中国钢琴曲的演奏特征

2024-07-09

中国钢琴曲的演奏特征(精选十篇)

中国钢琴曲的演奏特征 篇1

一、肖邦作品的艺术特色

(一)浪漫主义色彩浓厚

肖邦作为浪漫主义作曲家的代表人物,在他的作品中我们可以明显地看到浓厚的浪漫主义色彩。他用自己的作品诉说着喜怒哀乐,表达了自己强烈的思想感情。肖邦作品中充满着诗意,同时也蕴含着抒情。肖邦通过借鉴和吸收波兰民歌中蕴含的思想和表达的感情来创作属于自己的抒情旋律,通过具有抒情特点的旋律,向世人诉说着欢乐、悲伤、愤怒以及温柔。在创作过程中,肖邦很少表现出结构感和均衡感,而是借助明显的节奏以及极为灵巧的创作形式,表现作品中的柔情,增添作品中的抒情性。他在作品中充分表现了自己的个性,曲调时而婉转,时而激昂。他的音乐作品贴近人们的真实生活,迎合了人们的内心感受。肖邦致力于用他的作品震撼人们的心灵,从而引起听众共鸣。我们理解肖邦作品中的浪漫主义思想,需要用心来感悟和理解。他的作品如诗一样,充满韵味,让我们感受如诗一样的乐曲的魅力。

例如在《g小调第一叙事曲》中,肖邦就展现了丰富的浪漫主义情怀,这部叙事曲拥有着深刻的感情,字里行间都充满着悲愤之情和英雄气概。肖邦把故事的发生、经过以及结果都以音符的形式融入到自己的创作过程中,向人们提供了一场听觉盛宴。

(二)具有鲜明的民族特色

肖邦的作品中除了有鲜明的浪漫主义还具有典型的民族特色,在他的作品中我们可以直观地看到肖邦关心祖国和思念家乡思想的流露。他创作的《C小调“革命”练习曲》就体现了肖邦的民族情怀。这一作品是在肖邦离开祖国之后创作的,他把自己对祖国的关心以及对波兰革命的发展态势的关注都融入到练习曲的格式创作中,充分表现了自己的悲愤之情,以及震惊之情。最具有民族代表性的作品无异于《A大调波洛奈兹舞曲》,这是肖邦在那个时期民族精神体现得最为真挚的载体,它从一开始就以激昂的节奏、热情的旋律描绘出战场上的状态,带给人们听觉上的震撼。在波洛奈兹舞曲中体现了很浓厚的波兰民族的乡土气息,这是肖邦在后期创作中的突破。在前期肖邦的作品中我们可以感受到波洛奈兹舞曲中的明快以及华丽,但是在后期我们可以发现更多的则是作者内心深处对民族解放的极度渴望,所以在舞曲后期的创作中,肖邦更主要的是体现民族自由和民族解放等爱国思想。他用音乐振奋着战士的精神,用音乐表现着战胜侵略者、定要获得民族解放的坚定信心,他的后期作品无一不体现了民族性的精髓。

肖邦把自己的民族文化以及民族精神融入到作品当中,这一创作风格在当时来说是一个伟大的创举,引领了欧洲乐坛的民族创作潮流,充分地表现了作为一个创作家需要具有的民族忧患意识,以及关心时事、关心祖国和人民的高尚情操,从而让听众在感受音乐魅力的同时,感受到作为国家公民需要具有的爱国主义思想,以及敢于为国家奉献青春的美好品德。

二、肖邦作品的钢琴演奏特征

(一)在演奏中注意对踏板的使用

在演奏中注意对踏板的使用是肖邦作品钢琴演奏的重要特征之一。著名钢琴家安东曾经说过:“踏板是钢琴音乐的灵魂”。可见掌握踏板的使用技巧对于钢琴家们来讲是尤其重要的,而肖邦正是踏板使用界的大师,他能够借助踏板演奏出多变的曲目,同时他对音响和色彩的敏感性,让他能够一直保持一种积极探索的心态,探究踏板的使用技巧,从而为听众带来听觉上的享受。肖邦在不断的探索中找到了踏板使用的技巧,总结出了踏板在声音变化中的各种可能性,也在不断地摸索各种表现曲目的踏板效果。

肖邦在自己的演奏过程中对踏板的使用非常严格,他在演奏过程中非常注意在什么地方踏下去,什么地方把脚抬起来。同时他在自己创作的作品中也有踏板使用规则的标明,甚至精确到每一个小节上。我们通过肖邦对踏板的使用不仅可以看到肖邦对踏板使用的重视度,还能够看到肖邦作为一个钢琴家的认真、负责。他在演奏过程中最大限度地使用踏板,但是在练习过程中他要求自己的学生和自己是在对音乐有了一定的掌握和理解之后再运用踏板。在演奏中,肖邦注意不同踏板之间的联系和作用,强调在练习弱音时不借助左踏板,直到自己掌握了如何弹奏弱音,才运用左踏板。可以说肖邦在演奏作品时运用踏板是和音乐本质紧紧联系在一起的。

(二)自由速度

在肖邦作品的演奏中还有一个特点,那就是注重自由速度,这里的自由并不是指毫无章法,肆意妄为,而是严格遵守音乐的节奏。肖邦注意在演奏过程中的节奏,不滥用这一富有表情意义的手段,严格遵守音乐的原本意愿,在演奏中让观众感受到音乐的灵魂和音乐的魅力。肖邦的钢琴上永远都摆着节拍器,他严格遵守节拍,丝毫不允许自己在节拍上犯错误。他的学生也谈到,肖邦的自由速度具有不可动摇的感情逻辑,往往以旋律的加强或者是减弱来遵守节拍。在肖邦弹奏中的自由速度并不是指节拍的突然变化,而是在原有的基础上更加突出地对一些地方进行自然的加快或者放慢,通过这种方式使音乐形象更加富有生命力,从而引起听众内心深处的共鸣。

(三)旋律如歌

在肖邦演奏的过程中,旋律是他最主要并且最吸引人的特点。肖邦被誉为“音乐诗人”,所以在他的演奏过程中也赋予了演奏旋律诗歌性,给人以美的享受。肖邦是浪漫主义创作家,所处的年代是浪漫主义初期,在那个时代,钢琴家多追求个性和感情的解放,所以内心深处的感情都体现在自己的演奏过程中,肖邦也不例外,他用自己的旋律来表现当时自己的思想感情。肖邦如歌的创作旋律一定程度上得益于意大利的美声演唱,他喜爱这种演唱方式,并且把这种唱歌的方式运用到自己的旋律创作中,并且要求自己的学生经常体会第一流的歌唱家的演唱方式。在歌曲演奏中他赋予了演奏歌一样的魅力,让听众在聆听演奏的过程中感受如歌的旋律。同时他强调无论在演奏中或者是在练习的过程中都需要在钢琴中引出延续的歌唱声音,让听众能够切实地感受到自己的演奏风格。在演奏过程中肖邦还重视采用各种方法,特别是触键法,他提倡作为演奏者需要把两个音符之间连起来。在教授学生的过程中他强调一定要发出温柔的声响而不是粗暴的声响,引导学生流畅并且柔和地弹出旋律来。

中国钢琴曲的演奏特征 篇2

中国古典音乐通过钢琴演奏,能够更鲜明和灵活地被听众所接受,是一种全新艺术的展现,突破了用东方古典乐器所展现出的民族气息,赋予中国古典音乐一种全新美的韵味与魅力。

一、中国古典音乐的分析

(一)中国古典音乐的概念

中国古典音乐是众多音乐形式中的一种音乐类别。中国古代的音阶分为:宫、商、角、变微、徽、羽、变宫,称为七声音阶,就是现代音乐中的c、d、e、f、g、a、b。七声音阶通常以雅乐和燕乐作为主要载体。通常在宫廷的祭祀活动或者朝会仪礼中会采用雅乐。雅乐起源于我国周代,起初用于祭祀天地、祭祀祖先、宫廷朝会、军事大典等。燕乐指的是在中国隋唐时期到宋朝时期的宫廷宴请所用的歌舞音乐,具有很强的娱乐欣赏性,又称宴乐。宴乐由声乐、舞蹈、百戏、器乐等几种音乐形式组成,其中舞蹈、歌唱音乐在隋唐时期占有较为重要的地位。燕乐中的乐器有箜篌、方响、筚篥、羯鼓、琵琶、笙、笛等。

(二)中国古典音乐的特点

中国传统古典音乐通常具有抽象、深邃和虚幻的特点,可以使人体悟到真实的高山流水、山竹花鸟,随着缓缓的音乐应运而生,通过这种深邃的音乐可以将千古缠绵不绝的生命呼唤显现在人的眼前。那种说不清、道不尽的唯美感觉,就是中国古典音乐所崇尚的一种淡泊、典雅、含蓄、委婉之美,也是中国古典音乐独具之美。中国古典音乐注重的是心灵和心理上的感觉,就是通过音乐将生命的体验和领悟表现出来,最能体现的是中华上下五千年的生命意蕴。中国古典音乐,无论是在心灵上亦或是在感情上,所崇尚的都是一种同大自然的交织相应,显现的都是诗情画意般美的意境。

中国古典音乐注重对情感的反映,通过乐曲可以使听众得到一种主观上的感受,通过乐曲也能够展现出当时的社会意识形态及人类情感世界。中国古典音乐通过作曲者对情感的捕捉,再配上旋律、声调、词、曲等综合形式,把作品呈现出来。中国古典音乐可以通过旋律、声调、词曲等元素的变化展现作品的内涵意境所在。中国古典音乐具有极强的感染力,使听众在听觉和感官上得到一种自然美、人性美、社会美的意境感受。

二、钢琴演奏的分析

(一)钢琴乐器的表现力

钢琴是众多西方乐器中演奏的表现力最为丰富的乐器之一,素有乐器之王的美誉,演奏起来非常引人入胜。没有任何一种乐器,可以独自将宏大的气势表现得丰富多彩、绚丽辉煌。钢琴的音域很广,可以达到6到7个八度,通过力度由弱到强的变化,表现多彩的变化,足以同一支交响乐队相媲美,钢琴演奏者可以独自一人通过钢琴创造出一个完美的作品,塑造一场生动的画面。

(二)钢琴演奏的音色特点

在数以百计的音乐弹奏中,钢琴演奏具有其独特的美学效应和发音特色。钢琴具有独特的如歌般的清脆悦耳的灵透的音色,可以将演奏者的情感表达得淋漓尽致,对于钢琴的演奏,要求必须具有纯熟的弹奏技艺,加上演奏者对于音乐深层内涵的理解。钢琴演奏出的音色时而优美甜蜜,时而咆哮愤怒,时而微微细语,时而奔腾豪放,其音色的变化具有极为广阔的空间和延展性。钢琴所独具的音色之美,是其他乐器无法比拟和仿效的。

三、中国古典音乐同钢琴演奏结合所产生的美学效应

通过中国古典音乐同西方乐器钢琴的结合就产生了一种全新的音乐中国钢琴古典音乐。中国钢琴古典音乐同以往所说的单独钢琴音乐不同,同单独的中国古典音乐也不同,它是一种通过钢琴所演奏出的中国古典音乐,是一种全新的音乐艺术表现手法,是一种东西方的艺术相互结合所产生的结晶。中国古典钢琴音乐演奏具有极强的复杂性,演奏者除了要对音乐深入理解,还要在演奏时极为投入,把握和领会中国古典音乐真正的灵魂及内涵。只有把中国古典音乐与钢琴发音极为巧妙地结合在一起,才能够弹奏出极具中国神韵和静雅风格的中国古典钢琴音乐。

中国古典音乐同西方的音乐,在情感和意境表达、创作手法和表现形式上都有很大区别,中国古典音乐追求的是神韵意的传达和表现,音乐所要展现的是意境和内涵。通过与钢琴的结合,能够很好地弥补中国乐器所演绎的不足,更好地将中国古典音乐通过钢琴的音色表现出来,完美地展现出中国古典音乐的内涵。

(一)对于意境美的表达

钢琴具有极为立体化的音色,可以将中国古典乐曲的意境很好地诠释出来。在中国古典音乐作品中,无法找到纯粹的写实之物,大多是用来歌咏和抒情之作,无论是借景抒情还是借情叙景,都是一种在心理上的感情抒发。下面笔者以几首作品为例,对中国古典音乐用钢琴弹奏表达意境美做更深入的分析。

1.由王建中改编的现代钢琴曲代表作《梅花三弄》通过改编之后,使人们可以透过音乐感受到梅花的时而动态、时而静态的美,并且可以感受到通过傲骨之梅所创造出的意境,从而更加深刻地表达出作者高洁冷峻的情操。改编后的《梅花三弄》不仅再度发挥了原创的艺术之美,并且在原作旋律的基础上,更好地诠释了原作的精神内涵。

2.由陈培勋改编的现代钢琴曲之作《流水》,改编之后,使这首作品更加凸显出作品所要展现的流水之动态和人类同自然界之间相互依赖的意境。听众可以通过钢琴弹奏感受到作品所描绘的流水潺潺的小溪和波涛彭湃的江河,正是作曲者所要抒发的对祖国大好山河的热爱之情。

中国钢琴曲的演奏特征 篇3

关键词:肖邦 钢琴作品 艺术特色 演奏特征

肖邦,著名的钢琴家、作曲家,拥有“钢琴诗人”的美誉,他的钢琴创作孕育了丰盈的浪漫主义色彩,一度被评为浪漫主义时代最具独特性的钢琴艺术家之一,恰也因为其独特的创作艺术与创作理念,使得人们可以明确辨别出他的音乐风格,同时也代表了音乐领域钢琴创作的辉煌巅峰。除此之外,肖邦个人对钢琴有着极为特殊的衷情,所以他所留下的音乐作品除了少部分的钢琴伴奏曲、室内乐作品等等以外,其余均为钢琴独奏作品。

一、对肖邦钢琴创作的概述

肖邦的音乐创作,从最初的开始到最后的终结,都丝毫不受传统思想的困扰,而是用其独特的创造力与想象力创造了辉煌与成功,可以毫不夸张地讲,肖邦众多的钢琴作品几乎没有一部作品受到传统思想的影响,反而为钢琴作品的创作开发了一片广阔的新天地,这一点是极为可贵的。肖邦的作品没有先例可承,肖邦的艺术风格更是独一无二的浪漫主义基调,其作品更多地展现出优雅迷人、随意自然的气息。

肖邦一生合计创作作品近两百首,大多为题材丰富、形式多样的钢琴作品,其中著名作品《夜曲》包含情感、想象丰富、韵调雅致,是肖邦最为得意的著作之一;《圆舞曲》通过将丰富多变的旋律与效果鲜明织体进行完美结合,极力表现出心灵之舞与平易近人的音乐感染力;《练习曲》主要展现了肖邦技术性的诀窍展现,凸显肖邦对手的生命构造与键盘的内部结构了如指掌,开创了钢琴演奏领域的新技巧,不仅可以被视为一曲出色教学素材,而且也是一首形象明朗的优秀艺术作品;《即兴曲》之所以在名字中利用“即兴”二字,与其超脱自然、变幻莫测的演奏技巧有着莫大关系,表面上看似随意散漫,实则结构严谨、内容严密;肖邦的《玛祖卡》取自于波兰的民间舞曲,作品中保留了原始波兰民族的特别性情;《前奏曲》是肖邦所开创的一种不同于前人的音乐形式,主要是将每一个吊的性格气氛在24调中进行不同程度的展现,用最简明的艺术手段创造出最感人的音乐作品,这也是肖邦最大的独特之处。除以上作品之外,肖邦还有部分著名的大型音乐作品《叙事曲》,具有极强戏剧表现力的《波兰舞曲》,扣人心弦且十分纯净的《摇篮曲》,综合化的英雄史诗般风格的《f小调协奏曲》,以及堪称肖邦最完美的杰出代表作品之一的《船歌》等等音乐作品。这些大量的音乐作品不恰恰反映了肖邦的音乐成就吗?

二、形象具体分析肖邦钢琴作品的艺术特色及演奏特征

肖邦所创作的钢琴音乐,在音乐史上有着重要的地位,同时其音乐作品动人的旋律和灵动的曲调,也是倍受广大音乐爱好者推崇的原因,笔者通过对肖邦音乐作品的研究与总结,从以下五个具体方面形象具体分析肖邦钢琴作品的艺术特色及演奏特征,具体如下:

(一)歌唱性的旋律

肖邦的钢琴音乐作品中,歌唱性的旋律是他最主要也是最具吸引力的一部分内容,他作品的旋律甚至被称为音乐领域中最为伟大的旋律之一,而这种旋律的完美造就,与肖邦个人的思想特色和生活时代是紧密联系的。肖邦所处的时代位于浪漫主义时代初期,那时艺术的主流即为追求感情与个性的解放,加之肖邦本身就不屑于模仿传统的音乐内容,更愿意特立独行的推行自己的独特思想,因此肖邦作品的旋律恰好展现了肖邦这一独特的思想追求,以独特的听觉魅力给人以美的享受。与此同时,肖邦的钢琴音乐作品旋律基本上具有本歌唱性的特点,他本人极为喜欢意大利的美声演唱,甚至要求自己学生要经常学习自己善于倾听一流的美声演唱曲目,因此个人的音乐作品也受到此因素的深重影响,而且肖邦在旋律的拟定过程中,善于采用多种触键法,最为重视连奏法与歌唱法,因此形成了广泛存在于其作品之中的歌唱性旋律这一特色之处。

(二)灵动的装饰音

肖邦的旋律之所以如此雅致迷人、意蕴深长,其中最重要的一点就是肖邦善于在自己作品旋律中给予细节处理,主要通过和声变调、转调和节奏变化等手法来进行,加入灵动的装饰音节,使得整首音乐作品旋律进入到一种梦幻的境界,使得其旋律得到更为深层的发展。而肖邦旋律中的装饰音不同于古典主义作品的装饰音,其主要还是结合浪漫主义时代初期的特点进行的装饰音点缀,甚至从某一角度上来说,肖邦旋律中的装饰音就是一种特别的旋律,虽然华丽繁复,却不失朴素清雅之美。与此同时,肖邦的装饰音除了极少部分的借鉴古典装饰音的点缀部位,更多的是在顺其自然的基础之上不做作,遵循一定的自然之美与朴素之美,在装饰音的处理上做出音乐音色的明暗差别,使得装饰音与真旋律融为一体却不互相干扰,赋予音乐不同的姿色与韵味之美。

(三)特有的自由速度

影响肖邦钢琴音乐的一大重要因素即为自由速度,如果其音乐缺失了自由速度,就好似鸟儿失去翅膀一般无法飞翔,他的钢琴音乐也就失去了独有的魅力和动人的魅力,当然自由速度的使用还需把握好尺度,过于滥用的话就会显得牵强附会,进而扭曲音乐的原本意愿。肖邦个人对于音乐的要求十分严格,尤为注重遵守音乐的节奏旋律,达到一种节拍机从未离身钢琴的地步,而且其对于音乐音节中的停顿、渐变或者放错位置的自由速度都十分厌恶,在教导学生的过程中都有所渗透,教育学生不必过于关注旋律的摇摆不定,旋律在摇摆至一定程度上时自然会回到最初的中心线上。就拿肖邦的作品《玛祖卡》来说,其中运用自由速度的地方颇多,主要因其带有浓烈独特的民族色彩,而其中肖邦所运用的自由速度,更加展现了波兰音乐与生俱来的艺术魅力。

(四)踏板技艺的使用

我们从肖邦的音乐创作上可以看出,正因为他从事钢琴音乐的创作时间愈长,所以其对于钢琴音乐的掌握力也就愈加强盛,而其中踏板则为钢琴音乐创作的灵魂自然就被他所熟知熟用,从他个人对音响和色彩的敏锐度就可以得出,肖邦也是一位使用踏板技艺的艺术人才,就对其个人创作而言,肖邦探索出了踏板在音乐创作中的各种必然性,并从中研讨出来了具有想象色彩的踏板成效,将踏板真正转化为他音乐中必须运用的一种表情达意手段。除此之外,肖邦个人比较注重在音乐创作中使用踏板,在他多数的音乐作品中都有明确的标识表示踏板的使用以及踏板的用法,而且对于极细微的踏板动作都有详细记录,可见肖邦音乐中的踏板使用与音乐本质都是紧密联系的。

(五)美妙的和声与复调

在和声这个音乐要素中,肖邦也可称为一位伟大的创新者,他对半音阶、装饰音的大量使用,加之和声与转调方法的运用,使得其所创作的钢琴音乐既具有丰富的表情意义,而且又有几位有趣、新式的和声效果,对音乐自身创作来说,可谓是达到了一举两得的显著效果按需要注意的问题是,肖邦并非为了单纯的和声而制造和声,其目的终究是为了音乐的最终效果。与此同时,读者还需要注意肖邦作品中的复调,即就是所谓的多声部,但在他的运用之下便可以生出意料之外的效果,他不是简单模仿别人,也不是单调的不断重复,而是融入了自己的思想与特殊艺术类别,使得自己音乐的每一个声部都荡漾着自我音乐的旋律。

三、结语

总的来说,肖邦本人的钢琴音乐作品具有别样的创造力与个性,但其演奏风格却始终追求着朴素,愿意归于自然、纯朴,并认为这是艺术所达到的最高境界。但如果要想准确的阐明肖邦的音乐特色,那么从任何角度都是无法完美阐释的,因为其音乐的特色似乎溶于每一部作品之中,看似实际存在却是难以捉摸,尽管拥有“钢琴诗人”的美誉,却也无法全面概括出其作品的艺术特色与演奏特征,这也是肖邦钢琴作品真正的价值所在,达到了“只可意会、不可言传”的艺术效果。

参考文献:

[1]张婷婷.论肖邦钢琴音乐创作风格及其作品分析[J].湖北广播电视大学学报,2008,(05).

[2]狄其安.论肖邦钢琴作品的和声特点[J].音乐探索,2008,(02).

[3]李玉春.浪漫主义与民族情怀——浅论肖邦钢琴音乐的风格特征[J].电影文学,2007,(20).

[4]王海垠.高呼进魔魅世界 体验音乐神奇——谈肖邦的钢琴演奏风格[J].音乐生活,2007,(02).

[5]吴旭东.浅谈钢琴弹奏中力的运用与情绪的控制[J].中国教育学刊,2014,(S3).

肖邦钢琴作品的艺术特色及演奏特征 篇4

关键词:肖邦,钢琴作品,艺术特色,演奏技巧

一、肖邦创作的概述

肖邦的钢琴作品包括4 首叙事曲, 4 首谐谑曲, 27 首练习曲, 58 首玛祖卡舞曲, 24 首前奏曲, 19 首波罗涅兹, 3首奏鸣曲, 21 首夜曲, 2 首协奏曲, 17 首圆舞曲, 2 首幻想曲, 还有摇篮曲, 船歌等作品。这些作品中, 都是与传统的技巧和曲式有着很大区别的, 犹如史诗般的规模宏达, 非常具有戏剧性和交响性。

二、肖邦钢琴作品的艺术特色

(一) 浪漫主义色彩。肖邦的作品中有着自己的个性, 他的作品内容大都贴近普通百姓的日常生活, 所以很容易引起听众的感情共鸣。肖邦在创作作品时借鉴了波兰民歌中的思想, 充满这诗意和抒情, 时而柔情, 时而婉转。

(二) 民族特色。例如肖邦的《C小调“革命”练习曲》, 作品中融入了肖邦对自己国家的命运的关注, 蕴含着自己的悲愤之情, 是肖邦关心祖国和思念家乡的情感流露。在肖邦后期的作品创作中, 更是体现了民族性的精髓, 是肖邦通过音乐对战士的鼓舞和民族解放的坚定信念。将自己的民族情感和民族精神融入到音乐作品中, 是当时代的一个音乐创作的伟大创举, 同时也为欧洲乐坛民族创作潮流奠定了基础。

(三) 内心情感的自我刻画。例如肖邦的第四首叙事曲、波罗涅兹幻想曲、第三首奏鸣曲、船歌等作品, 其中都体现了肖邦对于人性的探究, 通过旋律标准人类复杂的内心矛盾和纠结, 从而提升了作品的精神的深刻性。

三、肖邦钢琴作品的演奏特征

(一) 优美的旋律。人们将肖邦称为音乐史上最伟大的旋律作家之一。肖邦处于浪漫主义初期的时代, 追求的是个性和情感的解放。

肖邦个人是非常喜欢用当时的意大利美声的唱法歌唱, 对自己的学生也是这样要求的, 从而获得非凡的歌唱感觉。所以, 肖邦的钢琴的旋律更是具有歌唱性的旋律, 拥有优美的旋律。所以在演奏时, 肖邦主张要轻柔的触碰钢琴, 独创了柔和的指触和连音奏法。可以说, 没有一位作曲家能像肖邦那样使钢琴发出如此优美的音响, 他的音乐作品使听众产生了钢琴歌唱的幻觉。

(二) 装饰音。肖邦的旋律中有许多的装饰音, 用来满足肖邦对于自己作品的细节上的处理, 再加以和声变化、节奏变化等手法, 将乐曲富有诗意的美感。装饰音和主旋律融入一体, 使音乐作品富有别具特色的意境。

(三) 自由速度。肖邦曾对自己的学生说过这样的话:“左手是指挥, 它是坚韧不屈的, 它是一座时钟。右手可以做你想做的和可以做的。”肖邦善于使用自由速度, 在保持和总的音乐旋律一致性的基础上使音符的音值区别更加明显, 通过演奏者最自由速度的熟练掌握, 运用音乐艺术才能, 使音乐演奏出一种发自于内心的美妙, 使演奏出来的音乐富有生命力, 引起听众内心深处的情感共鸣。

(四) 踏板的使用。著名的钢琴家安东曾经说过:“踏板是钢琴音乐的灵魂。”所以, 踏板的使用技巧对于钢琴家演奏的完美程度是至关重要的。肖邦对自己的演奏过程中的踏板使用也是要求很严格的, 对于自己作品中踏板的使用精确到了每一个小节上, 并且注重不同踏板之间的联系, 强调在一开始练习弱音时不要使用踏板, 当真正掌握了弹奏弱音的技巧时才可以使用左踏板。

可以说, 踏板的使用技巧是肖邦音乐的灵魂。

(五) 和声和复调。肖邦的伟大性就在于肖邦在音乐创作时的革新。其中将半音阶、不协和音与装饰音的运用, 以及和声与复调的大胆运用, 使音乐作品的演奏具有了丰富的戏剧性。俄罗斯音乐家里姆斯基·科萨科夫就对此发出了“肖邦的和声在歌唱”的惊叹。

肖邦的作品是每一个声部都有自己独特的旋律, 独特的多声部和低音声部线条以及内部蕴含的丰富的和声细节, 每一份声部编织在一起时演奏出来的效果又是另一种意境, 使作品演奏出来的总体形象更加立体。

四、结语

肖邦以超常的音乐天赋和富有个性的创造力, 使钢琴创作又产生了新的风格和学派。肖邦不追求华丽的技巧, 也不随波逐流地刻意追求效果, 肖邦强烈的民族意识和独特的音乐风格使他在音乐史上的地位无人可以替代, 尤其是肖邦对于音乐民族风格的的形成做出了巨大的贡献。后人需要以瞻仰的眼光看待这样一位伟大的音乐作曲家, 从内心深处与肖邦的音乐产生心灵的共鸣。

参考文献

[1][英]阿·海德利, 莫·布朗.肖邦传[M].北京:人民音乐出版社, 1987.26.

[2]丰子恺.世界大音乐家与名曲[M].长沙:湖南文艺出版社, 2000.101.

中国钢琴曲的演奏特征 篇5

【关键词】十二平均律;艺术特色;演奏技巧

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫,德国人,著名的作曲家,他的钢琴曲十二平均律成为了晚期巴洛克音乐的杰出代表。今天我们所研究的是巴赫钢琴曲十二平均律中的第二十一曲BWV866,让其作为代表针对巴赫的十二平均律来进行探讨。从探讨的背景意义开始,到曲式风格以及演奏的技巧,最重要的是其对后世的影响和作用,通过最后总结来完善巴赫十二平均律的创作性成功,理性的分析,有逻辑性的解读,以OP21BWV866作为代表更好的诠释巴赫的十二平均律给后世留下的精彩之处。

一、巴赫钢琴曲十二平均律的现状及研究意义

(一)国内外现状

一直以来国内外针对巴赫的十二平均律钢琴曲都保持这深层次的探究,特别是在钢琴作品的演奏方法以及演奏效果方面,经过探讨有了更深层次的认识和突破。在美国,有一位女钢琴家罗萨琳·图雷,她的一本《巴赫演奏指南》不管是从十二平均律的力度、分句、指法等专业技巧方面还是十二平均律对后世的影响力来看都有着详细的解说。关于这方面的文章我国的盛原老师也曾在音乐杂志上发表了《怎样演奏巴赫》这样的文章。不管我们是否能够像罗萨琳·图雷以及盛原老师一样对巴赫的音乐能够有这样的领悟,但是这些研究成果都是我们能够用来学习的珍贵材料,以及在我们的演奏技巧上有一定的帮助。巴赫的一生都在用于创作,他的创作不分国界,不管是在国内还是国外,他的音乐都被大家所认可、所学习。

(二)研究意义

BWV866是十二平均律中的第一卷第二十一曲,它的前奏曲:生动活泼。轻巧地跳动的分解和弦,炫技风格的快速句型。至于厚重的和弦之对照与推移情景是漂亮的。赋格;三声部。后人最喜爱的乐曲之一,其魅力在于快乐的舞曲风格主题,声部群始终保持透明而温柔地进行发展,主题有两个固定对题旋律。在第一卷中,BWX866是流传极为广泛的一首曲子,通过对这首曲子风格及意义的研究探讨,更加深层次的对巴赫的音乐作曲风格以及乐曲的表达有所了解。巴赫的钢琴曲演奏和很多其他的钢琴家演奏不同,他更加注重于在不缺乏激情的情况下,触键的轻巧平稳也是他的风格。这样独特的风格在巴洛克时期对其他的钢琴曲演奏家都有很大的影响。

二、巴赫钢琴曲十二平均律的背景和以及艺术风格

巴赫在宗教信仰上有和虔诚的态度,他是一位基督教徒,他的音乐更多表达的也是对上帝的信仰,传达出一个希望世界和谐的理念。在基督教的传达中,世间万物都是上帝的恩赐,我们要感谢上帝对我们的庇佑,而音乐也是上帝赐予我们的礼物,在巴赫看来,音乐就像是他和上帝沟通的话语,所以在巴赫的音乐中,他都是赞美的、感恩的。用这种虔诚的方式来表达对自己崇尚追求的一种心理状态。他的作品多是这样表达的,而钢琴曲十二平均律在作品意义上也不列外,他的宗教信仰给与他创作的灵魂,但是这和他理性的崇尚科学一点也不影响,在巴赫的十二平均律中BWV866则是巴赫那段时间对自己有一个新的家庭而对上帝的感恩所体现的一种喜悦的、欢快的、让人亲近的作品风格。

三、巴赫十二平均律钢琴曲BWV866曲式特点

(一)分析曲式特点

本文中分析的是第一卷的第二十一首降B大调前奏曲与赋格BWV866。它的前奏,给人生活活泼、轻松愉快的感觉,轻巧愉悦的跳动,分解的和弦,就像是炫耀技术一样华丽的技巧风格而编制的快速句型,甚至是厚重的和弦与推移情景都是漂亮的。在赋格方面,是三声部的形式。BWV866也是十二平均律中非常出名的一个赋格,它有两个固定的对题,也可以解释为从开始到结束只是用了倒置的方式而没有改变过,因为它有一个很长的主题,让这首曲子听起来十分的舒适,让它同音十分有特色。BWV866也是后人最喜爱的曲目之一,它欢快的舞曲风格以及声部群温暖且温柔的发展都是它博得我们喜爱的原因所在。

(二)曲式中间插段的应用

在巴赫的十二平均律中,不同的赋格就有不同的风格,在间插段的应用方面表现的尤为突出,第二十一首BWV866则是由主题、第一、二题构成的间插段。

从乐谱上看,第一间插段,被分成第一部分,和第二部分。第一部分是在17-18小节中,主题后半部分的材料a是高音声部,材料c是第一对题的中声部,材料d是第二对题的低音声部;第二部分是在19-22小节中,由一个声部增加为两个声部,中间的声部被其省略,而材料是倒影主题首部八分音符e和主题a的一个纵向组合。同样的第二间插段也被分为两部分,30-33小节是第一部分,这个小节是19-22小节的材料,但是相比19-22小节来说相对的增加了一个声部,让其和倒影声部形成一个平行四度;第二部分是33-35小节,他的材料与前面大致相同,是在低音声部的位置增加了平行三度,但是在小节线两侧,中音声部和低音声部却是向着反方向发展。

四、巴赫钢琴曲演奏技巧

(一)如何正确的演奏该乐曲

在巴赫的作品中,BWV866这类作品的演奏,首先要对基本方法有所掌握,掌握了基本方法还应该要注重一些具体细节问题。一曲成功钢琴曲的演奏,不仅仅是依赖于他本身的曲谱,也是根据它的对于观众的吸引力。想要更加抓住这一点就应该要抓住钢琴曲的音乐特征这是第一点。要有丰富的想象力,把自己融入曲目中去,体会曲目中所要传达出来的思想,更好的诠释这首曲目。第二是注重曲目本身的背景,BWV866是巴赫在宫廷任职新婚时创作的曲子,这首曲子以宫廷风格为背景,给大家一种高贵而优雅的感受,新婚的喜悦让这首曲目显得轻快而不显夸张,开放而不显奔放,演奏者根据这样的背景及理解才能更好的演奏[8]。最后一点就是节奏感的把握,在演奏过程中,速度与时间的把握而是很重要的,因为巴赫并没有在曲谱中对节奏的把握有任何的提示,所以演奏者就根据自己所处的环境,自己所面对的观众来自行掌握。

(二)正确表达乐曲情感

巴赫的作品很多需要感情的寄托来进行理解,在巴赫看来,他对于创作的热情不亚于对生活以及宗教的狂热,他信仰宗教,关心家人,爱护百姓,这些对于他的创作都有着直接性的影响。想要演奏巴赫的音乐,他的创作历程是一个好的演奏者必须所要了解的,他对宗教信仰的推崇,对家庭的关心,以及心系百姓的大爱都是他音乐的感情,在你正确的理解了他的理念,演奏过程中正确的富有感情的演奏出来才是一个成功的演奏。所以说掌握巴赫音乐的主要风格、了解曲目背后的创作年代历史,是演奏好这首作品的基本前提。

五、总结

总的来说,巴赫的钢琴曲在艺术创作的层面上来说,它是不被超越的存在,不管是在创作技巧上还是在作曲风格上都有很深层次的优越感,他在技巧上具有的深刻理论,让他被称之为乐坛的领导先锋,在风格上结合古老传统式风格让主调和声思维发展的更加完善。巴赫的音乐在整个欧洲乐坛中都有着深深的震撼感,他博大精深的音乐知识,丰富的想象力,理性的思想内涵,专业的演奏技巧让他的音乐在不失本质的情况下更好的发展,为音乐历史创造了不可磨灭的新道路。

参考文献:

[1]张珺茹.巴赫平均律《C小调前奏曲与赋格(BWV847)》音响版本的比较研究[D].东北师范大学,2014.

[2]刘昱.链接钢琴作品与演奏的历史途径[D].武汉音乐学院,2006.

中国钢琴曲的演奏特征 篇6

德彪西的音乐灵感主要来源他对客观世界所提取的印象, 包括自然界多种多样的光、影、色彩、触觉、嗅觉等。这些自然界的外在印象作用于他眼、耳、鼻, 深入到其内心, 远超过日常社会生活对他的影响。因此可以说他的创作标准是如实的反映自然界印象让感官获得的享受, 他曾说:“应该诉诸感官, 应该为我们创作提供一种直接的喜悦。”德彪西在这部《为钢琴而作》中有很多的创新, 譬如不协和和弦的连续进行;中古调式与自然大小调的交织;全音音阶、五声音阶的使用等等。另外, 他对钢琴音乐的演奏方法也提出了创新, 因此对于弹奏着来说难度很大, 需要有深厚功底和乐感, 并且勤加练习。总之, 《为钢琴而作》为演奏者提高自身演奏技巧, 启发音乐创作提供了绝佳的素材。

一、隐藏的旋律

《为钢琴而作》里第一首《前奏曲》, 音乐旋律的轮廓比较模糊, 不太容易把握。然而只要仔细观察, 并加以弹奏体会, 就可以提纲挈领发现旋律的走向。譬如第5-23小节, 旋律总是位于左手中声部, 并跟右手的高声部交叉在一起;第39-42小节, 旋律一直在左手的中声部C音;第43-56小节, 旋律又变到了右手柱式和旋的小指上。

德彪西经常被称为“一个人的流派”, 他与其他流派的区别主要在两个方面。第一, 他在作曲时淡化了旋律, 更加重视音乐本身。第二, 古典派、浪漫派作曲家比较重视长的旋律线条, 德彪西却更注重转瞬即逝的音响效果, 如《前奏曲》第150-156小节。我们在练习《为钢琴而作》时, 要始终保持清晰的旋律线条。如演奏《前奏曲》第1-5小节时, 应突出左手低音声部旋律, 右手的分解和弦要跟左手旋律声部紧凑衔接。练习时可以先把左手重音单独拿出来先练到熟练;同时保证右手伴奏声部音量比左手弱。再例如演奏第6-23小节, 一定要分清楚高中低三条旋律, 练习中特别注意隐藏的中声部的旋律, 因为这条旋律靠右手的大拇指弹奏, 大拇指又很难控制, 容易弹的很生硬, 平时练习时一定要用耳朵仔细监听这条旋律线, 保持音乐的流畅和渐强渐弱的起伏。

二、创新的和声

德彪西在这部作品中, 他开始摆脱传统功能和声的限制, 用创新观念改进了和弦, 把和声作为绘制音乐画面色彩的最重要手段。《为钢琴而作》不以旋律为根本, 而以体现色彩和光影印象的和声代表音乐。经由不协和和弦连接, 反倒可以避免纠正到同一律所带来的旋律停顿, 所以音乐会变得更加灵动, 从某种意义上来看, 加入不协和和弦才更完美。

第二首《萨拉班德舞曲》里出现了很多创新性的和声, 如第35-41小节中的和弦都是常见的七和弦, 但是都没有像传统和声解决到稳定的主和弦上, 而是让其独立存在并连续平行进行。这种做法尽管削弱了音响效果的功能和声, 但是不落俗套的创新反倒营造了独特的画面氛围。在弹奏这种连续不协和和弦时, 一方面要撑开手掌, 另一方面要注意下键时力度和速度的统一。在练习的过程中, 先用右手的小拇指单独练习, 体会音与音之间的联系, 再加入其他的和弦音, 想象小拇指的音就如交响乐中的独奏的长笛, 其他的音好像轻巧流动的弦乐。同时, 在弹左右手外声部的手指弹完之后不要马上放开, 还要保留一点轻微力度在键底, 随时准备弹下一个和弦, 让和弦之间有点似断非断的感觉。根据触键速度的快慢和运用力度多少的差别, 可以在钢琴上弹出明暗互相转换的光影效果, 表现由深沉到轻柔的不同音色、具有歌唱性的旋律。

三、丰富的音响

德彪西这部《为钢琴而作》包含了德彪西创作生涯中尝试过的各种音响效果。在力度上, 他运用全新的音响理念对钢琴音乐演奏技法进行革新, 从3个弱到3个强, 呈现出多种层次的音响色彩, 将当时钢琴上所能表现的色彩做到了极致。我们演奏时, 一定要非常注意德彪西标出的力度记号。例如《托卡塔》中第13-25小节, 左手为主要旋律, 全音阶下行, 右手分解和弦轻巧的辅助进行, 力度从弱一点一点的渐强到强, 然后又从21小节的弱, 慢慢变得更弱, 情绪在短时间内起伏变化很大。还有第115小节开始进入到很强片段, 右手八度为主要旋律, 左手分解和弦为陪衬, 烘托出了一种气势磅礴的音响效果, 演奏中需要注意手臂、肩膀乃至后背的力量的配合。

德彪西的《为钢琴而作》, 既保留了古典创作手法, 又展现了德彪西的独特风格。它的和声效果让人耳目一新, 又反映了色彩斑斓的音乐画面, 一方面拓宽了后代音乐家的创作技法, 另一方面也对音乐理论家理解德彪西音乐的理念开辟了新的研究领域。

摘要:《为钢琴而作》是德彪西中期的作品 (1901) , 包括前奏曲、萨拉班德舞曲、托卡塔。前奏曲采用了五部三部曲式, 节奏变化多样, 有点爪哇“加美隆”的感觉;萨拉班德采用了二部曲式, 结构上很有规律, 刚开始连续的七和弦和九和弦的进行, 给人一种庄重深层的感觉, 节奏也是舞曲常用的三拍子, 但是第二拍时值较长;托卡塔也叫触技曲, 是德彪西最辉煌的钢琴作品之一, 同时也是检验钢琴家技术的试金石, 这首作品曲式结构十分清晰, 和声变化丰富, 各种调式交织在一起, 绚丽而流动。本文对这部作品中的三首曲子的艺术特征以及演奏要点进行简短的分析, 阐述德彪西音乐独树一帜的特点。

关键词:德彪西,为钢琴而作,艺术特征,演奏要点

参考文献

[1]童道锦, 孙明珠选编.中国钢琴作品的分析与演奏[M].人民音乐出版社, 1998.

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海音乐出版社, 2007.

[3]华明玲.用音响创造世界—德彪西音乐创作特色分析[J].音乐探索, 2002 (3) .

[4]孙乐.德彪西钢琴作品在钢琴教学中的运用[J].剧影月报, 2008 (3) .

浅谈中国民族钢琴曲的创作与演奏 篇7

钢琴从其引进和发展来说,在我国属于舶来品,是随着19世纪末期,跟随着提琴、和声等西方的音乐元素一同传入的,并在后来逐渐被中国人民所了解和认识,并开始将钢琴与中国的民族音乐进行结合,最终形成具有中国民族特点的钢琴曲。在1919年的五四运动之后,中国的音乐创作开始探索专业化的发展道路,不少中国的音乐家开始对中国的音乐与西方音乐进行融合创作,提出了具有中国民族元素的钢琴曲。例如,赵元任的《和平进行曲》与《小朋友进行曲》就体现出了中国的思想感情与西方乐器的完美结合,肖友梅的《新霓裳羽衣舞》就是将中国古代的历史文化瑰宝与西方的乐器进行融合,各取所长,既突出了中国古典民族文化的特色,又凸显了钢琴这种乐器的高贵典雅,两者的结合使得音乐内容以及音乐形式更加丰富。这几种将中国民族文化与钢琴结合的音乐作品在结构上更为严谨,而篇幅则较为短小,和声方面较为简单,整个音乐都呈现出一种古典主义的音乐风格。

20世纪30年代,中国的钢琴音乐在创作手法上越加娴熟,音乐创作的风格也逐渐与欧洲的浪漫主义音乐风格接近,这个时期的钢琴音乐作品在感情上更加细腻和生动,在形式上更加精致和典雅,对自然景色的描述较多,大都抒发出音乐作曲家内心细腻的情感,其中的浪漫主义色彩也更加浓厚。这个时期最为著名的就数贺绿汀的《牧童短笛》,它完美地将民族音乐的表现力结合西方音乐的表现手法,呈现出永恒的艺术表达魅力,从而被誉为“中国钢琴艺术之树上的第一朵鲜花”。

1949年新中国成立以后,中国的艺术创作氛围再一次被提高,音乐作曲家们的创作热情被再一次激发,他们的作品大多都以饱满的热情来歌颂新时代的到来,这个时期的中国民族钢琴曲呈现出旋律流畅,节奏明快且和声简单的特点,且民族风格浓厚,对民间音乐的取材较多,而且大多是根据民族音乐来改编而成。这个时期的尚德义的《喜丰收》、石夫的《喀什噶尔舞曲》、王建中的《云南民歌五首》等都涌现出来。而且罗忠镕的《钢琴曲三首》采用了西方音乐的作曲技法,还对中国的五声调式有所运用,对印象派的和声以及浪漫派的和声与中国传统的音乐进行结合,推进了中国民族钢琴的发展,促使中国钢琴曲向民族化、个性化的方向发展。这个时期的中国钢琴曲的发展开始出现序曲和幻想曲以及奏鸣曲等非标题的作品体裁。这也意味着中国的钢琴音乐已经不再受标题性的音乐意向的表达,开始开创出非标题音乐来表现民族题材的音乐风格。

改革开放之后,中国钢琴音乐的发展具有多元化的特点,在音乐题材、演奏技法、和声效果、节奏织体等方面都进行了创新。许多的音乐作曲家开始将民族的调式融入在传统的和声之中,形成了半音化,非三度的和声叠置,这种创作风格就创作出了中国技法与带有中国神韵的钢琴作品。

二、中国民族钢琴曲的特征分析

(一)中国民族钢琴曲具有浓郁的民族音乐气质

音乐作为人类的精神文化财富,每个国家都有其民族音乐风格和对应的民族音乐流派,中国的民族音乐就形成了中国特色的音乐风格和音乐流派。中国的钢琴音乐的发展历史较短,但是中国的音乐作曲家结合西方的音乐器材和音乐特点,创作出了具有中国民族特点又融合了西方音乐特色的钢琴音乐作品。例如,桑桐的《在那遥远的地方》,这部音乐作品体现了民歌与在无调性和声的最早的作品体现,将具有民族特色的民歌通过新的表现形式获得新的意境和趣味。桑桐将民族的调式和声运用到《蒙古民歌主题小曲七首》中,通过对调性以及音乐织体的调整和变化,在音乐中将主人公对恋人的爱慕和思念之情表达出来。

中国丰富的民族音乐为钢琴曲的创作提供了极为丰富的宝藏,中国的音乐作曲家将中国的民歌,戏曲以及乐曲的旋律、中国具有特色的民间乐器与钢琴的创作进行巧妙地结合,或者是对民族以及民间的音乐进行改编,从而出现了如崔炳元创作的《川西高原素描》,这部作品通过将节奏自由、音域宽广的藏族民歌与钢琴曲相结合,体现出了热烈且欢快的音乐旋律。

(二)中国民族钢琴曲能够形成雅俗共赏的音乐风格

我国从古代的春秋战国开始以来,中国的传统音乐就有了雅乐和俗乐的说法。雅乐,顾名思义,就是指在思想上具有深邃的意味,在意境上高雅的音乐,多为文人所创作和欣赏。俗乐,从字面意思理解,就是指较为通俗的音乐,一般指喜闻乐见,通俗易通的民间音乐。中国的钢琴曲就受到了中国传统音乐的影响,也形成了雅俗两种不同音乐风格。例如,以王维的诗《送元二使安西》为创作的思想内容的《阳关三叠》,这部作品就是一部雅乐,作品通过较为低沉的钢琴曲弹奏出主旋律,以此来表达诗人复杂的思绪和带有伤感的情怀。在作品的最后,开始逐渐乐曲的力度与弹奏的速度,从而形成了昂扬向上的情绪,同时,也借用八度与和弦弹奏出该部作品的主题,从而将整部作品的主题情感体现出来,显示了中华民族对情义的坚守。在俗乐中,王建中的钢琴曲《百鸟朝凤》就是一个典型。这部作品是根据陕西的民间乐器唢呐曲来进行改编而成,通过钢琴中的小二度倚音、四五度音程的平行进行将唢呐和笙的音色表现出来,再次体现了百鸟争鸣的喧闹场景。

(三)中国民族钢琴曲中饱含浓郁的民族情感

中国民族钢琴曲中都饱含浓郁的民族情感,不管是对民族音乐进行的改编,还是单纯的带有民族风格的钢琴创作曲。比如,钢琴协奏曲《黄河》就是根据冼星海的作品《黄河大合唱》,都用一种气势磅博的音乐表达形式来表达出深厚的民族情感。而钢琴曲《兰花花》就是一部根据陕北民歌《兰花花》而改编的作品,作者通过将变奏手法以舒缓低沉的音调来体现出了主人公兰花花的悲惨命运。

三、中国民族钢琴曲的演奏的表现形式

(一)中国民族钢琴曲表现形式极具个性

中国民族的钢琴曲在钢琴的音色以及节奏上也极具个性,从音色的方面来看,中国民族的钢琴曲的音色模仿对象多是以古筝、古琴、笛、箫等乐器为主。例如,钢琴曲《梅花三弄》这部作品就对中国的古典乐器古琴进行了模仿,特别是对古琴特有的“滑音”进行模仿,而钢琴曲《夕阳箫鼓》,就对中国的古典乐器古筝,用倚音模仿了其中的“拂”、“抹”的下行音阶。从节奏上看,中国民族钢琴在音乐创作中,也以虚实相结合的表现手法来创作出一种高雅、幽远、空灵的意境,通过虚音模仿民族乐器来实现。

(二)中国民族钢琴曲的演奏以五声为主的调式音列结构

中国民族钢琴曲的演奏以五声为主的调式音列结构,因为中国传统民族调式多为五声调式,包括宫、商、角、徵、羽,在这个基础上还演变出以五声为基础的六声、七声调式。钢琴独奏曲《牧童》,这部贺绿汀创作的作品中,就对二声部五声性曲调进行了运用,通过流畅的钢琴旋律来表现乡间淳朴气息。罗忠镕的钢琴音乐作品《钢琴曲三首》,其中的《梦幻》、《花团锦簇》这两个也对“五声性的十二音序列”进行了采用,这种结构就使得每个声部都有五声风格以及五声音调节奏,让整部作品中的民族音乐色彩都呈现出来。

(三)中国民族钢琴曲演奏形成线状为主的表现风格

中国的民族传统音乐大多都通过旋律线条的横向流动与先前来进行传递,具体体现为一种连绵不断的线状表现风格。中国民族钢琴曲演奏就对这一风格进行了继承,也形成线状为主的表现风格形式。例如,在《平湖秋月》这部作品中,就通过和声以及织体和旋律的结合创作了一种优雅的音乐氛围,让水中秋月的唯美景象在音乐中体现出来。

摘要:我国是一个具有悠久历史文化的文明古国,多民族国家的特点也使得我国的民族特征和民族精神文化的建设和发展具有先天的优势,尤其是从最古老的《诗经》到21世纪的民族音乐,都丰富了我国音乐历史中的内容,表达了丰富的民族思想和感情,向外界传达出具有中国民族特点的精神风貌和审美。中国民族音乐的发展和创作为中国民族钢琴曲的创作提供了丰富的创作思路和素材,为中国民族钢琴曲的演奏从风格到方式方法上都形成了一定的影响。因此,对中国民族钢琴曲的创作和演奏进行分析,对中国民族钢琴曲以及中国民族音乐的研究和推动具有重要意义。

关键词:中国民族,钢琴曲,创作与演奏

参考文献

[1]刘璐.浅谈中国钢琴曲的民族性特征[J].当代音乐,2015,01.

[2]罗钢芹,王建中.钢琴作品民族性风格浅析[J].艺术研究,2013,02.

谈中国钢琴作品的学习和演奏 篇8

钢琴是律制不同于中国民族乐器律制的西洋乐器, 中国钢琴音乐由于在钢琴上演奏, 不同于中国传统的音乐。在中国音乐文化独特的风格和体系下, 中国钢琴音乐的创作显示着两种文明交融带来的文化内部的斗争、冲突、融合。中国风格的钢琴演奏多追求整体美、和谐美、人情美和哲理美。

一、中国钢琴音乐创作的特点

(兰中国钢琴音乐创作有以下三个特点:

1. 民族调式融化或渗透到传统功能

和声之中, 削弱功能因素, 只保持其骨干的布局, 在细部上运用其他平行的或半音化的或非三度叠置性的因素。

2. 强调调式体系半音化, 以多调式、

多调性或某种调式、调性为基础, 带有民族特点, 在自由十二音的框架中保持某些调式或调性的特征。

3. 包含有许多西方乐曲中没有的弹奏技术和音乐表现手法。

二、了解乐曲产生的创作背景和风格是演奏好中国钢琴曲的前提条件

73从创作题材来看, 中国钢琴作品大

00

) 70多数是由中国古曲和器乐曲改编而成

的。如, 《二泉映月》《梅花三弄》《百鸟朝凤》《阳关三叠》等。因此, 在让学生弹奏钢琴曲前, 教师要让学生了解该曲目产生的背景以及感悟作者所要表达的思想感情。比如, 在弹奏钢琴曲《梅花三弄》前, 就要让学生了解该曲目的背景资料及现有的音响资料、唢呐曲《百鸟朝凤》的实际演奏效果……这样能使学生对声音概念有一个清晰的认识。另外, 还要让学生对作品中模仿的乐器有更多的了解。这样, 在演奏时, 就会表现得更加生动、准确。比如, 弹奏《百鸟朝凤》前, 要引导学生了解唢呐是怎么回事, 让他们找唱片仔细听。再比如, 钢琴独奏曲《多耶》的构思源于“多耶舞”。学生弹奏前, 教师就要让学生了解“多耶”是侗族民间的一种古老的对歌舞蹈, 分有祭祀性的“耶堂”和娱乐性的“耶雕”两类。一般是由巫师一人领唱, 众人舞蹈或巫师领唱, 众人相和。只有学生了解了这些之后, 才能将作品的质朴的主题、跃动的节奏、丰富的情感和清晰的节奏层次准确地演奏出来。

三、演奏中要特别注重运用不同的触键技巧演奏出丰富的音色

弹奏中国钢琴曲目对培养学生的乐感和音乐表达能力有不可忽视的作用, 但弹奏好它并不是件容易的事。从技术角度看, 中国风格的钢琴音乐在演奏时有其特殊的要求。首先, 由于中国音乐大都采用五声调式, 无论是演奏音阶还是琶音与演奏欧洲大小调在指法上有很大的不同。因此, 要弹好中国钢琴曲, 首先指法就必须经过专门的训练。其次, 调性的明确与模糊, 双调性、多调性以及无调性的和声的运用都是有别于西方钢琴音乐的。因此, 教师要引导学生关注、模仿民歌的演唱或民族器乐的演奏, 为掌握中国钢琴作品中调式、调性的特色打基础。最后, 中国钢琴乐曲中有很多装饰音和叠加音, 这些也要经过专门练习才能掌握。因而, 在演奏时需要有敏感的音色变化, 把不同乐器的暗淡、高远、虚实的音色把握好。比如, 改编曲中的装饰音问题, 在不同的作品中有不同的弹法, 通常是由装饰音所模仿的民族乐器的特性及音乐的内容来决定弹法, 在同一首作品中相同的装饰音也有不同的弹法。比如, 储望华根据民间艺人阿炳的二胡曲《二泉映月》改编的同名钢琴曲, 在演奏上就有多种润腔技法。引子中, 要求有深沉的意境, 旋律上要求连贯和委婉。因此, 弹奏时就可以采用同指或异指连音, 换指时轻轻、慢慢地放到琴键上, 产生两个音互相粘连的效果, 还可以根据二胡运弓的变化以及反复吟唱时行腔的要求来决定弹法。

中国钢琴曲的演奏特征 篇9

一、中国古典美学中的“气”和“韵”

“气”最早出现于先秦时期的哲学论著。“道生一, 一生二, 二生三, 三生万物, 万物负阴而报阳, 冲气以为和”由老子提出, 经过荀子, 直到汉代王充形成了气源自然论。魏晋南北朝以后, “气”不仅是一个哲学范畴, 也是一个美学范畴。

“韵”的含义也有一个发展过程, 最早始于语言和音乐, 指声韵、音韵。其后用于书画的领域, 到宋代推广到一切艺术领域, 并成为艺术作品的最高审美标准。北宋美学家范温在《潜溪诗眼》中道“韵”:“凡事既尽其美, 必有其韵, 韵苟不胜, 亦之其美。”意思是说凡是最美的事物必定有韵。

二、钢琴演奏中的“气”

中国文化中的“气”并非仅指西方文化共有的“气息”, 其气息一词更指民族文化特有的气脉、气感、气势, 气内涵有着较大的容量。“气”可以小化为一个乐句的呼吸, 也可以大化为艺术家艺术创作的全部作为, 因为“气”成为统摄整个演奏的音乐灵魂。如何在钢琴演奏中运用需要了解以下方面:

1、调气

钢琴演奏中的气息首先存在“呼吸”问题一个乐思就是一个小的呼吸, 每一个乐句又是几个小呼吸串连起来的稍大的呼吸。音乐就是由这样无数个“呼吸”构成的。呼吸中的连贯和停顿是否恰当, 呼吸的速度与深度这是更为直接影响演奏的优劣。因此作为一名习琴者, 为了训练技术的同时完美的变现音乐, 可在早起单手练习就重视呼吸的练习与音乐的关系。

2、贯气

是指达到全曲的气息贯通, 它是一种更为高级复杂的呼吸方式, 要演奏者在精神极度自由超然的“气功态”下, 将许多长短不一, 深浅不一的呼吸融合成一个个大的呼吸群, 并且不露出半点拼接的痕迹。气息的贯通, 意味着演奏的成熟, 正像韩愈在《答里翎书》中说的:“气盛则言之短气长声之高下皆宜。”气脉贯通, 则贯气提神, 气韵神足, 方能出神入化, 诸者递连, 气韵生动地串为一链。

三、中国钢琴演奏中的“韵”

“韵”的含义有一个发展的过程, 中国钢琴音乐作品中的民族气韵即深厚而耐人寻味。“以韵传神”是演奏中国音乐时体现传统音乐精神的内核, 其神韵主要体现在旋律的线性美及音色与音势的丰富变化上。从这个角度衡量, 中国的文人雅士历来崇尚意象上的高、洁、幽、雅, 在中国钢琴音乐作品中也时常可以听到这类音响效果。如储望华的《筝箫吟》、黎英海改编的《夕阳萧鼓》、王建中改编的《梅花三弄》、赵晓生创作的《太极》等等模仿古琴、箫在旋律的演奏法上出现“虚音”与“实音”的韵味变化, 就很好地营造了古代文人雅士所追求的意境。王建中改编的钢琴曲《绣金匾》, 在乐曲中段的重复音、大跳音程等, 有很多地方酷似扬琴的演奏技法和音响效果。要体现中国钢琴作品中的“韵”要注意下面两个方面:

1、声韵

汉语的一字多韵、一音多声, 形成中国音乐的语调及语法的极重要特征。“声”不同, 语义则完全不同。一音多声, 也使字义、词义相去甚远。

在演奏钢琴作品时, 需要把握乐曲中的声韵特点, 通过音型、装饰音等变化表现出音乐的地域风格。例如陈培勋改编的钢琴曲《平湖秋月》, 旋律古朴优美, 勾画出一幅水波荡漾、明月高悬的生动画面。演奏时, 左手的三十二分音符的波状音型随着旋律的变化起伏, 时聚时散, 涟漪阵阵。当旋律改由左手在中、低音区弹奏时, 右手的波状音型变为六十四分音符, 其效果更加细致传神。在两手交替担任旋律演奏时, 琶音、分解和弦、分解八度不时出现, 加上晶莹剔透的装饰音, 将平湖水面上的秋月衬托的淋漓尽致。

2、民族风格韵味

中国的五声调式和西洋大小调式相比, 不仅在音级的数目上有所不同, 在音响效果上也有着极大的差异。

体现在复调性方面。以贺绿汀的《牧童短笛》为例, 这是我国近代钢琴音乐探索民族五声性复调风格的典范。贺绿汀把西方对比复调技法与我国民间支声复调的因素结合起来, 创作出富有中国民族五声调式色彩和韵味的钢琴曲。乐曲的主体是自由对比的二声部复调, 五声化的旋律处理成多种自由对位的形态, 使得两个声部的旋律都富中国民族的风韵。正如研究者所言:“他的旋律建筑于民间音乐的基础之上, 具有深刻的民族音调的美学内涵, 天然地反映了民间音乐的‘遗传基因’, 特别是蕴含着中国农民音乐的旋律气质与旋法特征。这使他的曲调写作散发着浓烈的泥土气息, 保持了与传统民间音乐的渊源联系。”

四、钢琴演奏中“气”和“韵”的结合

中国钢琴音乐作品是作曲家将中外科学的作曲理论与优秀的民族音乐文化有机结合的产物, 它的趣味、韵律及风格, 深深烙着民族的印记。中华艺术历来讲究“气韵生动”。“气”是生命, “韵”是精神。中国钢琴音乐作品中的民族气韵即深厚而耐人寻味。

在中国钢琴作品旋律的弹奏中, 常有“虚”、“实”音之分。“虚音”往往是“实音”后的延续, 它本身不具备实质内容, 而是前一“实音”的附属品。在歌唱中则表现为“甩腔”。在器乐中表现为“滑音”。这是中国音乐与西方音乐运动方式的一个基本区别:西方音乐每个音是一个音, 音与音之间既在纵向上 (对位的、和声的) 发生关系, 又在横向上 (线条的、趋向的、节奏的) 发生关系:而中国音乐中一个音往往不仅仅是一个音, 这个音本身会变异, 会运动, 会衍生出一个“族群”。乐曲的演奏中, 要把握好“气韵”的表达, 则须处理好“气”与“韵”的关系。“韵”是音乐风格的外部表现, “气”是音乐风格的内心涵量;“韵”是通过对音乐的每一个基本要素进行艺术处理, 使之品高味隽, 余韵无穷, “气”则只可意会不可言传。气流转而生韵, 流转而观出节律方会生出韵;气是韵产生的基础、动力, 而且是决定音乐风格特征的决定性因素。演奏中要注意气息的贯通, 由于“气”可意会不可言传, 不可能在钢琴谱中用符号记录下来, 因而我们需要借鉴原始音乐素材所“意境”是中国传统文化中具有民族特色的美学范畴之一, 同时讲究意境也是中国古代艺术民族风格的重要标志。

一个真正优秀的音乐表演艺术, 最难的就是它独特的气与韵的美妙, 艺术创作从生命中的开始体验, 以韵的展示终结。如果能够合理把握、适度运用“气与韵”, 最终会获得音乐表现的美感。

摘要:钢琴源自西方, 中国本土的钢琴创作是中西音乐合璧的产物。随着不断地学习、交流, 用西方乐器改编中国的传统乐曲成为西方乐器“民族化”的重要方面。对于中国钢琴音乐作品的演奏来说, 要高度重视和认识中国传统文化中气和韵, 更好的为钢琴作品的演奏服务。

关键词:中国钢琴音乐,气,韵,演奏

参考文献

[1]刘承华.中国音乐的神韵[M].福州:福建人民出版社, 2004.

[2]张前.音乐美学基础[M].北京:人民音乐出版社, 2004.

浅谈中国钢琴作品的演奏风格 篇10

关键词:中国钢琴作品 演奏 风格

作为西洋乐器的典型代表,钢琴的发展与完善是在对西方乐曲的演奏中进行的。20世纪初钢琴艺术流入中国,开始在这片拥有博大传统文化的土地上生根发芽。在诸多优秀的中国钢琴演奏者当中,有许多在演奏中融入了中国传统乐器的演奏手法,从而同时兼具了西方与西方的演奏技巧,这样,就诞生了一批彰显中国特色,能够显示民族韵味和风格的钢琴作品,且中国钢琴作品的独特演奏风格也逐渐形成。这一独特演奏风格的形成并非一日之功,而是几代中国钢琴演奏家、作曲家的积淀。钢琴艺术就如同一粒希望的种子,被播撒在中国的大地上,正是这几辈钢琴艺术家的探索、耕耘和创新,才使得中国钢琴作品的演奏独树一帜,形成特有的风格。基于此,文章着眼于中国钢琴作品的演奏风格,从音色、音韵、留白、踏板四个方面来就其演奏风格进行分析研究就显得极具显示意义,对于中国钢琴作品演奏风格的进一步深化具有积极的现实意义。

一、钢琴的发展概述

钢琴为什么会被称作“钢琴之王”,究其原因有四:第一,在众多独奏乐器当中,能够与整个交响乐团相抗衡的唯有钢琴;第二,交响乐团的全部音乐,包括最高音、最低音均包含在钢琴音域当中;第三,用于音乐会的演奏钢琴(九尺大三角钢琴)能够发出雄浑、嘹亮、光辉的印象,与交响乐度的合奏效果相类似;第四,在钢琴中,四声部以上复调和十余音和旋能够被同时演奏出来。正是上述特点的存在,决定了钢琴在乐器王国中的显赫地位。追溯钢琴发展的历史,大键琴(以拨弦发音)和小键琴(以撞弦发音)是钢琴的前身,这两种键盘乐器于16世纪末逐渐盛行,发展到18世纪末,由钢琴的崛起而开始退出主流乐器的行列。而钢琴凭着其显著的特点,发展至今依然经久不衰,立足于世界乐器之林。

二、中国钢琴作品的特征

(一)围绕民歌进行创作

民歌的创作来源于劳动人民的生活,在随时随地的传唱中受到风俗、地理、历史等因素的影响。中国主调钢琴曲的改编很多都是由民歌作为素材的,典型的有《采茶扑蝶》《卖杂货》《谷粒飞舞》《旱天雷》《中国民歌主题变奏曲》等。这些作品贴近人们的生活,生命力旺盛,是社会脚步的缩影,对人们的情感进行了展现。既然是以民歌为创作源泉的,当然少不了传统乐器的参与,而钢琴就可以进行很好的模仿。就拿古筝来讲,其清凉高远、坚实圆润,在进行模仿时,就可将在指尖作为发力点,主要通过指头内弹来实现,且动作要兼具弹性和灵巧,这种模拟出的音色就有着独特的美感。

(二)是西方技法与中国传统音乐的结合

在中国钢琴作品中,作曲家们在改编中借鉴西方作曲技法,进行了大量的运用,将其与中国传统音乐结合在一起,使创作出的作品具有丰富的“中国味”。如《梅花三弄》《春江花月夜》《二泉映月》等,均是在原作基础上的改编。这些作品中,为对民族色彩进行表现,运用了传统乐曲中的装饰音、滑音等,在民族乐器的模仿与民族特色的追求上进行了大胆尝试,这些作品的诞生也象征着中国钢琴作品的创作水平进入了一个新的领域当中。

(三)作品的改编很多来源于舞剧音乐

在中国钢琴作品中,有很多是由舞台音乐剧为依据来进行改编的,比较具有代表性的有《红色娘子军》《红头绳》等。其中钢琴曲《红头绳》的创作灵感来源于歌剧《白毛女》,该剧中以“扎红头绳”为背景的一段唱腔在作曲江江静的改编中,成为了有着变奏曲特点的钢琴作品。这首作品既有对传统风格的继承,有融入了些许时代特征,十分特别,哪怕将其放置于众多优秀钢琴小曲当中也毫不逊色。钢琴作品《红色娘子军》的创作灵感来源于其同名舞剧,该作品既有对原有风格、旋律的保留,又与钢琴化的组织体相呼应,在经反复又该后,成为一首优秀的钢琴改编曲。

三、中国钢琴作品的演奏风格

(一)独特的音色

在音乐中音色是能够直接触动感官、吸引听众的重要途径。音色的存在是音乐神韵的凸显,动听优美的乐曲是对作品细腻情感的有效表现。不论理论或时间,中方或西方,都应给与音色极高的重视。在中华民族的历史长河里,在追求音色上有其多样性和个性化,并没有统一的标准。这也使得先辈们创造了风格多样、形式各异的乐器,从而也形成了多种音色,它们能够对人们的情感进行充分的表达。钢琴属于舶来品,其在中国的发展基础是与中国人审美的相匹配,与中国人的音乐习惯相适应,因此,对传统乐器音色的模仿就显得十分重要。这决定了在中国钢琴作品的演奏中,演奏者需要通过运用特定音型,掌握适当的音量与触键力度,使发出的声音与中国传统音色尽可能的接近,而这对于钢琴演奏者的技巧就提出了很高的要求。

(二)对气韵的把握

气韵指的是音乐作品所带来的一种整体风貌和精神风采,音符组合下所蕴涵的韵味使得音乐具备了感染人的力量。韵是一首音乐的核心,也是音乐演奏者孜孜不倦的追求。在中国钢琴作品的演奏中,应对气韵进行很好地把握,注意意趣与声音的配合。具体而言,即在演奏中国钢琴作品时,应注重整体性的把握,做好整体上的和谐,将气的贯通与流转融入到整个演奏当中。可以说,中国钢琴作品的演奏基础是对于作品气韵和意境的贯通。基于此,来进行起伏旋律的设计,来使音乐流畅自然、行云流水,既有着优美的线条,有极具韵味。

(三)留白运用讲求艺术性

在中国传统艺术当中,在运用留白时是十分有讲究的,就拿水墨画来讲,简单几笔就能够描绘出一幅有着深刻意蕴的图画。留白的存在给了受众更多的想想,使得每个人都能够用自己的经历和解读来进行填充。可以说,中国艺术的完成是创作者与欣赏者共同参与的结果。而对于中国钢琴作品来讲,亦是如此,合理运用空白,赋予音乐以一种含蓄的美,将自由丰富的创作空间留给演奏者,将广阔的想象空间留给听众,可谓“此时无声胜有声”。就拿钢琴作品《夕阳箫鼓》来看,伴随着乐曲情感的变化,演奏者完全能够依照自己的解读来进行一定程度的发挥,来提升乐曲演奏的张力,赋予作品本身一种灵动美。可以说,合理运用留白使得中国钢琴作品的演奏更具深意,引人思考。

(四)合理运用踏板

在中国传统音乐当中,对于韵味的表现十分注重,因是运动的、变化的,且有着许多虚音的衍生,从而使得总管传统音乐具备了无限的魅力与韵味。但钢琴的发音主要凭借槌击,在发出一个音后便不能改变,而踏板就成弥补这一不足的重要方式,其通过对原来音色的改变,来使声音获得延长的听觉效果。如在进行钢琴作品《筝箫吟》的演奏时,演奏者手上动作灵活细腻,再配以连音踏板与弱音踏板,就产生一种虚无的感觉,在听众的感官下就形成了一种悠远飘渺的美。然后半醉着音流的逐渐加强,慢慢将左脚弱音踏板松开,这是,通过对延音踏板的抖动来达到演奏的高潮。之后,渐渐走远的音流,加之连音踏板与弱音踏板的配合,表现出了一种深远、幽静的美感。

四、结语

中国钢琴作品时运用西方乐器来对中国音乐进行表现,是对中国民族历史积淀下的音乐心理和审美情感的反映,在其现实演奏当中,中国传统文化和审美意蕴的融入是必不可少的,这样才能够使钢琴在中国获得真正的发展。在中国钢琴作品的演奏中,注意对音色、气韵、留白、踏板等因素把握和运用,从而使其演奏风格具有“中国味”,亦只有这样,具有独特风格的中国钢琴作品才会在世界舞台上绽放光彩。

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