是不可能理解的。”[1]

因此，传统绘画的线条是“意的抒写”，以意为先，气质、品格为尚。形式上的“写”是“意写”的工具与载体，“意写”要求“抒写”的独特运作方式。因此，进行“意”的抒写是传统工笔画对线的核心审美要求。

（二）尚“气”

“气”的观念是中国固有的心理结构和审美精神，涵义极为丰富，如“元亨利贞，乾之德，一气为始；常乐我静，佛之德，一心为本”。[2]因此，中国传统绘画也认为气是画家气魄、修养水准的体现，也是品评作品逸俗高低的重要标准，如“夫形者，生之舍也；气者，生之充也；神者，生之制也；一失位，则三者伤矣。”[3]

如果“写”是对线本身的审美要求的话，那么“气”就是对线表现精神气质的要求。气由线生，从视觉和心理感受来讲，大致分为气势和气韵。

（1）气韵：荆浩有言：“气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗。”[4]笔主气，墨主韵，笔墨决定线的气韵。气韵形成于笔墨的形式与过程，线与线顾盼生姿，穿插错落有致，形成气象、气格，作品便有了气韵。

“如其气韵，必在生知，固不可以巧密得，复不可以岁月到，默契神会，不知然而然也。”[5]可见，线的气韵是画家绘画功力、修养的贯注，是莫测的玄机。

（2）气势：气势，气的力量和形势。线的长短、疾涩、粗细等特征对画面气韵、气势的分布贯穿都起到举足轻重的作用。线条的形态与动势称为线态，线态反映气势。单独的线条通过线的直曲、方圆、粗细、动静变化体现势；众多的线条通过一致的方向、相互的牵连呼应、疏密等体现一种总势。活泼灵动的线态使画面生机勃勃，平和安静的线态使画面空灵静寂。气势的美学意韵包括：粗细（粗得丰满厚重之态，细得劲健俊朗之姿。粗细能见节奏，可展示不同的力道）；长短（长则悠远舒徐，线短则精悍急促）；方圆（方，棱角分明，劲拔紧翘，率直、质朴而粗犷；圆，圆融流转，静气敛声，机智、理性而练达）；曲直（直线有坚定、冷峻、整肃之感；曲线呈婀娜、飘荡、运动之美）；疾涩（疾，捷之势，线条平流顺畅；涩，滞之势，用笔紧结，抗阻重重）；藏露（藏，沉稳含蓄；露，锋芒尽显）。

二、现代工笔画线性审美趣味

21世纪是流行文化和大众艺术的世纪。现代工笔画已经逐渐失去了“书写”的语境，人们的情感也趋向于物质功利性和生理快感的浅表即时的传达。尽管传统经典工笔艺术所推崇的优美与崇高的造型模式没有改变，但大众艺术所凸显的非和谐、非平衡、非精致的美学见解已经对现代工笔画重新锻造，呈现出短暂性、平面化、时尚化的特点。

（一）重“新”。求新是传统与现代工笔画的共同使命，包括时间的前后关系之新，也包括形式、内容的对比关系之新。面对传统线性的深厚积淀，如果从线形上创新，几乎没有发展的空间了。所以，现代工笔画线性的“新”是弱化书写性的；强调线条的现代图式组合；模拟信息化媒介终端；表现现代题材；融合东西方造型意识等。这些探索给线条烙上了鲜明的时代印记，呈现出一派新貌。

（二）尚“趣”。苏轼有云：“离常合道曰趣”。尚趣是现代人在多元文化背景中心理应激的产物，也是艺术生活化、绘画游戏化的表现。取材的多角度，表现手法的情趣性都让现代工笔画从文言文形式走向了白话文形式。

“趣”是千姿百态的。原始绘画表现为生拙之趣；先秦两汉绘画有质朴之趣；唐宋绘画追求理趣；元明绘画追求意趣；清绘画注重水墨趣味，当代则重视多元趣味的自我表达。

首先，线性现代之“趣”体现在制作上。所谓制作，就是利用非自然描绘的手法实现画面效果的一种方法。可以通过使用工具或手的压力创造线条的变化，也可以运用不同的材料，制造出视觉效果丰富的线条。其次，线性现代之“趣”体现在审美观的当下化，出离于古代文化积淀，着力表现现代生趣。

通观古今工笔画中线性审美趣味的嬗变，现代工笔画正处于文化基因的二次转型期。不管是主流的规范写实派和唯美意味派，抑或边缘的观念和实验性艺术，重视线性结构，主动选择线的书写形态、书写材料，在限定线条形式表现的同时又赋予线条更深的文化内涵，是其共同的时代课题。

[1]宗白华《美学散步》[Μ]1998年版 上海人民出版社49页。

[2][唐]释宗密著《圆觉经大疏》，转引自李存山著《中国气论探源与发微》[Μ]中国社会科学出版社1990年12月第一版3页。

[3]张双棣《淮南子校释》 [Μ]北京大学出版社 1997 年版124页。

[4]荆浩《笔法记•画学集成》[Μ]2002年版 河北美术出版社192页。

篇10：试析唐代工笔画的表达与传播论文

摘要 本文从传播的信息源、传播渠道以及受众等角度分析了唐代工笔画的主要特征及其对东南亚地区的绘画的影响。

关键词 工笔画 表达 传播 媒介 符号

工笔画是一种有着独特魅力的中国传统艺术形态，它的表达与传播渗透着艺术传播的独特过程和状态，值得我们去认真研究。工笔画是中国绘画艺术当中的传统画法之一。相对于“写意画”工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节刚彻入微要用极细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。

一、从传播者发出的信息源来看，唐代工笔画的身份都较特殊

唐末，宫廷里设立了画院，罗织名家，培养专业的画家队伍，这给工笔画的创作内容带来了不同的变化。其创作内容大多反映贵族们的生活状况，以一个生活场景作为创作内容。其中，我们可以看出，不同的个人经历、思想动向、学识涵养等等都将直接决定作画者选择的题材和内容。不同的生活圈子的人不可能创作出超出本阶层的作品，而他传达给受众的不仅是他的作品内容。品画者也许可以从画作中推测出作画者本身的经历和所处的环境特征、以及他的性格和学识品性。“阎立本(601～673)，雍州万年(今陕西西安)人，大约656年阎立本代阎立德为工部尚书，又凭其门第和政治才能，于668年出任宰相。其传世作品有《步辇图》、《历代帝王图》。《步辇图》描写唐太宗接见文成公主的吐蕃使臣；《历代帝王图》描绘从汉昭帝至隋炀帝13个帝王之像。在作品中，他对不同人物的身份、气质、仪态和相互关系，表现得十分精到。人物主从关系处理为主大从小，容貌神态有着肖像画态度。”我们设想如果他不是朝中大臣，也许就根本不会知道唐太宗接见文成公主的吐蕃使臣当时的情景，当然就不会创作出这样的作品；如果他不是朝中大臣，也许他根本就不知道皇帝的威严和常态神情如何，当然也不会创作出这样的名画了。而如果让阎立本创作一个老农的劳作情景，也许他就很难把握住老农的举止神情了。由此可见，一个人的生活环境对其的创作有着十分重要的影响。

二、工笔画传播渠道多样，载体多样，流传范围广泛

工笔画的传播载体有许多种类。如，古代的扇子是另一种最常见的形式。唐代妇女大多都会有团扇，而团扇上或者便是一个工笔画女子，或者便是家禽宠物；屏风也是一个重要的载体，唐代的官邸中有很多摆设是一个大屏风，而屏风上或者是富贵的牡丹花，或者是一幅趣味图等等；壁画也是重要的载体，留传至今的敦煌莫高窟中精美绝伦的许多画作，不仅传播了重要的佛教思想，而且展现了唐代工笔画的精湛技术，工笔画的传播载体多种多样，虽不及现代大众传播的手段，但在古代社会通过多种生活日用品也传播的很盛。

三、唐代工笔画的受众依然是贵族阶层，而非大众

中国的工笔画几乎只是文人雅士、宫廷贵族的`专利品。唐朝流传下来的工笔画作一般都是一些达官贵人、或者是宫廷里的一些专职画家。例如，边鸾就是十分出色的花鸟画画家，他本身的出身就很显贵，官至右卫长史。它的画作以善于设色而闻名于世。“精于写生，妙于设色，下笔轻利，用色鲜明，把唐代花鸟画提高到一个新水平。”而一些民间的画家虽然也有画作流传，但其影响都不及当时处于主流地位的宫廷工笔画的画作。工笔画的欣赏群体大多也只是文人雅士，宫廷贵人，而民间的平民却鲜少有众多的受众群。 工笔画的传播和传承方式也几乎都是直线式。工笔画作为一种符号，早就在唐朝发展到繁荣时期并一直传承至今，不断有发展，不断有创新。自古至今，我们总是强调继承传统。工笔画的代代相传，不仅在技术传承上有许多中国特色，而且还不断突破。它们的传播方式即使在不断的变化，但根本的东西却基本未变。“以张萱和周仿为的代表的唐代工笔仕女画对后世的影响很大，特别是后期的周仿以其“周家样”的绘画样式影响深远。可以说。唐代各阶段，包括文人和官员之间师承关系的各阶层这种师傅带徒弟、代代相传的具体方式，才是唐代工笔仕女画传播和影响的根源之一。同样，外的派人来学和派画家交流以及带画买画等方式也如师傅带徒弟一样有效地传播了唐代工笔仕女画的影响。”这种直线传播的方式在中国传统的手工艺活动中尤其见的比较多。这种传播方式在古代的中国社会代代相传，虽然保证了其艺术精髓的纯正性，但是除非徒弟有着非凡的创作性，这样的传承方式一般都是较死板的技术传授，在历史上看来，中国许多艺术种类发展突破都较缓慢，而且从长期的保存和传承方式上都不利于其发展，一旦发生意外，这样的传承方式必将遭到毁灭性的破坏。

工笔画作为一种传播符号，无论是对作画者来讲，还是观众来讲，都有着各自不同的意义。绘画作为符号传播，必然有其意义，在具体的社会传播活动中，参与或介入进来的并不仅仅是符号本身的意义，还有传播者的意义、受传者的意义及传播情景所形成的意义等等。工笔画虽然比较能够直观准确的表现事物，但有时由于每个人的主观经历，想法不一样，自然会阐释出不一样的东西来，甚至是与画作表达意思相反的意思来。

四、唐代工笔画的传播对于东南亚周边国家的绘画发展起到了一定的推动作用，同样，对于我们现代社会来研究唐代的民风民俗也提供了直观的材料

唐代工笔仕女画传播到海外的影响，中国周边的国家几乎都有，但以日本和朝鲜最大，“自七世纪以来，多达十数次的遣唐使的频繁往来，日本在学习中国文化的同时萌发、形成了日本独自的美和美的心灵”，因此在18世纪的江户时代产生了“日本的美人画”。唐代朱景玄在《唐朝名画录》中记载：“贞元末，新罗国有人于江淮以善价收市数十卷，持往彼国”。朝鲜方面具有明显特征受唐代工笔仕女画的影响程度。薄松年在《中国美术史教程》中说“日本高松冢壁画仕女亦酷似张萱、周仿的风格。

而今，工笔画对现代社会的研究起到信息解码的作用。任何一种艺术形式不仅可以反映画者的思想情感，也会表现出一个民族，一个社会，一个时代的文化心理氛围和人文风俗。而人们要了解古往人们的生活情景，除了从文字书籍找到相关的记述外，工笔画中的服饰、建筑、饰物等，就成为人们了解彼时人文风情的最直观，最直接的途径了。比如，透过画中妇女的服饰体现出大唐天宝年间不同种族、国家间的相互交流和融合以及各民族之间在风俗及服饰等方面的借鉴和吸收，可以了解到呔唐天宝时期社会开放、礼教松弛的社会现实，同样我们可以看出，唐朝时代人的衣着雍容华贵、性感大方的特点。现代许多服装设计师都将目光回转到古代社会，从古代各朝各代的服饰寻找灵感。如前几年流行的唐装上，我们可以明显的可以看出它便是借鉴了唐朝贵族服装上的圆领、团花等多种元素。

篇11：工笔画

浅谈工笔人物画的线-漫谈工笔画中的写意性

基本见解 当今的中国已经敞开了封闭的大门，世界也已经进入到了信息时代，世界范围内的文化艺术的交流、交融、借鉴是如此地广范和深入，艺术的样式和审美的观念是如此地丰富。以至于我们的社会、经济、文化、物质都发生了急剧的变化，我们的传统文化艺术正在经受着前所未有的冲击与裂变，迫使我们不得不重新认识和审视我们延续千年的传统，承其精华，弃其糟粕，创造一个既是中国的又是世界的新东方艺术。 中国传统的工笔画，在众多的画种中，可说是最为成熟的画种之一。起于魏晋而成于宋，绘画之物象情态神色俱若自然，笔韵高洁。从另一个侧面讲，特别是元明清时期的工笔花鸟画，呈现出内容的单一和形式的简洁、成了精细而又面面俱到的描绘物体的画种，画面大多以折枝花卉的形式，其上间或有一两只小鸟，画面留有很多的空白，以显示其灵动的折枝花卉式构图，背景和衬物之间缺少有机的互为联系。如果表现的东西太多，太丰富，便会使得画面由于面面具到而显得太紧，呈现呆板、腻烦的感觉。然而从审美的角度又要求工笔画要做到工细而不腻味，面面具到而不呆不板。 所以当代的工笔画家的课题有二，其一为工写结合，才能形神达意;可避免由于画面太工整而出现的腻烦、刻板、呆滞，追求工笔画中的写意性，把抽象与具象的结合，写实与写意相溶，把浪漫主义的、象征的物象与写实的具象物体溶于同一画面中，使两者尽力的统一谐调以显示画面的生命与活力，从而避免了物体的每一部分都用写实的手法画出来而使人有一种过紧的感觉。追求这种抽象与具象的结合应该凭直觉的`感悟，甚而是非理性的，因为理性会束缚人，对画家来说，直觉比理性更为重要。这就是说，追求工笔画中的写意性的要有感而发，随意而作，只有发之有感，艺术品才会感人动人，让欣赏者领悟到作品的自然的内在感情，从而避免刻板和腻味。其二为虚实结合，才能灵动深远，工笔画中的写意性，最为关键的就是虚实矛盾，画面之所以刻板、呆滞，从技巧方面讲就是因为虚实处理不当。画境之妙，在于虚实变化。虚者，意象淡化，朦朦胧胧，若隐若现;实者，主体突出，精雕细刻。虚是第一位的，虚则灵，灵则有魂，有魂则画活矣。虚实相辅相成，方能显山之玲珑而多姿，水之涟漪而多态，花之生动而多致。 工笔画艺术在今天的国际艺术大开放的背景中，显得既独特又古老，机遇与危机并存，重建与消解共生。独特的是：任何西方艺术都与它有别，古老的是：其形式与审美观念的程式化，机遇是：当代有思想的艺术家其思想导向是开放与融通的，古老的民族文化与现代的世界艺术思潮，在碰撞中融洽接轨，他们改变单基因的线式遗传进化结构，变而为综合的多基因复合文化结构，对传统的民族艺术进行优选杂交，以前所未有的胆魄和勇气站在我们这个时代的制高点上，为建构我们这个时代的工笔画新风格而探索。使工笔画这既古老又独特的画种在新时期又放出绚丽的光彩。 工笔画中的写意性在于── 工写结合,形神达意 1・中国画中的写意性 绘画中的写意性是中国画独特的艺术观。 中国画中的写意性，自从它一千多年前形成起，就贯穿整个中国画领域。一开始提出，并不是针对我们今天说的写意画，而是针对当时的工笔画。是针对工笔画的工，工笔画的写实性，强调工笔画应该注意写意性。倒是文人的加入绘画，倡导写意并身体力行，写意画才渐渐成为一个独立的画种。工笔画却并没有把这种倡导延续下来，而是越来越“工”。使得我们今天不得不重新回来讨论中国画中的写意性，及其普遍意义，它对工笔画艺术的重要性。 写意，是指画家从事艺术创作所真正想要表达的意思、意境、意象，画家的精神、思想、审美情趣;也可以理解为以书写的笔法来描绘胸中的意象。写便是画，意便是意思。意还包含画家通过目视对所要描绘的形物摄取之后，经过心视，即与自我的审美情趣，思想相融之后产生的意象。中国画艺术的写意性，不但表现客观形物的形态特征和内在精神，内在美，还表现画家自我的主观意识、精神、审美观、感情旨趣。既有具象的内容，又有抽象的成分;既有再现的形物，又有表现的意识;既强调客观的真实性，又强调主观的意志性。它们形意相融，主客相合，物我相契而又不互相排斥，构成了中国画特殊的审美艺术观。在画家的把握与引导下，借助笔墨表现出来，既反映了客观自然的美，又揭示了画家的心理世界。这才是中国画真正意义的写意性，既是对工笔画也是对写意画而言。写意性不仅仅是对我们通常意义上的简笔水墨画而言。善于绘画的人注重作品的写意性而不拘泥于形物，形只是为了传载“意”的载体，只要达到传载“意”的目的就可以了。所以形的抽象、具象、简约、繁密应该根据画家所要表达的精神思想、意境来决定。 中国画中的写意性，就是有与无、虚与实的写照，表现在中国诗画中给人呈现出一幅幅朦胧飘渺，闪烁幻化的画面，如被誉为“诗中有画，画中有诗”的王维佳句：“江流天地外，山色有无中”、“白云回望合，青霭入看无”、“逶迤南川水，明灭青林端”等，以画家特有的眼光审视自然世界而感悟到的那种宇宙意识和道的精神。宇宙意识和道的精神，在绘画和诗词中的表现尤为畅快淋漓，给人予一种特殊的审美感受。 2・中国画中写意性的自然观 在绘画艺术中，自然的形象和物体对人的直觉感情和思想具有启示和反响作用。画家不是真实地摹写自然，不是照相式的重复自然。而是具有特定审美意蕴的情化自然。画家在自然与自身对自然的感悟，赋予自然生命的意境与象征时，有着不同的方法与途径。 中国画中写意性的自然，在画家笔下呈现出三种不同的形式。 第一种为抱朴守拙、客观写实，画家描写自然之物时，往往介入其中，尽心去写，如宋代的工笔画是也。绘画画到登峰造极的水平，并没有什么奇特的地方，只是把自己思想感情表达得恰到好处;就如人品做到极处，和常人无异，只是使自己回归到纯真朴实的本性而已。 第二种以主观写意，独抒性灵为宗旨。对自然物象进行大胆地改造变形，或不求形似，点到而已。形只作为表达情感的载体，传达人生内心境界。轻描淡写地点染形而重传神达意，才能生情出致，如文人意笔画是也。 第三种把写实与写意相融，自然之精神与画家的心境、情感合一，形神兼备，工写结合，也就是抽象与具象的结合，这也正是我所追求的，界于工笔与意笔之间。 工笔画中的写实，不是真实的实，而是物之理和形之理所呈现的真。工笔画中的工，有物之理和形之理两方面的内涵，物之理，是物的生长规律、物之内在精神、内在美;形之理是形所呈现出的规律，是一种偏向视觉的形律，及其形的外在精神和外在美，工笔画只有据此二理而写，即物之理和形之理，才是艺术的真。物之理与形之理之别，在于物之理强调物之生长规律，如植物叶的互生、对生，物之纹理，如叶脉是平行脉或者为羽状脉，物之内在精神、内在美;形之理受物之理的作用，但形之理强调的是物种个体形的差异之规律，是视觉感受的异与同，是形之外在的精神，外在的美感。 工笔画只要有工整细致的一面就可以了，不要一味地去追求照片似的真实感，以为面面具到才是工笔，这是错误的。工笔画尤其要讲究意境，讲究虚实，讲究诗意，讲究情趣，只有这样才称得上绘画艺术，否则与照片无异矣。自然的真实不是艺术，只有画家根据自己的感悟重新铸造出来的自然才是真正的艺术。因其具备了艺术家的诗情意趣。工笔画最怕把东西画死，死则没有生气。如何才能活呢?有情感、有灵性的绘画艺术语言则活。在创作时应画出其动态、情趣、虚实、浓淡、神、形、气、势，使之具有诗情画意，画自活矣。艺术的真实只能是象征性的真实。如果一味地强调艺术的真实，则不如干脆拍照。太追求真实则会失去艺术本身，艺术追求的真实是画家意趣的真实，画家感情的真实。画匠以技巧取胜。画家以思想取胜、以情感取胜、以意趣取胜。一幅画，即使画得再精细，再象，如果没有诗意，没有思想内涵，就不成其为艺术。 3・形神兼备，注重写意性是工笔画振兴的出路 工笔画，作为中国画中的一个门类，一直在写形还是绘意这一焦点上探索。 我认为，写形即是写神，写神是在写形中体现，神不能撇开形而单独写之。然而世人常将形神分开，以写形者为工笔，以写神者为写意，互相对立，以为工笔重形不重神，写意重神不重形，其实谬论也。形与神乃两面一体，不可分割。只以形似求其画，而无神似则画无气韵，“形”是“神”的载体，脱离了“写神”的“形”，便不能表达人的审美情趣。以神似求其画，则形似在其间矣，气韵也在其间矣。所以，画贵以神似求之，以气韵求之，不在乎形之写实多少。 从北宋起，诗的意境就被引入绘画。北宋苏东坡等人的文艺理论发挥了审美导向作用，皇家“翰林图画院”则充当了实践的主角。在此之前，中国的绘画主流则是强调“存形”这一主要功能。从有绘画起，人们便希望能够准确地描画出客观物象，西晋的学者陆机说“存形莫善于画”最为贴切，指出那时的绘画的意义在于“存形”。能否准确地刻画物象，一直困惑着先人，韩非子著名的“画犬马最难”、“画鬼魅最易”的论述，就是指画客观物象最难画想象中的东西最易。绘画发展到东晋，对形的刻画已经不是太大的问题，顾恺之便提出了“形神兼备 ”、“ 以形写神 ”的观点，这是对“存形”的补充和深化，要求不但要画得象还要画出神气。这时期的绘画观仍然是形神并重。再往后南朝的谢赫提出“六法”又更进一步，强调了绘画要“气韵生动”，这给工笔绘画的发展，奠定了更高层次的理论基础。 北宋文人士大夫如欧阳修、苏东坡、米芾、黄庭坚等针对当时绘画时弊，倡导作者主观情意的抒发。归结起来就是，一提倡“诗中有画、画中有诗”;二认为“论画以形似，见与儿童邻”，这一针对当时存形画风的审美观，在很大程度上深刻地影响了当时的才子型皇帝赵佶，于是有了对皇家“翰林图画院”的改革，一是提高画家地位并要求画家习画的同时习儒，以提高修养，二是任命文人士大夫米芾为“书画学博士”，令进士科出题考儒家经典，博士拟题考绘画专业，由于米芾本人即是倡导写意型的画家