人物油画创作实践探索

2022-09-10

一、创作前的准备

首先,挑选一块较好的油画布,布纹较密,相对的也更厚实,涂层均匀。油画框需要1.7*1米的,可以自己动手做。制框步骤如下:第一步,找木材。从地图上找附近的家具厂,那里的木条较多,一般较便宜。第二步,挑选木条。要想内框方正、结实,木料一定要直,锯开的时候横断面要平整,尺寸要测量精细。否则钉好的框不是弯曲变形,就是不平整。不仅会影响作画,也会影响到最后的装裱。在这里我需要1.7米木条两根,1米木条两根,用来做边框。再拿一根稍小于一米的木条,几根短木条,需要钉在中间做支撑。第三步,钉框。两人合作,用钉枪钉框。需要注意的是,画框的两个平面至少要有一个平面是很平整,没有突起物的,否则绷上画布,作画时也会不平整。

二、创作过程概述

材料工具都准备好后,准备开始构图。构图是对画面内容和效果的整体考虑和安排。构图时考虑以下几点:第一,画面主题图形的位置。采用渐变式构图,将主体物安排在画面的靠左位置,人物动态与竹竿构成一个三角形,景物在画面上半部分,船和鱼在画面底端,促使画面有纵深感、空间感。第二,将画面中处于背景部分的物体处理的虚幻和概括,辅助塑造空间感。想好了以后,用木炭条起稿,把大致的空间关系画出来。刷一层油以后,又用稀释的单色颜料固定底稿。在这个阶段,我发现用布擦是一个很好的方法。用单色打形,用布可以把亮面和高光揉擦出来,这个方法不仅出效果快,而且使画面过渡自然柔和。

下一步是画出大的颜色关系以及塑造形体。人的面部表情、皮肤都是很重要的部分。而我在创作过程中,对于人物的脸部色彩没有把握好,导致调出的颜色不协调,皮肤也不细腻,整个人物看起来是僵硬呆板的。经过认真观察,我发现自己最大的问题就是过于拘泥于脸部造型,而忽略了对人物整体的把握,没有做到形神兼具。我在查阅了相关书籍并做了一些尝试之后,总结出两种画皮肤的方法:一种是采用透明色层和不透明色层叠加的方法,在底层画完后薄涂透明色,这样不会显得太苍白,可以加强质感。另一种是色彩半干的湿画法,一层一层的画,要在有点干却没有干透的时候画下一层,让颜料比较柔和的融合,皮肤会比较细腻。最好用小的尖峰笔来画,更易刻画细节。

同时,我选择先着重刻画衣着。从衣着的刻画上表现出劳动人民的质朴,因此选择了较灰的颜色。然后认真的观察衣纹的走向,通过衣服的曲折变化间接地表现人物的动态。

在刻画背景的时候,我尝试用刮刀作画,这种断断续续、粗细不均的画面效果表现出不同的肌理效果。在空间的把握上也做出了调整,这幅画面的主体是人,所以我尽量把景物画的虚、淡,色彩相对暗一点,从视觉上把它们推到远处。

木船、鱼和渔网也是这幅画的难点。因此我特意去乡下进行考察,观察它的结构,材质。我发现里面居然还长有青苔。回到创作中,船只重点表现它的斑驳的质感和潮湿的感觉,我最后在上面加了一层绿色,表现青苔,并且和背景的大面积绿色相呼应。渔网是最难画的物体之一,画之前一定要了解物体的结构、材质。在没有了解之前,我以为网材质较硬,网眼是矩形的。经过观察之后才知道,我画成了海里捕鱼用的大型网。一般的划小船捕鱼的渔夫,用的是比较小且材质柔软的渔网,网眼一般呈菱形。还要注意网堆积在一起的结构,折叠的部分是看不到单独的网眼的。鱼的部分我只是用大的块面关系表现,并没有画具体的细节。水波的部分不仅要表现出倒影,还要根据划船的方向画出波纹。

三、创作后的反思

在创作完成之后,我总结了创作中的不足之处。

第一、不会把握整体。太过于注重局部,而忽略对整体的把握。第二、过度依赖照片。因为有照片作为创作的依据,在作画时不经意的就变成了画照片。鲁迅先生曾说,依傍和模仿,绝不会产生真正的艺术。学校油画创作不同于名家创作,其目的是引导学生将理论知识与专业技能相结合,充分培养学生的创新能力和表现能力,从而形成独特的绘画语言。但是一味的照抄照片,失去了自己对画面独特的理解与表达。长此以往,会抑制绘画思想的进步,失去创新意识。一幅画不是用来还原感动了自然原型的照片,而是在我们自己感受点上的形式加强。注意对照片的取舍,取其主体,舍掉无关的部分;采用强化与减弱的手法,从构图、色彩及主题等方面进行再创造。这样才能提高独立创造能力,对细节的捕捉能力,发散思维,将生活素材加以提炼、重新组织,让画具有情感和思想。第三、主次不分。对于画面的背景、人物、各种细节都有所描述,主体不明确。第四、缺乏情感。要想创造出有丰富情感的作品,就需要在日常学习生活中丰富自己的文化底蕴,多去欣赏优秀的文学作品与绘画作品,从根本上提升个人素养。

四、结语

艺术的道路是无止境的。我们在培养对艺术的兴趣的同时,可以主动地去思考一些问题,主动地去发现生活中的美,通过画笔在画布上表现出来。任何优秀的作品并非一朝一夕的历练,我们只看到那些灵动的线条、栩栩如生的色彩,却看不到画家投入了多少心血。所以说,任何成功并非偶然。

对于艺术的学习,不仅需要不断练习,更重要的是注重理论的指导与提高眼界。创作技法上,要大胆创新,不要以为模仿前人与沿袭传统技法。绘画工具不要拘泥于单一的表现工具,同样是围绕所表达的视觉感受进行选择。创作需要不断地调整与思考,在这样反复的过程中,我们会学到许多,包括形体塑造、色彩搭配、质感透视、韵律、节奏等,更重要的是体会到作品中不断融入的情感。

摘要:人是艺术表现的主体,从古至今,人物一直是画家创作的重要题材。人物画也是绘画门类中最难解决的难题。人物画需要了解人体解剖学、人体比例结构、运动透视学等方面的知识,同时还要充分把握人物写生中微妙的色彩变化。如何在实际创作过程中将这些知识加以运用是关键。本文从科学和艺术的角度,针对人物题材油画创作过程中可能出现的问题和解决方法提出一些认识和建议,对油画创作实践过程中的体验与反思进行了阐述,希望能够给予初学油画的同学一些帮助,也使自己在今后的油画学习中不断进步,得到升华。

关键词:艺术,油画创作,整体,情感,反思

参考文献

[1] 《创作与思考:李木知道的和想到的》,李木,人民美术出版社,2005年

[2] 《油画艺术导论》,郑岱,南开大学出版社,2009年

[3] 《西方美术大师绘画技法》,英国昆腾出版公司,广西美术出版社,2006年

[4] 《移花接木油画实验教学》,张淳,李晓晖,人民美术出版社,2012年

[5] 《200个提升绘画能力的技巧》,[美]瓦莱莉科斯顿,上海人民美术出版社,2012年

油画创作论文范文

油画创作教学札记

摘 要:在以往的油画创作的教学模式中,均采用的是注重创作技巧的提高,而忽略油画创作所应具备的基础知识。没有基础的创作时不扎实的,是浮躁的,更是不可取的。在基础不牢固的情况下进行创作,这样的作品也是不成熟的。所以对于加强油画创作的基础知识的培养和巩固是不可逾越的,本文对于油画创作教学中的一些问题进行分析和探讨。

关键词:油画创作;教学;基础

油画创作应以扎实的基础知识为根本,加以油画的基本属性,构成了油画作品。无论怎样区别画种,怎么归类,所有画风的基础都来自素描。而油画创作在实际教学中,更应该注重对基础知识的传授。在油画创作教学中以素描为基础内容来训练的,有比例、透视、形体机构和空间等,这是我们所要重点表现的几个方面。这些基础训练的内容都是需要严格把控的,在教学中,通过不断的考核考试来加强学生在这方面的学习力度。素面作为一个单独的体系,并不是简简单单的描写手法,而是进行其他学习和创作的必要基础部分。

一、油画创作教学的主要现状

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